Cómo escribir los detalles de la experiencia de capacitación en PhotoShop requiere 800 palabras... T T.

¿Qué es más rápido, el diseño de sobreimpresión de texto o el diseño creativo independiente? ¿Más efectivo? ¿Mejores resultados? Cada uno tiene pros y contras. Con la profundización de la tecnología digital en los estudios digitales de China, los requisitos para los técnicos digitales de posproducción son cada vez mayores. Pero el nivel técnico de un número considerable de artistas posteriores sigue estando al nivel de hace unos años. Carecen de creatividad e información debido a la sobreimpresión, y algunos incluso carecen de una estética básica. Aparte de la sobreimpresión mecánica, no tienen ninguna creatividad. ¿Cómo superar esta situación, utilizar las habilidades de Photoshop lo antes posible y expresar mejor y más rápidamente la intención de la pre-toma y posproducción de fotografías digitales? Aquí, basándome en mi experiencia personal en el trabajo de postproducción digital en el estudio durante varios años, resumí y compilé este conciso artículo, con la esperanza de compartirlo con ustedes. Establecer una estética correcta y tener una cierta estética profesional es el requisito previo más básico para nuestro diseño creativo. Comienza con la comprensión de los elementos básicos de la fotografía digital. Una fotografía digital cualificada, por supuesto, primero debe tener alguien con visión y pensamiento. Debe pasar cosas como: el contraste de la luz y la relación entre la luz y la oscuridad, la composición de la imagen, la postura elegante de los personajes en la imagen, el uso del color general de la fotografía en la imagen e incluso si el la luz en los ojos es razonable, etc. Tiene un impacto directo en la calidad de las fotografías digitales. Todos estos factores en realidad reflejan la preimaginación del fotógrafo sobre el trabajo final cuando fotografía para un cliente. También son la principal fuente de conocimiento para que el personal de posprocesamiento digital comprenda la intención del fotógrafo al recibir una tarea. Sólo entendiendo esto podremos trabajar estrechamente con el fotógrafo durante todo el proceso de trabajo para diseñar un trabajo satisfactorio. ¿Cómo cultivar y mejorar tu propia cognición estética? Muy sencillo. Aprende de la vida. El arte proviene de la vida y es superior a la vida. Nuestra postproducción digital es un trabajo de creación de belleza. Aunque se comercializa ampliamente, está lejos de ser puro arte. Sin embargo, muchas ideas y sentimientos sobre la belleza en realidad provienen de todos. En la era de Internet, podemos encontrar innumerables contenidos relevantes en línea y también podemos prestar atención a cada detalle de nuestra vida diaria. Por ejemplo, cuando vaya al supermercado, preste atención al empaque de la caja del CD que desea comprar, o al diseño de la forma de un cosmético, o mire hacia arriba y vea la etiqueta POP colgada. Estas cosas a menudo contienen mucha información que necesitas y pueden inspirarte y utilizarla. ¿Viste la televisión? Es muy molesto tener una pausa comercial en medio de una serie de televisión interesante. No te preocupes, un anuncio de cosméticos está muy bien hecho. ¿Solo un diseño creativo para una fotografía digital? Me gusta ver MTV de Faye Wong, no porque cante bien, sino porque su producción de MTV es realmente excelente y me inspira mucho. ¿Has estudiado arte? Aprende un poco. Nadie quiere que seas pintor, pero aprender un poco de dibujo y acuarela sólo te puede venir bien. ¿No significa eso que necesitas entender algo de estética? Si no entiendes los conceptos básicos del arte, mucho menos aprecias las