El proceso de producción del MV

(1) Si hay varios audios en el MV, si no hay una necesidad especial, mantenga sus volúmenes consistentes.

(2) Si el MV es pura música con imágenes, será más rápido o más lento.

(3) Si el MV es música con letra, la letra debe combinarse rápidamente con las imágenes. Se recomienda colocar la letra en la pista primero, porque solo la vista previa de la letra no se bloqueará, incluso si usa 128 PRE, no se bloqueará. Ajuste los subtítulos de las letras para que coincidan con el audio de la letra para que pueda alinear fácilmente el video relevante con la letra al diseñar el video.

Asociación de Video y Audio

(1) Si las letras coinciden con las imágenes, es posible que no coincidan todas (no es difícil para el cantante original hacer esto), pero Se debe garantizar que todo lo que pueda coincidir coincida.

(2) Entre dos letras, entre la letra y el principio/antes/final, cambios de ritmo, etc., la pantalla de vídeo debe cambiar.

(3) Para canciones y lugares de ritmo rápido, el vídeo siempre debe cambiar con el ritmo, incluso si cambias la imagen para que las personas no puedan ver el contenido con claridad cuando lo miran. por primera vez.

Vídeo

(1) En fotografía, vídeos "estáticos" como conversaciones, meditaciones, primeros planos, etc. donde el rango de la lente permanece sin cambios, la distancia focal permanece sin cambios, y los movimientos de los personajes permanecen básicamente sin cambios, a menos que se requieran circunstancias especiales, de lo contrario no más de 3 segundos. La fotografía de tirar, empujar, seguir y hacer zoom son las primeras opciones para las fuentes de película MV.

(2) No tengas demasiados primeros planos y primeros planos de los personajes en un MV (incluso si son personas diferentes. Las escenas lejana, media, cercana, frontal y trasera deben ser). distribuir razonablemente, y algunos escenarios donde el protagonista esté ausente deben ubicarse adecuadamente o tomas vacías.

(3) Si la fuente de vídeo tiene bordes negros, es mejor recortarlos uniformemente; si no se recorta, no se pueden utilizar transiciones como estereoscópicas y de paso de página para que aparezcan bordes negros en el centro. la imagen y no debe haber bordes negros en los bordes de la imagen. La existencia de bordes negros también afectará el efecto de algunos filtros, como los filtros generales: los bordes negros estrechos también se verán borrosos y, cuando estén borrosos, la ampliación será más obvia.

(4) Procura que no tenga nada parecido a un logo. Realmente no hay forma de cubrirlo con luz, halo, filtros de ajuste fino, etc.

(5) No utilices transiciones sofisticadas al azar y no utilices siempre transiciones flash deslumbrantes. La transición es sólo un adorno, no el tema del MV. Generalmente, las transiciones de aparición y desaparición gradual deberían ser las más utilizadas. Otros, el sonido fuerte "Explosion" usa una transición rápida, los recuerdos y flashbacks usan una transición flash, y así sucesivamente.

(6) Los problemas con el diálogo y los subtítulos de nombres deben solucionarse según sea necesario. Si la gente quiere ver los subtítulos con claridad, deberían elegir vídeos con subtítulos. Si no quieres que la gente lo vea, puedes hacer un MV en pantalla completa o intentar agregar subtítulos al video, agregar letras y filtros.

(7) No “rellenes” el contenido de un MV. Algunos videos, sin importar cuán perfectamente grabados estén, se eliminarán si el MV no es necesario.

(8) No recuerdes las escenas de hombres guapos y mujeres hermosas, asegúrate de cambiarlas durante la transición.

(9) Si no hay una necesidad especial, el ajuste de la velocidad del vídeo no debe ser inferior al 50% ni superior al 125%, de lo contrario habrá rastros evidentes de procesamiento humano.

(10) Si quieres mostrar algo, debes elegir la toma más adecuada y clara en la pantalla.

Selección de escenas de vídeo

(1) Quienes hacen los momentos destacados deben ser objetivos en su asignación y no deben estar predispuestos hacia qué rol debido a sus propias preferencias.

