1977 La fotografía original genera dinero
Hay varias formas de definir "Hollywood": la más amplia se refiere a la industria cinematográfica estadounidense, que incluye empresas productoras y distribuidoras de películas de diferentes ciudades y tamaños. "Hollywood" en un sentido estricto se refiere a las "Siete Grandes Compañías de Acero" (comúnmente conocidas como "compañías cinematográficas convencionales", incluidas Time Warner, Disney, Fox, Paramount, Universal, Columbia y MGM); El concepto se refiere a una ciudad en el gran Los Ángeles. Hay un cartel gigante que dice "Hollywoodland" en la ladera, pero sólo un estudio importante, Paramount, está ubicado en la ciudad.
Desde una perspectiva temporal, a partir de 1904 aproximadamente, la forma narrativa (drama) se convirtió en la forma más destacada e importante de la industria cinematográfica. En ese momento, Hollywood comenzó a convertirse en una fuerza poderosa en la industria cinematográfica mundial. 1908-1927 es la etapa de desarrollo de las películas clásicas de Hollywood. Alrededor de 1910, muchas compañías cinematográficas comenzaron a mudarse a un pequeño pueblo de Los Ángeles, California, y Hollywood se convirtió en el principal lugar de reunión de las compañías cinematográficas. Durante 1920-10, muchas pequeñas empresas se fusionaron gradualmente en algunas grandes empresas. Bajo este popular sistema de producción, las películas estadounidenses comenzaron a formar una producción cinematográfica completamente narrativa. Edwin Porter, director de Edison Company, fue el primer director en hacer una película utilizando los principios de coherencia y desarrollo narrativo (una película narrativa preclásica en comparación con las primeras películas de comedia musical). En la película de Porter La vida de un bombero americano (1903), vemos a una madre y a su hijo siendo salvados dos veces por bomberos, una desde dentro y otra desde fuera. Aunque la película utiliza algunos elementos narrativos clásicos importantes (como un bombero que tiene la premonición de que está a punto de estallar un incendio y una serie de camiones de bomberos que se dirigen al lugar con sirenas), Porter no se dio cuenta de cómo utilizar las dos tomas. en ese momento, la edición intercalada transmite una historia y una trama completas a la audiencia.
La otra película de Porter, "El gran robo del tren" (1903), puede considerarse el prototipo de las películas clásicas de Hollywood. El desarrollo de la trama tiene pistas claras en el tiempo, el espacio y la lógica. Desde el comienzo del robo hasta el final de la destrucción, el público puede ver claramente el desarrollo paso a paso.
Las películas de Griffith "El nacimiento de una nación" (1915) y "Conflicto con diferentes grupos" (1916) fueron pioneras en el lenguaje narrativo, importante para el cine, la música, el teatro, la novela, etc. Tiene una importancia trascendental que las categorías estén juntas en las filas de las obras de arte. Ambas películas dividen una escena en varios planos, entrelazando planos largos y primeros planos, y él da a estas técnicas un fuerte motivo o razón. En términos de desarrollo de la trama, no se trata sólo de una simple explicación de la operación de rescate entre el salvador y la víctima, sino también de un clásico "rescate de último momento". Griffith transformó los elementos básicos de la sintaxis de edición en un lenguaje preciso y poderoso, que los estudiosos del cine denominan "edición clásica". La edición clásica es el uso de la edición para mejorar el efecto dramático en lugar de simplemente lograr un propósito puramente superficial. Y dividir la acción en una serie de planos, seleccionar y organizar cuidadosamente planos generales, planos medios y planos cercanos, y cambiar constantemente el punto de vista del público, es una continuidad subjetiva, es decir, las asociaciones contenidas en los planos conectados. Para usar una analogía, hasta hoy un automóvil tiene cuatro ruedas delanteras y traseras, un volante, una cabina y otros elementos básicos. Las películas narrativas cinematográficas de Griffith, especialmente las películas clásicas de Hollywood, tienen que ver con cuatro ruedas y un volante.
