Art Story: La historia de los artistas que crean luces y sombras.
¿Es el arte realmente inescrutable? ¿Está realmente la gente corriente y el arte separados por montañas de dinero? "La historia del arte" de Gombrich ofrece una oportunidad para que la gente común y corriente "analfabeta en arte" entre en el umbral del arte occidental.
Gombrich cree que: Respecto al arte, no podemos ni santificarlo ni adorarlo ciegamente. Tampoco debemos tener prejuicios y considerarlo poco convencional y ajeno al sentido común cognitivo, ni menospreciarlo sin reservas. Ya sabes, todo lo que existe en el mundo tiene su propósito original, que puede no ser tan profundo al principio. Es solo que en el proceso de desarrollo, ha seguido evolucionando e innovando, y se ha convertido en una existencia de la que ahora no nos atrevemos a hablar fácilmente.
Comprender el desarrollo histórico del arte occidental, conocer a los artistas representativos de diversos períodos históricos y comprender sus estilos y características creativas. Nos acercará al arte y apreciará algo de ese mundo estético. Puede que no seamos artistas, pero si podemos disfrutar un poco del placer espiritual del mundo del arte, vale la pena experimentar la vida en el mundo.
Según la historia del arte contada por Gombrich, todo el camino del arte occidental sigue la historia del desarrollo occidental. Al menos antes de la Revolución Industrial a mediados del siglo XVIII, se puede decir que el arte occidental era una historia que seguía a la religión.
En las antiguas Grecia y Roma, esta era una era de adoración a los dioses. Desde esculturas hasta templos, la gente dotó al mundo del arte de la belleza más idealizada y la belleza más vital, que las generaciones posteriores llamaron el período clásico perfecto.
Con el surgimiento del cristianismo, el estatus de los dioses de la antigua Grecia y Roma fue reemplazado por la iglesia. Durante la larga y oscura Edad Media, la pintura se convirtió en una herramienta del cristianismo para propagar la doctrina y gobernar al pueblo. El arte medieval avanza lentamente a través de 1.000 años de oscuridad, buscando ese rayo de luz.
Giotto inició los albores del Renacimiento en el siglo XIV. El Renacimiento hizo que la gente mirara al cielo y regresara al mundo. Los llamados dioses en el arte han barrido con los estereotipos serios de la Edad Media y han sido dotados de las expresiones y movimientos que los humanos deberían tener. El artista fue apreciado por la iglesia por sus magníficas habilidades y talento, y se convirtió en el pilar de los murales de la iglesia.
En el siglo XVI surge la reforma religiosa. La iglesia perdió su poder y estatus, y los artistas que servían a la iglesia tuvieron que encontrar otra salida. El arte de la pintura pasó gradualmente de los murales de la iglesia a los retratos. Así pues, en Europa hay dos bandos principales: el catolicismo y el protestantismo. El ejemplo más típico es el de los Países Bajos, que pertenecen al campo protestante. Los artistas ampliaron infinitamente las categorías de la pintura para incluir retratos, paisajes y naturalezas muertas tradicionales, lo que hizo grandes contribuciones al desarrollo de temas pictóricos de artistas posteriores.
Sin la Revolución Industrial de mediados del siglo XVIII, el arte occidental habría avanzado lentamente por el camino de la tradición clásica iniciada por el Renacimiento. Sin embargo, con el desarrollo de la revolución industrial, los artistas se volvieron cada vez más críticos con el arte tradicional, hasta que rompieron con el arte tradicional y se embarcaron en el camino de la modernización.
A partir del impresionismo de Manet y Monet, cada vez hay más escuelas en el campo del arte y los "ismos" son cada vez más populares. Si bien todavía no sabemos nada sobre la escuela anterior, la crítica ha propuesto la siguiente. El arte se ha desarrollado en una dirección que se desvía cada vez más de las capacidades cognitivas y de discernimiento de la gente corriente.
No importa si lo entienden o no, mientras lleven el gran sombrero del "arte", nadie se atreve a hablar con facilidad. No sé si esto es la tragedia del arte o la desgracia de los tiempos.
Todo sigue igual. Sólo mediante la innovación y el cambio continuos podremos seguir avanzando. Los Cien Jardines en el Reino del Arte son el lugar espléndido que son hoy gracias a los incansables esfuerzos de artistas desde la antigüedad hasta el presente.
La antigua Grecia tomó prestadas técnicas de pintura del antiguo Egipto para dotar a estas esculturas de algunas de las bellezas más armoniosas e idealizadas del mundo, desde el lanzador de disco hasta Hermes y Venus. Se puede decir que "no existe un cuerpo humano real en el mundo tan simétrico, uniforme y hermoso como las estatuas griegas".
