Habilidades de edición de cine y televisión.

2) Desarrollar un plan de edición;

3) Determinar los métodos de edición;

4) Seleccionar puntos de empalme; >

5 ) Capte el tono del empalme.

La tarea del montaje de cine y televisión es ardua. Una edición correcta, razonable e inteligente puede mejorar la expresión artística y el atractivo del cine y la televisión, y tiene un gran impacto en el éxito de la creación cinematográfica y televisiva. Por lo tanto, los editores deben trabajar duro para mejorar el nivel de habilidad en la edición de cine y televisión para poder completar con éxito las tareas de creación artística que emprenden.

En general, las técnicas de edición cinematográfica y televisiva se refieren a los medios artísticos, las técnicas de procesamiento y las técnicas de montaje del montaje. Son la parte más importante del arte de edición cinematográfica. Las técnicas de edición en realidad incluyen técnicas de edición y medios de edición. En concreto, se puede estudiar desde los siguientes aspectos.

1. Tecnología de edición de cine y televisión

La tecnología de edición de cine y televisión se refiere principalmente al proceso de edición, los procedimientos operativos y la conexión de lentes. Los editores de películas deben saber cómo identificar y mantener películas, identificar y utilizar equipos, identificar y conectar lentes y clasificar y almacenar lentes. Comprender las técnicas de películas positivas y negativas y la producción cinematográfica; dominar los métodos de empalme y enrollado de películas, los métodos de sincronización de sonido e imagen, los métodos de selección y conexión de lentes, etc. Los editores de televisión deben saber cómo identificar y conservar cintas, cómo identificar y utilizar máquinas y cómo identificar y conectar lentes. Comprender el proceso de edición de una sola toma y producción de televisión; dominar los métodos de edición e inserción, el método de arrastre de sonido, el método de inserción silenciosa de imágenes, el método de selección y conexión de lentes, etc. Aunque se trata de técnicas muy técnicas y específicas, todas son habilidades de edición básicas y deben dominarse de manera hábil y completa.

2. Métodos de edición de cine y televisión

Los métodos de edición de cine y televisión, es decir, las técnicas de edición en sentido estricto, son diversos y tienen sus propias funciones y singularidad. Las técnicas y métodos de edición comúnmente utilizados, en términos de clasificación, generalmente incluyen lo siguiente:

1) Procesamiento de imágenes: uso múltiple, inserción repetida, trasplante y préstamo, extracción y omisión, empalme y extensión, etc. 2) Procesamiento de acciones: método de descomposición de acciones, método de aumento y disminución de acciones, método de ilusión de acción, etc.

3) Procesamiento emocional: método de extensión de la longitud de la lente, método de salto de lente corto, etc.

4) Procesamiento de párrafos: método de ajuste de desplazamiento, método de adición, eliminación y simplificación, método de pausa "en blanco", "técnicas adicionales" (la televisión las llama "acrobacias", que se refiere a los efectos ópticos agregados al pantalla o técnicas especiales, como ocultar, revelar, viajar, sobreimprimir, etc.);

5) Procesamiento de sonido: eliminación de sonido, transposición de cuerdas, yuxtaposición de diálogos, dislocación de cuerdas de diálogo, corte de música. configuraciones de sonido especiales y más.

Para los métodos de edición de cine y televisión anteriores, este artículo utiliza la edición sin técnicas de pantalla adicionales como ejemplo para complementar la explicación. La técnica adicional sin pantalla significa que toda la película no utiliza ninguna técnica de imagen para estructurar toda la película, sino que utiliza el método de recorte y corte directo de la lente para conectar tomas, conectar escenas y cambiar el tiempo y el espacio. de modo que toda la película se estructura con técnicas de montaje no especializadas. Este método, generalmente denominado técnica moderna (a diferencia de las técnicas tradicionales de edición y adjunto de imágenes), a menudo se denomina "corte con saltos". "Cortar" es la abreviatura de "cambiar" y es el método de cambio de lentes más básico en la tecnología de cine y televisión. Se refiere a pasar directamente de una toma a otra o de una escena a otra sin ningún truco óptico como ocultar, revelar, fundir, escribir y sobreimprimir. "Saltar" es un tipo de "corte", que puede ignorar la continuidad espacio-temporal y las acciones que deben seguirse en el cambio general, pero resalta y enfatiza el contenido que se expresará a través de la combinación de acciones de salto, omitiendo así el espacio- proceso temporal. Por supuesto, saltar la cuerda no es arbitrario, debe seguir la lógica de la vida y adaptarse a la coherencia psicológica de la apreciación del público.