buenas obras de otras personas con ojo de experto, porque no sabes qué tiene de bueno una buena obra y por qué es buena. En el mejor de los casos sólo puedo decir: Esta foto es preciosa, nada más. El método de aprendizaje es: dedicar una hora todos los días a dibujar un cuadro, que puede ser un boceto o una acuarela. Ciertamente no graffiti. Si es posible, puedes acudir a una escuela de formación especializada. ¿Qué pasa si quieres aprender por ti mismo? Tómalo con calma. Solo necesitas comprar una manzana y ponerla debajo de la lámpara, y luego usar el bolígrafo que tienes en la mano para dibujarla de acuerdo con los libros de enseñanza relevantes que compraste a tiempo. Sólo así podrás apreciar verdaderamente la relación entre la luz y la oscuridad, los principios de combinación de colores, la forma de composición y, en última instancia, expresar la connotación de tus pensamientos. ¡Apreciar un buen trabajo con ojo de experto es muy importante! Ésta es su fuente de pensamiento creativo infinito. Aprende a imitar. Cada vez que voy al estudio fotográfico para formarme, haré hincapié repetidamente en la necesidad de aprender a imitar. Desde un artista que recién comienza a aprender a hacer productos digitales hasta un maestro diseñador, debe pasar por esta etapa de imitación. Se puede decir que sin imitación no habría acumulación de experiencia creativa. Un crítico que sólo tiene un buen valor estético sin medios ni técnicas específicas para expresar su intención sólo puede ser un crítico con grandes ambiciones y bajas ambiciones. Hay maneras de imitar. Tengo la costumbre de coleccionar obras de otras personas. No solo coleccionaré las buenas obras de otras personas, sino también las malas obras de otras personas, porque siento que incluso si otros hacen malas obras, siempre hay una o dos ventajas que vale la pena aprender e imitar. Hay un dicho clásico en la ciencia del éxito: ¡Progresa un 1% todos los días! Creo que es suficiente. Almacenaré las obras recopiladas en una carpeta en mi computadora. En el trabajo, los abro en cualquier momento, hojeo estos trabajos mientras trabajo y aplico lo que creo que es adecuado a mi tarea. Usando este método, diseñé mi primer conjunto de muestras de vestidos de novia digitales solo un mes después de aprender diseño de postproducción digital. Después de ser publicado en la sección digital del Foro de la Red de Fotografía de Bodas de China, mis pares lo reconocieron ampliamente. La imitación no es simplemente copiar, sino digerir constantemente varias técnicas de producción en el proceso de imitación, e integrarlas y cambiarlas constantemente mientras usas estas técnicas para convertirlas en algo que te convenga. Mientras imitas, esfuérzate por producir algo mejor que lo que imitas. ¡Es totalmente posible! Debido a que las obras de otras personas no pueden ser perfectas, ¿por qué no puedes hacer mejores obras que las de ellos incluso si te esfuerzas por refinarlas y agregar tus propias mejoras? En tercer lugar, comprender los elementos principales del diseño y la producción de postproducción digital. Donde hay luz, hay color. Para cada obra que diseñamos, la primera impresión que hace sentir bella a la gente es el color. Por eso el color es lo más importante en el diseño.

Como tema profesional en nuestra sociedad, el color es amplio y profundo, y los elementos de color en constante cambio constituyen todo el contenido de nuestras vidas. No puedo describirlos todos en este breve artículo, ni planeo hacerlo. Para permitir que nuestros artistas posteriores lo utilicen lo antes posible, he resumido subjetivamente algunas reglas, con la esperanza de inspirar a todos.