La antigua Roma heredó el arte de la antigua Grecia, pero era un vasto y majestuoso imperio. La arquitectura de la antigua Roma no estaba satisfecha con el modelo de templo jónico relajado y elegante de la antigua Grecia. Los antiguos romanos construyeron un magnífico anfiteatro y un Panteón con cúpula.
Utilizaron las habilidades y los logros artísticos de la antigua Grecia para desarrollar su propio arte al servicio de la política y la religión. Sus estatuas están despojadas de la elegancia de la antigua Grecia y enérgicas en la búsqueda de la verdad. Una expresión tan fuerte contenida en un retrato tosco y humilde parece contarle a la gente el surgimiento del cristianismo y el fin del antiguo mundo occidental.
Durante la larga y oscura Edad Media de 1.000 años, el punto artístico más destacado fue la iglesia gótica con su magnífica arquitectura. No importa si el sustento del pueblo está deprimido o no, no importa si las guerras son frecuentes o no, la iglesia con poder y riqueza, para gobernar a la gente ignorante y darle a la iglesia la gloria del reino de los cielos, intenta hacer que el la gente se contenta con la dolorosa realidad de esta vida y disfruta de los dones del reino de los cielos en la próxima vida.
El Renacimiento despertó el despertar de la gente. Los artistas innovaron y crearon arte contemporáneo restaurando la gloria del arte griego y romano antiguo. Brunelleschi aportó perspectiva al arte de la pintura, y luego los artistas observaron como espectadores el pintor. Tema de pintura desde el culto a Dios hasta la vida secular de las personas. Tienen sus propios conocimientos sobre el procesamiento de luces y sombras, la estructura y la disposición de la imagen. Con el descubrimiento de esta serie de nuevas técnicas pictóricas se ha abierto un amplio camino para el desarrollo del arte occidental.
Aunque frente a los artistas, el Papa sigue siendo el mayor mecenas. Pero en la cima del arte renacentista, las pinturas e incluso los murales religiosos de los tres principales maestros del arte incorporaron la voluntad y los intereses propios de los artistas.
"La Última Cena" de Leonardo da Vinci está exquisitamente diseñada y llena de apasionantes conflictos dramáticos en una estructura equilibrada aparentemente relajada y natural. En la pintura del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, el Profeta y el Santo Padre son todos atletas jóvenes y musculosos. Sus cuerpos se retuercen y giran en todas las direcciones posibles, pero siempre mantienen una bella imagen. La Virgen de Rafael parece estar llena de vida bajo su rostro tranquilo, lo que nos convence más de que la Virgen de su obra es una persona que vive en un mundo más brillante de amor y belleza.
En los países nórdicos excepto Italia, debido a la lenta influencia del Renacimiento, se tomó un camino completamente diferente. Los artistas conquistan el arte con la verdad. A partir de Jan van Eyck, deje que la imagen refleje el mundo objetivo como un espejo y obtenga la verdadera ilusión de la naturaleza. En Alemania, Holbein, influenciado por la Reforma, sólo pudo recurrir a retratos de la familia real. Para registrar fielmente las figuras, Halbai podía mostrar las figuras que pintó sin elogios.
En el siglo XVII, Rembrandt de los Países Bajos creó retratos de grandes hombres como si fueran personas reales paradas frente a nosotros. Parece que sentimos lo que ellos sienten, su dolor y su soledad.
Desde el Renacimiento, durante mucho tiempo, todos los artistas, ya sean italianos o europeos, sólo han innovado en cuanto a color, luz, luces y sombras, temas, etc. , pero no se desviaron del camino del clasicismo.
Hasta finales del siglo XVIII, los artistas sin empleadores habituales tenían que vender sus cuadros en exposiciones para llegar a fin de mes. Para llamar la atención, ya no hay ninguna restricción en cuanto al tema de la pintura. Los artistas se alejaron cada vez más de los estilos artísticos clásicos. Junto con el desarrollo de la revolución industrial y el surgimiento de la tecnología de la fotografía, el arte de la pintura que persigue imitar la naturaleza se ha topado con una crisis sin precedentes.
Con el surgimiento del impresionismo, Monet utilizó un pincel para pintar colores directamente sobre el lienzo, haciendo que los ojos de las personas prestaran más atención al efecto general del marco y menos a los detalles heredados de la escuela académica. .
