Fuente: el dilema de Duchamp y su significado estético
Zhang
No hay duda de que cuando Duchamp envió a "Fountain" a participar en la exposición organizada por la Sociedad Estadounidense de Artistas Independientes en 1917, utilizó un método desviado que planteó una cuestión sobre Duchamp y le dio un golpe al "arte" y la "estética". Por un lado, la gente se maravillaba ante la inusual postura desafiante y las fantásticas ideas de Duchamp; por otro, no podían evitar sentirse incómodos y desconfiados; Algunas personas incluso dicen que Duchamp es en realidad un mentiroso y un gamberro. Entonces, como obra maestra de Duchamp, ¿es "Primavera" una obra de arte? ¿O una obra no artística? ¿Cómo debemos entender la primavera? ¿Cuál es el significado estético de la primavera?
Primero, la primavera como obra de arte
Como todos sabemos, por un lado, la primavera es notoria y criticada, por otro lado, tiene una influencia de gran alcance y se considera un estándar. En cualquier caso, no podemos pasar por alto la existencia de manantiales. En 2007, Primavera ocupó el primer lugar entre las cinco obras de arte más influyentes del siglo XX (la clasificación específica es la siguiente: 1. Primavera, Marcel Duchamp, 1917; 2. Les Demoiselles d'Avignon, Picasso, 1907; 3. Oro Marilyn, Andy Warhol, 1962; 4. Guernica, Picasso, 1937; 5. Red Studio, Matisse, 1911), que ilustra plenamente su valor.
De hecho, cuando empezamos a hablar de primavera, siempre seguimos algunas normas estéticas establecidas o estándares artísticos de forma consciente o inconsciente, y todos tenemos una respuesta ideal en nuestra mente sobre las obras de arte. Cuando pensamos en la primavera como una obra de arte, nuestro enfoque principal estará en los siguientes aspectos.
En primer lugar, el urinario en sí tiene un elemento de belleza que puede despertar la atención estética de las personas, como su forma (si alguien descubre que diez pozos de agua están bellamente dispuestos, ¿significa "perfecto"? Alguien piensa eso su forma es como la estatua china de Guanyin), su color y textura, especialmente en el contexto de la sociedad contemporánea, son todos productos de la estética mercantil (los productos de baño actuales se han convertido cada vez más en una especie de arte), pero debemos recordar lo que Lo que siento es que estas bellezas de la primavera no son su contenido central ni sus temas fundamentales, sino que la primavera nos revela algo más.
En segundo lugar, el urinario de resorte ya no se llama urinario. Duchamp lo llamó Primavera después de firmarlo, convirtiéndolo en un "producto confeccionado". Este "nombrar" es significativo y deja un enorme espacio para la interpretación. En cierto sentido, el arte es un acto de descubrimiento, un acto de nombrar, un acto único de creación. En la historia del arte, Duchamp descubrió y creó por primera vez una fuente con un urinario como contenido, lo que la hacía de un valor extraordinario. Si alguien después de Duchamp repite las acciones y obras de Duchamp, será sólo una copia sin sentido.