A finales de la década de 1920, es decir, las películas clásicas de Hollywood habían desarrollado un formato bastante complejo. La aparición de nuevas tecnologías cinematográficas como el sonido y el color también tuvo un profundo impacto en la narrativa. de las películas clásicas de Hollywood tuvo un impacto significativo. Las películas narrativas clásicas de Hollywood alcanzaron su apogeo en las décadas de 1930 y 1940 y pronto se hicieron populares en todo el mundo. Después de experimentar una larga depresión en las décadas de 1960 y 1970, la industria cinematográfica de Hollywood completó su transformación en el Nuevo Hollywood y marcó el comienzo de un período de prosperidad. Ha surgido un grupo de jóvenes directores conocidos como "jóvenes de la industria cinematográfica". Sienten una profunda admiración por la tradición narrativa clásica de Hollywood. Siguen el género cinematográfico clásico, pero añaden muchos toques personales. La aplicación de alta tecnología también ha enriquecido los métodos narrativos de las películas de Hollywood. "El Padrino" de Francisco Coppola (1972); "La Guerra de las Galaxias" de George Lucas (1977); "Tiburón" de Steven Spielberg (1975); "Taxi Driver" de Martin Scorsese (1976) es un representante de este período. Cabe mencionar que Martin Scorsese es un miembro típico de la generación que creció viendo películas de Hollywood. Estuvo profundamente influenciado por la cultura cinematográfica de Hollywood y vivió en la industria cinematográfica estadounidense gobernada por Hollywood. Puede aplicar hábilmente los métodos narrativos de las películas clásicas de Hollywood a sus propias obras, contando "buenas historias" de películas clásicas de Hollywood una tras otra. Al mismo tiempo, incluyó pensamientos e ideas en la historia. Primero debe haber una historia que satisfaga al público, y luego el público considerará aceptar las ideas que el director quiere expresar, es decir, de la sensibilidad a la racionalidad. Contar historias siempre ha sido para él un arma poderosa para transmitir sus sentimientos y pensamientos. La película de Scorsese también utiliza muchas tecnologías nuevas y audaces, muchos saltos, fotogramas congelados repentinos y muchas acrobacias atrevidas que no se encuentran en el Hollywood tradicional. Sin embargo, estas técnicas se basan en la cognición de la audiencia y tienen lo que Bazin llama "lógica", por lo que aún mantienen la ilusión de la audiencia.
A diferencia de muchos directores europeos, sus películas siguen siendo desde la perspectiva del público. Ha encontrado un buen equilibrio entre la perspectiva del público y la del director. Niegan esas narrativas "ocultas" y los principios "pasivos" de visualización de películas clásicas, y abogan firmemente por la creación artística personalizada. Quizás la exploración de Scorsese sea la dirección de desarrollo de las películas contemporáneas y la dirección futura de las películas clásicas de Hollywood.
El libro "Historia del cine: teoría y práctica", escrito en coautoría por Robert Allen y Douglas Gomery, un famoso experto en historia del cine estadounidense, señaló que: "El estilo de cine que ha dominado Occidente durante este siglo se conoce como el estilo narrativo clásico de Hollywood. Este término se refiere a un paradigma de tejido específico de elementos cinematográficos cuya función general es contar un tipo específico de historia de una manera específica. La narrativa de una película de Hollywood consiste en una cadena continua de causas y causas. efecto, motivado por deseos o necesidades de un determinado personaje La solución habitual es satisfacer esos deseos o necesidades específicas... La importancia histórica del estilo clásico de Hollywood radica en que hacia finales de la década de 1920. El estilo de Hollywood había sido aceptado por la mayoría de la gente en el mundo como el estilo exclusivo de realización cinematográfica narrativa. Otros estilos fueron eclipsados por el estilo de Hollywood y serían juzgados por los estándares establecidos por el estilo de Hollywood. El estilo de Hollywood proporciona un estándar y un estándar históricamente definible. marco de referencia estético. Otros estilos también serán evaluados en este marco de referencia, y las películas y los creadores de películas en el marco de referencia también determinarán sus respectivas posiciones.