3. Domina la diferencia entre el montaje de cine y televisión.

En cuanto a las técnicas de edición, el cine y la televisión son básicamente iguales. Pero debido a las diferencias entre películas y televisión, naturalmente existen diferencias en la edición. Esta diferencia ilustra las ventajas y desventajas de la edición de películas y de televisión. Comprender y dominar esta diferencia es muy importante para comprender y aplicar técnicas de edición de cine y televisión. La diferencia entre el montaje de cine y televisión se refleja principalmente en los siguientes aspectos:

1) El montaje de cine es la "edición intuitiva" de imágenes, que se pueden ver y tocar, incluidos los movimientos de personajes, escenas, y lentes. Claro de un vistazo, fácil de operar y de procesamiento científico; la edición de cintas de TV es una "edición sensorial" de video. Los movimientos de las personas, los paisajes y las lentes sólo se pueden ver en un cuadro. Es difícil y muy técnico, y todo depende del sentimiento artístico del editor.

2) La edición de sonido de películas es un tipo de "edición intuitiva" de imágenes audiovisuales, que es tangible, altamente precisa, científica en la mezcla multicanal y perfecta en la edición de sonido de televisión; una especie de "edición de sentimientos", es intangible e invisible. Según la experiencia directa del editor con el sonido, la síntesis del sonido es relativamente simple y la imagen auditiva es pobre.

3) El montaje de la primera grabación de la película es riguroso y preciso.

Debido a las limitaciones de la película, es imposible filmar una canción, un baile o una obra de teatro de principio a fin. En cambio, se divide en tomas en una cinta y se utiliza un método de filmación con una sola lente para reflejar todos los aspectos. , pero es más complicado. La producción es difícil; la edición de pregrabaciones de televisión no se limita a las cintas. Se puede grabar una canción, un baile o una obra de teatro de principio a fin, y luego se pueden insertar varias escenas. La producción es sencilla y rápida, pero muchas veces los detalles no se procesan con el suficiente cuidado, lo que trae muchos inconvenientes para el futuro. edición.

4) La producción de técnicas adicionales y subtítulos para imágenes de películas es limitada y complicada; las técnicas adicionales y subtítulos para imágenes de televisión son simples, científicas y de alta calidad.

En resumen, los métodos, técnicas y técnicas propuestas en este artículo son exclusivos del montaje cinematográfico y televisivo. Los editores deben estar familiarizados, aprender, dominar y practicar estas habilidades básicas para lograr el propósito de editar de manera razonable, precisa, hábil y creativa. Como editor, cuanto más diversas y competentes sean tus habilidades, mejor, pero al mismo tiempo no puedes simplemente mostrarlas, porque el uso de cualquier habilidad debe obedecer al concepto general y a los requisitos artísticos del cine y la televisión. creación.

Habilidades de edición de cine y televisión 2 1: Imprescindible para la edición de vídeo

Capacidad para encontrar las mejores expresiones y movimientos en materiales limitados.

La capacidad de cortar metraje y encontrar cortes que los conecten con la siguiente imagen.

La capacidad de utilizar imágenes y elegir música, y la creatividad para crear melodías y tramas.

El montador también debe dar a la película, que se compone de imágenes fijas continuas, una sensación de salto y dar vida a la imagen.

El editor encontrará naturalmente la mejor expresión en muchas tomas y descubrirá qué punto es el punto de corte. Esta es la melodía de la edición. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando lentamente en muchos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.

