Reglas básicas de la pintura arquitectónica
Leonardo da Vinci (1452-1519) estaba muy interesado en la perspectiva y su potencial. Anteriormente había estudiado la perspectiva de una sola línea de Albert, pero pronto descubrió problemas con la pintura. En primer lugar, no puede reflejar las diferentes texturas visuales de los materiales con la distancia; en segundo lugar, da a las personas una imagen que se limita a un punto de vista, destruyendo el sentido general del edificio y sus proporciones espaciales. Aunque no dejó una discusión sistemática sobre la perspectiva, sus pinturas arquitectónicas tendían claramente a combinar la vista de pájaro con la anatomía. Durante el Renacimiento se consideraba que el cuerpo humano y la arquitectura estaban conectados. Da Vinci, que era bueno en anatomía humana, naturalmente utilizó la anatomía humana para dibujar edificios. En el proceso de diseño arquitectónico, los dibujos anatómicos pueden mostrar la organización estructural del espacio y el volumen, y las vistas aéreas pueden mostrar formas completas. La vista aérea y la anatomía se combinan para formar una idea arquitectónica que combina el diseño arquitectónico y el diseño estructural en un todo en un espacio tridimensional.
Este tipo de pintura sólo se utiliza en el proceso de diseño, no en la expresión final. Porque aunque mejora la libertad de diseño y la capacidad de control del espacio del diseñador, la proporción no es alta y la escala no se puede reflejar sin agregar personajes. Para los trabajadores, no es ni grande ni fácil de entender. Esta vista es similar a la vista lateral oblicua común en la actualidad.
Bremont (1444-1514) fue una figura clave en la innovación de la perspectiva durante el Renacimiento. Creía que se podían combinar las respectivas fortalezas y debilidades de pintores y arquitectos. Abogó por que la pintura debería ser tan precisa y perfecta como la arquitectura, y que la arquitectura debería tener una buena imagen visual como la pintura. Esta es una reexpresión de la pintura. Creó una perspectiva "ilustrativa" para mostrar la imagen arquitectónica ideal. "Ilustraciones" no sólo contiene ejemplos de arquitectura antigua, sino que también combina la práctica y la creación con sus propios inventos e imaginación. Bremont también utilizó una vista de pájaro para representar el edificio, que es el método más adecuado para representar el espacio interior de un edificio de estilo nave. Al cortar el espacio arquitectónico, las vistas en sección se introducen en perspectiva. Este método es adecuado para representar un espacio global único, un espacio que se puede entender de un vistazo. Para espacios complejos, se superpondrán en el gráfico y debilitarán la expresividad. Cuando el maestro clasicista Rafael (1483-1520) se convirtió en arquitecto de la Basílica de San Pedro en Roma, dio un paso más en la sistematización del dibujo arquitectónico. Primero, dividió los dibujos arquitectónicos básicos en tres categorías: plano, alzado y sección, y abandonó la perspectiva central, indicando que la arquitectura que defendía debería ser una reflexión general, más que una imagen vista desde un punto de vista. Blémont extendió su perspectiva a lo lejos, mientras Raphael situaba su perspectiva en el edificio. Sus pinturas no son desde un solo punto de vista, sino desde múltiples ángulos, formando una imagen entre elevación y perspectiva. Esto muestra no sólo el volumen del espacio sino también el tallado detallado de las paredes. Hace que el pintor se sienta como si estuviera en un espacio tridimensional y realiza la imagen general del espacio.
Las pinturas arquitectónicas de Perrusi (1481-1536) también tienen el mismo efecto multipunto. En su pintura titulada La mejor vista de San Pedro, el plano, el alzado y la sección se fusionan en uno. Aunque expresa la impresión de espacio, no describe la verdadera apariencia del espacio interno, ni proporciona las dimensiones correctas del edificio, pero conecta orgánicamente el plano, el espacio externo y el espacio interno, y hereda a Duffin hasta cierto punto. medida. Pensamientos extraños.
