Quiero saber información básica sobre cómo aprender fotografía. ¿Qué profesor me puede dar alguna información? Cuanto más detallado mejor. Ah, aquí está. Gracias.

El primer paso en la fotografía digital es tener claridad.

¿Qué es la claridad? ¿Es este un concepto absoluto? Debido a que tenemos diferentes necesidades, tenemos diferentes conceptos de claridad. Aquí hay tres conceptos: precisión del enfoque, selección de profundidad de campo y fluctuación. No hay nada que decir sobre la precisión del enfoque del AF CC actual, a menos que el sujeto que desea fotografiar no esté dentro del rango de enfoque de la cámara o la escena sea extremadamente oscura, el AF aún puede garantizar la calidad. A menos que tenga requisitos más altos, como obtener distancia hiperfocal, etc. , estas son técnicas avanzadas y deberían discutirse en Wuji en lugar de aquí.

En segundo lugar, la profundidad de campo. Hablando de profundidad de campo, necesitamos dar otro concepto: círculo de difusión, explicación sustantiva: círculo de difusión: círculo de difusión. Antes y después de enfocar, la luz no puede converger en un punto y la imagen del punto se convierte en un punto circular borroso y ampliado. El círculo exterior de este punto de luz se llama círculo de difusión. Evidentemente, cuando el tamaño del círculo de confusión es lo suficientemente pequeño, el ojo humano lo percibirá como un punto indistinguible. En este momento, sentiremos que a cierta distancia antes y después de la distancia focal, todas las imágenes son muy claras. Esto crea "profundidad de campo". El concepto de círculo de confusión en la profundidad de campo se denomina círculo de confusión permisible, que cambia con el cambio de resolución de observación humana, y la profundidad de campo cambia con la aceptabilidad del círculo de confusión.

Por último, tramado.

Para contarles una historia, hace 15 años, aprendí fotografía por primera vez en un grupo de interés en la escuela secundaria. El profesor era un chino que había regresado de Indonesia. En ese momento no tenía ningún interés en escuchar las lecciones teóricas del profesor. Con una buena familia, simplemente desperdiciaría película. Después de tomar fotografías por un tiempo, hubo un concurso de fotografía en el Palacio de los Niños (soy relativamente joven, por lo que esta oportunidad ya es una oportunidad única para lucirme). Las películas en blanco y negro deben ampliarse a más de 8 pulgadas para poder competir. ¡Bajo la lupa del profesor, el enfoque y la vibración de mi película se magnificaron implacablemente hasta el punto de que me deprimió! Sólo entonces me di cuenta de lo importantes que eran las "normas y reglamentos" que mencionaba el profesor.

Para mantener la cámara quieta, ahora puedo hacer esto: a una distancia focal de 50 mm en relación con 135, cuando la mantengo firme durante 1/4 de segundo, es posible que el movimiento no sea visible en la pantalla LCD, y cuando me mantengo firme durante 1/125 segundos, no se puede ver ninguna fluctuación cuando se hace un acercamiento a 7 pulgadas, y definitivamente no se puede ver ninguna inquietud cuando se hace un acercamiento al formato A3. La forma correcta de sostener la cámara es nivelar el visor con los ojos. En este momento, su mano izquierda sostiene firmemente el codo izquierdo de la cámara y la apoya sobre las costillas, formando un ángulo de 3 ángulos, mientras que su mano derecha sostiene firmemente el mango y sostiene firmemente el codo derecho sobre las costillas, que también forma un 3. -ángulo ángulo. Al mismo tiempo, los dos brazos forman naturalmente tres esquinas. Cualquier persona con algún conocimiento de física debería haber experimentado su estabilidad. Movimientos de la mano: el pulgar controla el dial multifunción y el dedo índice se coloca suavemente sobre el obturador para respirar de manera uniforme, como tirar del arma para lograr "apuntar intencionalmente, disparar involuntariamente". En este momento, el maestro ha alcanzado el estado de integración del hombre y la máquina, ¡y cada diez pasos lo matará! Por supuesto, es absolutamente imposible no temblar. Incluso si usas Gitzo, al menos vibrará en su frecuencia natural, dependiendo de tus necesidades.