Obviamente, “la función general del clásico. Las películas de Hollywood consisten en contar ciertos tipos de historias de determinadas maneras. "Este" método específico "es el estilo dramático popular de las décadas de 1930 y 1940, que luego formó un género cinematográfico único durante el apogeo de Hollywood, lo que hizo que las películas de Hollywood se clasificaran como un" género específico ". Por lo tanto, las películas clásicas de Hollywood alguna vez fueron llamadas " "Película dramática".
2. Estrategia de estructura narrativa de las películas clásicas de Hollywood
El drama occidental ha contado historias en el escenario durante miles de años y comenzó a tomar forma ya en Drama griego antiguo La estructura dramática completa de cinco actos (preludio, introducción, desarrollo, análisis, epílogo). Las películas clásicas de Hollywood son muy "autoritarias" y utilizan este estilo estructural para contar historias. leyes de conflicto, esto también se aplica a la estructura de los guiones cinematográficos, pero "las películas deben prestar atención a algunas circunstancias especiales importantes al aplicar esta ley". "(Lawson, teórico del cine y el drama estadounidense)
En la estructura narrativa clásica de Hollywood, también hay una sinfonía con obertura, tema, variaciones del primer tema, variaciones del segundo tema, recurrencia del tema y final. Este artículo no Ampliar la "estructura sinfónica cinematográfica" basada en él.
1. Preludio y final La mayoría de los dramas griegos antiguos se representaban en plazas de mercado, donde la gente iba y venía, y el papel de la obertura era. Espere a que el público se calme. El prólogo a menudo no tiene historia ni personajes, solo música. La función de la posdata es hacer que el público vuelva a la realidad durante un tiempo antes del estreno de la película. La película a menudo comienza la historia desde la primera escena. En la película "Raise the Red Lantern" del director chino Zhang Yimou, Gong Li comienza a hablar en la primera escena, que es un ejemplo del final porque la historia ha terminado. Muchos dramaturgos y directores también han abandonado el hecho de dejar que el público espere a que se encienda la luz. Las primeras películas clásicas de Hollywood se organizaban estrictamente en cinco actos. Después de la década de 1980, la estructura narrativa se volvió común, sin obertura ni final, solo el comienzo. y final. Tres actos de desarrollo y resolución. Esta evolución no es causada por factores estéticos, sino por el entorno
2. La escuela clásica china tiene "origen, herencia, transición e integración" en la estructura. del artículo. El concepto de "herencia, transferencia e integración". El resumen de esta historia estructural es similar a la apertura, desarrollo, clímax y resolución de la estructura narrativa de las películas clásicas de Hollywood.
Introducción El objetivo principal del director en esta parte es "romper el tema", es decir, presentar al personaje estrella y a su oponente en la obra, y plantear un conflicto o crisis. El requisito inicial es "ir directo al grano". "El punto" y proceder con un conflicto orientado a la acción, y este es el centro de cualquier arte narrativo. Este tipo de "conflicto" a menudo se refleja en el conflicto de personalidad. La parte inicial debe centrarse en aclarar las diferencias de personalidad entre personajes importantes. Y también señala el enfoque y la situación básica de la narrativa. El enfoque típico es utilizar acciones continuas de la trama para atraer a la gente al principio y la curiosidad de la audiencia puede describirse como "atrapar a la audiencia en la trama". ". El público especulará sobre las posibles razones de los acontecimientos presentados.