Nuevamente, en apariencia, no hay mucha diferencia entre un urinario común y un resorte, pero el primero es solo un artículo común, un producto de producción mecánica, tiene funciones diarias y solo es necesario para vida diaria Los utensilios domésticos no aportan un significado estético especial ni valor artístico a las personas, estos últimos están separados de la vida diaria y se consideran obras de arte, "creando nuevas ideas", estimulando el pensamiento de las personas, estimulando la imaginación y las asociaciones de las personas, y creando. La gente se siente sorprendida, escéptica e incluso nerviosa. Así como Duchamp puso urinarios y fuentes en la mente de la gente, su sucesor Warhol nos lanzó la Caja de Brillo y la Caja de Brillo (exhibida en 1964). "Las dos cosas son similares entre sí, pero tienen significados e identidades diferentes". En opinión de Arthur Danto, "la caja de Harvey no es tan filosófica como la de Warhol, y por la misma razón. (Escrito por Ser. C. Danto) , traducido por Wang: "The Abuse of Beauty", Jiangsu People's Publishing House, edición de 2007, página 12)
En cuarto lugar, "Spring" fue enviada a una exposición de arte (Art Environment), en. de manera provocativa, obliga a la gente a considerarlo desde la perspectiva del "arte". Además, la razón por la que la primavera puede convertirse en una obra de arte es inseparable de la identidad de Duchamp como artista. La existencia de los urinarios no puede aportar nada al desarrollo y mejora. del arte, ni puede aportar nada a la renovación de los conceptos estéticos; por el contrario, el surgimiento de la "Primavera" ha cambiado fundamentalmente los conceptos del arte y la estética occidentales modernos, y ha cambiado el concepto occidental del arte y la estética modernos. proceso de la historia del arte moderno.
En segundo lugar, "Primavera" como obra no artística
Por supuesto, cuando se habla de fuentes, mucha gente tiende a partir de "convenciones" y "prejuicios". ". "Estudiar desde la perspectiva de", o la gente suele tratarlo con conceptos estéticos "convencionales". Por ejemplo, con respecto al concepto de arte, el esteticista Fisher cree: a. El arte es hecho a mano; b. El arte es único; c. Arte debe verse hermoso o hermoso; d. El arte debe expresar un cierto punto de vista; e. El arte debe requerir algunas habilidades o técnicas (Yu Hong: "Introducción a la cultura estética", Higher Education Press, 2006, p. 54). Las opiniones básicamente resumen los hábitos y costumbres tradicionales de la gente sobre el arte. Por lo tanto, la gente considera que la primavera no es una obra de arte y se centra principalmente en los siguientes cuatro puntos:
1. , debe brindar a la gente el placer y el disfrute de la belleza. "Spring" utiliza urinarios como objeto de expresión, que es feo y sucio y no puede ser elegante.
2. Súper artistas talentosos. Un producto único, pero "Spring" no es así. Es un producto de máquinas y se puede producir en masa.
3. La obra de arte debe tener un significado especial y un atractivo único, y ser capaz de crear un "mundo de imágenes" novedoso, mientras que "primavera" es simple y directo, simplemente un objeto ordinario.
El arte debe surgir de la vida, pero al mismo tiempo el arte debe estar por encima de la vida. Los "productos confeccionados" como "Spring" no parecen tener una connotación profunda y todos pueden obtenerlos.
3. "Pensamiento Paradoja": Otra forma de entender la primavera
La discusión anterior sobre si "Fountain" es una obra de arte o una belleza en realidad no resuelve el "problema" de Duchamp. En nuestra opinión, el "problema" de Duchamp fue en realidad una revolución ideológica que apuntaba directamente a las teorías del arte y los estándares estéticos tradicionales, obligando a la gente a repensar los conceptos de "arte" y "estética", abriendo así un nuevo camino. arte y estética, que al menos muestra:
1. El arte no es igual a la belleza: el arte puede ser feo u otras bellas artes.
En opinión de Duchamp, el arte tradicional siempre se entiende como algo estéticamente agradable, y el arte parece tener una conexión natural con la belleza. La primavera es un desafío a esta noción tradicional. ¿Las fuentes muestran belleza? ¿La belleza explica el significado de la primavera? Aparentemente no. De hecho, los conceptos de "arte" y "belleza" han sido durante mucho tiempo los objetivos de artistas e historiadores del arte. El historiador de arte H Reid señaló una vez: "Tenemos muchos malentendidos sobre el arte, principalmente porque nos falta coherencia en el uso de las palabras 'arte' y 'belleza'... En casos específicos donde el arte no es bello, esta suposición de que la belleza y el arte se combinan a menudo obstaculizan inadvertidamente las actividades estéticas normales. De hecho, no es necesario reiterar esto (H. Reid: The True Meaning of Art, traducido por Wang Keping, Renmin University of China Press, 2004, página 4). El esteticista Wilsch atribuyó directamente la "no belleza" provocada por la excesiva estetización en la sociedad contemporánea a los dos conceptos de "belleza" y "arte". Confusión y mal uso de conceptos. El arte tradicional enfatiza demasiado la belleza del arte.
