【Reimprimir】¿Cuáles son las expresiones en las películas?
El escenario de la película describe el paisaje y diversos objetos en el entorno de vida de los personajes de la obra. Expresa el estado temporal y las características espaciales de las actividades de los personajes, es una condición importante para crear un entorno típico y es un aspecto importante del modelado de imágenes. La descripción de la escena se puede utilizar para transformar el tiempo y el espacio. Al describir los sentimientos y reflexiones de los personajes sobre el escenario, y al utilizar el escenario para expresar y representar los pensamientos, personalidades y emociones de los personajes, ayuda a formar el estilo y las características de la película. La descripción del escenario debe partir de la vida real, ajustarse a la situación designada de la trama y al desarrollo del personaje, y tener una época específica y un rico sabor de vida.
La descripción de los detalles de la película es una descripción delicada de las partes sutiles del objeto de la actuación. Es la unidad más pequeña de descripción de la imagen de la obra, pero solo tiene requisitos significativos y no tiene regulaciones cuantitativas unificadas. La creación de personajes, el desarrollo de eventos, el entorno típico y los temas del guión de la película se realizan a través de muchos detalles conectados orgánicamente. Los detalles pueden llevar todas las funciones de una obra de teatro. Todos los elementos de actuación de la película se pueden concebir cuidadosamente en detalles, como detalles de sonido, detalles de personajes, detalles de escenas, detalles de objetos, detalles de color, etc. Los detalles de la vida se convierten en detalles artísticos y deben procesarse y refinarse antes de que puedan convertirse en detalles significativos. La descripción detallada de la película deberá ser original, audiovisual y real.
Tecnología de dibujo cinematográfico
El dibujo lineal es originalmente una técnica de la pintura china, es decir, utilizar líneas de tinta para delinear las características de los personajes y diversos paisajes para resaltar su encanto, sin color ni ligeramente entintado, utilizando funciones simples que revelan la imagen misma para despertar la asociación del lector y así enriquecer la imagen. Esta técnica se toma prestada de la creación de guiones de películas, lo que significa que es imposible describir el objeto en detalle durante mucho tiempo al escribir guiones de películas, y el uso del dibujo lineal puede resaltar las características de la imagen de manera concisa y clara. . La forma es vívida.
El simbolismo cinematográfico es una técnica artística en la que los autores cinematográficos utilizan la descripción de determinadas imágenes dramáticas para transmitir connotaciones abstractas que trascienden conceptos, pensamientos y sentimientos concretos. Desde la perspectiva de la composición de imágenes, aquellos elementos artísticos que pertenecen al concepto general de la película o que siempre pertenecen a la trama misma, además de su significado directo, también implican significados más profundos y amplios (como conceptos, pensamientos, emociones, espíritus). , etc.), este es el símbolo de imagen de la película. Los símbolos de imagen de las películas se pueden dividir en dos categorías: símbolos realistas y símbolos simbólicos.
Desde la perspectiva de la composición de elementos artísticos integrales en las películas, existen cuatro categorías básicas de imágenes simbólicas descritas mediante técnicas simbólicas: 1. Imágenes simbólicas visuales. En la película "Armageddon", Mao Zedong y Zhou Enlai discuten sobre la guerra mientras empujan una apisonadora, que es un símbolo de empujar la rueda de la historia como símbolo de cierto espíritu cultural tradicional, la trenza del tonto se resalta deliberadamente en la película "; El látigo de Dios". En la película "La chica de rojo", el llamativo vestido rojo de An Ran simboliza el espíritu abierto y progresista del personaje. 2. Imagen simbólica auditiva. Cuando James Johnson se acerca a Morgenthau en la película "La pesadilla", utiliza el rugido del tren para simbolizar la integridad del país. 3. Combinación audiovisual con imagen simbólica. Al final de la película "Village Voice", la imagen visual del monociclo se cruza con la imagen auditiva del rugido del tren, simbolizando el conflicto entre la vida antigua y la nueva y la inevitabilidad de las tendencias históricas. 4. Imaginería simbólica narrativa. Se refiere principalmente al símbolo de la trama y los detalles. Los hay globales y locales. La película "Old Well" utiliza toda la trama narrativa para formar el símbolo general de la película: la voluntad indomable de la nación china de sobrevivir. En "Old Well", el detalle de Wang Quan vaciando el urinario después del matrimonio aparece tres veces, simbolizando que finalmente se ha integrado a la tradición.