(2) Si estás soltero, no siempre le des la cámara al protagonista, especialmente no siempre des tomas cercanas. También debes dar algunas tomas largas del protagonista, tomas cercanas de otros. y tomas aéreas relacionadas. Si el protagonista solo tiene un primer plano, ¿de qué sirve una máscara de filtro? Procesar artificialmente los niveles del MV para al menos darle al protagonista una vista completa detrás del primer plano.

(3) Sin necesidades especiales. Si hay muchos actores para un papel en la televisión, es mejor dar solo un primer plano de uno de ellos; si un actor tiene múltiples roles, los primeros planos de actores que representan dos roles no deberían aparecer en un MV.

(4) Si desea escribir los subtítulos de manera uniforme, puede crear sus propias fuentes en PS en un formato similar a los subtítulos de la televisión. Si los escribe, serán falsos.

(5) Para escenas de lucha, si el efecto de filmación de la película original no es bueno, es necesario cambiar de lente con frecuencia, realizar cortes duros sin transiciones y transiciones de fundido cruzado de 10 fotogramas. Además, si aceleras el vídeo adecuadamente, las escenas de lucha editadas se verán mejor.

(6) Tomas vacías: cielo, sol, atardecer, luna, nubes, montañas, ríos, olas... Si encaja, úsalo.

Apéndice 1: Terminología de cine y televisión - postproducción (el negro es el texto original, el verde es mi anotación)

Una película de cine y televisión no es más que la síntesis de N tiros. Aunque los conceptos de MV y MV son diferentes, en cierto sentido, MV es una colección de tramas de determinadas series de televisión, pero los métodos de producción se pueden utilizar como referencia y se aplica cierto talento al MV. Aquí intentamos analizar uno o dos.

[Storyboard]

También conocido como “guión del director”. Un guión de trabajo que divide el contenido literario de una película en una serie de tomas que se pueden rodar en exteriores. A partir de las ideas e imágenes proporcionadas por el guión literario, el director utiliza el concepto general y divide los planos para plasmar la imagen en pantalla que combina sonido e imagen en futuras películas. El director divide las tomas según las características visuales de las personas y concreta y visualiza las escenas de la vida, los comportamientos de los personajes y las relaciones en el guión para reflejar el tema del guión y darle a la película un estilo artístico único.

El guión gráfico es el plano de construcción diseñado por el director para la película. También es la base para que cada departamento del equipo de filmación comprenda los requisitos específicos del director, unifique ideas creativas, formule cronogramas de rodaje y determine los costos de producción de la película. En los guiones gráficos se utilizan principalmente tablas, con diferentes formatos y detalles. Generalmente, hay columnas como número de toma, escena, método de toma, duración, contenido, sonido, música, etc. El "método de disparo" en la tabla se refiere al ángulo y movimiento de la cámara; el "contenido" se refiere a las acciones y diálogos de los personajes de la imagen. A veces, las acciones y los diálogos se enumeran como dos elementos separados. Antes de cada párrafo hay una escena, que es el lugar y el momento en que se desarrolla la trama, y ​​entre párrafos hay una técnica de combinación de lentes. Algunos guiones gráficos detallados van acompañados de bocetos de diseño de pantalla y descripciones de los tratamientos artísticos.

Hacer un vídeo musical no es tan complicado como filmar un programa de televisión. La redacción del MV puede ser aproximadamente equivalente a la anterior. Independientemente de si tiene una copia escrita o no, siempre debe tener en mente un concepto general. El borrador escrito es simplemente demasiado complejo y largo para recordarlo.

[Lente sintética]

En términos generales, se refiere a la lente tomada mediante "fotografía sintética". A veces se refiere a la síntesis de sonido e imagen en el plano focal. Durante el proceso de filmación, las imágenes y los sonidos se graban en dos soportes respectivamente. No es hasta que se copia la película impresa que las imágenes y las bandas sonoras se imprimen en una sola película. Por lo tanto, una toma con sonido e imagen también se denomina "toma compuesta". El vídeo y el audio son aproximadamente iguales a MV, combinados.

