Métodos y técnicas para el trabajo de postproducción cinematográfica y televisiva
La postproducción cinematográfica, también conocida como postproducción cinematográfica, consiste en animar la película o el software completo y realizar un posprocesamiento para formar una película completa. que es la base de la película. Agrega efectos especiales, agrega texto, crea sonidos y más. El software de posproducción se puede dividir en software plano, software de síntesis, software de edición no lineal y software tridimensional. Hay muchos programas de posproducción y también muchos programas de edición no lineal simples. Aquí están mis métodos y técnicas de postproducción. Bienvenido a leer.
1. Los profesionales de la edición de cine y televisión deben.
1. La capacidad de encontrar las mejores expresiones y movimientos en materiales limitados.
2. La capacidad de cortar materiales y encontrar su conexión con la siguiente imagen.
3. Creatividad mediante el uso de imágenes y capacidad de elegir música para crear melodías y argumentos.
4. El montador también necesita darle a la película una sensación de salto compuesta por imágenes fijas continuas, inyectando vida a la imagen.
5. El editor encontrará naturalmente la mejor expresión en muchas tomas y descubrirá qué punto es el punto de corte. Esta es la melodía de la edición. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando lentamente en muchos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.
Fotogramas de la película "Forgetful Village"
2. Cómo encontrar puntos de edición
¿Dónde debo cortar y conectar? Encontrar el punto tangente es sin duda una de las tareas importantes de la edición. Cabe señalar que este es el vértice de la imagen.
El llamado vértice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como el momento en que los brazos del personaje están completamente extendidos, el momento en que termina la acción de inclinarse después de asentir , el momento en que la pelota sube y está a punto de caer, el momento en que la sonrisa se retrae.
La imagen es una serie de fotogramas fijos debido a que la película anterior formará una imagen residual en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas.
Por lo tanto, cuanto más intensa sea la acción, cortar en la parte superior de la pantalla o en el momento antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en el vídeo posterior, dejando una profunda impresión en la audiencia.
En tercer lugar, el punto de entrada que crea una sensación de melodía
Tomemos la acción de girar un libro como ejemplo para ver cómo encontrar el punto de entrada.
Si comienzas a filmar desde un estado en el que la acción está completamente parada, filma fielmente la acción de girar el libro de principio a fin, para que el público sepa de un vistazo que se trata de la acción de girar. Biblia.
Pero la belleza de la imagen no puede reflejarse sólo a través de la claridad. Un sentido de melodía y comodidad también son indispensables.
Entonces, ¿qué debemos hacer?
Seleccionamos el punto de corte inicial cuando ha comenzado la acción de voltear el libro. Si la acción de pasar páginas se divide en 1 a 24 imágenes, entonces los primeros 3 a 4 clips se cortan como punto de corte inicial.
Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión de la acción de pasar página. Al contrario, también puede mostrar la melodía y la comodidad de la acción. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.
En cuarto lugar, no existe sólo una forma correcta de editar una película.
Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es el único.
Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede usar como punto de corte, o se puede usar como punto de corte cuando la acción de girar el libro está a punto de finalizar.
Según las diferentes obras y las diferentes escenas antes y después, el punto de corte se puede cambiar y el método de edición correcto no es único.
Por supuesto, la edición también tiene sus formas y convenciones fijas, que se pueden decir que son reglas de edición. Es importante conocer estas reglas, pero la edición en sí es un trabajo creativo, por lo que a veces hay que romper las reglas y probar algo nuevo.
Verbo (abreviatura de verbo) Finalidad de la edición
Libertad de limitaciones físicas y libre control del tiempo y el espacio.
En fotografía y producción, a veces es necesario separar planos y formar la trama posteriormente.
Omitir de la obra el paso real del tiempo en la historia.
Omitir el movimiento del espacio en el relato
Combinado con la intención expresiva, forman la trama y determinan el aspecto final de la obra.
Conecta tomas con propósito para aclarar y enfatizar lo que quieres expresar.
Hacer más rigurosa la secuencia y estructura de los planos y resaltar los elementos argumentales.
6. Reglas fijas en la edición de acciones
Métodos de edición cuando el sujeto está en movimiento.
La vinculación de acciones se refiere a la edición de los movimientos del sujeto.
Antes, muchas veces era necesario interrumpir el rodaje de una acción debido a cambios de película. Sin embargo, la misma acción conectada desde diferentes tomas parece sorprendentemente fluida e impresionante. Se dice que este es el origen de este método de edición.
7. Edición de planos
(1) Acción Conexión 7:3.
Primero, echemos un vistazo a los conceptos básicos de la edición de acciones: conexión de acción, que se refiere al método de edición que conecta una acción a dos imágenes.