La película grotesca se refiere a la forma en que las personas, las cosas, los objetos y las escenas representadas en las películas dramáticas se representan de diversas maneras extrañas, poco convencionales, deformadas y extremadamente exageradas. La técnica grotesca da a las personas una sensación de novedad y excitación, puede despertar interés y profundizar la impresión, pero describir lo grotesco no es el propósito en sí mismo. El propósito es revelar las actividades psicológicas de los personajes, reflejar y revelar los diferentes niveles y esencias de la vida social, y expresar o profundizar el tema a través de la rareza. Aunque lo grotesco no se ajusta a los fenómenos superficiales de la vida, se ajusta a la realidad del arte. Las técnicas grotescas se utilizan a lo largo de la obra, algunas sólo se utilizan parcialmente en la obra y otras se intercalan con técnicas realistas.
Realismo cinematográfico
La búsqueda de una descripción fiel de la realidad objetiva en un guión cinematográfico. El mundo real objetivo es multidimensional, profundo y dinámico, e incluye figuras históricas y realistas, entorno social, características naturales, etc. El realismo requiere que la descripción de los principales acontecimientos históricos, los distintos personajes y la vida social no sea elaborada artificialmente, y que el entorno y los detalles sean verdaderos y meticulosos. El realismo es diferente del naturalismo. El realismo se opone a la fotografía mecánica de la vida del naturalismo y requiere la tipificación del arte.
El tono de película era originalmente un término musical, que hacía referencia a los cambios de melodía o temas completos a lo largo de la obra musical. El tono de una película se refiere a la fusión del significado penetrante de la película y la tendencia artística distintiva de la película. Refleja la tendencia ideológica, la tendencia emocional, la intención creativa y la búsqueda artística del director.
Los directores a menudo se basan en el contenido de la interpretación, los temas de las películas y los estilos seleccionados proporcionados por los guiones literarios, y se basan en sus propias experiencias de vida, sentimientos artísticos y especulaciones e ideas sobre la sociedad para sentir, capturar y diseñar la película. trama. Cada departamento creativo determina su propio tono creativo en función del tono de toda la película determinado por el director, como el tono de interpretación, el tono de estilo, el tono de fotografía, el tono de color, etc. El tono de la película se expresa en última instancia a través de ricos elementos de modelado de escenas y elementos de modelado de sonido, que se reflejan en el estilo principal y las características artísticas de la película.
Efecto de pantalla La imagen artística en la pantalla de cine afecta a diversas reacciones emocionales provocadas por la psicología del espectador. Las imágenes de pantalla se componen de imágenes visuales e imágenes auditivas, por lo que los efectos de pantalla también se denominan "efectos audiovisuales". Los elementos de imagen y sonido de la película se combinan y se complementan entre sí, estimulando a la audiencia con ricos movimientos, sonidos, colores, estados de ánimo, ritmos y significados, y produciendo ricos efectos de imagen. El efecto de pantalla es un efecto de estimulación audiovisual especial y complejo. Independientemente de los efectos visuales, los efectos auditivos o los efectos combinados audiovisuales, hay dos situaciones básicas: una es producir efectos de imagen directos a través de una estimulación de modelado audiovisual intuitivo, que incluye despertar diversas asociaciones en la audiencia, la otra es producir efectos visuales indirectos; Efectos a través de estimulación de modelado audiovisual indirecto. Moviliza la imaginación del público y produce una gran cantidad de efectos de imagen indirectos.
Los elementos de expresión integral del arte cinematográfico del modelado de pantalla son diferentes del arte del modelado de espacio estático. El modelado de pantalla es un modelado de movimiento que combina tiempo y espacio, y también es un modelado que combina sonido y pintura. En esta representación modelada integral del sonido y la pintura, el movimiento del tiempo y el espacio contiene un rico lenguaje artístico y técnicas de expresión.