[Sincronización audiovisual]

Una relación entre sonido e imagen en las películas. Significa que la concepción artística y el ritmo de la música y la imagen son consistentes. A veces se forma una escena y la música y los efectos de sonido se sincronizan. El contenido del vídeo, que es aproximadamente igual al MV, está sincronizado con el ritmo de la música.

[Flashback]

Un método para expresar las actividades internas de los personajes de las películas. Es decir, de repente se inserta una escena y se utiliza una breve imagen para expresar el estado mental y los altibajos emocionales del personaje en ese momento. A diferencia de los recuerdos y flashbacks ordinarios, los flashbacks no necesitan interrumpir la acción y el ritmo de la escena original. En cambio, capturan las acciones o detalles más distintivos y vívidos y los enfatizan y expresan de una manera muy concisa y vívida, brindando a la audiencia. una impresión clara y profunda. El contenido del "flashback" es generalmente el pasado y lo que sucedió. Por ejemplo, "pre-flashback" se utiliza para expresar la imaginación y la premonición del personaje sobre el futuro o lo que está a punto de suceder. Los dos se denominan colectivamente "flashback".

[Picture-in-Picture]

Una técnica artística de electro-shading que se ocupa de la estructura de una toma. Cuando la figura central o el objeto en movimiento en el plano sale del encuadre, se llama pintura; cuando la persona o el objeto en movimiento entra en el encuadre, se llama pintura. Cuando una acción se desarrolla a través de más de dos tomas, para que la acción fluya de manera continua sin confundir a la audiencia, las direcciones de dibujo y dibujo de personas u objetos en movimiento entre tomas conectadas deben ser básicamente las mismas; de lo contrario, se debe insertar una toma neutral como una transición.

[Desvanecimiento]

También conocido como "desvanecimiento". Una de las técnicas utilizadas para expresar la transformación del tiempo y el espacio en las películas. Las imágenes posteriores aparecieron gradualmente y finalmente se volvieron completamente claras. El comienzo de esta toma se llama "fundido de aparición", lo que significa el comienzo de un párrafo. La imagen anterior se desvanece gradualmente hasta desaparecer por completo, lo que significa el final de un párrafo. El ritmo de aparición y desaparición gradual es lento y lírico, lo que puede darle al público una pausa visual y crear una sensación completa de párrafo.

La memoria naranja se siente como si esto se refiera a que el MV se vuelve negro o borroso.

[Entra y sale]

También conocido como “disolver y disolver” o simplemente “disolver” o “disolver”. Una de las formas de expresar las transiciones temporales y espaciales en las películas. Significa que la imagen de la película anterior desaparece (se funde) gradualmente y la imagen siguiente aparece (se funde) gradualmente. Los dos se ocultan y se muestran al mismo tiempo, superponiéndose en la pantalla durante un corto período de tiempo, es decir, apareciendo alternativamente a través de un estado de "disolución". A menudo se utilizan para expresar la conexión entre la realidad y los sueños, recuerdos y. escenas asociativas. El método de "transformación" es más sutil y eufemístico y, a menudo, tiene un cierto significado. Dependiendo de las necesidades del contenido y el ritmo, el tiempo de "transformación" puede ser largo o corto, normalmente entre 1-3 segundos. Parece que esta es la dilución cruzada que se menciona a menudo en los vídeos musicales.

[Interjección]

Se refiere a la conexión directa de las lentes superior e inferior. El primer plano se llama "corte" y el último se llama "corte". Este método de montaje de lentes, que no requiere ninguna habilidad adicional, puede mejorar la consistencia de la acción sin interrumpir el flujo del tiempo y se caracteriza por su limpieza, compacidad, simplicidad y viveza. A menudo se utiliza para describir entornos y conectar las conversaciones y acciones de las personas. En el rodaje de largometrajes, este método de conexión se utiliza generalmente para tomas de la misma escena. A medida que la cámara interviene, el público comprende gradualmente el objeto de expresión a través de cambios constantes en los puntos de vista, y no queda rastro de la combinación de imágenes.

Las películas para televisión originales generalmente se denominan "cortes duros" sin transiciones en sus vídeos musicales. En el MV, las transiciones entre tomas no se pueden utilizar. Algunas películas originales pueden ser "cortadas" y todas son tomas muy coherentes.