El impresionismo fue criticado por la crítica al inicio de su nacimiento, pero parecía haber sonado el toque de clarín del arte moderno. Para ajustar el desorden de las pinturas impresionistas, Cézanne realizó innumerables experimentos y finalmente. creado Surgió una imagen estable y tridimensional. Inició el camino hacia el modernismo.
¿Por qué el arte se ha vuelto cada vez más “incomprensible” para la gente común desde su ruptura con el arte clásico? Quizás porque los artistas modernos están influenciados por los tiempos, sus intereses ya no se centran en el "tema", sólo quieren expresar la "forma". Intenté devolver el arte a la estética a través de la pura belleza formal, pero en la búsqueda de la innovación “formal”, olvidé cuál es el propósito del arte. De esta manera, el arte sólo puede ser una expresión personalizada para el propio entretenimiento del artista y tiene poca relevancia para la gente corriente.
Aunque el título del libro es "La historia del arte", Gombrich le dio al artista el estatus más alto porque el arte es el resultado de su creación. "De hecho, no existe el arte, sólo los artistas. Son hombres y mujeres con talentos asombrosos, buenos para equilibrar formas y colores para lograr el efecto 'correcto'."
El nacimiento de cualquier El arte es utilitario, ahora pensamos en el arte como estético porque los artistas que lo crean pueden descubrir una belleza en la naturaleza que nosotros, la gente común, nunca hemos descubierto. Eligen colores y líneas, aportan sus propios sentimientos e intereses y los presentan en diferentes formas de expresión. La forma de expresión del artista satisface hasta cierto punto las exigencias estéticas de todos. La gente encuentra hermosa la obra y el arte surge.
La belleza de "Mona Lisa" no es algo que se pueda obtener en cualquier momento, sino que es el resultado de la creación de Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci descubrió el "método del desvanecimiento" y logró la eterna y misteriosa sonrisa de la Mona Lisa. "La noche estrellada" y "Los girasoles" son famosos entre todos por el arte puro creado por Van Gogh, que nos hace sentir felices y reconfortados al mirar las pinturas.
Las pinturas abstractas de Kandinsky nos enseñan que la pintura puede apreciarse como música visual. El método de pintura cubista de Picasso nos permite experimentar la armonía del caos. Picasso nos lo dice a través de su propia práctica: describir la naturaleza no representa necesariamente la forma en que aparecen las cosas ante nuestros ojos. Mientras podamos encontrar un ángulo único para expresarlos y describirlos de una manera "adecuada", aún podremos producir un encanto duradero e inmortal.
Comparado con el arte, los artistas son las personas más dignas de elogio. Todo arte en su forma más simple nos parece contener las reflexiones del artista. Al igual que el relieve de Nicholson de 1934, un círculo y un cuadrado forman todo el marco. Pero no podemos decir que la presentación de esta obra sea más sencilla que la de la Virgen.
El pintor de la Virgen se guía por las técnicas, exigencias y objetivos tradicionales, y no tiene por qué tener demasiadas opciones. Mientras el pintor intenta pintar dos figuras, puede estar moviéndose hacia adelante y hacia atrás por el lienzo, probando innumerables posibilidades hasta sentirse satisfecho. Aunque puede que no estemos tan interesados como los pintores, no podemos reírnos de los artistas que buscan problemas.
Las obras de arte son creadas por diferentes artistas, por lo que adoptarán diversas formas. No hay diferencia entre la belleza clásica elegante y armoniosa y la belleza moderna exagerada y distorsionada. Además, las características de personalidad de cada artista en cada etapa son diferentes, lo que presentará una escena colorida que varía de persona a persona.
Esto nos recuerda que para apreciar el arte, especialmente las grandes obras de arte, debemos abandonar los malos hábitos y prejuicios y pensar desde la perspectiva de un artista. Gombrich nos advierte:
“Si vemos un cuadro que no es lo suficientemente correcto, no olvidemos que hay dos preguntas que debemos hacernos: Una es si el artista cambió la forma de lo que vio sin motivo alguno. Otro problema es que no podemos acusar a un cuadro de ser incorrecto a menos que hayamos demostrado que nuestra opinión es correcta y que el pintor está equivocado."
A excepción de corregir a la gente común sobre el arte. Posicionamiento, Gombrich también cambió el Mentalidad de la gente corriente que aprecia el arte. Nos dijo que aunque no necesariamente todo el mundo se convierta en artista, todo el mundo hará más o menos creación artística en su vida, como arreglar un ramo de flores, armar un traje, hacer un pastel, medir. las proporciones de nata y pudín. Este tipo de comportamiento o hábito se considera "pobre y particular" a los ojos de algunas personas y no se reconoce.
