190712 Zhu Qingsheng: La ley de oposición en el pensamiento estético[2]
2. El segundo significado de la ley de oposición: oposición a otros artistas.
3. El origen de las normas legislativas del impresionismo
4. Monet y Renoir se opusieron al arte clásico en términos de color.
5. Oposición consciente entre artistas contemporáneos.
Resumen de verbos intransitivos
La segunda ley de la creación del arte contemporáneo es la ley de oposición. Este es en realidad un nuevo método utilizado a menudo en el arte contemporáneo. La ley de oposición es conscientemente. establecer Establecer objetivos opuestos.
1. Uno de los significados de la ley de oposición: oposición al arte clásico.
Uno de los significados de la ley de antítesis es la oposición al arte clásico.
Básicamente, no existe un estándar para el arte contemporáneo, mientras que existe un estándar para el arte clásico. Sin embargo, diferentes categorías de arte y diferentes medios tienen diferentes conceptos estándar y objetivos de evaluación para las técnicas. En otras palabras, si la caligrafía es buena o no es completamente diferente a si la escultura es buena o no. Es posible que las personas que hacen esculturas no sepan qué es la caligrafía y que las personas que escriben caligrafía no presten atención a las esculturas en absoluto. De modo que todos tienen sus propios estándares, tanto estándares explícitos como deseos subyacentes.
Así el arte avanza capa a capa, desde el principio hasta el progreso y finalmente hacia la perfección, así en este proceso se establecen los clásicos.
De hecho, este es el desarrollo del arte en la historia del arte. Un estudio de la historia de diversas culturas o una visita a los principales museos revelarán logros tan importantes. Soy el editor jefe del documental de CCTV "Cuando el Louvre se encuentra con la Ciudad Prohibida". Les dije que existe una diferencia tan grande entre el arte contemporáneo y el arte clásico... Por eso, utilizamos material de otro documental de CCTV, "La Ciudad Prohibida", para comparar en el proceso de explicación del Louvre. Pero aquí lo más importante no es el contraste sino la visión. ¿Qué es la visión? Es decir, ¿podemos ver la escultura occidental desde la perspectiva de la caligrafía? Es un principio general utilizar métodos metodológicos si es posible. Si no, significa que todo principio del arte es sólo un principio "parcial" y tiene sus limitaciones.
Así que hay principios universales y comunes en el arte, y también hay principios únicos en ciertas categorías y métodos.
El grado de especialización en el arte es muy alto, es decir, el máximo estado del arte suele ser un punto sutil. Por ejemplo, Wang Xizhi, en realidad puede haber miles de personas que escriben de manera similar a Wang Xizhi, pero él puede ser el único que puede alcanzar mejor el nivel de Wang Xizhi. ¿Por qué? Aquí hay cuestiones muy profesionales. Por ejemplo, hay nueve párrafos escritos. Si tu propia habilidad no llega a siete párrafos, no podrás distinguir entre ocho y nueve párrafos. Si no alcanzas el 8º Dan, es posible que ni siquiera veas los logros sutiles del 9º Dan.
Pero no podemos centrarnos sólo en las sutilezas. Si todos hiciéramos esto, el arte se convertiría en algo útil sólo para unos pocos profesionales. Afortunadamente, todavía hay una parte del arte que puede penetrar todos los niveles y llegar a nuestro corazón, por lo que todo esto es la sutileza del arte clásico, que es la base de la ley de la antítesis.
La ley de oposición en realidad va en contra de los clásicos. ¿Cuál es su oposición? Su objeción es que mientras exista un clásico o una regla, la creatividad del arte contemporáneo debe encontrar formas de negarlo, aunque sea en un pequeño punto, o incluso avanzar poco a poco. En otras palabras, el arte contemporáneo debe oponerse a lo existente, no siguiendo la tradición ni los clásicos, sino oponiéndose a ello, rompiéndolo y criticándolo. Hoy decimos que esta crítica se refiere a la crítica en sentido filosófico. Sólo juzgándolo y evaluándolo podemos desarrollar nuevas posibilidades para nuestro arte, y este es un aspecto del asunto, que es fijar objetivos opuestos.