Jaja, fuera de tema, el mejor anti-vibración es usar un flash especialmente configurado. Esto es de conocimiento común. En la actualidad, las luces de flash pueden alcanzar fácilmente más de 1/1000 de segundo desde que se encienden hasta que se apagan. No es raro que muchas linternas avanzadas (los jugadores avanzados aquí son relativos a los novatos) alcancen 1/1w de segundo, y hay. sin vibración mecánica.

Introducción a la Fotografía Digital (2) Exposición Precisa

La definición de exposición, si se explica científicamente, es: la intensidad de la luz multiplicada por el tiempo que tarda la luz en actuar. La "intensidad de la luz" en la definición se refiere a la intensidad de la luz que ilumina el CCD, es decir, la iluminancia (I representa la iluminancia, la unidad es lux). El "tiempo de exposición a la luz" en la definición se refiere al tiempo que la película fotosensible está expuesta a los rayos del Amor, es decir, el tiempo de exposición (t representa el tiempo de exposición, en segundos). La exposición se mide en lux segundos. Tomando e como exposición, la fórmula de exposición es la siguiente:

e (exposición) = I (iluminancia) × T (tiempo de exposición)

Según esta fórmula, si quieres para obtener una cierta exposición Cuanto mayor sea la intensidad de la luz, menor será el tiempo de exposición; cuanto menor sea la intensidad de la luz, mayor será el tiempo de exposición; Si se duplica la intensidad de la luz, el tiempo de exposición debe reducirse a la mitad. Si la intensidad de la luz es 2, el tiempo es 4, la exposición es 8; si la intensidad de la luz es 4, el tiempo es 2, la exposición sigue siendo 8.

Al disparar con Fuji S2Pro, primero mide la superficie del agua y ajústala manualmente a este valor. La exposición tendrá un efecto de silueta.

Exposición igual

Entendemos claramente esta simple verdad: una apertura mayor permite que pase más luz a través del objetivo y llegue a la película que una apertura más pequeña, y una velocidad de obturación más lenta A más velocidad. La velocidad de obturación permite que la luz permanezca en el CCD por más tiempo. Puede evolucionar a la siguiente situación: la combinación de apertura f/1,8 y velocidad de obturación de 1/500 segundos, y la combinación de apertura f/4 y velocidad de obturación de 1/100 segundos, el efecto de exposición es el mismo. También son consistentes con las exposiciones obtenidas con una apertura moderada de f/8 combinada con una velocidad de obturación moderada de 1/25 de segundo. Esto se llama "exposición en espera".

Las cantidades de exposición de los tres conjuntos de combinaciones de exposición anteriores son iguales, la densidad reflejada en el negativo es consistente y los niveles tonales y la reproducción tonal reflejados en el CCD son consistentes. Sin embargo, existen dos diferencias importantes en los efectos de imagen entre los dos: primero, la diferente profundidad de campo se debe al tamaño de la apertura; segundo, la diferente claridad de las imágenes en movimiento se debe a la velocidad de obturación;

A partir del principio de igual exposición, sabemos que una igual exposición con diferentes combinaciones de exposición puede lograr el mismo efecto de exposición de densidad negativa. Sin embargo, en la práctica de la fotografía, de acuerdo con la diferencia entre el sujeto y el sujeto, se debe seleccionar la mejor combinación de exposición entre varias combinaciones de exposición que puedan producir la misma densidad para expresar el tema de la fotografía. Este es el concepto de exposición selectiva.

Publique una aplicación con la que esté bastante satisfecho recientemente en términos de control de exposición. Es una linterna para interior y exterior. Primero mida el flash, luego el reflector y ajuste constantemente la distancia y el ángulo del reflector para lograr una diferencia de relación de luz de 2,5 bloques. El fondo detrás está iluminado intencionalmente en la esquina superior izquierda para crear una sombra virtual que equilibre la imagen.