2. El arte no es igual a la sensibilidad: el arte puede ser un pensamiento racional, una forma de "cuestionar" o un concepto casi abstracto.
En los conceptos estéticos tradicionales y las teorías del arte, el arte es ante todo una existencia perceptiva y material (color, forma, sonido, etc.), que apela a las formas artísticas y a los sentidos estéticos de las personas, y luego hace que las personas producir experiencia estética. Pero Quan abandona este punto y apunta directamente al ámbito de los conceptos humanos, al igual que el "encabezamiento" del budismo zen. Como dijo Arthur Danto, los "productos ready-made" de Duchamp pretendían "demostrar la separación más extrema entre estética y arte" y produjo "arte sin estética" y "la sustitución de la sensibilidad por el intelecto". El significado de la fuente es romper las reglas y liberar el arte de las limitaciones de la materia y los materiales, creando así más posibilidades para que el arte ya no pueda limitarse a la "forma" sino a pensar directamente;
3. El arte no es un producto hecho a mano - puede ser un producto de máquina; el arte no es una "creación" - puede ser un "producto listo para usar".
En los conceptos estéticos tradicionales y las teorías del arte, el arte siempre se ha considerado como el producto de la obra del artista, lo que requiere esfuerzos a largo plazo e incluso "creación" por parte de los artistas. Es un acto creativo típico de "hacer algo de la nada", que encarna la personalidad, el talento y el trabajo duro del artista, por lo que a menudo es único y no se puede copiar. Por ejemplo, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci es así. Todos los "productos prefabricados" de Duchamp provienen de cosas que ya existen en la vida, incluso cosas que son producidas en masa por máquinas. Es simplemente la "deformación" y el "reinicio" del artista, como en "Rueda de bicicleta", donde un objeto ordinario (rueda de bicicleta) se coloca boca abajo sobre otro objeto ordinario (banco de madera), convirtiéndose así en una "obra". Duchamp dijo con picardía: "Es muy gratificante sentir la rotación de la rueda". Prefería la apariencia de la obra a la función real de la rueda. De hecho, las creaciones de "productos ready-made" de Duchamp son en realidad el abandono o la suspensión de las funciones prácticas de las cosas originales, adquiriendo así diferentes significados.
4. La primavera ha cambiado en gran medida el proceso de desarrollo de la historia del arte occidental. Abre un nuevo camino del arte posmoderno, que "repara" y "reconstruye" la relación entre arte y vida. Muestra que el arte y la vida no son completamente opuestos. El arte puede ser vida, y la vida también puede ser arte. Para Ortega, el arte moderno tiene una clara tendencia a la “deshumanización”. Ya no persigue la armonía, la tranquilidad y los efectos estéticos realistas del arte clásico, sino que fortalece los límites entre el arte y la vida, enfatizando que el arte es superior, superior y más allá de la vida. Por ejemplo, "La mujer que llora" de Picasso y "Las señoritas de Aviñón" son los ejemplos más típicos. Las imágenes femeninas de estas obras ya no son suaves, hermosas y realistas. El arte posmoderno abandona este concepto y enfatiza la "vida" del arte, o lo "artístico" de la vida. Se cierra la brecha entre la vida y el arte, como "Lo que hace que las familias de hoy sean tan cálidas y especiales" (arte pop), "tallado". cuerpo" (arte de instalación).