Plataforma de post-comunicación de imágenes digitales

Plataforma interactiva para el diseño de post-imagen;

1. Utilizar tonos de un color a juego. Muchos artistas posteriores carecen de conocimientos básicos sobre el color, pero debido a necesidades laborales, deben completar las tareas de diseño del estudio. Así que adopté un enfoque muy conservador y utilicé un color para la paleta. La llamada combinación de colores monocromática consiste en realidad en utilizar la luz y la oscuridad de un color para colorear el color. En la mayoría de los casos, utilizar colores claros y oscuros de un mismo color no tendrá demasiados efectos indeseables. Y hace que la imagen sea más unificada, holística y armoniosa. 2. Hay muchos colores en el diseño. Para mejorar la sensación de unidad, totalidad y armonía mencionada anteriormente, no se pueden utilizar demasiados colores en el mismo diseño. Y básicamente sólo tres tonos satisfacen las necesidades. Hay colores principales, colores secundarios, colores decorativos y, en ocasiones, colores más decorativos. 3. La determinación del tono proviene de la propia fotografía digital. En particular, la determinación del color principal del diseño generalmente proviene de la ropa o el fondo de los personajes de la película original digital y algunas cosas especiales. Siempre que sientas que el color principal que elijas expresa plenamente el tema de esta película original digital, estás listo. Antecedentes 1. El color de fondo es el color principal del diseño. Entonces, el color que elijas para el fondo es muy importante. El método más sencillo y directo, ya os he hablado del color. 2. Hay varias formas de expresar el fondo: (1) Fondo monocromático. Personalmente, no defiendo este tipo de experiencia, especialmente cuando diseñamos vestidos de novia digitalmente. Un fondo así da a la gente una sensación de falta de espacio y parece plano, muerto y aburrido. (2) Fondo degradado. Este tipo de expresión de fondo puede hacer que todo el diseño parezca fresco y conciso, y aumentar la sensación de espacio y cambio en el diseño. El método habitual es utilizar la herramienta de gradiente PS para realizar el procesamiento de gradiente en segundo plano. Este tipo de procesamiento de gradientes puede ser diverso y nadie se opondrá al uso flexible de varios gradientes. Sin embargo, una cosa a tener en cuenta es que al utilizar cualquier degradado, también debes considerar la composición de la página y saber cómo reflejarla de principio a fin y cómo ponderarla adecuadamente. (3) Compare los antecedentes. Fondo contrastante con estilo. Si se combina con un procesamiento progresivo en segundo plano, a veces se producirán efectos inesperados. El llamado fondo contrastante en realidad significa usar algunos bloques de color para expresar el fondo. (4) Agregue material de fondo. Nunca especifico qué tipo de material de fondo necesito hacer. En mi opinión, el estilo de la película original digital en sí es lo más importante, y el propósito de cualquier material de fondo es resaltar el tema (personaje). En base a esto, solo necesitamos procesar un material de fondo en el fondo que necesitamos y usarlo. Puede encontrar este material de fondo incluso con los ojos cerrados. La idoneidad del material de fondo no depende del contenido del material de fondo en sí, sino del efecto después del procesamiento. En términos generales, el fondo complementa el tema del diseño y no se recomienda que sea demasiado llamativo en ningún momento. Muchas veces resulta más conservador expresarse utilizando escenas virtuales. A menos que estés seguro de que puedes manejar el fondo fácilmente. Además de utilizar formas virtuales para representar el fondo, también debes prestar atención a embellecer el fondo. Si el personaje de la fotografía digital original es una flor roja, entonces, por supuesto, necesita buenas hojas verdes que combinen. De lo contrario, incluso las mejores fotografías de su cliente podrían verse arruinadas por un fondo defectuoso. Permítanme hablar sobre los métodos de procesamiento específicos en segundo plano en los pasos específicos del diseño rápido. En cuanto a la composición, he visto a algunos expertos de muchos lugares realizar análisis detallados de la composición de la imagen y hacer clasificaciones específicas de la composición: por ejemplo, la composición contrastante se puede dividir en: contraste de área, contraste de densidad, contraste de tamaño, contraste dinámico y