Pero los artistas son sólo nuestras "cosas que pueden ser malos hábitos en la vida diaria, a menudo suprimidos o encubiertos, pero que han sido devueltos al lugar que les corresponde en el mundo del arte". La diferencia entre los artistas y nosotros, no es más que llevar al extremo lo ritual y lo exiguo que se persigue en la vida diaria.
Por supuesto, apreciar el arte no se trata sólo de abandonar los prejuicios, es muy fácil calmarse. Al enfrentarse al arte sin reglas, sólo aprendiendo y mejorando constantemente el gusto estético se pueden descubrir nuevos contenidos en el interminable mundo del arte y obtener beneficios inesperados.
"La Historia del Arte" es una historia del arte occidental escrita por Gombrich. En cuanto a los logros artísticos de China, Gombrich tomó el período comprendido entre el siglo II d. C. y el siglo XIII d. C. y enfatizó brevemente que los artistas chinos estudiaban el arte a través de la comprensión y la concentración. Dijo que al dominar las habilidades de usar pluma y tinta y utilizar la inspiración, los artistas chinos escribieron las maravillas que permanecían en sus corazones. Sabemos que el análisis de Gombrich sobre el arte chino es parcial y no lo suficientemente completo.
No podemos criticar a Gombrich, el conocimiento y la comprensión del arte chino por parte de un occidental. Recordando la introducción de este libro, el anciano señaló que cuando se aprecia el arte, uno no puede permanecer en su propio punto de vista, con Orgullo y Prejuicio. Artista crítico. Pero a lo largo del libro, su comprensión e interpretación del arte chino no es tan profunda como la del arte japonés que aprendió habilidades chinas, lo que hace que la gente se pregunte si esto es la arrogancia y el prejuicio de todo el mundo occidental hacia el arte chino.
En lo que respecta a toda la historia del desarrollo del arte humano, no podemos evitar lamentar lo lamentable que sería para la historia del arte mundial sin el arte chino. Desde el siglo II d.C. hasta el siglo XIII, nació en China el "Prefacio a la Colección Lanting", conocido como "el mejor guión del mundo". "La pintura y los chinos" de Gu Kaizhi plantea la teoría del "encanto vívido" en la caligrafía y la pintura. En términos de esculturas, las elegantes y lujosas estatuas budistas de las dinastías del Norte y del Sur en las Grutas de Yungang en Datong, Shanxi, se convirtieron en los rostros seculares y amigables de Buda en las Grutas de Longmen en la Dinastía Tang, y luego se convirtieron en los hermosos y Delicadas estatuas femeninas de la dinastía Song en el templo Jinci en Taiyuan, Shanxi. Las pinturas de figuras y paisajes chinos habían madurado a mediados de la dinastía Tang, mostrando un gusto estético único.
Occidente durante este período se encontraba en el final del arte clásico, seguido por la Edad Media Oscura durante 1.000 años. Cuando la Iglesia occidental promovió la doctrina cristiana a través de pinturas, engañó al pueblo y consolidó el dominio de la iglesia. Los chinos localizaron el budismo introducido en China, y el budismo zen proporcionó alimento y asistencia al arte chino.
Los occidentales inventaron el método de la perspectiva, que se utilizó por primera vez para hacer más realistas y creíbles los murales pintados en las iglesias. La pintura china nunca se ha fijado en una perspectiva, ya sea vista de lejos o de cerca. No sigue las técnicas de luz, oscuridad y colores de sombras como la pintura occidental, pero el arte chino siempre ha sido el sustento de los ideales estéticos del pueblo chino.
El Sr. Feng Youlan dijo que China no tiene creencias religiosas porque a los chinos no les faltan necesidades espirituales aparte de los valores morales. El "sabio interior y el rey exterior" del confucianismo y las ideas taoístas de "unidad de la naturaleza y el hombre" son sabiduría dejada por los antepasados a las generaciones futuras que pueden acceder directamente a la verdad. No necesitamos seguir el enfoque de "religión-ciencia-filosofía". como Occidente.
Con una filosofía existencial tan sabia integrada en el arte chino, incluso Gombrich tuvo que admitir que los artistas no eran considerados artistas en China desde el día en que nacían como lo eran en Occidente. En esencia, ésta es la diferencia entre las civilizaciones china y occidental.
Cuando entendemos el arte occidental y miramos hacia atrás para comparar, encontramos que el arte chino es grandioso y un tesoro para toda la humanidad. No podemos permitirnos olvidar nuestro orgullo artístico único ante la admiración del arte occidental debido a las omisiones y prejuicios de los occidentales.