El cine es un arte integral creado por un colectivo, y todos los miembros creativos son los creadores de las formas de la pantalla. En términos relativos, cada departamento solo puede desempeñar un papel en un determinado aspecto del modelado de imágenes. Sólo a través de la combinación orgánica de las creaciones de cada departamento se puede formar un modelado de imágenes completo. En última instancia, este tipo de creación de grupo se basa en la idea general del director, por lo que el director es el principal responsable de la calidad del modelado de la imagen. El principal logro del trabajo del director de cine también se refleja en la apariencia en la pantalla. El ritmo es uno de los aspectos más importantes del arte cinematográfico. El ritmo cinematográfico es la composición integral de todos los elementos del arte cinematográfico y es el efecto producido en la fisiología y psicología del público. El ritmo en las películas no sólo se refleja en la progresión del tiempo, sino también en la forma de movimiento del espacio y la síntesis de tiempo y espacio. El ritmo cinematográfico no es sólo la expresión de habilidades artísticas, sino también el resultado de comprender la película en su conjunto y utilizar métodos cinematográficos de manera integral de acuerdo con las necesidades de la trama y la creación de personajes. Es la unidad dialéctica de la composición local y la composición global del ritmo. El ritmo de una película generalmente existe en el guión, el concepto general del director y el libro de planos, e impregna las creaciones artísticas como la interpretación, el estilismo, el sonido, la fotografía, el arte, el montaje, etc., formando el ritmo de la trama y el estilismo. Como diseñador jefe y director de una película, el director desempeña un papel decisivo a la hora de encarnar el ritmo de la película y crear el ritmo y el estilo de la película.
El ritmo es básicamente una expresión de emoción artística. La forma física del ritmo es el movimiento, y su origen psicológico es que el artista transmite en sus obras una cierta intensidad de pulso emocional a través de un medio de expresión especial como el cine, provocando un shock emocional o resonancia en el público. La gente suele considerar la velocidad como la única expresión del ritmo y utilizan rápido o lento para medir el ritmo, pero velocidad no es igual a ritmo. El ritmo de tempo es solo un tipo de ritmo. La medida del ritmo no es solo la duración del plano, sino también los cambios regulares de movimiento de sonidos, líneas, colores, formas y otros factores de modelado artístico (alto, bajo, fuerte, débil, tenso, relajado, relajado, etc.) , así como los cambios que provocan en los sentimientos fisiológicos de la audiencia. El ritmo es la unidad de la subjetividad y la objetividad, la unidad de la psicología y la fisiología. La infinita riqueza de la connotación de la expresión cinematográfica, las infinitas posibilidades de los medios de expresión cinematográfica y la complejidad de la psicología de aceptación del público determinan la infinita diversidad de las formas y cambios de ritmo del cine.
Ritmo interno
El ritmo formado por los conflictos internos y los conflictos del desarrollo de la trama, las fluctuaciones emocionales de los personajes y otros elementos de contenido. En el cine, un aspecto importante del ritmo interior es la tensión interior de las actuaciones de los actores y los personajes que interpretan, que está estrechamente integrada con las técnicas de puesta en escena y montaje.
Ritmo externo
El ritmo generado por el movimiento de todos los sujetos en la pantalla, combinaciones de lentes de varias longitudes y cambios de lentes, así como cambios en velocidad, luz y sombra, color. y varias formas de pantalla. La ejecución del ritmo externo a veces es consistente con el ritmo interno, a veces inconsistente o incluso completamente opuesta. Someterse a la concepción artística unificada.
Para descubrir cómo yuxtaponer el montaje, el director de cine soviético Lev Kuleshov llevó a cabo un famoso experimento con edición de planos. Sin expresión alguna, tomó un primer plano del famoso actor ruso Mo Youxin y lo colocó frente a una olla de sopa, un niño jugando y el cuerpo de una anciana. Para su sorpresa, encontró que lo que el público vio fue la “actuación” del actor, es decir, mostró hambre al ver la sopa, alegría al ver al niño y tristeza al ver el cuerpo de la anciana. De hecho, todo esto se debe a la combinación de planos, que hace que el público se asocie. A partir de este experimento, Kulishov concluyó que no es el contenido de una sola toma, sino la yuxtaposición de varias imágenes, el papel de la composición y edición de la toma. Este es el llamado efecto Kuleshov.
La lente subjetiva utiliza la lente de la cámara de cine como los ojos de los personajes de la película para observar (fotografiar) las actividades de otras personas y cosas, es decir, disparos con lentes subjetivas. Este tipo de plano que representa la línea de visión de un personaje de la película se denomina plano subjetivo (plano subjetivo estrecho). Los planos subjetivos también incluyen planos que expresan claramente los comentarios, sentimientos y emociones subjetivos del director (planos con una fuerte expresividad subjetiva en un sentido amplio). No existe una lente puramente objetiva ni una lente puramente subjetiva. La lente subjetiva siempre se produce en el desempeño de la lente objetiva. Por ejemplo, esta es una actuación subjetiva típica de Hitchcock: el personaje resulta herido en la cabeza y la sangre fluye hacia abajo, cubriendo gradualmente la línea de visión, y la sangre cubre la pantalla. Esta es una actuación subjetiva, pero no puede serlo. separado del proceso objetivo de la lesión del personaje. El rendimiento subjetivo de la lente es más complejo que el rendimiento objetivo y tiene múltiples modos de aplicación.