Aquellos fotógrafos experimentados saben por la teoría y la experiencia práctica de la fotografía que, aunque cada conjunto de obturador y apertura puede producir el mismo efecto de exposición, la profundidad de campo y la claridad de los objetos en movimiento en la imagen son muy diferentes. . No es lo mismo. Se debe considerar cuidadosamente qué combinación de exposiciones utilizar. ¿Necesita utilizar una apertura más pequeña para obtener una escena más clara? ¿O utilizar una velocidad de obturación más alta para capturar una "imagen congelada" del objeto perturbado? ¿O utilizar una profundidad de campo muy corta para difuminar el fondo y resaltar el sujeto? ¿O utilizar una velocidad de obturación más lenta para mejorar el movimiento de un objeto en movimiento? Espera un momento. Todo esto requiere que el cerebro del fotógrafo piense y tome decisiones, que esas "cámaras automáticas" no pueden resolver, porque las "cámaras automáticas" no tienen la capacidad de pensar. Las personas con la capacidad de pensar en imágenes pueden operar fácilmente la cámara para completar sus propias ideas. Ésta puede ser la diferencia entre la "exposición automática" de la cámara y la "exposición selectiva" activa de las personas.

¿Qué es la exposición precisa? En resumen, el significado de exposición correcta debería ser: permitir que el CCD reciba la cantidad adecuada de luz en el momento adecuado.

Hablando de exposición, primero tengo que hablar de la exposición regional de Adams. Una de las mayores contribuciones del fotógrafo estadounidense A. Adams, maestro de la fotografía de paisajes, a la industria de la fotografía es la creación del concepto de "área de exposición". De todos modos, ni yo mismo lo entiendo del todo. Hay suficiente teoría en él para escribir un libro. Pero ahora mi rodaje se basa en este entendimiento.

¿Por qué podemos ver cambios en la geometría de la imagen? Los amigos que hayan aprendido a dibujar lo entenderán fácilmente. La imagen no es más que una transición continua desde reflejos blancos hasta un gris medio saturado y una oscuridad total. Esta transición nos permite discernir el contorno de un objeto.

Las técnicas de disparo más tradicionales siguen siendo las más efectivas en el ámbito digital. Cuando ves una imagen, ¿qué quieres mostrar? Es decir, quieres que muestre los colores más saturados y los detalles más ricos. Simplemente apúntalo y pruébalo, y luego expóngalo de acuerdo con el valor de la prueba. La película resultante será normal. No te decepcionará. Por supuesto, si desea que otras partes muestren algunos detalles, debe usar reflectores y absorbentes para controlar estos lugares dentro de las tolerancias de su CCD, o cambiar el ángulo y otros cambios de luz para reducir la proporción de luz. Por otro lado, si desea que ciertas partes aparezcan en blanco y negro puro, desfase esas partes en más de 5 paradas del valor de exposición y verá lo que desea ver. Comprender la importancia de la medición puntual y el funcionamiento manual de la cámara.

Por supuesto, el rodaje real no es tan simple. Especialmente documentales. Tienes que limitar la luz y, al mismo tiempo, la luz también te limita a ti. A menos que haya seres vivos en la habitación, es difícil conseguir una luz perfecta. Pero las oportunidades suelen ser fugaces. En este momento, la experiencia se vuelve muy importante. La exposición periférica es un medio eficaz. Pero no es una panacea, al menos la medición periférica no puede cambiar la relación de luz objetiva. En palabras de Cartier-Bresson, "Hay que seguir cambiando el ángulo". Cambiar el ángulo no sólo cambia la composición, sino que también aumenta la restricción de luz sobre uno. Hay tantas cosas que se pueden utilizar, como reflejos de agua, paredes blancas, etc., incluidas muchas situaciones imprevistas, como nubes finas que pueden suavizar el sol.

No puedo escribir más aquí, es solo que mi nivel es demasiado bajo. Muchas cosas sólo pueden entenderse pero no expresarse, pero tu propio pensamiento sigue siendo muy importante. Como dice el viejo refrán, lo que cuenta es tu cerebro detrás de la cámara.