2. El segundo significado de la ley de oposición: oposición a otros artistas.
El segundo significado de oponerse a la ley es oponerse a otros artistas. Desde una perspectiva empresarial, necesitamos trabajo en equipo. Pero en lo que respecta a los principios creativos y al arte, esto no está permitido. En otras palabras, cuando dos personas hacen arte juntas, deben mantener sus diferencias. Incluso si se oponen juntos a un objeto, sus objeciones deben ser diferentes de las de la segunda persona o de quienes lo rodean, y las objeciones deben formarse. Esta es la creación del arte.
Picasso tenía un amigo llamado Braque. Su método creativo era el mismo que el de Picasso, incluso más directo que el de Picasso. Su trabajo fue muy similar desde el principio. Especialmente en 1910, cuando compartían estudio, era imposible distinguir lo que pintaban. Si no lo firman, no saben quién lo dibujó. Esta situación puede considerarse como una transición y un arrepentimiento para el arte contemporáneo.
Sin embargo, Picasso luego tomó un nuevo camino, un camino propio, por lo que se convirtió en el mayor maestro del siglo XX. El enfoque de Picasso era que tenía cierto objeto al que oponerse. Además de las normas, métodos y estilos existentes, el objetivo de la oposición también debe cuidar de mantener las diferencias con sus pares y pares. Ésta es la ley de la oposición.
3. El origen de la ley de derecho impresionista
Esencialmente, el prototipo de la ley de oposición tuvo su origen en el impresionismo. El impresionismo tuvo suficiente espíritu innovador y coraje subversivo, pero no aplicó consciente y plenamente la ley de la oposición. ¿Por qué? Tomemos esta pregunta para analizar la ley de unidad de los opuestos.
Impresionismo es en realidad un apodo, originalmente llamado Salón de Artistas Independientes. Hay algunos artistas en el Salón de Artistas Independientes y sus obras son en realidad varias.
Por ejemplo, las dos obras siguientes:
Arriba: Monet, Mujer sosteniendo una sombrilla, 1875.
Abajo: Poussin, el pastor de Arcadia.
El cuadro de la izquierda es una obra impresionista, y el cuadro de la derecha es una obra clasicista. La imagen de la izquierda es una pintura impresionista clásica. Entre los impresionistas había todo tipo de artistas que estaban descontentos con el sistema, el arte clásico y la academia, pero no tenían un objetivo común. El llamado objetivo común es sólo el objetivo común de algunas personas. En realidad, ellos son los verdaderos impresionistas. Entonces, ¿qué es el impresionismo y qué hicieron los impresionistas?
El Salón, artistas independientes (es decir, impresionistas), eran un grupo de revolucionarios en aquella época. Algunos de ellos crearon algo, pero no lo crearon del todo.
Por ejemplo, la obra de Monet "Mujer sosteniendo un paraguas" que se muestra arriba es impresionismo. No todos en el salón de artistas independientes hacen arte según esta regla, sólo unos pocos lo hacen, entre los cuales Monet y Renoir son sus representantes típicos. Estaban en contra del arte clásico y el academicismo.
Entonces, ¿cuál es la diferencia entre el arte académico y el impresionismo o arte clásico? El arte académico o clásico en realidad presta atención al dibujo. El significado original de dibujar es pintura monocromática, es decir, dibujar con lápiz y carboncillo, pero esto es solo la superficie. De hecho, el concepto de dibujo real es el siguiente: suponemos que hay un cuerpo, lo cual pertenece al ámbito de la filosofía. Asume que existen cosas que no podemos ver. Por ejemplo, hay una escultura que no podemos ver con los ojos, pero sí tocarla. Cuando lo tocamos, está ahí. Por lo tanto, mi método para expresar completamente la forma sin usar la visión se llama dibujar. Este es el significado fundamental de dibujar, que debe dar forma a la forma.