5. El arte no es privilegio de unas pocas personas, puede ser propiedad del público, incluso en el contexto posmoderno "todos pueden ser artistas". Como resultado, el arte finalmente fue revelado. Ya no tenía el "encanto" sagrado y se convirtió en algo común en la vida diaria.
Al mismo tiempo, la discusión sobre "Primavera" también nos hace dudar de la forma en que preguntamos "¿Es hermosa la obra?" y "¿Es una obra de arte?". Este tipo de juicio sobre el bien y el mal a menudo parece impotente frente a obras como "Spring". Esta es la limitación del modo de pensamiento binario. Por lo tanto, defendemos que ante obras como "Primavera", debemos suspender el juicio sobre el bien y el mal y abandonar la esencia y la definición. Es decir, no debemos simplemente afirmarlo o negarlo, sino discutirlo de manera paradójica. una visión más abierta y compatible, su impacto y consecuencias, su valor y significado.
En cuarto lugar, la cuestión de la "Primavera" y "El fin del arte"
En 1917, cuando Duchamp firmó un urinario y lo envió a una exposición, desafió el "Arte". ¿Qué es el arte? ¿Qué es una obra de arte? ¿Qué es la belleza? ¿Es el arte algo para que la gente lo mire o piense? Duchamp parecía haber traspasado la línea roja del pensamiento de la gente. Se apropió directamente de los "productos confeccionados" en su visión artística, destruyendo casi por completo los conceptos tradicionales de la gente. Noventa años después, parece que todavía no podemos deshacernos de la fuente de Duchamp. Cuando mucha gente la considera una "obra maestra artística" con recelo, ¿hemos escuchado la risa de Duchamp en algún rincón de la historia? (En 1962, Duchamp escribió a Hans Richter: "Estaba pensando en los gases y en la estética de los gases cuando descubrí el producto terminado... Les arrojé a la cara botelleros y orinales como muestra de Mi desafío, pero ahora adorarlos por su belleza estética "El cuestionamiento de Duchamp se refiere al "fin del arte".
Propuso el famoso crítico de arte estadounidense contemporáneo Arthur Danto, quien creó la "teoría del fin del arte", que provocó. Debate y discusión generalizados en los círculos académicos occidentales. Algunas de sus obras importantes también han sido traducidas al chino: "The End of Art" (traducido por Ouyang, Jiangsu People's Publishing House, 2001), "After the End of Art—The". Límite entre el arte contemporáneo y la historia" (Wang, Jiangsu People's Publishing House, 2007), "The Abuse of Aesthetics—The Concept of Aesthetics and Art" (Wang, Jiangsu People's Publishing House, 2007) (traducción de Jiangsu) Sin embargo, a juzgar por la Situación general actual de la investigación, la investigación en este campo por parte de los círculos académicos chinos todavía es relativamente débil y está rezagada. Parece que Danto no ha atraído suficiente atención, y es inevitable que haya algunos malentendidos sobre sus puntos de vista. del arte es en realidad la liberación de la autoconciencia artística, un estado ideal en el que la historia entra en el período poshistórico, en el que el arte se convierte en arte en la vida y se integra orgánicamente con la naturaleza humana, en lugar de estar alienado de la vida y la existencia humanas, Danto. Ha afirmado muchas veces que el término "arte" es en realidad un producto de conceptos modernos. En otras palabras, lo que hoy consideramos arte puede no haber sido considerado como tal en el curso de la historia, sino que se ha "construido" gradualmente. y reconocido por la gente, por lo tanto, el establecimiento y desarrollo de la historia del arte moderno es en realidad "una disciplina que construye la comprensión de la historia del arte a través de conceptos". Danto dividió la historia del arte en tres partes: un gran modelo narrativo histórico: la primera etapa. persigue la reproducción fiel de la historia progresista; la segunda etapa es la etapa modernista, que persigue la pureza del propio medio del arte y la pureza del arte; la tercera etapa, la etapa posmodernista, cuando el arte como portador de imágenes visuales se vuelve cada vez más; conceptual y filosófico, la historia del arte ha llegado al final de recurrir a la historia como concepto, lo que significa el fin de la narrativa de la historia del arte.