En teoría, los dos conjuntos de imágenes difieren sólo en el tamaño de la pantalla y representan la misma acción, por lo que puedes editar desde cualquier punto. Pero en este momento, las acciones serán inconsistentes o repetitivas, y la imagen editada final carecerá de sentido del ritmo.
El método general de edición de imágenes consiste en conectar las acciones según una proporción de 7:3 o 3:7 para lograr una acción fluida.
De esta manera, no sólo los movimientos hacia delante y hacia atrás parecen coherentes, sino que también surge espontáneamente una sensación de ritmo y vitalidad. Por supuesto, la proporción 7:3 no es una verdad absoluta. Dependiendo del material y de los puntos de corte, el ojo humano experimenta a veces la ilusión de repetición y salto. Por lo tanto, cortar o superponer deliberadamente algunas tomas hará que la acción parezca más natural y fluida. Intente cambiar el punto de corte en diferentes imágenes para ver el efecto.
(2) Conecta dos acciones en una.
Conectar múltiples acciones de diferentes temas en uno, a menudo llamado clip de acción única.
Ejemplo: El lanzador y el primera base que conectó un jonrón miran hacia atrás el elevado, y ambos jugadores completan la "mirada hacia atrás" al mismo tiempo. Si desea aprovechar al máximo el material existente, definitivamente utilizará esta conexión: haga un jonrón -> devolución del lanzador -> devolución del corredor -> la pelota vuela muy lejos. Pero con esta conexión, se repite la acción de dos concursantes que giran y retroceden, dando al público una aburrida sensación de aprobación. Una única secuencia de acción combinaría los dos movimientos de espalda en uno, editándolos para eliminar la diferencia horaria. Específicamente, se corta la primera mitad del retorno del lanzador y se conecta la segunda mitad del retorno del primera base. Esto puede mejorar la sensación de velocidad y hacer que la imagen sea coherente.
Conexión de puntos clave de acción
Dos cámaras capturan dos imágenes de diferentes tamaños en la misma posición y ángulo. Si están en diferentes posiciones y ángulos, puedes utilizar esta regla para manejarlos.
Por supuesto, si los materiales no se disparan al mismo tiempo, siempre que cambies el ángulo y utilices el vértice de una acción (una acción característica) como punto tangente, habrá muchas maneras. para conectar. Por ejemplo, el momento antes de que se suelte la pelota, el dorso de la pelota se tira hacia abajo y luego se conecta. Al editar con la acción como centro, debes prestar atención a varios aspectos. Los siguientes son los puntos clave.
1. Utilice la lente más larga como lente principal.
2. Considera la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la pantalla sin afectar la continuidad de la acción.
3. Cambiar significativamente la posición de la aplicación y la cámara hará que la imagen se vea muy impresionante.
4. La conexión basada en el tiempo real parecerá retrasada, por lo que las partes omitidas de las acciones de transición deben comprimirse. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano.
5. En teoría, los materiales filmados simultáneamente se pueden editar en cualquier punto, pero elegir diferentes puntos de edición y repetir u omitir algunas tomas hará que la acción sea más fluida.
6. Cuando se conecten diferentes imágenes para la misma acción, intente conectarlas en el vértice de la acción.
(C) Superposición intencionada de acciones para enfatizar
Enfatizar una acción mediante una repetición intencionada se denomina acción doble o acción triple. En este ejemplo, el tiro del brazo del lanzador elevado a su punto más alto se utiliza como punto de corte, y los tiros de acción antes y después se conectan, y finalmente se conecta el tiro lateral completo de la mano que se retrae hacia abajo después de soltar la pelota. De esta forma, la acción puede no ser tan fluida para el público, pero la acción de "lanzar la pelota" se repite tres veces (triple acción), lo cual es muy impresionante. Los movimientos dobles solo funcionan si deseas conscientemente resaltar un determinado movimiento, mantenerlo breve y evitar las palabras.
(4) La parte media de las escenas de acción violenta se puede omitir.
Uno de los propósitos de la edición es omitir tiempo y espacio. Si editas de acuerdo con el paso real del tiempo y el movimiento del espacio, no importa cuánto tiempo se utilice, no será suficiente para expresarlo y el público lo encontrará tedioso. Un método más eficaz en este momento es extraer algunos planos intermedios de la misma acción y luego conectarlos. Este método, también conocido como técnica de mitad de corte, puede acortar enormemente el tiempo y aumentar la velocidad de la película, haciendo que el público nunca se canse de ella. Al utilizar esta técnica, debes elegir qué tomas realizar, que es la parte difícil. Lo más importante es no cortar el vértice de la acción (acción característica). Si eliminas estos planos de vértices, no hay forma de saber en qué dirección irá la acción.