En cuanto al impresionismo, el impresionismo creía que la pintura era la respuesta visual de la luz, especialmente las ondas de luz reflejadas por la luz solar sobre los objetos. Si no puedo verlo, no hay pintura. Todo lo que puedo ver es la superficie de la pintura, sólo la impresión de la pintura. Esta pieza se puede sacar por separado para pintar. Esta visión tuvo lugar entre 1870 y 1872, hace casi 150 años. Ya era muy avanzado que la gente de esa época tuviera esa idea. Esta idea rompe fundamentalmente con los conceptos clásicos del arte pasado y es el resultado de la aplicación exhaustiva de la ley de oposición. No pinta la "realidad" de las cosas, sino sólo la superficie de las mismas.
Monet, Impresión del amanecer, 1872
La imagen de arriba se llama "Impresión del amanecer" y fue pintada por Monet, el líder del Salón de Artistas Independientes. La pintura se convirtió en un ejemplo de la crítica académica. La comunidad académica criticó a quienes participaron en el Salón de Artistas Independientes por no ser nada buenos pintando y simplemente garabatear basándose en sus impresiones, por lo que fueron llamados Impresionistas. Pero la gente en el Salón de Artistas Independientes no se avergonzó sino que se sintió orgullosa después de escuchar esto, por lo que se llamaron a sí mismos Impresionistas porque se llamaba "Sunrise Impression".
Cuando miramos de cerca la pintura, descubrimos que se trataba de un graffiti. Este graffiti no es lo que llamamos graffiti en el sentido general, sino que nos ahorcamos y nos alejamos del sentimiento actual hasta hace 150 años. Las pinturas que vimos eran todas pinturas como "Los pastores de Arcadia". Cada personaje y cada detalle está dibujado con cuidado. Luego, cuando miramos pinturas impresionistas, sentiremos que son realmente descuidadas y aleatorias.
Sin embargo, ¿por qué el impresionismo acabó convirtiéndose en una revolución que sacudió a todo el Louvre y la Academia? ¿Cómo se logra esta oposición?
De hecho, cada uno tiene su propio amanecer en su corazón. En primer lugar, cuando la gente mira el amanecer, todos lo miran desde un ángulo diferente. De hecho, es difícil que las impresiones transmitan con precisión cómo se sentía el artista acerca de sus pinturas en ese momento. Por lo tanto, la impresión del amanecer que solemos ver en los libros probablemente no sea la obra original.
Además, de hecho, cuando vemos "Los Acantilados de Etretat" de Monet, cada uno de nosotros tenemos diferentes condiciones físicas y sensibilidad ocular. En casos extremos, algunas personas son daltónicas, lo que significa que la visión de los colores de cada persona es diferente. Lo que en realidad estamos mirando no es una pintura, pero no puedo decírtelo. Lo que veo es en realidad diferente de lo que ves, pero no puedo decírtelo. Ésta es la tragedia de la vida.
Es este punto en el que las diferencias humanas dan a las personas su dignidad independiente. Por lo tanto, la ley de oposición no es creada por nosotros, sino que tiene sus raíces en la naturaleza humana y el estado de existencia humano.
4. Monet y Renoir se opusieron al arte clásico en cuanto al color.
Veamos ahora las pinturas de Monet.
Arriba: Monet, Acantilados de Etretat.
La imagen de abajo: Fotografía de un rincón de la ciudad costera de Etretat (?Tretat)
La foto de la derecha fue tomada en Brita, Francia, llamada Torre Ertle (?tretat ). Este El lugar es una ciudad pequeña, muy hermosa, y un lugar para vacacionar. A los artistas de este lugar les gusta ir, especialmente a los impresionistas, porque las piedras de la orilla del mar son blancas y la estructura y el color de ellas son realmente invisibles.