Por ejemplo, la película clásica de Hollywood "Broken Blue Bridge". La escena inicial de "Roy" se desarrolla en un conflicto orientado a la acción. El héroe Roy y la heroína Mara se encuentran en las caóticas sirenas de los ataques aéreos de la Primera Guerra Mundial. Roy es un soldado que está a punto de ir al frente. Ma La es una bailarina de una compañía de ballet estrictamente disciplinada. Estas circunstancias básicas no coinciden. Permítales enamorarse. Roy es un soldado de una familia aristocrática romántica, y Ma La es una chica pragmática de una familia civil. Llevando el pequeño amuleto de Mara, no asistió al banquete del jefe, pero fue a la actuación de Mara y le preguntó. tener una cita en el Candlelight Club en privado.
Uno es activo, el otro es pasivo, y también está el peso de los conceptos jerárquicos tradicionales en la sociedad británica tradicional. Esta sección inicial lleva los conflictos de los personajes a un punto crítico, preparando el escenario para futuros conflictos y una base plausible y creíble para el trágico final.
El desarrollo, también llamado "enredo", se centra en cómo las contradicciones y enredos intensifican el dilema y la crisis del protagonista de la obra. No sólo debe expresar la energía y el propósito del protagonista de la obra, sino también centrarse en retratar el entorno peligroso que enfrentan los personajes de la obra. Hay cinco escenas en la parte de desarrollo de la película "Broken Blue Bridge", que se dividen en varios párrafos de forma aislada. Después de un análisis cuidadoso, el párrafo anterior es el comienzo del siguiente párrafo, y el siguiente párrafo es la continuación inevitable del párrafo anterior. Otra forma de decirlo es que el anterior es la preparación para el siguiente, y el siguiente es el clímax del anterior. De acuerdo con la ley del conflicto, el autor de "Soul" diseñó y dispuso cuidadosamente todas sus partes para profundizar la contradicción. A medida que la contradicción se profundiza, también crea el tipo de tensión que debe tener el arte dramático. Esta "tensión" debe reforzarse gradualmente y no puede relajarse. La dificultad es cada vez más difícil para lucir bien. Después de que mi hermana se opuso, mi madre se opuso y mi padre volvió a objetar. Este es un problema común en los dramas de Qiong Yao. Las tensiones opuestas de la misma naturaleza son las mismas, por lo que no son tensiones progresivas. Archer dijo en el libro "Las leyes del drama": "El mayor secreto del drama radica en la palabra" tensión ". El contenido principal de las habilidades del dramaturgo es generar, mantener, suspender, intensificar y aliviar la tensión".
Para fortalecer continuamente esta tensión, la estructura de desarrollo clásica a menudo sigue un principio, es decir, de acuerdo con la lógica del desarrollo de la trama, los entresijos se explican claramente en orden, de modo que la trama alcance su clímax en un desarrollo paso a paso. Debe ser de acuerdo con la relación entre causa y efecto, segmento a segmento, campo a campo, paso a paso, conectando lo anterior con lo siguiente, y haciendo conexiones razonables.
La mayoría de los patrones de desarrollo de la trama son: las relaciones de causa y efecto cambian las situaciones de los personajes de diferentes maneras. El más común es un cambio en la información conocida. Los personajes suelen obtener cierta información durante el desarrollo de la trama, y parte de esta información juega un papel importante a la hora de darle un giro a la trama. Además, existen modelos orientados a objetivos, y sus derivados modelos de búsqueda y modelos de investigación. El tiempo y el espacio también proporcionan diferentes modos de desarrollo de la trama.
El modelo de desarrollo clásico enfatiza la integridad de la obra, las motivaciones plausibles y la coherencia de sus componentes. Cada toma pasa sin problemas a la siguiente, tratando de suavizar la acción y crear una sensación de inevitabilidad. Para añadir urgencia a un conflicto, a veces se añade algún tipo de fecha límite para reforzar el sentimiento. Especialmente en las primeras películas clásicas de Hollywood, el modelo de desarrollo clásico a menudo tiene dos pistas de la trama, una historia de amor romántica y la pista de acción principal que se desarrolla al mismo tiempo. En la historia de amor aparecen al mismo tiempo una pareja de amantes menores de edad y una pareja de amantes mayores.