Introducción a la Fotografía Digital 3: La Sección Áurea

La palabra composición es la transliteración del inglés COMPOSITION y es un término propio de las artes plásticas. "Cihai" dice que "composición" significa que para expresar el tema y el efecto estético de la obra, el artista organiza y procesa la relación y posición de personas y objetos en un espacio determinado, y forma imágenes individuales o parciales en un arte. entero. En la pintura tradicional china, se le llama "composición" o "diseño".

En primer lugar, hablemos de la distribución y forma de la composición. Aquí hay que mencionar dos términos: Jiugongge y Fun Center.

Hablemos primero de la famosa sección áurea y luego de la cuadrícula de nueve cuadrados.

Desde que los antiguos griegos descubrieron la sección áurea, esta proporción se ha considerado como la mejor proporción para la estética y ha sido ampliamente utilizada.

De hecho, la sección áurea es una regla de división en las artes plásticas. También conocida como proporción áurea, conocida como proporción áurea. Su división consiste en dividir una línea recta en dos partes, de modo que el cuadrado de una parte sea igual al producto de la otra parte por el todo, o la razón de una parte al todo sea igual a la razón de la otra parte. a esta parte. Es decir, el segmento de recta AB se divide por el punto C, de modo que (AC) 2 = CB× AB, o AC ∶ AB = CB ∶ AC.

La práctica ha demostrado que la proporción es de aproximadamente 1,618:1 o 1:0,618, lo que se denomina proporción áurea. La proporción áurea fue descubierta por primera vez por los antiguos griegos. Hasta el siglo XIX, los europeos la consideraban la proporción más bella y armoniosa.

La proporción áurea se usa ampliamente en artes plásticas y tiene valor estético, especialmente en el diseño de artes y oficios y diseño industrial (como el diseño de libros) con una relación longitud-ancho, por lo que se llama sección áurea. A mediados del siglo XX, el arquitecto francés Le Corbusier descubrió que la proporción áurea tiene naturaleza de serie. Combinando las dimensiones del cuerpo humano, propuso el esquema de la regla dorada y lo utilizó como medida de la belleza arquitectónica moderna. Francia también produjo un grupo de pintores cubistas llamado Escuela de la Sección Áurea, que se centró en las proporciones de la forma.

En realidad, la proporción áurea es sólo una aproximación. La forma más sencilla es obtener las proporciones aproximadas de 2:3, 3:8, 13, 21...

5, 5:8, 8:13, 13:21. Este método de segmentación también se utiliza en métodos de optimización.

Hablemos del Jiugongge. El origen de la cuadrícula de nueve cuadrados es un patrón de composición inventado por los chinos, pero casualmente, ¡tiene una conexión teórica sorprendente con la sección áurea! Dividimos las líneas superior, inferior, izquierda y derecha de la imagen en cuatro líneas. ¡Nos sorprendió descubrir que esto es lo que los antiguos de nuestro país llamaban la cuadrícula de nueve cuadrados!

Se ha descubierto que los cuatro puntos donde se encuentran las cuatro líneas de Nine Palace Grid son los lugares más sensibles para la visión humana. En la teoría de la fotografía extranjera, estos cuatro puntos se denominan "centros de interés". Como sugiere el nombre, se ha demostrado repetidamente que el "globo ocular" se obtiene más fácilmente cuando el sujeto está en o cerca de estos cuatro puntos:

Los cuatro ecos de equilibrio simétricos de "Introducción a la fotografía digital"

Hablamos de simetría, equilibrio y eco

En la pintura tradicional china, la estructura de la composición se llama "composición" o "diseño", y "la composición del papel es lo primero". La gestión de posiciones es como Go. Puedes jugar una partida de ajedrez sin confundirte. El papel común también puede perder tinta, así que asegúrese de no usar un bolígrafo para expresar nada de manera casual. Hay una manera de jugar al ajedrez y hay una razón para jugar. Una pérdida es como perder la partida. Los antiguos comparaban la composición con jugar al ajedrez. Cuando la fotografía se vuelve así, debe haber una determinada composición y disposición. Hegel dijo en "Estética" que "un artista no debe tallar una escultura completamente primero y luego considerar dónde colocarla, sino que al concebirla debe conectarla con un determinado mundo externo y sus formas y partes espaciales".