2. Cómo encontrar el punto de corte

¿Dónde debo cortar y conectar? Encontrar el punto de entrada es sin duda una de las tareas importantes de un editor. Una cosa a tener en cuenta aquí es que este es el vértice de la imagen.

El llamado vértice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como el momento en que los brazos del personaje están completamente extendidos, el momento en que termina la acción de inclinarse después de asentir , el momento en que la pelota sube y está a punto de caer, el momento en que la sonrisa se retrae.

La imagen es una serie de fotogramas fijos debido a que la película anterior formará una imagen residual en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas.

Por lo tanto, cuanto más intensa sea la acción, cortar en la parte superior de la pantalla o en el momento antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en el vídeo posterior, dejando una profunda impresión en la audiencia.

Tres: El punto de corte que crea una sensación de melodía. Tomemos como ejemplo la acción de pasar páginas para ver cómo encontrar el punto de entrada.

Si comienzas a filmar desde un estado en el que la acción está completamente parada, filma fielmente la acción de girar el libro de principio a fin, para que el público sepa de un vistazo que se trata de la acción de girar. Biblia.

Pero la belleza de la imagen no puede reflejarse sólo a través de la claridad. Un sentido de melodía y comodidad también son indispensables. Entonces, ¿qué debemos hacer?

Seleccionamos el punto de corte inicial cuando ha comenzado la acción de voltear el libro. Si la acción de pasar páginas se divide en 1 a 24 imágenes, entonces los primeros 3 a 4 clips se cortan como punto de corte inicial.

Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión de la acción de pasar páginas. Por el contrario, también puede expresar la melodía y la comodidad del movimiento. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.

Cuatro: No existe una sola forma correcta de editar una película.

Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es el único.

Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede usar como punto de corte, o se puede usar como punto de corte cuando la acción de girar el libro está a punto de finalizar.

Según las diferentes obras y las diferentes imágenes del anverso y el reverso, se puede cambiar el punto de corte. No existe una única forma correcta de editar.

Por supuesto, la edición también tiene sus formas y convenciones fijas, que se pueden decir que son reglas de edición. Es importante conocer estas reglas, pero la edición en sí es un trabajo creativo, por lo que a veces hay que romper las reglas y probar algo nuevo.

Cinco: Propósito de la edición

Libertad de limitaciones físicas y libre control del tiempo y el espacio.

En fotografía y producción, a veces es necesario dividir las tomas en una trama posterior.

Omitir de la obra el paso real del tiempo en la historia.

Omitir el movimiento del espacio en la historia.

Combinado con la intención expresiva, la trama se forma y determina el aspecto final de la obra.

Conecta tomas con propósito para expresar lo que quieres decir de forma clara y enfática.

Hacer más rigurosa la secuencia y estructura de los planos y resaltar los elementos argumentales.

Seis: Reglas fijas en clips de acción

Métodos de edición cuando el sujeto está en movimiento.

La vinculación de acciones se refiere a la edición de los movimientos del sujeto.

Antes, muchas veces era necesario interrumpir el rodaje de una acción debido a cambios de película. Sin embargo, la misma acción conectada desde diferentes tomas parece sorprendentemente fluida e impresionante. Se dice que este es el origen de este método de edición.

La tercera parte de las habilidades de edición cinematográfica y televisiva. La edición es uno de los procesos de postproducción cinematográfica y televisiva, es un vínculo clave que determina la vida del arte cinematográfico y televisivo y es el núcleo. de postproducción cinematográfica y televisiva. Antes de ser hábilmente ensambladas, varias tomas son solo fragmentos.

Es la ingeniosa integración del arte y la tecnología lo que les da la vitalidad de la expresión narrativa, y el pensamiento creativo y la búsqueda estética los impregnan. Sin embargo, los editores deberían prestar especial atención a las siguientes cuestiones.