Punto clímax, el clímax en la narrativa cinematográfica se refiere al punto más alto del progreso dramático (en términos de emoción, trama y poder). El clímax narrativo de una película clásica de Hollywood no es necesariamente una escena intensa, sólo una emoción intensa. En la clásica escena del asesinato en la ducha de Hitchcock (al final del primer acto), hay una actuación mucho más brutal y sangrienta que el descubrimiento final del cuerpo de la madre en el sótano. Climax no tiene por qué ser un cambio repentino y dramático. En cambio, el clímax puede ser una confrontación de anticipación y anticipación. Por ejemplo, en los westerns clásicos y las películas de detectives, el protagonista y su oponente entran en contacto público y se enfrentan cara a cara. Un lado gana, el otro lado pierde.
El clímax en la estructura narrativa clásica de Hollywood es a menudo la cúspide de la estructura, el momento en el que el conflicto cambia de cuantitativo a cualitativo. En "Broken Blue Bridge", si la parte de desarrollo es solo un proceso de cambios cuantitativos en las contradicciones, entonces cuando aparece de repente la nueva "brecha de nivel" de contradicción que se ha considerado como un presagio, las contradicciones originales sufren cambios cualitativos, formando un El clímax de la obra: Ma La tomó la decisión final. Corrió a la habitación de la madre de Roy para contarle su desgracia. Es durante este momento culminante que los personajes suelen volverse espirituales. En el clímax, la personalidad de Marla llama la atención: es una mujer profundamente ligada a ideas ortodoxas, una mujer cuyo cuerpo está insultado pero cuyo corazón es puro y hermoso. En el clímax, las dos fuerzas encarnadas en todo el conflicto han decidido quién gana y quién pierde: Mara finalmente pierde en la batalla entre el amor puro y las ideas tradicionales.
La pintura occidental siempre tiene un protagonismo central. Las pinturas occidentales pueden naturalmente atraer la atención del espectador hacia el enfoque visual, que es el resultado inevitable de sus habilidades. De la misma manera, una película narrativa clásica de Hollywood, que dura dos horas, a menudo tiene un punto de inflexión importante en el punto medio de su tiempo: una hora, que es el "subclímax" (primer pico).
La resolución, la parte posterior al clímax, es el final del conflicto. En principio, cualquier narración llegará a su fin, y el final muchas veces significa que las contradicciones y conflictos mostrados en la historia han sido resueltos (al menos respondidos). La mayoría de las películas narrativas clásicas de Hollywood presentan un final cerrado, no dejan preguntas sin respuesta y buscan un resultado final que complete la cadena causal. El público suele conocer el destino de cada personaje, la respuesta a cada secreto y el resultado del conflicto. Es más, estos rasgos no son esenciales para la forma narrativa. Según la tradición clásica, en la comedia es una boda o un baile, en la tragedia es la muerte y en el drama ordinario es el reencuentro o el regreso a la vida normal: el final. Debido a la ubicación especial, la última toma suele ser un resumen filosófico, que resume el significado del material anterior.
3. El último concepto de escritura de Hollywood: construir puentes.
El académico estadounidense Thomas Schatz señaló en el libro "Old Hollywood/New Hollywood: Ritual, Art and Industry": "Los estudios de Hollywood han estandarizado gradualmente todos los aspectos de las etapas de producción cinematográfica, desde la concepción narrativa hasta la final. estreno de la película.“Esta producción estandarizada en Hollywood es el resultado de un estrecho contacto y coordinación con la audiencia de Hollywood y es una respuesta a los valores y creencias colectivas de la audiencia. El éxito en el mercado fomentará inevitablemente la repetición. Cualquier modo narrativo, incluso la evolución de una técnica aislada en la gramática general de la narrativa cinematográfica, es el resultado de una comunicación continua entre los productores y el público. La reacción del público determina en última instancia si el paradigma o la técnica narrativa de una historia necesita repetirse o cambiarse, y eventualmente se regularizará en el sistema cinematográfico.