De las expresiones arquitectónicas de este período, podemos ver que la sección vertical y la perspectiva se produjeron al mismo tiempo, y ambas son un medio para expresar ideas de diseño a través de diagramas. Hasta el siglo XVIII, la perspectiva y la sección longitudinal aparecían a menudo en un solo dibujo.
La pintura de Rafael demuestra que la combinación de perspectiva y elevación no disminuye el encanto de una escena. Desde el principio, la teoría de la perspectiva se combinó con los principios de la visión geométrica y las matemáticas de la proporción. La relación entre el observador y el edificio observado es también una cuestión clave de perspectiva. Aunque las pinturas en perspectiva de esta época son muy diferentes de las pinturas en perspectiva actuales, todas muestran que los arquitectos de esa época estaban preocupados por la profunda relación entre la pintura arquitectónica y la arquitectura: la autenticidad de la pintura arquitectónica.
Miguel Ángel (1475-1564) se opuso a todas las ideas del Renacimiento y al mismo tiempo revolucionó el lenguaje de la arquitectura. Sus pinturas reflejan una nueva interpretación del espacio arquitectónico: la arquitectura como estructura viva. Le gusta utilizar modelos para estudiar edificios y no presta atención a los dibujos arquitectónicos completos ni a los planos de construcción de los trabajadores. A menudo continuó revisando el diseño durante el proceso de construcción, porque en ese momento no había dibujos arquitectónicos como un plan final para el diseño arquitectónico. Miguel Ángel también sentó otro precedente: sus pinturas arquitectónicas fueron consideradas colecciones de arte por derecho propio, comenzando durante su vida.
En la década de 1530 se volvieron a valorar las secciones verticales y comenzó a surgir la distinción entre arquitectos y artistas, aunque los verdaderos arquitectos profesionales no se formaron hasta el siglo XIX. La perspectiva y la "media" perspectiva siempre coexisten con las secciones verticales.
En el siglo XVI, la impresión en cobre sustituyó a la xilografía, convirtiéndose en otra revolución en la historia de la imprenta y promoviendo el desarrollo de la industria editorial de arquitectura. Ardrea Palladio, considerado el primer arquitecto profesional de la historia, publicó el libro fundamental French for Architecture. Como otros arquitectos clásicos, creía que las secciones verticales sólo podían usarse para expresar con precisión la escala y los detalles de un edificio en relación con el conjunto. No hay perspectiva en sus pinturas e ilustraciones de libros, y la profundidad del espacio está representada por secciones transversales y sombras. Las ilustraciones del libro tratan sobre sus propios trabajos de diseño, pero no las dibujó estrictamente de acuerdo con las obras arquitectónicas reales. O el tamaño ha cambiado o la forma ha cambiado. Este libro trata sobre lo que esperaba lograr, no sobre lo que podía lograr. Sus intenciones arquitectónicas están inevitablemente limitadas por condiciones como el costo, el sitio, los artesanos y el tiempo. Sin estos dibujos, Partio creía que los dibujos arquitectónicos eran una forma de transmitir la intención del arquitecto, a veces más valiosa que el edificio mismo. Bernini (1598-1680) fue un arquitecto barroco italiano. Fue a la vez pintor y escultor. Es relativamente famoso por su escultura y su formación básica comenzó con la escultura. Sus esculturas se basan en la perspectiva: las obras suelen verse mejor desde cierto ángulo. Este diseño basado en puntos de vista también se incorporó a sus diseños arquitectónicos y pinturas arquitectónicas. El propósito de su perspectiva es crear una fuerte impresión de un punto. Para conseguir este efecto, siempre realizó muchos bocetos de estudio. Sus fachadas arquitectónicas también tienden a ser perspectivas, como el diseño de la fachada este del Louvre en París. En comparación con el clasicismo representado por Palladio, la arquitectura barroca basada en imágenes visuales puede ser más adecuada para estudiar su espacio real y los efectos de luces y sombras desde la perspectiva de la perspectiva.