La edición con salto desarrolla esta técnica y es una técnica de extracción intermedia, como saltar para conectar imágenes como la aguja de un gramófono. Los cortes con salto se atreven a romper los tabúes del montaje tradicional, permitiendo rodar escenas impresionantes.
Métodos para eliminar el punto medio de la acción
A la hora de omitir el tiempo y resaltar la sensación de velocidad eliminando los planos intermedios, debes prestar atención a lo que se debe omitir. Omitiendo otros tiros, en el estado inicial, cuando el brazo alcanza su posición más alta al lanzar, el brazo cae. Sólo estos tres tiros pueden mostrar la acción de lanzamiento al nivel más bajo.
(5) Conectar dentro y fuera del marco.
Cuando el sujeto está en el cuadro de disparo, se llama cuadro dentro; en cambio, cuando el sujeto sale del campo de tiro, se llama cuadro fuera. Personas que caminan o corren, animales, automóviles, tranvías, todos estos objetos en movimiento se pueden editar. Consideremos cómo el mismo sujeto conecta el marco dentro y fuera en diferentes contextos. Una escena de una bicicleta andando frente a la cámara. Se filmaron dos sets del mismo tamaño en diferentes lugares. Por supuesto, podemos conectarnos en el orden desde que la bicicleta entra al escenario vacío (solo está el fondo en la toma, no se fotografian objetos) hasta cuando la bicicleta sale de la toma. No hay ningún problema con este método de conexión, pero el espacio es demasiado espacioso y los movimientos no son lo suficientemente fluidos. Una forma excelente y rítmica de vincular la acción es vincular disparos del último grupo justo cuando el objeto está a punto de abandonar el campo de tiro. La clave es utilizar una imagen en la que el sujeto esté mitad dentro y mitad fuera de la toma para que la acción conectada se vea más fluida.
Si los ángulos de los sujetos en las tomas frontal y posterior son diferentes, agregar una toma del escenario vacía entre los fotogramas hará que la imagen sea más coherente.
(6) Lente oscura o acción de conectar diferentes objetos en un mismo punto.
¿Cómo conectar los movimientos de diferentes sujetos? Un ejemplo es la conexión entre una figura corriendo y un coche a toda velocidad. Primero, deje que la figura corriendo se acerque cada vez más hasta que llene todo el encuadre, haciendo que el encuadre sea negro, y luego conecte las tomas siguientes. Si bien el personaje no se mueve a la misma velocidad que el automóvil, la pantalla negra (o imágenes con muy poca luz) entre los dos recrea con éxito un movimiento suave.
La edición de diálogos es un método para editar filas de caracteres usando reglas fijas. El diálogo aquí se refiere a filas. La edición de diálogos se refiere a editar las líneas de personajes en una escena. Está ligado a la edición de acción como el método de edición más representativo y es un factor indispensable para mostrar la trama. Fragmentos de diálogo aparentemente simples son en realidad algunas reglas fijas que se utilizan para expresar efectos especiales.
8. Conexión de línea
(A) Conexión de línea a 1:3
Entre líneas, excepto se y bgm, el resto son silenciosas. Para la edición de vídeo, es importante crear este estado de silencio y utilizarlo para expresar el ritmo de la película. Un ejemplo es una escena de dos personas hablando en un coche. La clave de la edición es cuánto espacio hay entre dos personas que hablan. Una escena de diálogo tras otra se filma con una cámara en lugar de con otro personaje, por lo que las dos personas realmente no hablan (=intermedio). Al editar, es importante dejar un espacio natural entre los diálogos.
En general, los intervalos entre diálogos serán más coherentes si están conectados en una proporción de 1:3.
Si el espacio después de las líneas en el plano anterior era de 1 largo, entonces debería haber un espacio de 3 largos antes de que comience el diálogo en el plano siguiente.