Entonces, ¿por qué Monet pintó este pequeño pueblo? Porque vio color en semejante paisaje. Como se muestra a la izquierda, la pintura se parece mucho a una fotografía en color vista desde lejos, pero las fotografías en color no existían en ese momento. De hecho, los colores pintados por los impresionistas son como ondas de luz de colores reales, lo cual no es fácil. Obras como las de Monet parecen particularmente brillantes desde lejos, como si estuvieran bajo el sol. ¿Cómo adquiere color una pintura con la luz del sol? Necesitamos explorar cómo se abrió paso.
Catedral de Tourouin
Un cuadro de Tumonet de la Catedral de Rouen.
La Catedral de Rouen es una catedral de Francia y una iglesia gótica medieval.
A Monet le encantaba pintarlo.
Monet utilizó su singular teoría del color en su momento para decirles a todos que lo que el ojo ve es el reflejo de ondas de luz. Las ondas de luz se reflejan en la sombra, no en la parte más oscura, que es de otro color, y la sombra refleja otro color. Sólo unas pocas personas pudieron verlo, el mejor fue Monet, quien lo descubrió. Cuando pinta sombras, no es un lugar oscuro debajo de la sombra, sino otros colores.
Más tarde, Monet pintó una serie de la catedral de Rouen, entre ellas "La Iglesia de la mañana", "La Iglesia del atardecer" y "La Iglesia de la mañana". Diferentes piezas tienen diferentes colores. Se puede ver que Monet no pinta iglesias, sino que pinta colores.
Monet es realmente un gran artista. Realmente encontró un nuevo camino, abriendo camino entre principios opuestos. Mire lo que rompió y lo que creó.
Hoy en día creemos que Monet era bastante torpe. ¿Por qué? El cambio de color no es un cambio entre las 3 y las 4 en punto, pero como todavía estamos hablando, su color ha cambiado y no se puede captar. Incluso si el artista pinta un segundo trazo, su color cambia. De hecho, Monet creó uno para mostrárnoslo. Un artista no puede pintar el color de un instante. Sólo podemos capturar el color de un momento con una cámara de alta sensibilidad.
¿Qué sensibilidad tiene Monet al color? El propio Monet dijo que estaba loco. Tenía una esposa hermosa y gentil que murió cuando ella era muy joven. Escribió: Cuando murió mi esposa, estaba desesperado. Lo que vi en su rostro fue un cambio de color.
Pero Monet tenía como objetivo el arte clásico, y nadie en el arte clásico podía pintar colores verdaderos.
Tras llegar a Monet, el color cambió. Posteriormente Monet nos dejó una obra muy importante llamada “Nenúfares”. De hecho, no es un cuadro, sino un grupo de cuadros.
Arriba: Parte de "Nenúfares" de Monet.
Abajo: Árboles reales en el jardín de Monet.
Cuando lleguemos al jardín de Monet, encontraremos que este árbol todavía está en el jardín de Monet. Mirando más de cerca el tronco de este árbol, también es el tronco del árbol que Monet pintó en ese momento. Esto es comprensible a primera vista. Cuando normalmente miramos el tronco de un árbol, vemos un color de árbol, pero en los ojos de Monet vemos 50 colores diferentes. En el mismo árbol vio 50 colores diferentes y los pintó uno por uno. Monet pintó el tronco de un árbol bajo la luz del sol real visto desde lejos, algo muy especial que Monet descubrió.
Pero el problema es que, si lo dibujas mal, se parecerá aún menos. Esto es talento. De hecho, Monet encontró azul, rojo y naranja en él. Necesitamos encontrarlo con precisión, dibujarlo apropiadamente en la imagen y dejar que nuestros ojos lo vean capa por capa.