Procesamiento del ritmo de edición

El ritmo de las obras cinematográficas y televisivas se puede dividir en ritmo interno y ritmo externo. El ritmo interno de las obras de cine y televisión está determinado por el ritmo interno del guión. El ritmo interno del guión incluye la trama y los altibajos de los pensamientos y emociones de los personajes. El ritmo logrado a través de los movimientos del sujeto, los movimientos de la cámara y los métodos de edición es el ritmo externo de las obras de cine y televisión. El ritmo de edición es un ritmo formado al procesar la estructura de la película y la duración de la toma a través de medios de edición. En términos generales, es necesario considerar muchos elementos al procesar el ritmo de edición, como cambios en el tiempo y el espacio, combinación de formas en diferentes distancias y ángulos de visión, disposición del número y secuencia de planos, combinación de sonido e imagen, etc. Intente cambiar el escenario paso a paso, de la forma más suave y fluida posible para evitar la sensación de cambios repentinos. La duración de las tomas también será diferente para las diferentes escenas. Generalmente el panorama dura unos 8 segundos, el plano medio dura unos 5 segundos, el plano cercano dura entre 2-3 segundos y el plano cercano dura entre 1-2 segundos. La duración del plano específico también se puede determinar en función de factores como los conflictos de la trama y la melodía y el ritmo de la música.

Modo de procesamiento de imágenes y montaje de lentes

Las obras cinematográficas y televisivas se expresan principalmente en lenguaje visual, y sus imágenes deben ajustarse a la forma de pensar del público y a las reglas de la interpretación cinematográfica y televisiva. . El requisito más básico para la postproducción de obras de cine y televisión es que sean naturales y fluidos, sin sensación de salto, por lo que el procesamiento de la imagen y el montaje de las tomas son muy importantes. En el proceso de montaje, la combinación de planos no es una simple conexión, sino que debe combinarse cuidadosamente bajo la premisa de ajustarse a la lógica de la vida y a las reglas narrativas para hacerlos coherentes en el tiempo y unificados en el espacio; en segundo lugar, el emparejamiento de los planos; Se deben lograr imágenes, es decir, en dos imágenes conectadas arriba y abajo, la posición del mismo sujeto debe mantener la unidad espacial de la relación lógica, de modo que las dos imágenes tengan una relación natural y armoniosa cuando se conecten entre sí.

De forma general, las conexiones entre lentes se pueden dividir en dos tipos. Una es la conexión técnica, con cientos de técnicas, que utilizan principalmente técnicas ópticas como aparición gradual, desaparición gradual, superposición, instantánea, congelación de fotograma, giro, pantalla dividida, corte de salto, flashback, etc. para conectar las lentes y diversificar el transición de lentes; el otro La primera es la conexión no calificada, que utiliza principalmente la relación entre el contenido y la forma de la lente para hacer conexiones naturales y transiciones directas. Por lo general, las tomas de edición se dividen en tomas en movimiento (como empujar, tirar, hacer panorámicas, moverse, etc.) y tomas fijas (incluidas tomas del sujeto en movimiento y del sujeto quieto).