[Action Connection]

Método de edición para dar coherencia a las acciones principales de la película. Incluyendo movimiento de personajes, movimiento de cámara y movimiento de escena. Los movimientos corporales de los personajes se empalman con el punto de inflexión de la transformación de la acción, y se utilizan métodos de descomposición o suma y resta para hacer que la transición y conexión entre el plano anterior y el siguiente sea continua sin saltar. El movimiento de la lente se refiere al empalme de lentes en movimiento, como empujar, tirar, agitar, cambiar, seguir, subir y bajar. Generalmente, las lentes superior e inferior se combinan orgánica y suavemente mediante un movimiento uno por uno y una combinación de estática. y movimientos dinámicos. La acción de la escena se refiere al movimiento de objetos naturales en la toma, como un barco en movimiento.

Trenes, amaneceres y atardeceres, condiciones cambiantes, etc. Por lo general, elige el mejor punto de edición según el contenido de la película, la trama y las emociones de los personajes para lograr el efecto artístico de mezclar escenas.

No es necesario que prestes atención a esto al crear MV normales. La televisión está cortada para ti. Si se trata de un MV argumental para "Las flores reemplazan a los árboles", debes elegir cuidadosamente los videos no relacionados para conectarte.

[Color]

La comparación de colores es una de las funciones más básicas e importantes de la síntesis digital. Antes de componer, a menudo es necesario comparar los colores de las imágenes de primer plano y de fondo para mantener sus tonos consistentes. Muchas veces, incluso si no hay tomas con efectos especiales, no es necesario componer, pero para hacer la imagen más bella, el director solicitará contraste de color en las tomas.

Al realizar un MV de n piezas suele destacarse más, y se corrige el tono y la fuente de cada pieza.

[Transformación Geométrica]

La transformación no modifica el valor de color del píxel, sino que mueve la posición del píxel en la pantalla. La transformación geométrica más básica es trasladar, rotar y escalar imágenes en el plano. Otra transformación geométrica básica es la duplicación, que se utiliza a menudo al simular reflejos especulares. La transformación geométrica compleja consiste en transformar la posición geométrica de la imagen en un espacio tridimensional. La transformación geométrica más compleja es la deformación y distorsión comúnmente utilizada en números y el gradiente basado en esto. Muy común en MV.

[Filtro]

Los filtros utilizan píxeles adyacentes dentro de un rango de la imagen para calcular nuevos valores de píxeles. Hay muchos tipos de filtros, tienen una amplia gama de usos y pueden lograr todo tipo de funciones extrañas. Visto principalmente en MV.

[Síntesis de imágenes]

La síntesis de la que estamos hablando aquí se refiere al proceso de fusionar dos imágenes en una sola. Existen muchos métodos de síntesis comunes, que básicamente implican operaciones aritméticas simples en dos imágenes (a veces requieren un canal Alfa separado).

Una máscara común en los MV a menudo se separa del fondo de la película original y se sintetiza en un nuevo fondo.

Apéndice 2: Terminología de cine y televisión: tipos de lentes

[Sigue la lente]

También llamado "seguir la tendencia". Fotografías tomadas por una cámara siguiendo un objeto en movimiento. La lente de seguimiento puede expresar de forma continua y meticulosa los movimientos y expresiones de los personajes en acción. No sólo puede resaltar el sujeto en movimiento, sino también explicar la dirección, velocidad, postura del cuerpo en movimiento y su relación con el entorno, de modo que el Se puede mantener el movimiento del cuerpo en movimiento. La coherencia ayuda a expresar la perspectiva mental del personaje en movimiento.

[Empujar la cámara]

Este es un método de disparo que coloca la cámara en un automóvil en movimiento y avanza hacia el sujeto y la escena que se está fotografiando. A medida que la cámara avanza, el sujeto se hace gradualmente más grande en el encuadre, dirigiendo la atención del público a la parte que se va a mostrar. Su función es resaltar el tema, describir los detalles y hacer que la persona o cosa destacada destaque en todo el entorno para potenciar su poder expresivo. La cámara rodante puede mostrar continuamente el proceso cambiante de los movimientos de los personajes, pasando gradualmente de los movimientos corporales a las expresiones faciales o detalles del movimiento, lo que ayuda a revelar las actividades internas de los personajes.