1. Posición horizontal, para que la imagen tomada no quede sesgada. Puedes utilizar edificios, postes telefónicos y otros objetos paralelos o perpendiculares al suelo como objetos de referencia para intentar mantener la imagen equilibrada al encuadrar.

2. El equilibrio de color es bueno y la imagen debe tener una fuerte sensación de superposición para garantizar que el sujeto pueda destacarse de todos los fondos. Como el equilibrio de color complementario (imagen de abajo), las llamadas flores rojas y hojas verdes coinciden con este principio. Con el mismo equilibrio de color, las personas que visten ropa negra generalmente no están programadas para ser fotografiadas sobre un fondo oscuro.

3. El primer plano juega un papel en el equilibrio de la imagen. A veces, cuando encontramos que los espacios en la imagen están desequilibrados, como cuando el cielo está despejado y monótono, colocamos ramas y hojas caídas en la parte superior para compensar las deficiencias de la imagen, a veces la parte inferior de la imagen no puede ser; presionado hacia abajo. Cuando la parte superior es pesada y la inferior liviana, puede usar rocas y barandillas como primer plano. Los colores oscuros hacen que la imagen sea depresiva y logran un efecto estable y equilibrado. El primer plano utiliza un enfoque virtual, dando a las personas una sensación nebulosa y hermosa.

4. En blanco. Es el vínculo entre los objetos en la pantalla de comunicación y las relaciones entre ellos. Los espacios en blanco juegan el mismo papel en una imagen que los signos de puntuación en un artículo, ayudando al autor a expresar sus sentimientos.

Es necesario dejar una cierta cantidad de espacio en blanco en la pantalla para resaltar el tema. Para tener un impacto visual, es necesario dejar una cierta cantidad de espacio a su alrededor. Se puede decir que esto es una ley de las artes plásticas. La gente necesita espacio para apreciar los objetos. Es difícil apreciar la belleza de una bella obra de arte si se coloca entre un montón de objetos desordenados. Sólo cuando haya una cierta cantidad de espacio a su alrededor se liberará su luz artística. Si una imagen está llena de entidades, le dará a la gente una sensación deprimente. Sin embargo, si el espacio en blanco en la imagen es el correcto, le dará a la gente margen de maniobra visual. "Si el cuadro estuviera vacío durante tres minutos, sobrevendría la ira".

En la vida real, todos los objetos estables tienen una forma equilibrada: las cuatro patas de una mesa son estables; construir una casa con un fondo pequeño y una parte superior grande da a las personas una sensación de inestabilidad; caminar es incómodo; obviamente, la postura de las personas durante el parto es lograr el equilibrio corporal para adaptarse a las características de este tipo de parto. Muchos fenómenos de la vida cultivan la demanda psicológica de equilibrio de las personas y desempeñan un papel en el proceso estético de las personas. En general, la imagen debe ser equilibrada y estable, haciendo que las personas se sientan estables, armoniosas y completas. Aprovechando los factores psicológicos de las personas que exigen equilibrio, podemos enfatizar la expresividad del cuadro desde varios aspectos:

a. La simetría siempre ha sido enfatizada por nuestra nación y siempre ha sido palaciega. Todos los capiteles están dispuestos simétricamente. Destaca una atmósfera solemne, una relación simple y solemne mostrada en un equilibrio simétrico "estable".

b. La realidad virtual se hace eco del diseño, al igual que los jardines de Jiangnan. En algunas imágenes de paisajes líricos que enfatizan la elegancia, la tranquilidad y la suavidad, se requiere que el equilibrio cambiante de la imagen sea escaso y denso, virtual y real, pero se requiere el equilibrio general. En una escena idílica, sería mejor si hubiera una vaca en la esquina inferior izquierda y una nube en el cielo en la esquina superior derecha.