estático. , contraste frío y cálido, contraste virtual y real, contraste claro y oscuro, contraste de color complementario, etc. Otros han establecido tres principios para la composición: 1. Composición equilibrada; 2. Composición simple; 3. Composición diversa; Todo esto. No se equivocan. Pero personalmente creo que las composiciones no deberían estar sujetas a un marco determinado. En cualquier teoría sobre composición, hay un tema que es indispensable: el equilibrio. Siempre que el equilibrio entre los elementos compositivos de la imagen se logre en un plano bidimensional, cualquier composición que desees será científica. El equilibrio produce armonía psicológica y la armonía es belleza. El equilibrio en el diseño solo necesita lograr dos puntos, que son los elementos del equilibrio: el centro de gravedad es en realidad el punto de apoyo de todo el diseño. No es necesario que esté en el centro de todo el diseño. invisible e interactúa con la palanca de la que hablaremos a continuación tendrá un efecto. Sin este centro de gravedad, no hay influencia. Apalancamiento Tenemos que remontarnos a nuestra época de estudiantes para revisar nuestros apalancamientos físicos. Porque es muy importante en nuestro diseño gráfico y composición. Si no tenemos esto en cuenta al diseñar, es probable que el trabajo fracase. Si tienes tres fotografías digitales frente a ti, debes formatearlas ahora. Por lo general, las tres fotos no tendrán el mismo tamaño o se verán insípidas. No se pueden combinar tres fotografías de diferentes tamaños en una línea paralela (de lo contrario, se verán aburridas o demasiado ordenadas). Deben estar dispuestas de manera irregular y agregar texto y otros elementos de diseño. Durante el proceso de alta, si los comparamos con objetos en una balanza, ¿deberíamos poner el mismo peso en ambos extremos de la balanza? El problema es que es imposible que todos los objetos pesen exactamente lo mismo en ambos lados de la balanza, lo que provocaría que la balanza se inclinara en ambos extremos. Así es, está inclinado. Si te inclinas, puedes mantener el equilibrio. Esto se llama apalancamiento.

En otras palabras, cuando organizamos fotos en el diseño, podemos seguir esta idea y organizar las tres fotos que tenemos en la mano en un ángulo oblicuo sobre el diseño para lograr un equilibrio. Mientras hagas esto, el problema de cómo componer la imagen se resolverá fácilmente. El papel del texto y los elementos de diseño En mi opinión, el papel del texto y los elementos de diseño en el diseño digital es similar. Por supuesto, es innegable que las palabras tienen su propio contenido y significado. Sin embargo, en el diseño digital comercial del estudio, frente a una gran cantidad de procesamiento fotográfico, el contenido expresado por el texto en sí no es muy importante, siempre que pueda expresar el significado de poesía, romance, belleza y bendición. Por supuesto, esto también debe coincidir con el contenido del diseño. Los elementos de texto y diseño tienen tres funciones principales en nuestro diseño digital: 1. Después de todo, las palabras funcionales decorativas y los elementos de diseño no son el cuerpo principal del diseño, pero pueden embellecer la imagen. Sin ellos, nuestros diseños pueden parecer aburridos y aburridos. Al igual que cuando hacemos carne salteada, agregamos algunas otras verduras y condimentos pigmentados. Esto no solo hace que el plato se vea mejor y despierta el apetito de la gente, sino que también aumenta el sabor del plato. Los elementos de texto y diseño deben usarse con fluidez y habilidad en aplicaciones específicas, y deben integrarse con el diseño general. Si se usan correctamente, pueden ser el toque final. 2. ¡La composición vuelve a ser cuestión de composición! La composición del texto y los elementos de diseño juega un papel de apoyo en todo el proceso de diseño del diseño. ¿Qué es la composición auxiliar? Cuando no puedas lograr una composición equilibrada usando solo el sujeto (también conocido como la persona en tu fotografía digital), puedes usar texto y elementos de diseño para ayudarte a lograr tu objetivo. 3. La relevancia se encuentra a menudo en el diseño. La falta de correlación entre los personajes hace que la imagen parezca demasiado suelta y no lo suficientemente compacta, lo que fácilmente puede generar desorden y falta de integridad en el diseño. En este caso, el texto y los elementos de diseño pueden funcionar bien. Establece conexiones entre personajes.