Los arquitectos barrocos italianos hicieron grandes contribuciones al desarrollo de la perspectiva. Por ejemplo, agregue puntos de fuga, aumente los niveles de los objetos y el contraste entre la luz y la oscuridad, etc. , pero en el siglo XVII el debate sobre qué era peor, la perspectiva o la elevación en planta, aún no era concluyente. El arquitecto Módeno (1556-1629) presentó al Papa la fachada oeste revisada de la Basílica de San Pedro. Este diseño está representado por la fachada, con la cúpula central (diseñada por Miguel Ángel) en el centro de la iglesia en lo alto del centro de la imagen. El Papa consideró que la imagen era inexacta porque la cúpula no debería parecer tan alta con una persona debajo. Moderow explicó que colocar la cúpula y la fachada oeste en perspectiva era tarea del pintor, no del arquitecto, porque la perspectiva no muestra el tamaño del edificio. Él cree que el diseño se basa en hechos, no en la intuición. Esto no quiere decir que no preste atención a la imagen del edificio, sino que tiene diferentes medidas para abordar los problemas visuales del edificio. Moderow cree que las leyes de la geometría son más importantes que la experiencia porque la experiencia proviene del punto de vista de un individuo y el punto de vista de cada uno puede ser diferente. Aunque la imagen de la fachada no es visible, al menos es geométricamente correcta. En comparación con los dibujos en perspectiva, los dibujos en alzado proporcionan una representación realista del diseño. No importa cuán desarrollada esté la perspectiva hoy, las dudas de Modelo siempre permanecerán, y la verdad de la perspectiva siempre cambia con la perspectiva.
La Sociedad Italiana de San Luca, fundada en 1670, se convirtió en el comienzo de una verdadera estandarización de la pintura arquitectónica y jugó un papel muy importante en la promoción del desarrollo de estilos y técnicas de pintura arquitectónica. Su influencia se extendió posteriormente a Francia y se convirtió en la base del estilo académico francés en el siglo XIX. En los primeros días de la Sociedad de Lucca, había algunas perspectivas a vista de pájaro, pero luego dieron paso a patrones fijos de planos, alzados y secciones, a medida que el clasicismo volvió a ser popular. Cuando el centro de la arquitectura se trasladó a Francia, Francia estaba bajo el dominio de la nobleza y el poder imperial, y los edificios y pinturas arquitectónicas se mostraban al emperador. Para registrar los logros de Luis XVI, los dibujantes de arquitectura profesionales tenían el monopolio de la pintura arquitectónica. Sus habilidades en pintura arquitectónica se transmitieron de generación en generación. Además de ser más puro y claro en los tramos verticales, también hay muchos logros en perspectiva. La vista aérea no sólo muestra el edificio, sino que también muestra con gran detalle el entorno que lo rodea. En general, los arquitectos barrocos estudiaron la arquitectura utilizando una serie de perspectivas, lo que es consistente con la búsqueda de la arquitectura barroca de una rica dinámica y efectos de luces y sombras. La escuela clásica y la escuela neoclásica de Palladio a menudo utilizan sombras planas, verticales, seccionadas y cuidadosamente pintadas para expresar la arquitectura, lo cual es consistente con la búsqueda del equilibrio, la tranquilidad, la armonía y la perfección en la arquitectura clásica. Durante el período rococó francés, los estilos arquitectónicos y los estilos de pintura arquitectónica cambiaron nuevamente. El tema principal de la decoración de interiores rococó son los cartelas. En términos de pintura arquitectónica, abandonamos las limitaciones de las proporciones arquitectónicas clásicas y la lógica matemática, y cada decoración floral es única. Esta singularidad no proviene de contenidos diferentes, como hojas, animales, formas naturales, sino de una nueva comprensión del diseño arquitectónico. El diseño rococó enfatiza las características efímeras y de desarrollo del comportamiento artístico. Una imagen es un momento de todo el proceso artístico, completamente diferente de la imagen final y perfecta que persigue el clasicismo. Las pinturas arquitectónicas rococó basadas en decoración lineal expresan espacio poético y luz.
