¿Qué es el "salto" en las películas J? Por favor responda en detalle.

Brighton, Inglaterra, a principios del siglo XX. Promover la creación de clips de la vida real en escenas al aire libre. El germen del realismo. Concepto multipunto de vista del tiempo y el espacio.

Obras representativas: “La lupa de la abuela” de George Albert Smith, “La escena a través del telescopio”, “El desastre de Mary Jane”, “La Iglesia china” de James Williamson atacada”, “La boda de Esme Collins en el coche", "El salvador del perro" de Cecil Heffith.

2. Vanguardia europea

A principios del siglo XX se enfatizó la vanguardia y la pureza, con un énfasis excesivo en las formas de las imágenes abstractas y los ritmos emocionales visuales. Se opone a la comercialización de películas y defiende que las películas son obras de arte pequeñas y puras sin utilitarismo; se opone a la narrativa, la trama y la creación de personajes, y defiende que los gráficos abstractos, las formas estéticas y el lirismo vacío deberían ser el contenido completo; Oponerse a la razón, como la asociación, rechazar la realidad, como los sueños.

Incluyendo: Impresionismo francés, Surrealismo, Expresionismo alemán.

Figuras representativas, Drucker, Epstein, Drucker, Mushnak.

Obras representativas: “La Danza de la Máquina” de Fernando Lecheres, “El Plan de Descanso” de René Claire, “Perro Andaluz” de Luis Buñuel, “La Concha y el Monje” de Sherman Dulac, “La Concha y el Monje” de Robert Wan Doctor Caligari".

3. Escuela de Oftalmología Cinematográfica

A principios de la década de 1920, la Unión Soviética se oponía a todos los largometrajes de ficción y no requería actores profesionales ni escenografía artificial. Todo es según es la vida, con la vida como escenario. Enfatice la poesía de la vida y utilice el montaje para abordar el ritmo y la poesía de la vida misma.

Obras representativas: "dziga vertov", "La historia del pan", "Primer aniversario de la muerte de Lenin", "Adelante", "Soviético" y "Tres canciones sobre Lenin".

Contribuyó al surgimiento del "cine editado" y al nacimiento de la escuela de montaje de Eisenstein y Pudovkin. El neorrealismo italiano estuvo influenciado por esto.

4. Escuela Soviética de Cine de Montaje

El montaje fue la base del cine en los años 20. Entre tomas se utilizan el contraste, la metáfora, la repetición y el cambio de ritmo.

Figuras representativas: el acorazado Potemkin de Eisenstein y la madre de Pudovkin.

5. Escuela Británica de Cine Documental

Desde la década de 1930, se ha dedicado al arte del documental, ha prestado atención a la vida social, ha conmovido la realidad y ha descubierto la poesía. Interesado en la composición del fotomontaje y la fotografía.

Figuras representativas: John Grierson, Gran Bretaña industrial, Mineros del carbón, Canción de Ceilán, Night Mail.

6. Realismo poético francés

Década de 1930

Características: diálogo poético, imágenes visuales fascinantes, análisis social exhaustivo, estructura ficticia compleja y ricas implicaciones filosóficas.

Defectos: ignorar la naturaleza audiovisual del arte cinematográfico

Obras representativas: "Bajo los tejados de París" de René Kler, "Millones de francos", "La gran desilusión" de Renoir , "Las reglas del juego", Jean Vigo, Marcel Canet.

7. Películas neorrealistas italianas

Italia en los años 1940 y 1950

Contenido: defensores que reflejan los problemas sociales a través de la vida cotidiana; reemplazando las historias de ficción; dar respuestas a la audiencia; oponerse a los actores profesionales; oponerse a la separación de directores y directores.

Forma: disparo real; luz natural; lente larga, enfoque profundo.

Limitaciones y carencias: resumen insuficiente de la vida, algunos sin trama y desprecio por guionistas y actores;

Figuras representativas: "Roma" de Rossini, "La ciudad indefensa", "Guerrilla", "El lustrabotas" de De Sica, "Arroz duro" de De Sentis, "No hay paz bajo el olivo" Trees", "La Tierra se mueve" de Visconti, "En el nombre de la ley" de Jeremy y "Two Cents of Hope".