Como lentes subjetivas reactivas, lentes subjetivas imaginarias, lentes subjetivas de múltiples ángulos, lentes subjetivas de múltiples niveles, lentes subjetivas aproximadas, etc.
Lente objetiva
En términos generales, una cámara utiliza una lente que comparten la mayoría de las personas en una escena fotográfica. Este tipo de lente permite al público tener un sentido común de presencia en los efectos visuales de la imagen y lograr el propósito de expresión objetiva. La objetividad de las lentes objetivas incluye dos significados: primero, se refiere a la realidad objetiva del objeto mismo, es decir, la autenticidad del contenido de la vida reproducido por el arte. Esto es lo que los directores suelen exigir e insisten cuando utilizan métodos de creación realistas tradicionales. . Por ejemplo, muchos de los acontecimientos, ambientes, personajes y otras escenas de la vida que se muestran en películas como “Edad Media” requieren de la reproducción de la autenticidad de la vida, es decir, la visibilidad de la vida reflejada en el arte; la segunda se refiere al objetivo; descripción del objeto. Este tipo de descripción objetiva es inevitable en las películas de la vida real, los cuentos de hadas, los mitos y las películas absurdas. Por ejemplo, en la representación de diversos eventos y procesos en la película "Viaje al Oeste" es donde entra en juego la lente objetiva. El propósito de utilizar lentes objetivos es guiar a la audiencia para que observe la representación cinematográfica, sin importar el significado, que tenga la autenticidad objetiva de la situación designada, de modo que la película pueda lograr el propósito de narrativa y descripción. Al final, los pensamientos y sentimientos de la edición, la dirección y la fotografía quedan inevitablemente infiltrados. Un plano vacío es un plano de una escena en la que no aparecen personajes. Es un medio importante para que el director conciba cuidadosamente el contenido ideológico, narre la historia, exprese la concepción emocional, cambie el tiempo y el espacio de la película y ajuste el ritmo. Hay dos categorías: planos vacíos subjetivos y planos vacíos objetivos. La fotografía aérea subjetiva se refiere al paisaje y los sentimientos en los ojos de los personajes, que son psicológicos y deliberadamente representados. La fotografía aérea objetiva se refiere al paisaje ambiental objetivo y al paisaje de silueta, que requiere la autenticidad de la representación del paisaje.
Tecnología de conversión de tiempo y espacio
Método utilizado para expresar la transformación de tomas o párrafos en un tiempo y espacio determinados en una película para crear diversos efectos artísticos. Las técnicas comunes de conversión de espacio-tiempo incluyen: el uso de técnicas ópticas tradicionales como aparición gradual, desaparición gradual, dibujo, etc. , inserte tomas de escena que puedan expresar cambios de tiempo, estación y lugar entre dos tomas o párrafos; use subtítulos y pinturas para ilustrar cambios de tiempo y lugar. La edición no calificada se refiere al uso de imágenes sin habilidades ópticas adicionales; El contenido mismo expresa la transformación del tiempo y el espacio y divide el tiempo y el espacio en párrafos.
El fundido de aparición y desaparición también se denomina "fundido de aparición y desaparición" y "fundido de aparición y desaparición". Una de las técnicas de edición tradicionales. Los medios convencionales para expresar la separación de tiempo y espacio en el arte cinematográfico son los siguientes: la imagen de la escena anterior se desvanece gradualmente hasta desaparecer por completo (desvanecimiento), y la imagen de la última escena emerge gradualmente hasta que es muy clara y brillante. (desvanecimiento). Esta técnica muestra el final de una trama (párrafo) y el comienzo de otra trama (párrafo), dejando un cierto espacio para que el público pueda hacer una breve pausa en el sentido del párrafo y comprender con calma la trama en curso. Y puede mostrar ciertas emociones y ritmo. Cortar "switch", que es la abreviatura de "cut out and in". No soy experto en tecnología de edición. Poco a poco se ha convertido en una de las formas más básicas de cambiar de lente en las películas. Se refiere a la transición de un plano a otro, o de una escena a otra, sin ninguna habilidad óptica, como mezclar, pintar, difuminar, etc. Para garantizar que el cambio de lente sea suave, consistente con la lógica artística y adaptable a la psicología general de visualización, se debe captar el ritmo de la película durante la edición y la creación, y el punto de corte de la lente debe captarse con precisión. La transformación química también se llama "fundir, fundir" y "disolver, disolver". Una de las técnicas de edición tradicionales. El medio tradicional para expresar la transición de tiempo y espacio en el arte cinematográfico, su forma convencional de expresión es: antes de que la imagen anterior desaparezca gradualmente (se funda y se disuelva), la última imagen comience a emerger gradualmente (se funda y se disuelva), y las dos imágenes se superponen y desaparecen al mismo tiempo, hasta que la última imagen queda completamente clara. "Hua" tiene muchas funciones, tales como: desempeña un papel de transición en el tiempo y el espacio; puede simplemente expresar transformaciones del tiempo y el espacio a gran escala; a menudo se usa para expresar imaginación, sueños, memoria, etc. Y transmitir emociones directamente; cuando la distancia temporal y espacial es cercana, el uso continuo de tomas de transición "Hua" puede producir un efecto lírico y suave, que se puede utilizar para lograr el efecto visual especial de "deformación" en los cuentos de hadas, etc. .