El registro y mapeo de edificios antiguos siempre ha sido una parte importante de la pintura arquitectónica. El estilo arquitectónico neoclásico dominó el mundo en el siglo XVIII, y un gran número de eruditos y estudiantes vinieron a Italia para estudiar y dibujar la arquitectura romana antigua. Nadie esperaba que una pintura arquitectónica italiana influyera en las tendencias arquitectónicas europeas durante medio siglo. Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) fue un experto en grabado al aguafuerte, además de arqueólogo y arquitecto. El objetivo de pintar edificios antiguos y modernos es vender los cuadros a los turistas o ilustrar guías turísticas. Las pinturas muestran imágenes vívidas y muy subjetivas del color y la arquitectura romana.
Creó una imagen de la antigua Roma basada en descubrimientos arqueológicos y su imaginación personal. A diferencia de las pinturas arquitectónicas generales, estas pinturas no son restauraciones arqueológicas, pero aportan muchas ideas para futuros edificios. Cualquiera que se interese por sus pinturas y vaya a Roma a contemplar las ruinas encontrará que los edificios en realidad son mucho más pequeños que los de sus pinturas. Expresó su visión de la arquitectura: una combinación de emoción y razón. Como resultado, estuvo a la vanguardia del movimiento romántico. El trabajo de los arquitectos europeos de la época estuvo influenciado y, por primera vez en la historia, los pintores de arquitectura lideraron las tendencias arquitectónicas.
Los arquitectos de la época lograron efectos visuales llamativos y apasionantes en sus obras a través de ejemplos de buen diseño, antiguos y nuevos. La palabra "pintoresco" fue adoptada como estándar arquitectónico, añadiendo "variación" para la Convención posterior a Paraty. La influencia de Pirinesi en la arquitectura también se refleja en su interés por la luz y las sombras, su exageración de la escala y su búsqueda de la historia de la arquitectura.
Piranesi hizo que los arquitectos se dieran cuenta del verdadero papel de la pintura arquitectónica; transmitir las intenciones e ideales de diseño del arquitecto. En ese momento, muchos arquitectos eran excelentes pintores de arquitectura y muchos pintores de arquitectura también participaban en el diseño arquitectónico. Charles de Velly (1730-1798) fue considerado el mejor pintor arquitectónico de su tiempo. Junto con Joseph Pyle (1730-1785) diseñó la Ópera de París. Diseñaron un magnífico espacio interior dentro del exterior del majestuoso edificio, que se refleja vívidamente en los contornos dibujados por Wyler. No sólo muestra la estructura del edificio y la decoración interior, sino que también representa figuras en la sala de audiencias, el escenario y la calle. Esta pintura es un nuevo avance, es decir, la pintura arquitectónica puede mostrar una secuencia espacial desde el exterior hacia el interior.
La dignidad se ha convertido en un pensamiento estético y un objetivo perseguido por la arquitectura. Expresa conmoción extrema y emociones elevadas a través de medios arquitectónicos. A menudo se utiliza una escala sobrehumana para crear esta majestuosa belleza. La arquitectura real no puede realizar este ideal, pero las pinturas arquitectónicas sí. Las pinturas de Pirinesi proporcionan el vocabulario para lograr este efecto. Efienne-Louis Boullee lleva estas palabras a un extremo que trasciende la realidad. Antes de la Revolución Francesa, se dedicó a algunos diseños arquitectónicos a pequeña escala. Cuando la revolución hundió a la industria de la construcción en una depresión, él simplemente utilizó pinturas arquitectónicas para expresar sus ideales. Cree que la arquitectura, como arte, debería ser tan contagiosa como las obras de arte. Utiliza técnicas de pintura, efectos de escala y luces y sombras arquitectónicas para expresar sus puntos de vista. Usó formas geométricas simples, como cilindros, cubos, conos y cubos, para crear formas arquitectónicas. Schinkler (1781-1841) fue un famoso arquitecto y arquitecto alemán del siglo XIX. En aquel momento, Alemania estaba asolada por la guerra. Con su talento para la pintura, Schinkler creó muchos paisajes arquitectónicos imaginativos. En los dibujos de ingeniería arquitectónica, utilizó una combinación de líneas de contorno y acuarelas para expresar una atmósfera de "pintura" sin perder la pesadez del edificio en sí.