[Acercar]

Coloque la cámara en el automóvil en movimiento y acérquela a la persona o escena para obtener la imagen. Cuando la cámara se aleja gradualmente del sujeto, la imagen se desarrolla gradualmente desde una parte, permitiendo al público retroceder y ver la conexión entre la parte y el todo.

Si aprovechas al máximo los tres elementos anteriores en la película, será perfecta. Se usa a menudo en películas, pero rara vez se usa en historias de televisión con historias largas, especialmente en películas antiguas, donde básicamente no se usa. Las películas se han utilizado bien en los últimos años y es fácil hacer un buen MV de película. A veces se puede empujar y tirar artificialmente de la lente de la fuente de la película, siempre que se garantice la claridad de la imagen.

[Panorama]

Captura todo el cuerpo de un personaje o toda la escena de una película. El espacio panorámico es vasto y puede mostrar completamente los movimientos generales de los personajes y su relación entre sí. En un panorama, las personas y el entorno suelen estar integrados, creando una imagen vívida de personas y paisajes. En comparación con la panorámica y el primer plano, la distancia de visualización es muy diferente. Si los dos se combinan directamente, provocará un enorme salto visual y emocional, obteniendo a menudo efectos artísticos únicos.

[Cliente potencial]

Una persona u objeto delante o cerca del borde frontal del sujeto en la toma. En el plano se utiliza para realzar el sujeto o formar parte del entorno dramático. Tiene la función de realzar el cuerpo principal y decorar el ambiente, ayudando a realzar la profundidad espacial del cuadro, equilibrar la composición y embellecer el cuadro. En algunas fotografías con teléfonos móviles, la sensación de movimiento y ritmo de la lente se puede mejorar mediante cambios y alternancias de primer plano. El primer plano debe integrarse orgánicamente con el contenido de la imagen. La búsqueda unilateral de la belleza decorativa del primer plano romperá la unidad de la imagen e incluso debilitará o confundirá al sujeto. Según las necesidades de programación de la escena, a medida que la cámara se mueve y cambia su posición en la escena, el primer plano también puede transformarse en fondo en consecuencia. No solo permite al público ver claramente la expresión del personaje, sino que también ayuda a mostrar los movimientos corporales del personaje. Gracias al amplio campo de tiro, se pueden fotografiar varias personas y sus actividades en el mismo encuadre, lo que resulta útil para ilustrar la relación entre las personas. Las escenas intermedias ocupan una gran proporción en la película y se utilizan sobre todo cuando es necesario identificar el trasfondo o explicar el recorrido de la acción. El uso de planos medios no solo puede profundizar la profundidad de la imagen, sino que también muestra un determinado entorno y atmósfera. A través de la combinación de planos, también puede describir el curso de un conflicto de manera ordenada, por lo que a menudo se utiliza. describir la trama.

[Fondo]

La persona o cosa detrás o cerca de la cámara.

En la toma, el fondo corresponde al primer plano, a veces como tema o acompañamiento de la actuación, pero sobre todo como parte del entorno dramático. La posfotografía puede enriquecer la imagen de la imagen, producir el efecto de modelado de un paisaje de múltiples capas y aumentar la profundidad espacial de la lente, formando así el entorno típico y la atmósfera de vida de la escena. Cuando la cámara dispara en ángulo, el fondo es más evidente en el encuadre. En algunos procesamientos de escenas, el fondo es el fondo. Según las necesidades de programación de la escena, a medida que la cámara se mueve y cambia su posición en la escena, el fondo también puede transformarse en primer plano en consecuencia.

[Visual]

Toma fotografías cinematográficas de personas y paisajes desde la distancia. Este tipo de imagen permite al público ver una escena amplia y de gran alcance en la pantalla para mostrar el fondo espacial o la atmósfera ambiental de las actividades de los personajes. La previsión se puede utilizar para expresar actividades de multitudes a gran escala y representar escenas magníficas. Al mismo tiempo, la visión se utiliza a menudo para expresar emociones y crear concepciones artísticas, es decir, resaltar o resaltar las emociones internas de los personajes a través de la descripción de paisajes naturales.