Monet en realidad utilizó el principio de colores complementarios, y fue Monet quien reabrió los horizontes de las personas. Antiguamente pensábamos que a la hora de realizar una obra sólo se podían dibujar formas y bocetos. Cuando llegué a Monet, no sólo aprendí a dibujar, sino también a aprender colores. Esto es algo que me han enseñado algunos artistas, especialmente artistas como Monet. Luego tuvimos fotografías en color y fotografía en color. Sin Monet, el mundo sería un lugar oscuro. Este es el resultado desarrollado por un artista utilizando el principio de oposición.
Si se quiere pintar con color, se opone al clasicismo. ¿Qué es esta oposición? Los artistas del período clásico dibujaban cuadros, ya fuera Leonardo da Vinci o los griegos. Aunque podían dibujar la estructura interna, las formas que dibujaba eran claras y definidas. Pero el reflejo de la luz sobre un objeto, ya sea un árbol, un nenúfar o una iglesia, en realidad no se refleja según la condición de ese cuerpo.
Ahora avancemos en esta pregunta y veamos cómo lo hicieron los impresionistas. Ahora hablemos de las objeciones del impresionismo. ¿Cómo se opusieron al arte clásico?
Foto: "Cuerpo humano en la sombra" de Renoir
La imagen de arriba es una pintura de Renoir. Notarás que esta pintura en realidad no tiene barbilla. No pintó. El lugar está borroso. Basta pensar en qué color es mejor para pintar para los occidentales. En pocas palabras, el cuerpo femenino occidental tiene la mayor cantidad de cambios de color en la sombra de los árboles bajo los ojos, muchas veces más ricos y sutiles que los nenúfares y las catedrales.
Así que Renoir hizo una obra, que es una obra extrema del impresionismo. Es difícil lograrlo. Se siente como si hubiera muchas manchas, pero cada mancha es una parte, incluido el blanco frío, el amarillo, el azul y el rojo, y contiene todo tipo de colores. No sé cuántos colores hay ahí.
De hecho, mirando esta pintura, no hay nada especial en pintar un cuerpo humano, porque el cuerpo humano en realidad está en un estado impresionista, y la pintura no es muy precisa, ni es una pintura de la estructura y forma del cuerpo humano. Visto principalmente como una paleta de colores con muchos colores apilados sobre ella.
La oposición entre los pintores impresionistas realmente no es obvia e inconsciente, es decir, no han aplicado conscientemente la ley de la oposición.
Imagen: "Frog Pond" fue pintado el mismo año, y las pinturas de Monet y Renoir son indistinguibles.
La imagen de arriba es un cuadro de Monet y Renoir. Mientras pintan juntos, sus cuadros son tan similares que son casi indistinguibles. Este es un signo de la falta de oposición consciente entre pintores.
5. Oposición consciente entre artistas contemporáneos.
Pero las cosas cambiaron mucho con el postimpresionismo. ¿Qué pasó? Es decir, comienzan a aplicar conscientemente la ley de los opuestos.
Fotos: Autorretratos de Cézanne, Van Gogh y Gauguin
Las tres imágenes de arriba son autorretratos de Cézanne, Van Gogh y Gauguin.
Pero los autorretratos no son nada compatibles, sino que a ambos se les llama postimpresionismo. El postimpresionismo es un artista que se desarrolló a partir del impresionismo y el antiimpresionismo y rompió con el impresionismo. Estas tres personas se abrieron paso desde direcciones completamente diferentes.
Por ejemplo, Van Gogh y Gauguin tenían muy buena relación y compartían estudio. Gauguin también pintó girasoles como los pintó Van Gogh. Entonces estalló una pelea. Finalmente, Van Gogh se cortó la oreja. ¿Por qué? Porque en lo profundo de su naturaleza hay principios y leyes opuestos.
Gauguin hacía dibujos. De hecho, nunca dibujó cuál era el objeto, sino que inventó un color para dibujar lo que quería decir.
Imagen: "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?" (Parte)
Gauguin pintó un cuadro llamado "¿De dónde venimos?" ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? 》(¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?). También subtituló la foto y dibujó una flor junto al título. Por ejemplo, China está pintando inscripciones, pero él no es chino. Es un artista occidental. ¿Cómo pudo hacer esto? Porque no sigue para nada las rutinas de los demás.