Echemos un breve vistazo a las decenas de procesos de producción cinematográfica clásica de Hollywood: primero, el productor propone la intención de hacer una película, luego el departamento de guion elabora la historia y determina la trama, y luego el El "departamento de trucos" se une a los Gags, completando escenas divertidas y subtramas, y luego escribiendo el diálogo en un departamento diseñado específicamente para el diálogo. Una vez finalizado el guión, el director en jefe lo asigna al director responsable de cada escena para que lo arregle, coordine y programe...
Se puede ver que la creación y finalización de un drama narrativo clásico de Hollywood es No es tan simple como un Un cuadro o una novela muchas veces son concebidos y creados por una sola persona, sino que es un proyecto colectivo. Por ejemplo, la estructura de una novela no es importante. El novelista escribe mucho y los lectores pueden entenderla incluso si la leen al azar. Las películas, especialmente las clásicas de Hollywood, son todas narrativas lineales y la estructura de la historia debe ser muy rigurosa.
¿En qué se basan los guionistas de los diferentes procesos de Hollywood para construir marcos narrativos? Mirando la imagen a continuación, podemos obtener una respuesta: los guionistas de Hollywood se parecen más a un grupo de ingenieros de construcción que construyen puentes. Su juego recientemente desarrollado se llama "Bridge".
La historia llega a su clímax.
Ⅰ Ⅱ Ⅲ
Prólogo, apertura, desarrollo, final.
El primer y segundo muelle
(motivación)(meta)
Sabemos que construir un puente no es de un lado del río al otro, pero de un lado al otro del río se construye primero el muelle de carga en el medio y luego se construyen los tableros del puente en ambos lados. El guión estructural de "El ingeniero" de Hollywood no está escrito de principio a fin, sino que primero se encuentran los dos pilares de "motivación" y "objetivo" que se muestran en la imagen. A partir de aquí se establece la estructura narrativa de la obra. El primer muelle es el punto de entrada de la historia. Lo que el "ingeniero" está pensando mucho es qué tipo de "accidente" provocó que la historia entrara. En el primer muelle, lo primero con lo que tienen que lidiar son las motivaciones del personaje principal. En la narrativa de las películas clásicas de Hollywood, la cadena causal de la trama causada principalmente por factores psicológicos es la motivación de casi todos los eventos narrativos. El segundo muelle es el clímax de la obra y es la meta del héroe. Sólo cuando estas dos partes se comprendan completamente y se establezcan firmemente se podrá desplegar el tablero del puente. Este es el núcleo del "método puente". Si bien este enfoque es ingenioso, es una forma muy práctica de estructurar una película narrativa clásica de Hollywood.
En el pasado, la duración de una película era de 10 minutos, una película de Hollywood de 120 minutos equivalía a 12 películas importantes y una película estaba compuesta por 12 eventos. Este es un hábito mecánico, y también es un hábito oculto en la mente de la audiencia, es decir, esperar con ansias el próximo evento después de 10 minutos. Los ingenieros que construyen puentes sopesan la longitud, el tamaño y el peso al elegir los materiales para construir un puente. Los "ingenieros" de Hollywood editaron el metraje a tiempo. Para eventos cuyo tiempo de finalización exceda los 65,438+00 minutos, simplemente reste 5 minutos a 65,438+05 minutos. También puede completar los espacios en blanco. Con el avance de los tiempos, el ritmo de apreciación del público cinematográfico se ha acelerado y se necesitan entre 6 y 8 minutos para completar un pequeño evento. Una película de 120 minutos así requiere unos 16 pequeños eventos.