(B) Las líneas se mueven hacia arriba y hacia abajo, aumentando el efecto dramático
La conversación se mueve hacia arriba y hacia abajo, es decir, insertando las líneas en la toma anterior (moviéndose hacia arriba) o arrastrando llevarlos al siguiente plano (moviéndose hacia abajo). Su función es resaltar los cambios en las expresiones y movimientos de los personajes provocados por la conversación. Por ejemplo, cuando alguien detiene al Sr. A, el Sr. B lo saluda y le dice: "Hola, Sr. A". Esta parte se mueve hacia arriba. Luego aparece la cámara del Sr. B y se insertan las líneas del Sr. A. "¿No es este el Sr. B?" Esto hace que toda la escena sea más fluida y coherente. Por ejemplo, en la toma anterior, el nombre clave "Tengo a alguien que me gusta" se movió hacia abajo, resaltando los cambios de expresión del protagonista bajo la influencia de esta frase. Esta es la intención de esta habilidad. Por ejemplo, para resaltar el cambio en la expresión de la heroína antes y después de que el héroe la invite a dar un paseo, las líneas del héroe se mueven hacia arriba y aparecen junto con la toma facial de la heroína. Si las líneas no se mueven hacia arriba, aparecerá en la pantalla un plano silencioso del rostro de la heroína, y la película parecerá muy larga y sin sentido del ritmo. No es la longitud de las líneas lo que determina el corte de la toma, sino el corte intencionado que tiene en cuenta la trama, lo cual es importante.
(3) Utilice montaje incrustado para expresar emociones
Para hacer que la escena anterior sea más dramática, puede utilizar el método de insertar otras tomas entre líneas. Por ejemplo, también puedes mostrar algunas tomas de seguimiento. En el conjunto de tomas anterior, cuando las líneas de la heroína están en el medio, se inserta una toma del rostro del protagonista masculino, que no solo puede mostrar los intensos cambios de expresión del protagonista masculino después de escuchar la respuesta de su novia, sino que también enfatiza la estado previo de calma y felicidad. Métodos de edición de diálogos y no acciones, cambios de escena y creación de puntos de conexión.
1. Los principiantes pueden utilizar el método tradicional o.l para realizar una transición suave de tomas.
O.l (fotografía superpuesta), al igual que el desvanecimiento y la aparición, es un efecto de transición muy común, que indica el paso del tiempo y el movimiento del espacio, y también se puede utilizar para expresar el estado de ánimo. Métodos de transición similares incluyen el método de limpieza y el método de disipación.
2. ¡Usa el refugio para conectar diferentes escenas! Cambio de ventana
El cambio de ventana se refiere al método de edición en el que cuando hay una obstrucción frente al sujeto, la pantalla queda bloqueada por la obstrucción y pasa a la toma siguiente.
Los escudos se pueden dividir a grandes rasgos en dos tipos: refugios inamovibles (paredes u otros objetos grandes) y objetos móviles como los peatones.
Ambos se pueden conectar directamente, pero conectar con un refugio es más natural.
3. Utiliza imágenes borrosas para conectar diferentes escenas.
La agregación y la no agregación se refieren a la síntesis gradual de imágenes borrosas en imágenes claras, o la transformación gradual de imágenes claras en imágenes borrosas.
Al ser una imagen muy abstracta, resulta muy natural utilizarla para conectar dos tomas diferentes.
Pero cabe señalar que si la imagen frontal y la imagen posterior no tienen ninguna similitud en color e imagen, el efecto final se verá muy disonante.
Por ejemplo, desde una rosa roja hasta la luz de señalización de un coche de policía, o desde el rostro de una persona al rostro de otra, la imagen borrosa debe vincularse a la escena específica solo cuando el escenario o el sujeto lo tienen. Mismo color y solo se puede usar en esta forma.
4. Conecta la lente con un efecto de desenfoque provocado por el movimiento.
El disparo en movimiento rápido implica mover la cámara (o hacia arriba y hacia abajo) muy rápidamente.
Al utilizar este método, se produce un efecto de desenfoque que conecta diferentes tomas.
Esta técnica da la impresión de poner énfasis en el movimiento espacial, y se debe prestar atención al uso de planos muy cortos y rápidos.
Si se utiliza una lente larga, será difícil utilizarla como toma de conexión para cambios de escena.
Ten en cuenta que el fondo en diferentes escenas también cambia mucho.
5. Conecta tomas del mismo paisaje.
La edición en blanco es cuando se conectan dos escenas diferentes al mismo tiempo en la lente frontal, levantas la cámara para fotografiar el cielo y luego bajas la cámara para convertirla en otra escena en lugar del azul. cielo, puedes usar lentes de la luna, el sol, las estrellas, etc. Método de edición. Las escenas de los dos planos pueden estar muy alejadas, pero debe haber un punto de conexión (como el mar).
6. Conectar lentes con efectos de exposición
Al igual que disparar con un flash potente, el método de conectar diferentes lentes con un flash (una lente completamente blanca de flash rápido) se llama un efecto de flash. Incluso si conecta lentes sin * * * puntos de conexión, no podrá lograr ninguna sensación de falta de armonía. Esta técnica se utiliza a menudo en anuncios y vídeos musicales.