Debido a la importancia de la pintura arquitectónica para expresar la intención del arquitecto, los arquitectos no sólo se pintan ellos mismos, sino que también contratan a un gran número de pintores arquitectónicos profesionales para trabajar en sus oficinas. Es difícil decir si muchas pinturas arquitectónicas fueron creadas por arquitectos o pintores. El famoso arquitecto británico Sir John Soane (1753-1833) se hizo famoso en parte gracias al excepcional talento pictórico de su pintor J.M. Grandy.
La Escuela de Bellas Artes juega un papel importante en la historia de la arquitectura y la pintura arquitectónica. Su estilo arquitectónico neoclásico tuvo un gran impacto en la arquitectura occidental a finales del siglo XIX y también fue el primer sistema educativo sistemático de arquitectura. Sus pinturas arquitectónicas también son únicas. En primer lugar, concede gran importancia al valor artístico de la pintura arquitectónica en sí misma, que es una obra de arte en sí misma; en segundo lugar, sus pinturas arquitectónicas sólo tienen planos, secciones y alzados, sin perspectiva; El plano es la base del diseño de modelado. El éxito o el fracaso de un edificio depende del plano, y todo lo demás es secundario. Esto demuestra que su educación arquitectónica es algo progresiva. Dado que la perspectiva ha sido eliminada del dibujo arquitectónico, el diseño arquitectónico tiende a buscar la precisión y la perfección en las formas y escalas geométricas. La Escuela de Arte abandonó la visión arquitectónica romántica y libre expresada en perspectiva y la arquitectura se volvió más realista. Para mostrar la profundidad espacial de las secciones de la fachada, todo el sombreado se construyó cuidadosamente mediante técnicas de renderizado. El contexto ambiental de un edificio a menudo se incluye en los alzados.
Pero estos dibujos son enteramente para fines didácticos, lo que significa que los edificios en estos dibujos no se utilizan para la construcción. Los dibujos no muestran la estructura del edificio. Todas las partes del edificio están expresadas con una tecnología y parecen un solo material. Criterios para el estudio de arquitectura Hay buenos y malos diseños de construcción. Esta visión arquitectónica se convirtió en un estilo arquitectónico a finales del siglo XIX, lo que dificultó en gran medida una mayor exploración del espacio arquitectónico en sí.
Otro factor que contribuyó a la popularidad de la pintura arquitectónica en el siglo XIX fueron los concursos de diseño arquitectónico. Un gran número de edificios públicos nacionales, desde grandes ayuntamientos hasta pequeñas bibliotecas, a menudo se construyen después de seleccionar planes destacados mediante concursos de diseño.
La mayoría de los dibujos del concurso incluyen dibujos en perspectiva que muestran la imagen de todo el edificio y brindan a los jueces y al público una impresión visual comprensible de la arquitectura. Una buena perspectiva es una condición indispensable para el concurso. Muchos arquitectos tienen que trabajar como "pintores" para realizar esta tarea porque no tienen la capacidad ni el tiempo para dibujar la perspectiva. Por lo general, no se nombra a los pintores y las figuras importantes detrás de estos diseños se conocen en el Reino Unido como "pintores". Un diseño mediocre se puede mejorar mediante una perspectiva de "pintura de fantasmas".