Los "ingenieros" siempre modifican el guión de retoque eliminando pequeños eventos y luego analizan la estructura más grande, utilizando la simetría como buen criterio. Esta es la forma más sencilla y eficaz para que el drama de Hollywood "The Engineer" capte el ritmo.
En tercer lugar, técnicas y estrategias narrativas de las películas clásicas de Hollywood
1. Técnica de montaje: el director de cine estadounidense Griffith intercambió creativamente en películas como "El nacimiento de una nación" un gran número de Las escenas deconstruyeron directamente el espacio dramático y luego se volvieron a ensamblar para adaptarse al pensamiento y la participación emocional de la audiencia, y así desarrollaron un conjunto de gramática de filmación y edición que luego se convirtió en una narrativa clásica de Hollywood: usar tomas maestras o tomas de confesión para establecer la trama de una Posición de la historia, luego, a medida que se desarrolla la acción, corte hasta la mitad del personaje o cosa. Obviamente, este tipo de montaje narrativo se basa en la lógica psicológica de la comprensión de las cosas por parte del público. Por lo que es fácil de ser comprendido y aceptado por la audiencia. En otras palabras, el público aceptó sin saberlo la narrativa de la película pero ignoró la técnica narrativa del montaje. Se trata de una narrativa denominada "transparente" que se esconde. Esta narrativa crea una ilusión para que el público crea en las leyendas de Hollywood.
2. Elección de puntos de vista: Los puntos de vista clásicos de Hollywood incluyen subjetivo, objetivo, absolutamente objetivo, omnisciente, autoral, pluralista y combinacional.
En las técnicas narrativas de las películas clásicas de Hollywood, la tendencia más evidente es utilizar la “objetivación”, es decir, presentar una historia objetiva básica e intercalar la “subjetividad perceptiva” y la “subjetividad psicológica” de los personajes. perspectiva. Por tanto, las películas narrativas clásicas de Hollywood suelen adoptar técnicas narrativas irrestrictas.
Incluso si el público sólo se centra en un personaje, podemos obtener a través de la trama información que los personajes de la obra no entienden ni escuchan ("North by Northwest" y "The Road Warrior" son buenos ejemplos de esta tendencia). Esta técnica sólo se abandona en algunas películas que se basan principalmente en el género de misterio (como las películas de detectives).
La narrativa clásica de Hollywood no anima ciegamente al público a identificarse absolutamente con el protagonista de la película. En esencia, "el poder supremo del cine, especialmente el poder de la tradición clásica de Hollywood, reside en la tensión entre la identificación subjetiva y el desapego objetivo, la participación y la observación. Las películas clásicas de Hollywood se esfuerzan mucho en hacer que el público sea consciente de sí mismo". identidad subjetiva y participar en la trama, y al mismo tiempo, a través de cuidadosos arreglos, el público se ubica fuera de estos personajes centrales y puede observar las actuaciones de los personajes de la obra con una cierta distancia estética. Esto se destaca en el uso interactivo del modo narrativo de la lente (sujeto) de toma frontal/posterior de la cámara y el modo narrativo omnisciente. Por un lado, en el plano de derecha/de revés, la película permite a los personajes organizar el espacio dramático directamente para el público. Sólo cuando las personas en la obra están mirando, el público puede ver intuitivamente el espacio físico que se ve en la obra, lo que promueve directamente que el público tenga un fuerte sentido de identificación con los personajes de la obra. En cierto sentido, el público también lo tendrá. Conviértete en los participantes de la trama en la acción. Por otro lado, cuando la cámara adopta un modo narrativo omnisciente, el público entiende la trama mucho mejor que los personajes del drama, y el público de hecho entra en una connivencia involuntaria con el director: es decir, tanto el público como el director. Están "por encima" de los personajes del drama de arriba, mirando con desprecio la difícil situación de los personajes de la obra como un dios. En este momento, la identificación del público con los personajes de la obra cambia a su identificación con el director, y el público pasa de ser participantes en la trama a espectadores.