7. Pasa a la toma siguiente con pantalla dividida.
El planteamiento general es separar los planos realizados al mismo tiempo y juntarlos. Si no hace esto, será difícil que la audiencia comprenda la imagen. Separe la mitad derecha de la lente e inserte otras lentes para formar la imagen completa. Muy útil a la hora de representar eventos de sincronización. Se puede decir que otros productos de imágenes de métodos de edición representativos son una colección de montajes. Finalmente, se introducen métodos de edición representativos como la reducción. Los editores pueden utilizar diferentes métodos de edición para realizar grandes cambios en la trama, las emociones de los personajes y el significado de la imagen. Algunas obras incluso dan un giro de 180 grados. El montaje es la combinación de imágenes para crear una historia. Aquí, me gustaría presentarles este método de edición muy efectivo.
8. Deja que aparezcan diferentes tomas alternativamente al mismo tiempo.
Dejar que las cosas sucedan alternativamente en diferentes lugares, esto se llama corte inverso (también llamado corte transversal). El corte inverso no sólo enfatiza la continuidad de la escena, sino que también realza la tensión y la expresividad.
Al cambiar la velocidad de disparo de la cámara (cámara lenta), se puede hacer más expresiva la trama. Sería mejor alternar tomas de diferentes lugares en flashbacks, con ambas partes terminando en el mismo lugar. Por ejemplo, si llega tarde a una cita, se alternan tomas del hombre corriendo rápido y tomas de la mujer esperando en el lugar acordado. Finalmente, tanto si los dos se encuentran al final como si el hombre no llega, la toma de la mujer comprando sola será muy efectiva. También hay flashback, un estilo de edición similar al cutback. Flashback significa insertar una gran cantidad de planos ultracortos a la hora de expresar los recuerdos o descripciones psicológicas de los personajes en escena.
9. Cuando la conexión sea difícil, inserte una imagen que parezca adhesivo.
El corte es un método de edición que conecta tomas frontales y traseras como si fueran pegamento. Es un método teórico antitradicional. Al conectar dos imágenes del mismo tamaño, toda la audiencia quedará enormemente impactada. Por ejemplo, al filmar una escena de dos personas en una cafetería, las tomas específicas de las dos personas no estaban conectadas entre sí, sino que se insertaba una toma de cubitos de café en el medio para que la película pareciera más rítmica. Siempre y cuando la lente insertada capture el objeto que apareció en la lente anterior. Por ejemplo, una toma de una mujer mirando gemas, un primer plano de las gemas y una toma de sus compras en otras tiendas están conectadas. Por favor, sientan por sí mismos la diferencia que sería el ritmo y el impacto para el público sin la lente de esta joya.
10. ¡Conecta lentes de diferentes monturas para crear una sensación de ritmo!
Acercar y alejar el zoom es una forma habitual de aportar frescura al metraje normal. Suele dividirse en tres etapas, conectando tomas de estado de ánimo (normalmente primeros planos que pueden expresar el estado de ánimo del personaje) de diferentes escenas con tomas de escena (tomas situacionales, normalmente tomas largas o tomas superlargas). Tenga en cuenta que las imágenes de diferentes lentes son diferentes. Por ejemplo, una toma de tres veces acercándose a un hombre que fuma (acercar). También puedes alejar gradualmente la imagen en tres pasos. Si el mismo cuadro es muy monótono, puedes utilizar este método. Lo maravilloso de los "recortes" de las películas es que los recortes son una técnica de edición que hace que dos o más escenas diferentes se alternen y parezcan algo relacionadas. Este método parece difícil. De hecho, lo vemos a menudo en series de televisión y películas. Esta es una técnica de edición muy común. Por ejemplo, hombres y mujeres aparecen alternativamente en el teléfono. Esta es una toma muy común, pero utiliza un método de corte inverso. La ventaja del corte inverso es que hace que el paso del tiempo aparezca repetidamente, dando una sensación de tiempo más cercana a la de una película. Por ejemplo, al describir al asesino y a la policía persiguiéndolo, utilizar el método de corte inverso llevará la película al clímax, aumentará la sensación de velocidad y le dará al público una mayor sensación de tensión. La trama culminante de "El silencio de los corderos" se desarrolla hábilmente mediante recortes. La técnica del corte inverso puede dar un nuevo significado a la lente. Por ejemplo, en la película de Hitchcock Para atrapar a un ladrón, Kelly Brand y Grace Kelly están hablando en una habitación de hotel mientras estallan fuegos artificiales fuera de la ventana. Los fuegos artificiales aquí son una metáfora de su amor. Aquí, los fuegos artificiales se reducen para hacer más expresiva la trama de la película.
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