La sobreimpresión es una forma única de lenguaje cinematográfico. Una de las técnicas de edición cinematográfica. Superponer y copiar dos o más imágenes de diferentes tiempos y espacios, diferentes escenas o personajes en una sola pieza de película se denomina sobreimpresión. Al mismo tiempo, el contenido de las imágenes superpuestas debe mantener conexiones internas para formar varios significados de las imágenes superpuestas. Algunos títulos de películas o letras y subtítulos también están sobreimpresos. Scratch también se llama "rascar, rayar" y "rascar, cambiar". Una de las técnicas tradicionales de edición cinematográfica. Una técnica utilizada para lograr coherencia visual. La forma de expresión es que esta última lente dibuja de izquierda a derecha, de izquierda a derecha, de arriba a abajo, oblicua, prismática, etc., basándose en la lente anterior. En las películas contemporáneas, esta técnica rara vez se utiliza, pero para mejorar un determinado efecto visual o crear otros efectos artísticos, a veces todavía se utiliza esta técnica, centrándose en su novedad. Uno está "cortando" saltando la cuerda. No soy experto en tecnología de edición. Rompe los requisitos de continuidad del tiempo, el espacio y la acción al cambiar entre planos de estado convencionales, y combina los grandes tiros en salto para resaltar algunos contenidos necesarios y omitir el proceso de tiempo y espacio. Saltar no solo se basa en la conexión lógica interna del contenido de la trama, sino también en la iniciativa y coherencia de la psicología de apreciación de la audiencia, eliminando combinaciones aleatorias ilógicas. Un flashback suele referirse a la inserción de otra escena o clip dentro de una estructura de escena. El flashback puede ser una técnica narrativa fragmentaria en una película, o puede formar una estructura general de la película, es decir, una película con estructura de flashback. En términos de contenido, el contenido de los flashbacks generalmente son pensamientos o recuerdos de un personaje en la toma anterior.
Puede ser perceptivo o narrativo; puede ser un discurso largo o una expresión momentánea de conciencia. El propósito es permitir que la audiencia sienta los pensamientos y emociones de los personajes con mayor claridad y comprenda la verdad.
Muestra de trabajo Cada día laborable se debe revelar una película positiva a partir de la película extraída, que es la muestra de trabajo. Para revisión por parte del personal creativo principal del equipo de filmación y del responsable de fábrica. Los decorados y todo el montaje del decorado no deben desmontarse hasta que la muestra de trabajo haya sido revisada o refotografiada. En la postproducción, los directores y editores utilizan los diarios para recortar y ensamblar metraje, así como para doblar y mezclar grabaciones, así como para la revisión final de la película y, en última instancia, como base para un set de filmación completo. Las muestras de trabajo son materiales preciosos y deben conservarse con cuidado. Doble membrana se refiere a "doble membrana completa" y "doble membrana híbrida". Consta de dos partes: una muestra editada de la obra y una grabación mixta de la película sonora magnética. La finalidad de la doble hoja es facilitar la revisión tras escuchar las opiniones de revisión. A diferencia de la copia oficial, debe proyectarse a través de un proyector sincrónico para lograr el efecto de síntesis de imagen y sonido. Después de la revisión, aprobación y modificaciones, el mixtape se convertirá en una banda sonora óptica a través de la contraportada de la imagen y la copia oficial estará lista para imprimir.