[Plano medio]

Toma una foto cinematográfica del personaje por encima de sus rodillas. La distancia de visualización es ligeramente mayor que la vista de primer plano, lo que puede proporcionar a los actores un mayor espacio para moverse, no solo permitiendo que la audiencia vea las expresiones de los personajes con claridad, sino también ayudando a expresar los movimientos corporales de los personajes. Gracias al amplio campo de tiro, se pueden fotografiar varias personas y sus actividades en el mismo encuadre, lo que resulta útil para ilustrar la relación entre las personas. Las escenas intermedias ocupan una gran proporción en la película y se utilizan sobre todo cuando es necesario identificar el trasfondo o explicar el recorrido de la acción. El uso de escenas intermedias no solo puede profundizar la profundidad de la imagen, sino también mostrar un determinado entorno y atmósfera. A través de la combinación de tomas, el proceso de un conflicto también se puede describir de manera ordenada, por lo que a menudo se utiliza. describir la trama.

[Foto más cercana]

Toma una fotografía de película encima del pecho del personaje. La línea de visión está un poco más alejada que el primer plano. En el primer plano, las actividades de la parte superior del cuerpo del personaje ocupan una posición destacada en la imagen y se convierten en el principal objeto de expresión, permitiendo al público ver claramente las expresiones faciales del personaje o ciertos movimientos corporales. Los primeros planos y los primeros planos tienen propósitos similares. Es decir, el efecto visual es relativamente claro, lo que favorece una descripción detallada de la apariencia, expresión, vestimenta, instrumento, etc. del personaje. Los primeros planos tienen funciones artísticas únicas al expresar los intercambios emocionales entre personajes y revelar las relaciones específicas entre personajes. A veces se utilizan primeros planos para capturar parte de una escena.

[Primer plano

Fotografía del rostro de una persona y parte del sujeto. Un primer plano es la toma más cercana en una película. Debido a su pequeño rango de visión y al contenido de una sola imagen, el objeto de actuación puede destacarse del entorno circundante, produciendo una imagen visual clara y un efecto de énfasis. Los primeros planos pueden mostrar los sutiles cambios emocionales de los personajes, revelar los movimientos momentáneos internos de los personajes y hacer que la audiencia se sienta fuerte visual y psicológicamente. La combinación de primeros planos y otras tomas de paisajes puede crear un efecto de ritmo de montaje especial mediante cambios en la longitud, distancia e intensidad de la lente.

[Primer plano]

También conocido como "primer plano detallado". Un detalle del sujeto ocupa todo el fotograma de la toma. El rango de visión es menor que en el primer plano, por lo que los objetos mostrados también se amplían. Este evidente efecto de énfasis y protagonismo hace que el primer plano sea tan único como el primer plano, con un efecto visual extremadamente brillante e intenso. Si una escena así es demasiado larga en una película, debilitará su atractivo único.

[Plano vacío]

También conocido como “filmación de escena”. Escenas sin personajes (principalmente aquellos relevantes para la trama) que representan escenarios o escenas naturales. A menudo se utiliza para introducir el trasfondo ambiental, explicar el tiempo y el espacio, expresar las emociones de los personajes, promover el carácter festivo del evento y expresar la actitud del autor. Tiene las funciones de explicación, sugerencia, símbolo, metáfora, etc. En la película, puede producir efectos artísticos como tomar prestados objetos para expresar emociones, ver escenas, mezclar escenas, representar concepciones artísticas, desencadenar la atmósfera y evocar asociaciones. También tiene un papel único en el cambio del tiempo y el espacio. imagen y ajustando el ritmo de la película. Hay dos tipos de fotografía aérea, una se llama fotografía de paisaje y la otra se llama "descripción detallada", que suele utilizar primeros planos o primeros planos. El uso de tomas vacías se ha convertido en algo más que una simple descripción de paisajes: también se ha convertido en un medio importante para que los creadores de cine combinen técnicas líricas con técnicas narrativas para mejorar la expresión artística de las películas.