Las ideas de Gauguin estaban relacionadas con lo "primitivo", que él creía que era fundamental. Había una vez un hombre que pintaba la idea de Gauguin de todos los colores. Si ves que es amarillo, lo pintas con un amarillo especial. Si ves algo rojo, píntalo todo de rojo, lo que significa conservar su esencia original.
Más tarde Gauguin se trasladó a Tahití, donde vivió sencillamente en una sociedad primitiva. En su imaginación, la naturaleza fundamental y simple del ser humano sólo puede encontrarse en la sociedad primitiva.
También hubo un hombre llamado Cézanne que en realidad pensó que era Poussin. Cézanne explotó las diferencias entre Poussin y Leonardo da Vinci. Poussin fue un gran pintor después del Renacimiento. Francia estudió el Renacimiento y produjo arte francés. Pero ¿cuál es la diferencia entre Poussin y Leonardo da Vinci?
Foto: La Última Cena
La imagen de arriba es "La Última Cena" de Leonardo da Vinci. De hecho, en las pinturas de Leonardo da Vinci existe algo llamado perspectiva lineal.
Si encontramos las líneas de perspectiva en el cuadro "La Última Cena" de Leonardo da Vinci, cada línea de perspectiva tiene su foco, como una cámara. Pero, ¿cuándo la gente simplemente apoyaba la cabeza en un estante y se tapaba un ojo para mirar las cosas? No, sólo Leonardo da Vinci, que consideraba la visión como una ciencia, podía darle esta alma.
De hecho, el Renacimiento sustituyó la naturaleza humana por la ciencia y estableció un arte con la razón. Por supuesto, Leonardo da Vinci no estaba solo. El Renacimiento en su conjunto fue así. Acabamos de ver la expresión más maravillosa y precisa de esto en La Última Cena de Leonardo da Vinci.
Hay muchas cosas sobre la mesa en “La Última Cena”. A esto no se accede de forma conveniente, sino de forma desordenada. Estas cosas están fuera del alcance desde el frente. ¿Por qué posas así? Muy sencillo. Deberíamos considerar estas cosas como portadoras de perspectiva en el arte del Renacimiento. Con esto podemos dibujarlos. Sin él, no sabemos dónde están el plano cercano, el plano medio y el plano lejano.
En otras palabras, Leonardo da Vinci hizo una cámara corporal. Es solo que era demasiado difícil en ese momento y la gente común no podía dibujarlo con precisión. Durante generaciones, nadie en el mundo ha podido dibujar con precisión. Sólo durante el Renacimiento, a partir del maestro de Leonardo da Vinci y luego transmitido de generación en generación, pudieron pintar tan bien con Leonardo da Vinci. Pero con la fotografía, todo el mundo puede hacer este conjunto de cosas.
Foto: Poussin el Pastor de Arcadia.
¿Qué tal los cuadros de Poussin? Por ejemplo, tanto el cuadro de Poussin "Los pastores de Arcadia" como el cuadro de Poussin en realidad contienen una línea, pero hay más de una línea oculta dentro de esta línea. Esta línea es inestable y hay varias líneas escondidas detrás de ella. ¿Por qué hay esta línea? Esto se debe a que en la época de las pinturas de Poussin, a diferencia de Leonardo da Vinci, la gente no apoyaba la cabeza en un estante y los miraba con un ojo. Cuando pinta, mira el frente cuando pinta el frente y mira la parte de atrás cuando pinta la parte de atrás. Si el proceso de ver a las personas es un proceso de cambio, entonces en una pintura clásica este proceso de cambio debe expresarse, y debe ser verdaderamente clásico, no más como Leonardo da Vinci, el pionero de la fotografía moderna.