En Arthur Dan, el verdadero significado del fin del arte significa. que "una historia ha terminado" y "el final es la narrativa, no el tema de la narrativa". Esto en realidad significa que la narrativa de la historia del arte modernista se está desintegrando y no significa el fin del arte. Significa que el arte está muriendo. o está a punto de morir, y eso no significa que el arte realmente haya "muerto" o esté desapareciendo. Significa que el arte ya no está "privado filosóficamente", ya no está necesariamente conectado con la estética y ya no está limitado a un todo. , gran estructura narrativa, ganando así una nueva posibilidad y una liberación y libertad sin precedentes. Parece que el final del arte de Arthur Danto no es tan triste y pesimista como la gente suele entender, sino lleno de optimismo y expectativa. período histórico del arte", la creación artística continuará y presentará características complejas y diversas. Desde una perspectiva, la época contemporánea es un período de caos informativo y un estado de absoluta entropía estética (difusión estética y estado de infancia), pero también un período de libertad absoluta. Hoy ya no existen fronteras históricas. Todo está bien. Como dijo Dostoievski: Con Dios muerto, nada es imposible. Una vez finalizado el arte, se levantan todos los "aros" colocados sobre el arte y nada es imposible. En este caso, el artista "producirá obras que carecen de la importancia o significado histórico que hemos esperado durante mucho tiempo". Cuando la gente haya entendido qué es el arte y cuál es su significado, la etapa histórica del arte habrá terminado. Los artistas han allanado el camino para la filosofía, y ha llegado el momento en que esta tarea debe pasar finalmente a los filósofos. "Obviamente, Danto heredó aquí la conclusión final de Hegel sobre el arte y la llevó a la situación realista contemporánea. Danto afirmó claramente en su libro "Midas to Gold" (1981): "... Con la llegada de la Caja Brillo, las posibilidades ( de definir el arte) se cerraron efectivamente y la historia del arte llegó hasta cierto punto. No para, termina. Es decir, experimenta y alcanza tal autoconciencia que se convierte, hasta cierto punto, en su propia filosofía: un estado predicho en la filosofía de la historia de Hegel.
"Desde esta perspectiva, el fin de la narrativa histórica del arte no es un eslogan o una declaración sensacionalista, sino un hecho inevitable.
Si Duchamp todavía está luchando por explorar y cuestionar la propuesta del arte, entonces Andy Warhol se ha ido. más adelante en el camino de Duchamp, abandonó por completo todos los prejuicios y estereotipos y "hizo" a su manera ¿Qué sentido tiene la historia en su Caja Brillo? De manera similar, el retrato dorado de Marilyn Monroe (1962). Está impreso con cinco fotografías de Marilyn Monroe, todas con cabello amarillo, labios rojos y un color de piel atractivo, excepto por el brillo causado por la impresión. A pesar de sus sutiles diferencias, estos retratos de Monroe son casi idénticos. restricción a través de placas fotográficas, convirtiéndose en un símbolo puro, una "imagen sin masa" de su significado? ¿Y cuál es el valor de las creaciones de Andy Warhol como la mejor encarnación de la teoría artística de Danto, porque Warhol es un "artista liberado del bagaje de la historia"? y puede hacerlo de la manera que quiera, creando libremente para cualquier propósito que quisiera, o sin ningún propósito en absoluto, Warhol creó un "mundo de objetos" emocionante y sin vida para nosotros, e incluso esperaba poder seguir haciéndolo. Es como una máquina. Comparando el par de zapatos campesinos de Van Gogh y los zapatos de polvo de diamantes de Warhol, podemos ver intuitivamente la enorme diferencia entre ellos. En opinión de Jameson, esta diferencia es la diferencia entre el modernismo y el posmodernismo. El filósofo