8. Cine de la Nueva Ola Francesa

1959-1961 Francia. Fuertemente antitradicional, enfatizando la innovación artística; convirtiendo la filosofía abstracta en imágenes vívidas. Las películas del autor a menudo integran guión, dirección, autocrítica, música e incluso producción para formar un método de producción unificado.

La "Nueva Ola" tiene un fuerte sabor personal, y muchas películas tienen un fuerte sabor biográfico. Si bien rompemos artísticamente el lenguaje cinematográfico tradicional, es necesario evitar desconectarnos demasiado de los hábitos de apreciación del público en general; utilizar tomas largas en lugar de montaje, utilizar fotografía móvil en lugar de fotografía fija y rara vez utilizar metáforas;

Tema: Cine apolítico. Método de fotografía: El estilo de fotografía es principalmente cinematografía. Actuación: Contrariamente al star system tradicional, utilizaron como actores a un gran número de jóvenes desconocidos. Procesamiento de sonido: "New Wave" utiliza muchos entornos sonoros naturales.

La escuela Zuo'an es su sucursal.

El fundamento filosófico proviene del existencialismo.

Figuras representativas: "El primo" de Chabrol, "Insanity" de Truffaut, "Exhaustion" de Godard, "Hiroshima mon amour" de Renai y "Last Marienbad".

9. Nuevo cine alemán

Desde los años 60 hasta la actualidad.

Declaración de Oberhausen de 1962.

Figuras representativas: "Adiós al ayer" de Kruger, "La caza del zorro" de Sunny, "El joven Thorsler" de Schlondorff, "El tambor de hojalata", Catalina la desprestigiada. Bruce, "Fear Eats the Soul" de Fassbinder, Effie Brister, "Marriage" de Maria Braun, "Argyle" de Holtzger. La ira de Dios, sálvese quien pueda, Dios para cada hombre, la Alicia de Wenders deambula por la ciudad.

10, Movimiento cinematográfico juvenil estadounidense

Mediados de los años 1960 y principios de los 1970

Refleja el conflicto entre la generación más joven y su estilo de vida y el antiguo concepto de vida. discutir cuestiones sociales y políticas tiene un fuerte sabor "contracultural".

Las fuentes sociales son la "cultura hippie", la música rock y la poesía posmoderna.

Representando: Bonnie y Clyde, The Graduate, Hotel Alice, Zabriskie Canyon, La Naranja Mecánica y Nashville.

11. Nuevas películas de Hollywood

Desde los años 60 hasta la actualidad (las décadas de 1930 y 1940 son el período clásico de Hollywood)

Reconocer las leyes tradicionales; y modelo de producción de industrialización; enriquecer las películas con nuevos contenidos; utilizar y desarrollar medios de expresión en diversos géneros cinematográficos.

Encuestado: Wu Medao-Wizard Nivel 5 8-29 16:54

Expresionismo alemán El expresionismo fue originalmente un término usado específicamente en la historia y la crítica del arte, refiriéndose a Tomar la naturaleza como el El objetivo principal del arte y el uso de líneas, formas y colores para expresar emociones y sentimientos como único propósito del arte, el cine expresionista se originó en Alemania en 1920. Los actores, los objetos y la escenografía de estas películas se utilizan para transmitir emociones y estados psicológicos, ignorando el significado original de la imagen. La cabina del médico de Calgary (1919) se entregó de inmediato.

Famosa por esta técnica. Posteriormente, el estilo expresionista alemán influyó en algunas películas de Hollywood del período mudo y en el cine negro de la década de 1940. Otros como Alfred Hitchcock y Orson Welles también fueron influenciados por el expresionismo.

El formalismo es una técnica de expresión en la literatura, el arte o el teatro que enfatiza la forma y la técnica más que el tema. Se originó en Rusia en 1915 debido al establecimiento del Círculo Lingüístico de Moscú y la Sociedad de Filología Poética, que se oponían a la forma tradicional de procesar materiales narrativos antes de la revolución rusa y otorgaban gran importancia a la importancia de las formas del lenguaje artístico. campos del arte en ese momento. En la expresión o análisis cinematográfico, el formalismo enfatiza que diferentes formas de aplicación pueden cambiar la connotación de los materiales. La edición, la composición de imágenes y la disposición de los elementos sonoros y pictóricos son intereses de los cineastas formalistas, como Pudovkin y Eisenstein. El estalinismo detuvo el desarrollo de Rusia a mediados de la década de 1930, pero tuvo una gran influencia en el estructuralismo y la semiótica posteriores.