Para garantizar la continuidad y suavidad del empalme de imágenes, generalmente se pueden utilizar conexiones estáticas, conexiones dinámicas, conexiones estáticas y conexiones dinámicas. Esto requiere una transición entre dinámica y estática, y un punto de conmutación seleccionado. Sea adecuado. Por ejemplo, la combinación de tomas fijas, debido a que las tomas fijas de objetos estacionarios (o relativamente estacionarios) están conectadas entre sí, la combinación de tomas continuas se puede utilizar para capturar maravillosos momentos de acción o completar el proceso de acción. Para la combinación de tomas deportivas, si el sujeto es el mismo pero las formas de movimiento son diferentes (como la combinación de lente agitada y lente tirada), se debe eliminar el encuadre y la imagen izquierda en la unión de las lentes, es decir, solo se debe conservar el encuadre de la lente agitada anterior y la siguiente lente que se tira. La imagen izquierda de la imagen, si los sujetos son diferentes y los patrones de movimiento son los mismos, las subidas y bajadas de las juntas de las lentes deben determinarse de acuerdo con el; condiciones específicas. Para la combinación de lentes fijas y lentes móviles, si se realiza una grabación estática, el cuadro inicial y el cuadro izquierdo de la junta de la lente deben mantenerse durante un breve período de tiempo al expresar la relación de eco, y se deben mantener los altibajos de las juntas de la lente; determinado según la situación específica. Además, en el sentido habitual, la combinación de lentes no puede estar fuera de eje para evitar confusiones en la relación entre tiempo y espacio. Durante la edición, una toma se puede dividir según las necesidades creativas, o incluso se pueden tomar prestadas tomas individuales de otras escenas. En este caso, es necesario establecer la dirección y el ángulo generales de la cámara, seleccionar otras lentes cercanas a la lente con la dirección y el ángulo generales, y luego enderezar las relaciones de las lentes y las relaciones de los caracteres una por una de acuerdo con los principios de los métodos del eje direccional y del eje horizontal. Pero a veces, para mostrar que el personaje se encuentra en un determinado estado, se utiliza la técnica del salto del eje para formar una sensación de estado, dar a las personas la sensación de saltar y expresar cambios psicológicos y emocionales.

Procesamiento de luz y tono

A veces, debido a la influencia de factores externos como el entorno del lugar, las condiciones de iluminación, el tiempo de filmación, el equipo de filmación, etc. , puede haber algunas desviaciones en la luz y el tono de algunas tomas, o las diferentes fuentes de materiales también pueden causar inconsistencias en la luz y la oscuridad de los materiales, o según las necesidades de las obras de cine y televisión para expresar una emoción, crear una concepción artística, formar un tono y despertar la atención del público, resonancia emocional, etc. Por lo tanto, es necesario utilizar software de edición no lineal o algún software de síntesis de efectos especiales para la combinación de colores en las etapas posteriores de la película y la televisión, de modo que el tono, la luz y la sombra estén conectados entre sí. Si no se puede corregir, se debe insertar un primer plano entre dos planos diferentes para hacer una transición (amortiguación) para reducir la estimulación visual de la audiencia.

Manejar la relación entre sonido e imagen

Para manejar adecuadamente la relación entre sonido e imagen en obras de cine y televisión y conseguir la combinación perfecta entre sonido e imagen, debemos dominar el relación entre varios sonidos, música y efectos de sonido La proporción y el equilibrio entre el contenido son claramente estratificados, naturales y suaves, y los efectos de sonido con contenido apropiado y una hermosa calidad de sonido combinados con la imagen se transmiten a la audiencia. Para compensar las deficiencias del sonido original y hacer que el sonido dé forma vívida a los objetos de arte y refleje verdaderamente la vida real, algunos sonidos de la naturaleza y la vida deben procesarse a través de diversos medios técnicos, como el ajuste de la calidad del sonido, la reverberación y el retardo. , y velocidad variable, etc., para lograr efectos artísticos específicos. La combinación de sonido e imagen generalmente se divide en dos formas: sincronización de sonido e imagen y contrapunto de sonido e imagen.

La sincronización de sonido e imagen se manifiesta por la estrecha combinación de voz humana, música, efectos de sonido e imágenes, con ritmo y emoción consistentes, es decir, la misma información audiovisual, y el sonido y la imagen se superponen al mismo tiempo. tiempo para formar un mensaje general contrapunto de sonido e imagen significa que el sonido y la imagen pueden tener un propósito artístico específico, se expresan en diferentes aspectos al mismo tiempo y forman una relación de "oposición" o "paralela" en orden; para expresar más profundamente el contenido de la película.