Cézanne vio esto. De hecho, la gente ve las cosas como individuos, no como máquinas. Lo que más tememos ahora es ser reemplazado por la inteligencia artificial, pero de hecho, cada uno es único en el arte y no puede ser reemplazado, porque cuando ve las cosas, no es exacto, sino la relación única entre las personas y las cosas cuando ve ve cosas.
Cézanne creía que esto era lo más importante, y sólo así la pintura podría ser verdaderamente moderna. Por tanto, lo que hizo en el período medio de la pintura es lo que hizo Poussin, no lo que hizo en el Renacimiento. ¿Es una revolución? Esta es una revolución.
¿Se parece a Poussin? Tampoco es lo mismo. Todo lo que dibujaba era una mancha, pero en su mente había un principio opuesto: nunca debía permitir que el modelado realista de las cosas fuera la forma en que tratamos los objetos. Este es un pensamiento filosófico muy grande y una afirmación de los derechos humanos que provienen de aquí.
La gente mira las cosas no imitándolas según la máquina, sino interpretándolas.
Cuando Van Gogh pintaba iglesias, ponía sus propios sentimientos en medio de cada trazo. Sus obras son como una caja y un plato, sacando a relucir su propio mundo. Cézanne es su propio mundo, Gauguin es su propio mundo y los mundos entre los dos no tienen nada que ver entre sí.
Arriba: la casa de Cézanne.
Abajo: la casa de techo rojo de Cézanne.
La foto de la izquierda es la casa de Cézanne, que es una casa real. La imagen de la derecha es la casa de Cézanne, pero la comparación entre las dos es incorrecta, porque la imagen de la izquierda es una vista en perspectiva del foco, y hay una distancia oscilante en el centro del foco de la imagen de la derecha, que Muestra que habrá una distancia tan oscilante si uno sigue mirando. Al observar sus pinturas de montañas y árboles, es fácil comprender cómo se reflejan sus ideas en sus pinturas.
Cézanne también fue un artista postimpresionista de la misma generación que Van Gogh, y fue un explorador de la primera revolución en el arte contemporáneo. El principio que siguieron fue romper con las limitaciones del impresionismo, pero sus. Las direcciones innovadoras fueron en realidad diferentes.
Cezanne nació en 1939, un año mayor que Monet, pero era torpe pintando. Sin embargo, como su familia tenía dinero, pintaba de manera informal. Tras recibir una herencia de su padre, regresó a su Aix-en-Provence natal, donde pasó sus días pintando. Más tarde, alguien en París finalmente lo descubrió. Debido a que las pinturas del Renacimiento, Poussin e Impresionismo de todos estaban muertas, eran demasiado tradicionales y demasiado aburridas, buscaron por todas partes pintores antiguos con leyes opuestas.
En 1900, Cezanne ya tenía 60 años y había regresado a su ciudad natal para pintar solo. Había un artista llamado Pierre Bonnard, que fue al Sur, lo encontró y trabajó con Cézanne. Más tarde, Pierre Bonnard regresó a París y él y Cézanne mantuvieron correspondencia frecuente. Todas las cartas de Cézanne se convirtieron en el primer documento completo de arte contemporáneo conocido como "Cézanne sobre el arte", por lo que consideramos a Cézanne como el padre del arte moderno en la historia.
"La ley de los opuestos" enfatiza en cierta medida que Cézanne es considerado el padre del arte contemporáneo. Se diferenciaba de la tradición, pero también mantenía conscientemente sus diferencias con sus compañeros revolucionarios, llevando así el arte un paso más allá. . Profundizar.
Resumen de los verbos intransitivos
Esta lección habla sobre el principio de los opuestos, en realidad desde dos dimensiones. La primera dimensión es enfatizar que el principio de oposición debe ser encontrar un arte del pasado, especialmente el arte tradicional, como objetivo de la propia confrontación.