3. Espectro de estructura de roles: Los roles en las películas clásicas de Hollywood suelen ser los siguientes: positivo, negativo, rol secundario, activo, pasivo, estereotipado, una sarta de rojos y redondo.
En su estudio de los cuentos populares rusos, el erudito ruso Vladimir Propp creía que las muchas identidades y diferentes personajes de las historias tenían siete roles, que Propp llamó siete "categorías de acción". Ellos son: ① chico malo, ② benefactor, ③ ayudante, ④ princesa o la persona y cosa que estás buscando, ⑤ despachador o iniciador, ⑤ héroe o víctima, ⑤ héroe falso.
Cabe decir que ya sea una película narrativa o un cuento popular, los personajes mecanografiados son su base narrativa común. Las películas clásicas de Hollywood suelen seguir tipologías de personajes. Los llamados personajes tipo, como decía el teórico literario británico Forster, son personajes con una única estructura de personalidad, es decir, personajes que pueden resumirse en un nombre propio o un nombre colectivo. Foster cree que la mayor ventaja de los personajes de género en las obras literarias y artísticas es que los lectores o espectadores pueden distinguirlos y recordarlos fácilmente. Los personajes de este género son claramente buenos y malos, y los límites entre personajes positivos y villanos son muy claros. Por supuesto, la mayor debilidad de este tipo de personaje es que su carácter es demasiado superficial y carece de una rica connotación de personalidad. En la gran cantidad de westerns producidos por Hollywood, casi todos los protagonistas tienen tendencia a distinguir entre el bien y el mal, y casi todos los héroes, vaqueros e indios, jefes de policía y gánsteres pueden clasificarse por tipología.
4. Habilidades de diálogo: el diálogo de las películas clásicas de Hollywood tiene las siguientes funciones: conducir la trama; expresar el corazón del personaje; presentar el origen, el trasfondo y el pasado; y fijar el tono descendente;
Hable sobre algunas cosas a las que los guionistas deben prestar atención al escribir diálogos. No hagas declaraciones, ten cuidado con las buenas frases. Es bueno para una sola persona, pero no es bueno cuando se lo pone en la boca de un personaje. No expliques en lengua vernácula cuando estés emocionado. No hables demasiado completamente. "¿Cómo puede un yo destrozado salvar a un tú destrozado?" Estas son palabras que no se pueden decir en el lenguaje hablado cotidiano, y escribir diálogos es un fracaso. Hay muchos diálogos largos en el escenario, así que ten cuidado al ponerlos en una película. Tanto "Sophie's Choice" como "Paris, Texas" tienen más de diez minutos de maravillosos diálogos largos. Esto primero requiere grandes actores, y luego las historias deben adaptarse a ese estado de ánimo y concepción artística. Las conversaciones también se pueden utilizar para la transición y la comunicación. El diálogo no debe duplicar las imágenes, sino que puede complementarlas. La creencia dialogada más antigua entre los guionistas de Hollywood: la última palabra es la más poderosa.
5. Control del ritmo: El autor del artículo controla el ritmo del artículo a través de párrafos. Es muy parecido a controlar el ritmo de una película. Una película se divide mediante signos de puntuación visuales (planos) al principio y al final. Espejo vacío, espejo tembloroso, desvanecimiento y aparición, etc. Ambos pueden desempeñar el papel de comas y puntos de párrafo. Las transiciones en las películas clásicas de Hollywood incluyen transiciones de tiempo, transiciones espaciales, transiciones emocionales, transiciones de planos vacíos, transiciones de eco-drama, etc.
6. Proceso de escritura del guión de Hollywood: En términos generales, es esta secuencia: concepción, técnica, boceto del personaje, procesamiento de la historia, esquema escena por escena y guión.