Por supuesto, los concursos de diseño no son la única razón por la que se forman los pintores profesionales. Los cambios en el entorno profesional del siglo XIX también convirtieron a los arquitectos en directivos o personas económicas. La labor del pintor evolucionó desde la realización de dibujos para concursos hasta la publicación de libros especializados para arquitectos e incluso la participación directa en el diseño de fachadas de edificios.
Debido a que la arquitectura se convierte en una pintura bajo la pluma del pintor, el desarrollo del espacio, el volumen y la tecnología constructiva del edificio en sí están inevitablemente limitados por la "pintura al final de 19, el edificio en sí". no formó ningún concepto nuevo, lo que no es ajeno al impacto negativo de la pintura arquitectónica. Pero a finales del siglo XIX, el arte experimentó cambios revolucionarios y las pinturas impresionistas y postimpresionistas ampliaron los horizontes artísticos de la gente. El postimpresionismo incorporó el estilo decorativo a la pintura, y el movimiento Art Nouveau con el estilo decorativo como cuerpo principal también apareció en la arquitectura. Por ejemplo, el arquitecto británico Mackintosh y el austriaco Otto Wagner. , sus pinturas arquitectónicas tienen colores frescos pero no tienen espacio ni efectos de luces y sombras. Sus pinturas arquitectónicas tienen un estilo decorativo distintivo, lo que demuestra que el estilo de la arquitectura y el estilo de la pintura arquitectónica están estrechamente relacionados. A medida que cambia el concepto de arquitectura, el estilo de la pintura arquitectónica también cambiará o, por el contrario, los cambios en el estilo de la pintura arquitectónica también afectarán los cambios en la arquitectura misma. En el siglo XX también veremos este fenómeno: la pintura arquitectónica no es sólo la expresión del estilo arquitectónico, sino también la expresión del estilo personal del arquitecto. Antonio Sant'Elia (1888-1916), representante de los arquitectos futuristas italianos, murió joven, por lo que Ji Ping no dejó ninguna obra arquitectónica. Pero sus ideas influyeron en muchos arquitectos modernos posteriores a través de sus pinturas arquitectónicas. Sus pinceladas son vigorosas y poderosas, con una perspectiva única y un impulso majestuoso, expresando la connotación y el espíritu del estilo arquitectónico futurista.
Frank Lloyd White (1869-1959) tenía un estilo oriental único al igual que su arquitectura: los dibujos arquitectónicos no tenían sensación de volumen, añadían un poco de color y dejaban una gran huella en blanco en la composición. Creó un nuevo dibujo a lápiz de color en técnicas de pintura arquitectónica. Este método de pintura no requiere pintura especial sobre papel y es rápido y eficaz.