El principio de oposición se ha convertido en una forma común de desarrollar el arte local. En cierta medida, la ley de los extremos es también una manifestación del principio de oposición o del principio de oposición. Para llevarlo al extremo, significa resumir y trascender el estado actual del pasado. La trascendencia misma es, al menos hasta cierto punto, una oposición cuantitativa, que no puede ser igual a la original, sino sólo un poco más o un poco menos que ella. De todos modos, no es el estado original.
Al hablar de la ley de oposición, además de oponernos al pasado, también debemos prestar atención al contraste horizontal, que puede ser muy importante para los creadores. Soy diferente a la gente de antes, ¿puedo ser igual a la persona que está a mi lado? No, esto no es aceptable en la creación artística. Si dos personas hacen lo mismo, en términos generales, solo se elegirá al mejor como representante y los demás serán ignorados. Por lo tanto, el arte es cruel y los requisitos de capacidad y resultados creativos son particularmente estrictos. Así que haga un esfuerzo consciente para mantener sus diferencias con sus pares u oponentes.
Esta diferencia es particularmente importante para nosotros ahora, porque ahora nos enfrentamos a un problema común: nos vemos obligados por revoluciones tecnológicas como la inteligencia artificial y la bioingeniería. Como persona común, una persona física, tal vez la capacidad de cálculo, la capacidad de memoria y la capacidad de acción humanas serán reemplazadas gradualmente por un estado de red, una eficiencia informática mecánica especial que puede conectar a todos.
Este problema está cada vez más cerca de nosotros. ¿Llegará un momento en que ya no tengamos la oportunidad de ser humanos? Una metáfora muy deprimente es que cada uno de nosotros degenerará en un montón de carne al lado de la máquina, inútil y sólo un montón de desperdicios.
Sin embargo, en realidad creo que tal cosa es imposible, o completamente imposible. Muchos estudiosos están muy atentos a este cambio y han pedido a todos que lo tomemos con calma. Sin embargo, este llamado es muy débil y frágil. ¿Puedes decirle que disminuya la velocidad? Debido a que el desarrollo de esta tecnología se cruza con el capital, la tecnología se desarrolla rápidamente, la competencia es feroz, está impulsada por intereses nacionales y no puede detenerse. Por supuesto, este llamado es razonable y nos brinda una situación para la revisión y la reflexión.
Sin embargo, no es tan aterrador que las máquinas derroten a las personas, porque las personas nacen con la ley de oposición y la mayoría de las personas no. En otras palabras, mientras la vida de un individuo sea diferente de persona a persona, sus reacciones, sentimientos y motivaciones ante las cosas serán diferentes, pero esta diferencia es muy sutil y pequeña. Pero la tecnología no sólo hace que la informática sea más rápida, sino que también magnifica las diferencias humanas.
Si esta diferencia se expande, entonces las diferencias entre cada uno de nosotros y los demás, y las diferencias entre cada uno de nosotros y todos los individuos y colectivos de la historia, pueden convertirse en nuestra independencia y la garantía de nuestra libertad personal. En otras palabras, lo que una persona llama libertad e independencia es porque es una persona, no un grupo de personas clasificadas, ni una fórmula o algoritmo calculado.
Por lo tanto, cada individuo tiene la posibilidad de expandir la oposición entre uno mismo y los demás en una aplicación universal y de una manera universal. Si este es el caso, cuando aparece cualquier máquina, nuestras diferencias individuales pueden mantener la distancia adecuada y las diferencias necesarias con respecto a ella, para que se pueda mantener la dignidad humana.
Entonces, cuando hablamos de las reglas de la antítesis, debemos agregar la comprensión de que el arte contemporáneo no quiere burlarse de este asunto, de hecho, lo expresa y lo realiza de una manera extrema y distintiva. ciertos aspectos de la naturaleza humana.
De hecho, estas cosas, estas leyes y reglas generalmente existen en la naturaleza humana, pero sólo se encuentran en el arte. A veces se reflejan en el temperamento de las personas, pero es posible que no puedan demostrarlo.