Impresionismo 65438+ Louis Drucker fue un creador de cine francés de la década de 1920. Unió a Abel Gunce y Zhemin Drucker (un grupo de directores talentosos como Zhemin Drucker, así como algunos directores de cine que han estudiado con éxito comercial. películas, quiere reformar las películas producidas por los jefes de las compañías cinematográficas por razones comerciales para mejorar las películas francesas en declive después de la Primera Guerra Mundial... Pero sus esfuerzos recibieron poco apoyo de los productores, y el movimiento fracasó después de la muerte de Diluc en 1924. Algunas personas optan por películas comerciales y otras optan por el estilo vanguardista. Dado que algunas de las teorías y conceptos creativos de Druc están estrechamente relacionados con el movimiento cinematográfico de vanguardia francés posterior, la mayoría de las películas impresionistas se consideran el preludio de las películas de vanguardia o se clasifican directamente como películas de vanguardia. Sus obras importantes incluyen "La rueda" de Gance (1922), "Fanasia" de Drucker (1921) y "Festival español" de Drucker (1919).

La película surrealista francesa 1920 Rose organiza principalmente las imágenes de una manera extraña e ilógica para expresar diversos estados del subconsciente humano. "Los perros de Andalucía" de Luis Buñuel puede considerarse un clásico de las primeras películas surrealistas. El auge del cine surrealista apuntaba a resistir al realismo y al arte tradicional, cuyo líder André Breton lo menciona en un manifiesto: "una acción puramente automática de la mente en la que se intenta utilizar el lenguaje, las palabras o cualquier otro medio para expresar el verdaderos funcionamientos del pensamiento”. El surrealismo se convirtió más tarde en una importante fuente de cine experimental y underground, como el de Maya Dylan y Kenneth Anger en los Estados Unidos. El surrealismo no es un género importante en las películas comerciales y sólo aparece en las películas de directores individuales, como Woody Allen.

El neorrealismo es un movimiento cinematográfico que surgió en Italia después de la Segunda Guerra Mundial. Entre los principales representantes se encuentran Rossellini, Dictea, Visconti, etc. La mayoría de los temas de este tipo de películas giran en torno a cuestiones locales de la Italia anterior y posterior a la Segunda Guerra Mundial, abogando por una presentación tranquila y realista de la vida de las clases medias y bajas. En términos de forma, la mayoría de las nuevas películas realistas utilizan filmaciones de la vida real y luz natural, y utilizan actores no profesionales para actuar y describir detalles de la vida. En comparación con el cierre y el disfraz de antes de la guerra, las nuevas películas de realismo se parecen más a documentales con un sentido de la realidad sin blanqueamientos. Si bien las películas neorrealistas han atraído más atención en el extranjero, no tienen una respuesta especial en Italia.

Después de la década de 1960, gracias a la recuperación de la economía y a las acciones deliberadas de las autoridades competentes, muchos problemas sociales en China se resolvieron y la locura del neorrealismo disminuyó gradualmente.

La Nueva Ola Francesa, originalmente un término noticioso sin una definición estricta, se refiere al primer lote de obras frescas y premiadas filmadas por un grupo de nuevos directores franceses entre 1958 y 1959. Posteriormente se utilizó ampliamente para resumir la tendencia de la nueva producción y creación cinematográfica francesa a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Muchos de estos nuevos directores eran críticos de cine en la revista "Cinema Notes", como Godard, Chufu, Chabrol, Rohmer, Li Witte et al. Defienden la originalidad personal, muestran un alto grado de conocimiento de las películas tradicionales y utilizan sus obras para encarnar la propuesta de estilo del "autourismo". Tanto el tema como las técnicas son muy diferentes de las películas tradicionales. Los géneros cinematográficos tradicionales y los estilos de dirección de Hollywood se mezclan para experimentar con nuevas formas de empalme y estructura. Debido a que enfatizan la libertad de filmar, a menudo solo se basan en guiones esquemáticos para filmar y les gustan los métodos de filmación improvisados ​​y espontáneos. Sin embargo, sus temas son existenciales. Por ejemplo, "Hiroshima Mon Amour" de Aaron Resnais y "Dead Man" de Gundam son películas de este tipo. Desde su asociación con Francia a finales de 1968 y principios de 1960, el término "Nueva Ola" se ha utilizado para describir la actividad cinematográfica emergente y el renacimiento cinematográfico en otros países. Como las nuevas películas checas y húngaras, las nuevas películas polacas de los años 60 y las nuevas películas alemanas de los años 70.