4. ¿Cómo empezar rápidamente con la súper creatividad en la última etapa de la digitalización? Primero, no sé cómo ser creativo después de tomar las fotos. Preste atención a los pasos generales de producción y diseño: precoloreado → retoque → cree un nuevo lienzo según sea necesario → determine el color principal → procesamiento de fondo → descarga de caracteres → complemente texto y elementos de diseño → ajuste el color general → procesamiento de salida → ahorrar. En segundo lugar, inicie rápidamente el paso del diseño de producción. El primer paso: la coloración previa se llama "coloración previa" porque cuando abres una imagen original por primera vez, no estás seguro de cuál será el efecto final. Sólo cuando se finalice el diseño general se volverá a ajustar la armonía general del color. En este sentido, la combinación de colores "preliminar" en este paso es principalmente para obtener una escala de grises relativamente normal y un color de piel relativamente normal del personaje al iluminar y contrastar la foto original. El método específico se ha mencionado en mi curso de formación. A algunas personas les gusta reparar y luego colorear la película, lo cual es teóricamente posible, pero en la práctica, dado que la escala de grises de la película sin ajuste de color suele ser estrecha, generalmente se dice que las luces y las sombras no son suficientes. En este caso, el ojo humano no puede predecir si la película reparada cumplirá con nuestros requisitos después del ajuste de color. Pero la mayoría de las veces, las capas originales han cambiado y el parche sin tono no se puede restaurar después de la tonificación. A menos que tenga un conjunto muy estandarizado y complejo de procedimientos profesionales de edición de fotografías, es un poco irreal para una entidad como un estudio fotográfico. Paso 2: reparar la película Uno de los puntos clave en la reparación de la película es cómo pulir rápidamente la piel. El método tradicional de retoque es compensar los defectos de la fotografía copiándolos y cubriéndolos constantemente con herramientas de reparación de PS o herramientas de sello. Este método es sin duda cruel para la carga de trabajo que supone reparar cientos o incluso miles de fotografías digitales cada día. Por lo tanto, el uso de pinceles históricos como método principal, complementados con herramientas de reparación o herramientas de sellado, puede reducir en gran medida esta carga y garantizar que la relación entre la luz y la oscuridad de los personajes de la imagen original no se destruya en gran medida. Hablé sobre cómo usar el pincel histórico en la clase de entrenamiento. Aquí me gustaría recordarles: (1) Cuando use el pincel histórico, debe evitar que se destruya el contorno del borde del personaje. (2) Antes de utilizar el pincel histórico, es clave dominar la medición del tamaño del paso del desenfoque gaussiano. El valor del desenfoque gaussiano afecta directamente la suavidad y el realismo de la textura de la piel humana. Depende de si la piel del personaje está borrosa y suave en la operación real, pero no puede estar demasiado borrosa, lo que provocará la pérdida de niveles de luz y oscuridad. (3) Existen algunas desventajas al utilizar pinceles históricos para parchear parches, principalmente a expensas de la textura real de la piel. Pero encontré una razón más razonable para mis acciones. Los requisitos de calidad del producto para fotografías de estudio son diferentes de nuestros requisitos habituales de expresión artística. Los estudios fotográficos tratan con clientes comunes y corrientes, pero la mayoría de los clientes solo requieren una piel brillante y suave, y algunos incluso no están de acuerdo con buenos trabajos con una textura de piel fuerte. Ésta es también la característica estética de los clientes chinos. Paso 3: cree un nuevo lienzo según sea necesario. Este paso es fácil de entender. En nuestro lenguaje habitual se llama: abrir un archivo. Además de garantizar el tamaño y la resolución correctos, también puede utilizar una línea auxiliar azul en el medio del lienzo para determinar la costura central y evitar colocar por error los caracteres del cliente en la costura central durante el diseño, lo que provocaría retrabajos. Paso 4: Determinar el color principal Paso 5: Procesamiento del fondo El efecto final del fondo juega un papel importante en todo el diseño. Es un contraste importante para el personaje principal. Si el diseño del diseño puede expresar el tema creativo, el fondo es crucial. Siempre que el fondo se maneje correctamente, la disposición de los personajes en la parte posterior puede ser más simple. Un punto adicional: al procesar el fondo, es mejor tener en cuenta las características de la fotografía que se va a descargar. Por ejemplo, el procesamiento de fondo será diferente entre primeros planos y tomas de cuerpo completo. Considerar completamente las características de estas fotografías para el procesamiento en segundo plano contribuirá a obtener el doble de resultado con la mitad de esfuerzo en la composición posterior.