El contraste y el contraste también son técnicas de equilibrio utilizadas habitualmente. Recuerdo una pintura famosa de un hombre blanco gordo sosteniendo la mano de un niño africano hambriento (no puedo encontrar esta imagen en línea, solo puedo dejar que todos se la imaginen) que conmocionó los corazones de todos.

El efecto del contraste de tamaño, para expresar plenamente el contenido de las páginas y dar a la audiencia una impresión clara de la imagen principal, a menudo debe expresarse en forma de contraste entre lo grande y lo pequeño, lo largo y lo corto.

Cinco líneas y triángulos para una introducción a la fotografía digital

La gente suele utilizar un "grupo de líneas direccionales" en la composición, lo que a menudo da como resultado un efecto "radiante". En la mayoría de los casos, la mirada del espectador se dirige hacia el sujeto y el efecto completo es una atmósfera que irradia hacia afuera en línea recta desde el sujeto. Esta es una forma sencilla de lograr la visualización. Otra habilidad básica de la composición fotográfica es el uso de "líneas internas" que introducen al espectador en la imagen. Aunque existen muchas formas complejas de líneas de entrada, las formas de C, de S y las líneas diagonales con sentido de perspectiva son las más fáciles de reconocer y exitosas.

“La línea en forma de C también es una línea de entrada eficaz, pero al disparar, tenga cuidado de no entrar en la línea de perspectiva desde ninguna esquina inferior. En términos generales, la línea de entrada interior no debe comenzar desde. cualquier esquina, pero debe comenzar desde un punto de medición ligeramente desplazado desde el centro del borde inferior."

En cuanto a la línea en forma de S, algunas personas la llaman "línea del cuerpo". Esta es una de las primeras hermosas líneas de composición propuestas por Hogarth. Porque proviene de la grácil figura femenina: una forma de "S" ligeramente alargada. Como línea de composición común, realmente puede dejar una profunda impresión en las personas.

El encanto de las líneas en forma de S

Al utilizar líneas para componer una imagen, preste atención a las líneas rectas de la imagen, especialmente a las líneas rectas paralelas a la imagen, que no pueden extenderse ininterrumpidamente de un lado de la imagen al otro. De lo contrario, es fácil que se produzca la siguiente situación: la intención original es tomar sólo una fotografía, pero el resultado parecen ser dos negativos no relacionados impresos en un mismo papel fotográfico. Este problema es más probable que ocurra al fotografiar escenas naturales, como el horizonte en el medio y el cielo y el suelo ocupan la mitad de la imagen. ¿Si aún corriges este problema? En el libro "Composición fotográfica" (Composición fotográfica), en coautoría de los fotógrafos estadounidenses B. Clements y D. Rosen con Field, se señala que mientras "interrumpa la continuidad de esta línea recta, los gráficos de una parte de la imagen se extiende a otra parte de la imagen y el sentido general de la fotografía queda firmemente establecido”.

La composición diagonal es una imagen muy direccional. Este tipo de composición se utiliza a menudo cuando el autor espera dirigir la atención del lector hacia algo obvio, o mostrar el encanto de la línea en sí, porque todo el mundo sabe que la línea más larga en una imagen rectangular es la línea diagonal. Otra situación común es cuando dos centros interesantes no son obvios pero necesitan estar conectados de alguna manera, y el autor también necesita una forma para conectarlos. Mirando la imagen, es una tarjeta de presentación que refleja la grandeza del puente. El puente reluciente se extiende por dos esquinas y parece salirse de la imagen.

Los espacios en blanco mencionados en el artículo anterior son a menudo formas geométricas, y el no triángulo más simple y expresivo entre las formas geométricas. El triángulo equilátero a menudo expresa una emoción estable y se usa a menudo en arquitectura, hombres adultos. , gente exitosa, etc. ocasión. Si hay personas mayores aquí, quizás aún recuerdes que hay una imagen en el libro de texto que muestra a Wang Jinxi, un modelo laboral en la ciudad de Daqing, usando la composición del triángulo de Li Zheng para expresar la fortaleza y la fortaleza del sujeto.