Cine Real CIN' EMA v'erit' e 65438+ La tendencia de creación cinematográfica caracterizada por técnicas de grabación directa se inició a finales de los años cincuenta. Figuras representativas incluyen a Jean Husch de Francia y David Maysault de Estados Unidos. Estos defensores afirmaron que se inspiraron en la película soviética Pravda escrita por Dziga Vidov. La gran diferencia es que los acontecimientos en las películas de la vida real son más completos y únicos, por lo que hay más tramas de largometrajes. En cuanto al método de producción, se caracteriza por filmar la vida real directamente sin escribir guiones de antemano y utilizar actores no profesionales. La película es realizada por un director, fotógrafo e ingeniero de sonido fijos. La mayor diferencia entre las películas de vérité francesas y estadounidenses es que Francia permite que el director intervenga, como en "Notas de verano" de Jean-Husch (1961), mientras que las películas de vérité estadounidenses enfatizan que el director no interviene ni interfiere en los acontecimientos. Este tipo de técnica de rodaje requiere que el director descubra con precisión el evento y prevea el proceso dramático, y la acción de rodaje debe ser rápida y decisiva. Esto inevitablemente limita la dirección de la selección del tema, por lo que hay muy pocas obras cinematográficas en el verdadero sentido. . La mayor importancia del cine real es que proporciona la máxima garantía de autenticidad para la creación de largometrajes en general. Las intervenciones subjetivas de Gundam en muchas de sus películas fueron usos directos de métodos de cinema verité.

La tercera película, el tercer cine, generalmente se refiere a películas antiimperialistas, anticoloniales, antirraciales, antiexplotación y antiopresión producidas por cineastas del tercer mundo. Su propuesta específica es el artículo "Hacia la Tercera Cine" coescrito por los directores cubanos Fernando Solanas y Octavio Gitino en los años 1960 y principios de los 1970. Llaman "primeras películas" a los productos cinematográficos producidos por la sociedad burguesa según su visión artística cerrada y pasiva, y llaman "segundas películas" a las películas de autor, las nuevas películas brasileñas, las películas expresionistas y otras obras que enfatizan la experiencia personal. La "segunda película" es una salida a la primera película, pero ya es el límite del sistema. Las películas producidas en la revolución y contra el sistema son la "tercera película", que también se puede llamar cine de liberación y de guerrilla. películas. Los dos directores enfatizaron que la "tercera parte" debe ser algo que el sistema de producción no pueda absorber y sea diferente del sistema. El autor menciona en el artículo "Hacia el cine del Tercer Mundo": "La cámara es un coleccionista infinito de imágenes/armas, y el proyector es un rifle que dispara 24 fotogramas por segundo".

Nueva película brasileña Cine Novo se refiere a El nuevo movimiento cinematográfico que surgió en Brasil en la década de 1960 se caracterizó por la creación de una cultura cinematográfica local de bajo costo para romper con las formas dominantes de cultura cinematográfica extranjera, especialmente norteamericana. Sus opiniones sobre la realidad nacional y social son agudas y su originalidad estética es muy rica. Comenzó como una cooperativa cinematográfica dirigida por Graub Rocha, con otros directores importantes como Rui Guerra y Nelson Pireira. Sus películas no sólo reflejan la realidad social, sino que también apuestan por estilos estéticos atrevidos e incluso excéntricos, como "El dios negro y el diablo blanco" de Rocha (1969). También ha obtenido buenos resultados en festivales de cine extranjeros. El nuevo cine brasileño ha sido criticado por la izquierda radical por poner demasiado énfasis en la estética y por desarrollarse en armonía con la industria cinematográfica. Además, el público brasileño todavía prefiere películas comerciales que enfatizan el entretenimiento y son menos receptivos a las nuevas películas. En 1964, el motín militar brasileño y el sistema de censura se volvieron más estrictos. Creadores importantes como Rocha viajaron al extranjero para hacer películas y, como resultado, el Movimiento del Nuevo Cine decayó. Sin embargo, el nuevo cine brasileño tuvo una fuerte influencia en los movimientos cinematográficos de otros países latinoamericanos.