Los arquitectos modernos Mies van der Robe (1886-1969) e I.E. Cothusier (188m 1966) se opusieron a la decoración en la arquitectura y defendieron la importancia de la estética "máquina" y la funcionalidad arquitectónica. Sus pinturas arquitectónicas también eran diferentes a las del pasado. Smith es bueno expresando el efecto transparente del vidrio, integrando el interior y el exterior y construyendo como nubes, por lo que sus pinturas no tienen sensación de peso. Corbusier, por su parte, mostró la relación entre el espacio de un edificio y los elementos que lo separan. Utiliza dibujos a lápiz, simples y directos, sin renderizados ni grabados. Otra característica de sus pinturas es la expresión del concepto de espacio. El espacio que describe no es el espacio que ve, sino el espacio que uno puede experimentar después de comprender la arquitectura. Es esta sensación de espacio la que el arquitecto quería crear. Realizó numerosos dibujos, representaciones arquitectónicas y bocetos arquitectónicos a lo largo de su vida. Aparte de sus pinturas y esculturas cubistas, ninguna de sus pinturas de arquitectura fue pintada por sí misma. Sus pinturas arquitectónicas, al igual que sus teorías y diseños arquitectónicos, se han convertido en un modelo del que aprenderán las generaciones futuras. El expresionismo también surgió durante el período de entreguerras, y su pintura arquitectónica también juega un papel importante en la historia. A diferencia de la educación arquitectónica de la Bauhaus, que se centraba en los modelos y despreciaba la pintura arquitectónica, el expresionismo tenía un gusto especial por la pintura arquitectónica. Sus pinturas se centran en el estilo decorativo e ignoran el contenido del propio edificio. El edificio se considera dos partes: espacio exterior e interior, y la imagen muestra una sensación digna de volumen arquitectónico. Erich Mendelsohn (1887-1953) utilizó gruesas líneas negras para expresar una sensación de movimiento y poder en la arquitectura. Saarinen (1873-1950), otro famoso arquitecto y pintor arquitectónico, contribuyó con algunas de las representaciones arquitectónicas más maravillosas de este período. Utiliza lápiz y cal para agregar colores claros y crear la atmósfera arquitectónica y ambiental.
Hubo algunos pintores arquitectónicos famosos en el siglo XX, como Hernut Jacobi, Alvar Aalto y Louis Kahn. El arquitecto Jakob, pintor de profesión, muestra un estilo completamente diferente al de Aalto, Kahn y otros maestros de la arquitectura. Las pinturas de Jakebu son claras y rigurosas, pero un poco mecánicas, y todo su genio sólo se refleja en la composición y la disposición. Las numerosas pinturas de Otto reflejan todo su estilo personal. A menudo dibuja en papel con un lápiz suave para encontrar preguntas y respuestas sobre el diseño arquitectónico. Asimismo, los numerosos bocetos arquitectónicos que Louis Kahn realizó durante sus viajes están directamente relacionados con sus diseños arquitectónicos. Como Aalto, sus pinturas no son registros de edificios y estructuras sino diagramas esquemáticos del pensamiento creativo de un arquitecto. Al comparar a Jia, He y Kang, podemos ver claramente los diferentes propósitos, diferentes métodos y diferentes mentalidades de pintores y arquitectos hacia la pintura arquitectónica. El primero tiene como objetivo promover la arquitectura en la sociedad, mientras que el segundo refleja verdaderamente la autocomunicación del arquitecto, el proceso mental y el verdadero significado del arte arquitectónico.
De hecho, en el siglo XX. Las pinturas arquitectónicas, especialmente aquellas destinadas a representar imágenes arquitectónicas, se han visto afectadas por otros medios como la fotografía, las maquetas y los gráficos por ordenador. Los arquitectos muchas veces no son buenos con estos nuevos medios. Incluso en el campo de la pintura tradicional, las habilidades pictóricas puras de los arquitectos han sido durante mucho tiempo muy inferiores a las de los pintores profesionales. El encanto artístico de las pinturas arquitectónicas de los arquitectos ya no es la "forma", sino la "emoción" relacionada con el arte arquitectónico. Esto es particularmente evidente en las pinturas arquitectónicas de los arquitectos posmodernos que aparecieron en los años 1960 y 1970. Venturi, Michal Graves y León Creel son todos representantes de la pintura arquitectónica contemporánea.
No sólo añaden vocabulario tradicional a su arquitectura, sino que también se esfuerzan por tener rimas tradicionales en sus métodos de pintura. Por ejemplo, Graves usó lápices de colores que usaba Wright. Dado que estas personas no tenían muchos proyectos en los que trabajar cuando comenzaron, la pintura arquitectónica se convirtió en una herramienta para expresar ideas arquitectónicas. Sus pinturas arquitectónicas expresan conceptos arquitectónicos, no sólo "formas". Por ello, sus pinturas se han convertido en colecciones de arte, al tiempo que abren un nuevo camino para la pintura arquitectónica contemporánea.