La composición del triángulo inestable puede animar la imagen y se utiliza a menudo en mujeres cambiantes. La siguiente imagen es un ejemplo. Por supuesto, este tipo de composición también se puede utilizar para representar emociones inestables e irritables, pero todavía no he encontrado una demostración gráfica adecuada.

De todos es sabido que el compositor y el piano son casi dos en uno, dos en uno. Cabe decir que es más apropiado disponer al protagonista en la sala del piano. La clave es el tamaño del área que ocupan los personajes en la pantalla. El tratamiento de Newman contiene algunas relaciones dialécticas en el arte. Sabemos que algunos objetos ocupan un área grande en la imagen y pueden ser o no el tema de la imagen. Algunos objetos pueden parecer pequeños, pero también pueden ser el tema. , dependiendo de Depende de cómo el autor maneje la connotación temática y los factores estructurales de la obra. En general, vivir, guiar, moverse y cambiar son siempre más importantes y destacados, mientras que lo contrario nunca es tan importante como lo primero. En términos de expresión artística, aunque la forma es grande, si es solo un objeto de aluminio, puede guiar la línea de visión y resaltar el sujeto. Por lo tanto, una cosa grande puede parecer grande, pero en realidad parece muy pequeña a los ojos. del espectador, y uno pequeño parece muy pequeño en la superficie. Es pequeño, pero en realidad parece enorme para el espectador. Así entiende y maneja Newman la relación entre las personas y las cosas en esta obra. ¿Por qué el autor sólo tomó la parte superior del piano y no la inferior, y puso los personajes en las esquinas en lugar del centro? "Creemos que esto se debe a las siguientes consideraciones: en primer lugar, la superficie del piano, la cubierta del piano y los pilares del piano tienen un significado general, que es suficiente para explicar la profesión y la identidad del protagonista; por otro lado, desde un punto de vista artístico. de vista, con el fin de utilizar las leyes de la belleza formal para formar la imagen, una composición triangular compuesta por personajes, cubierta de piano, pilares y superficie de piano, puede atraer la atención de las personas, guiar el movimiento visual de las personas y formar una relación entre dos composiciones triangulares. con los personajes como centro, desde los personajes hasta los pilares y luego hasta la portada del piano, que no solo resalta el tema, sino que también brinda condiciones de tiempo y espacio para que los lectores tengan una amplia exposición y regusto. que se ajuste a la psicología de apreciación del público."

Seis citas célebres para iniciarse en la fotografía digital

Los maestros hablan de composición.

Algunas personas pueden tener talento para componer música. Sin embargo, según el fotógrafo estadounidense Willy Quick, casi cualquier persona puede alcanzar un nivel decente de competencia en composición fotográfica aplicando algunas reglas básicas. Para ello, sugiere algunos métodos sencillos.

Él cree que siguiendo estos métodos, cualquiera puede aprender a tomar mejores fotografías en poco tiempo.

Willy Quick señaló que el error más común que cometen los fotógrafos es disparar demasiado alto y demasiado lejos del sujeto, lo que lleva a varias cosas que no tienen nada que ver con el propósito de disparar.

Dijo: "Recuerde, el pintor pone cosas en la pintura y el fotógrafo saca cosas de la pintura. Dijo: "Una fotografía debe tener solo un centro interesante y no debe haber ninguno". céntrate en la imagen. Debe haber cosas inútiles. Si tienes dudas sobre si un objeto contribuye a la imagen, debes descartarlo tanto como sea posible". Esto es lo que la gente suele decir acerca de que la fotografía es "el arte de la resta". /p>

Rápido. Piensa: "Esto no significa que el centro de interés deba ubicarse exactamente en la intersección. Debido a esto, el centro de interés a menudo se encuentra cerca de la intersección".