Heidegger propuso los conceptos de "tierra" y "mundo", creyendo que las obras de arte luchan por sobrevivir en la brecha entre ellos. Heidegger dijo: "De los zapatos gastados se condensa en la oscuridad". exposición en el interior. "En este par de zapatos de granja viejos, duros y pesados, se recoge la tenacidad y la lentitud de caminar con el viento frío en los campos interminables y monótonos. Los zapatos están pegajosos por la tierra húmeda y fértil. Cuando cae el anochecer, las suelas de estos zapatos se caminando por el campo. En este zapato, resuena el llamado silencioso de la tierra, mostrando el silencioso regalo de los granos maduros de la tierra, simbolizando la brumosa hibernación de la tierra en los campos desiertos durante el ocio del invierno. del pan, y la alegría silenciosa de la superación de la pobreza, que significa el temblor en los dolores de parto y el temblor ante la proximidad de la muerte. Este instrumento pertenece a la tierra (del) y es precisamente por eso que se conserva en ella. el mundo de la mujer campesina sólo a través de la propiedad puede surgir y sostenerse el instrumento mismo “Esto es obviamente una utopía poética, y también está obsesionado con la creación de un 'mundo del arte'. Pero no vemos nada de eso en Diamond Dust Shoes de Warhol. Abandona la poesía, la emoción, el pensamiento y el dolor, y trae a la gente una alucinación y euforia similar a un fetiche. Es una representación de algo sin tiempo, profundidad e historia, y muestra signos de una sociedad posmoderna en la que se produce la "muerte del sujeto". La sociedad posmoderna es una sociedad con "una estandarización sin precedentes, el tiempo fluye uniformemente y todo está sujeto a los constantes cambios de las modas y los medios" (Jameson). Esto es exactamente lo que dijo Baudrillard: "una sociedad de imitación, sin duda, ha traído una". Un golpe devastador para el arte. Aquí, la existencia del arte tradicional ha enfrentado impactos y desafíos sin precedentes. Por supuesto, Arthur Danto no es tan pesimista y desesperado como Adorno y Baudrillard. Espera utilizar su construcción teórica para ayudar a la gente a comprender la era actual y su arte.
Si Duchamp condujo al "fin del arte" a través de su práctica artística desviada, entonces fue sin duda un genio precoz, y su enorme efecto de demostración se reflejó en el arte pop, el arte de performance y el arte de instalación. El land art, el arte conceptual y otros campos han estado bien representados. Hasta el día de hoy, su energía mental no se ha agotado. Arthur Danto teorizó y promovió "El fin del arte". Nos mostró la verdad de la narrativa histórica del arte con la amplia visión de un filósofo, iluminándonos de repente. Después de Duchamp, el arte no tiene nada de malo, tiene total libertad. Algunas personas incluso dijeron que Duchamp proporcionó un "arte antiarte" y una "estética antiestética" después de Arthur Danto, la gente se dio cuenta de que incluso si conceptos como "; El arte" y la "historia del arte" son sólo productos de una construcción subjetiva e inevitablemente llegarán a su fin en un período histórico específico. Todo esto muestra que no importa cómo se desarrolle la sociedad, el arte siempre está abierto y no tiene fin. Después del fin del arte, el arte no tiene una dirección de desarrollo única, una cadena lógica sólida, ni características de estilo fijas ni estructura histórica. Después del fin del arte, el arte rompe las limitaciones de la filosofía, la estética y la política, y finalmente se convierte en lo que es; es decir, después del fin del arte, la relación entre la vida y el arte ha sido revisada, el arte ya no es distante y misterioso, y todos pueden incluso convertirse en artistas.
Este artículo es un resultado gradual del Proyecto Occidental del Fondo Nacional de Ciencias Sociales 2015, el número de proyecto es 15 xxxx 023.