El Nuevo Cine Alemán "Nuevo Cine Alemán 1960" apareció en Alemania Occidental a principios de los años 1960 como un movimiento destinado a revivir el cine alemán. En la década de 1950, cuando la economía de Alemania Occidental se recuperó, las películas también prosperaron, pero el contenido era poco realista y aburrido. Desde finales de los años cincuenta hasta principios de los sesenta, la industria cinematográfica cayó en una depresión y ni siquiera estaba calificada para participar en festivales de cine internacionales. Influenciado por el Nuevo Cine francés y británico de la época, se produjo el Nuevo Cine alemán.

En el Festival de Cortometrajes de Alemania Occidental "Oberhausen" de 1962, 26 directores emitieron conjuntamente la "Declaración de Oberhausen". Los promotores son en su mayoría directores jóvenes que sólo han realizado cortometrajes. Pretenden romper con el cine tradicional, utilizar nuevos lenguajes cinematográficos y deshacerse de las limitaciones de los estereotipos, los socios comerciales y ciertos grupos de interés. Sin embargo, en los primeros tres años del movimiento Manifiesto, por falta de fondos, sólo se produjo una película. En 1965, con la ayuda del gobierno, se creó el Comité de Gestión del Joven Cine Alemán para apoyar a los jóvenes directores en la realización de películas. En 1967, se habían producido más de 20 películas y se las había reconocido en festivales internacionales de cine, y el Nuevo Cine Alemán se estaba haciendo famoso. Sin embargo, esta temprana nueva película alemana no tenía el sentimiento relajado y libre de la Nueva Ola francesa, y el mundo que reflejaba no estaba exento de esperanza, pero simplemente no tenía una salida clara. Por lo tanto, no fue popular en China y lo fue. pronto se limitó a la crisis. En 1975, el nuevo movimiento cinematográfico alcanzó otro clímax, porque la ley de financiación del gobierno se modificó para beneficiar a los directores jóvenes; las estaciones de televisión comenzaron a financiar a directores jóvenes para que hicieran películas; "Film Publishing House" y la "Nueva Asociación Alemana de Productores de Teatro"; las superproducciones americanas también se fijaron en las nuevas películas alemanas y comenzaron a invertir. La razón más importante es que hubo tantos talentos durante este período: Fassbender, Hoso, Wenders. Sus obras son artísticamente distintivas y han recibido mucho reconocimiento internacional, pero aún son impopulares en China, por lo que el segundo clímax volvió a quedarse en silencio. El movimiento del Nuevo Cine revivió en 1979, gracias al éxito de taquilla nacional de "La boda de Mary Brown" de Fassbender y "El tambor de hojalata" de Hillendorf. Después de 1979, el movimiento se hizo aún más fuerte, convirtiéndose en algo común en el cine de Alemania Occidental y convirtiéndose en un símbolo del género en la mente de la gente.

Cine directo El cine directo se refiere a un documental producido en un estilo cinematográfico realista. Tiene muchas similitudes con la producción de "película real", como el uso de personas y cosas reales como materia prima y técnicas documentales objetivas. , evitando el uso de la narración. La única diferencia entre el cine directo y el cine vérité es que el cine directo trata a la cámara como un registrador silencioso de la realidad, con el principio de no perturbar ni estimular al sujeto. El verdadero cine permite que la cámara intervenga activamente en el entorno, a veces animando y provocando que los sujetos revelen sus propios pensamientos.

Poética del cine polaco

Postmodernismo