Quick señaló: "Cada fotografía debe tener un cierto equilibrio. Es decir, la disposición del sujeto principal no debe hacer que el marco y la superficie parezcan inclinados hacia el lado más pesado. Pero el equilibrio no significa colocar dos cosas del mismo tamaño y forma en posiciones simétricas. La relación aquí es tan larga como se mira a los niños jugando en el balancín. Los más pequeños deben sentarse más lejos del medio y los mayores deben sentarse más cerca del medio. ”

Rápido. Piensa: “La disposición de líneas prominentes, que apuntan hacia el centro de interés, es otro factor para tomar una fotografía agradable. Estas líneas se denominan líneas principales y se pueden utilizar de manera efectiva para crear fotografías impresionantes. Disponga las líneas principales en diagonal Crea una fuerte sensación de movimiento

“Las líneas a menudo proporcionan un borde en una fotografía. Esto se puede hacer eligiendo un punto de vista, por ejemplo, con las ramas debajo de un árbol enmarcando al sujeto en la pantalla. Por lo general, se utiliza una pequeña apertura para hacer que toda la foto sea nítida. Hacer esto también puede hacer que los bordes se destaquen demasiado, pero si se organizan correctamente, el resultado será una foto excelente.

“En las fotografías, la posición del horizonte dará a las personas una fuerte impresión. Al tomar fotografías, trate de evitar la línea del horizonte en el contorno de la foto, porque al hacerlo, la foto se dividirá en dos. gente una sensación de aburrimiento.

La línea del horizonte en la parte inferior de la imagen dará una sensación de tranquilidad, mientras que en la parte superior dará una sensación vivaz y poderosa. Además, la imagen del banner puede crear. una sensación de paz y tranquilidad. Las imágenes verticales pueden producir efectos dinámicos.

Quick cree que si se utilizan bien los métodos anteriores, sus fotografías mejorarán significativamente y, a medida que pase el tiempo, pronto aprenderá a apreciarlas. composición, agregue así diversión a su fotografía. Se puede decir que a veces "una serie de líneas puede convertirse en un tema en sí misma si las líneas y la visión crean un sonido". los ojos de la mente del fotógrafo. El proceso de composición, también llamado "previsión", consiste en formar una imagen o impresión en la mente antes o mientras se fotografía un objeto. Al analizar constantemente la composición de su trabajo y el de otras personas, dominará sus habilidades de previsión y se volverá instintivo. "Esto es lo que a menudo llamo tomar fotografías con la mente.

El fotógrafo austriaco Ernest Haas también siente lo mismo. En cuanto a la composición, ha llegado al estado de no tener una espada en la mano, pero sí una espada en la mano. corazón Él cree que “la composición tiene que ver con el equilibrio, y cada uno maneja el equilibrio de manera diferente. "Al igual que cuando las artes marciales alcanzan su nivel más alto, no hay movimientos y sólo puedes confiar en tu propia capacidad para resolverlos. Él cree: "Cuanto más puedas olvidarte de tu equipo, más podrás concentrarte en tu tema". Materia y composición. En este momento, la cámara es sólo una continuación de tus ojos y no tiene otro significado. "Jacobs Jr. también cree: "Los factores más básicos de la composición son las líneas, las formas, las texturas y el espacio entre estos factores. Por supuesto, el color también es un factor que no se puede ignorar. Las líneas de convergencia generalmente pueden ilustrar relaciones de perspectiva, pero no todas las fotografías deben mostrar la profundidad de la perspectiva. Hay muchos trabajos excelentes en patrones planos. Los retratos de paisajes o personas en el visor están ordenados según los sentimientos personales del fotógrafo. Se dice que todos los controles en fotografía están al servicio de la emoción que se quiere expresar.

“En la mayoría de los casos, una o un grupo de formas juega un papel dominante en cada foto. El color, el volumen, la posición y otras formas en la foto sirven como factor dominante... Contraste. en composición se refiere al contraste entre lo grande y lo pequeño, lo claro y lo oscuro, lo cercano y lo lejano, lo activo y lo pasivo, lo suave y lo áspero, los colores ricos y claros, etc. Deberíamos hacer más uso de estos factores opuestos para hacer que el sujeto a través de ellos. , toda la composición se verá afectada. Por ejemplo, si la ley del contraste se utiliza correctamente, las fotos tendrán un gran encanto."

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¡Te deseo éxito!