Paso seis: dispersión de personajes La distribución de personajes es la parte principal de la composición. Mi resumen de la composición es: hay grandes y pequeños, adelante y atrás, vacíos y sólidos, gruesos y livianos, arriba y abajo, primarios y secundarios, principalmente la descarga de los personajes. De hecho, la composición de los personajes no es un simple empalme de diseño. Durante el proceso de diseño, también debemos considerar cómo integrarse con el fondo y la imagen completa. Este también es un aspecto que la mayoría de los diseñadores de posproducción digital no consideran. trabajo, lo que resulta en el llamado asesino número uno del diseño. La integración de personajes e imágenes proviene primero de tu comprensión de las fotografías (los conceptos estéticos que cultivaste anteriormente jugarán un papel importante aquí). Una vez que haya captado un sentimiento durante el proceso de diseño, debe hacer todo lo posible para utilizar varias técnicas para fortalecerlo. Una vez que tengas un sentimiento, habrá inspiración. ¿De dónde viene la inspiración? A un diseñador experimentado se le pueden ocurrir varias opciones tan pronto como vea la foto. Lo que lo hace aún más desafiante es que es posible que no tengas inspiración hasta que se lance el diseño. Durante el proceso de diseño, la dirección de la transición de luz y oscuridad de un fondo, el método de composición de una capa o la posición perfecta de una foto pueden permitirle encontrar instantáneamente una sensación, que también es la mayor alegría. que trae el diseño. Hasta que encuentres esa sensación lo único que tienes que hacer es seguir probando nuevos métodos de lanzamiento hasta quedar satisfecho. Paso 7: Hay muchas formas específicas de complementar el texto y los elementos de diseño. Aquí me gustaría enfatizar que el uso de texto y elementos de diseño requiere ligereza, flexibilidad, coherencia y suavidad. Esta es también una expresión importante de la estética y la moda de las fotografías de bodas. Paso 8: Ajuste de tono general Como dijimos antes, el ajuste previo solo puede obtener "una escala de grises relativamente normal y un color de piel de personaje relativamente normal" al iluminar y contrastar la foto original. Pero tal vez lo que usted llama "escala de grises relativamente normal y color de piel de personaje relativamente normal" no esté coordinado con su diseño general, porque su diseño puede estar dominado por tonos azules y, en este caso, el color de piel de su personaje no debería ser consistente. blanco y rojo. En otras palabras, en este paso necesitamos unificar el todo y una vez más fortalecer el sentido de totalidad para expresar la idea principal. De hecho, podemos omitir este paso. Dado que también podemos realizar ajustes generales simultáneamente en todos los pasos anteriores, es una buena idea coordinarnos a medida que avanzamos. Paso 9: Procesamiento de salida. ¿Ya completó el diseño de varias páginas? No te preocupes, esto aún no ha terminado. La imagen que diseñaste finalmente debe publicarse, pero descubrimos que el resultado no fue tan bueno como imaginamos: la piel del personaje se veía seca y no lo suficientemente delicada, los ojos estaban apagados y débiles, el cabello y el contorno del personaje estaban un poco borrosos; , etc. . Un amigo descubrió que había algunos problemas con mi método después de dejar la formación. Por ejemplo, ¿la pantalla de salida parece un poco plana? ¿O es como un velo en la superficie? O la piel del personaje es demasiado afilada, ¡a veces incluso aparecen partículas de mosaico! No me culpes por nada de lo anterior, jaja, ¡soy inocente! ¿Por qué no sucede esto cuando uso este método? ¿Es porque tienes algún problema con uno o varios pasos al utilizar este método? Si sucede, no abandone este método, pruebe más hasta que pueda manejarlo a su satisfacción.

Estoy de acuerdo contigo en una cosa: ¡encontraste una manera mejor que esta! Paso 10: Me salté este paso sin decir una palabra, ¡jaja!