Procesamiento de efectos especiales

La función de los efectos especiales en la postproducción de cine y televisión es principalmente representar y mejorar la atmósfera, realzar la belleza visual de la imagen y movilizar la atención de la audiencia. interés en la apreciación. En la selección y aplicación de efectos especiales debemos prestar atención a los siguientes aspectos. 1. La selección de gráficos de acrobacias debe ser coherente con la expresión del contenido de la pantalla. Hay muchos estilos y tipos de gráficos de acrobacias. Sobre la base de considerar el contenido y las características de la imagen, elija la forma de acrobacia adecuada; en segundo lugar, la elección de los gráficos de acrobacias debe reflejar las tomas frontal y trasera. Al combinar tomas, debemos tener en cuenta la forma del movimiento, la dirección y la velocidad de las tomas frontal y trasera, e intentar que el movimiento de los gráficos de acrobacias se haga eco del movimiento del sujeto en las tomas frontal y trasera, de modo que parezcan armonioso y natural; 3. Preste atención a la integridad de los gráficos de efectos especiales y utilícelos en grupos. En otras palabras, elija la misma forma y úsela más de cuatro o cinco veces seguidas para mantener una buena sensación general de la secuencia de acrobacias. También puedes realizar ligeros cambios manteniendo un tono unificado.

En definitiva, la postproducción cinematográfica y televisiva está relacionada con el éxito o fracaso de las obras cinematográficas y televisivas. Es un proceso creativo que combina tecnología, habilidad y arte. Los editores deben fortalecer continuamente el cultivo del pensamiento editorial, mejorar el cultivo de la capacidad estética artística y el dominio de las habilidades de edición, y crear obras cinematográficas y televisivas con estructura rigurosa, ritmo suave y temas distintivos.

Habilidades de edición de cine y televisión 4 1. Punto de corte correcto:

La edición es el proceso de conectar muchos fragmentos de imágenes fragmentarias en un todo rítmico. Esto implica problemas de conexión. .

Aquí me gustaría mencionar el concepto de vértices de imagen. El llamado ápice de la imagen se refiere al punto de inflexión de los movimientos y expresiones en la imagen, como el momento en que los brazos de una persona están completamente extendidos, el momento en que una persona baja la cabeza después de asentir a modo de saludo y el momento en que cuando se retira una sonrisa.

Aquí hay un consejo de edición: dado que la imagen es una serie de fotografías fijas, la imagen de la toma anterior formará una imagen residual en el ojo humano, por lo que en el trabajo de edición real, cuando se encuentre con una imagen que se mueve rápidamente disparo (contenido), el punto de edición debería estar un poco antes. Esto crea una sensación de melodía y comodidad que refleja la imagen. Por ejemplo, en la acción de torneado de libros, podemos seleccionar el punto de corte inicial cuando la acción de torneado de libros ha comenzado. Si la acción de girar el libro se divide en 25 cuadros, entonces podemos elegir comenzar desde el cuarto o quinto cuadro. Establecer el punto de fondo en alrededor de 21 fotogramas no afectará la comprensión del público sobre la acción de girar el libro. Por el contrario, también puede mostrar la melodía de la acción y la coherencia de los planos frontal y posterior.

2. Reglas fijas en la edición de acciones:

Se refiere al método de edición cuando el sujeto está en movimiento.

El método consiste en conectar la misma acción continua en diferentes posiciones y escenas. ¿Por qué hiciste esto? Leyenda del origen: un cortometraje. En el pasado, el rodaje de una acción a menudo tenía que interrumpirse debido a cambios de película. Pero la gente descubrió que la misma acción conectada por diferentes tomas parecía sorprendentemente fluida e impresionante, y luego evolucionó hacia un método de edición de acción fija.

Primer punto: Conexión Acción 7:3.

Este método se utiliza generalmente cuando el mismo avión está en diferentes escenas. Por ejemplo, al fotografiar la acción de lanzamiento de un lanzador desde el frente, tanto el panorama como el primer plano pueden estar cerca del 30% o el 70% de los detalles del lanzador al comienzo del panorama, de modo que la acción general pueda ser fluida. Por supuesto, dependiendo del material, también puedes eliminar o superponer deliberadamente algunas tomas para darle otro significado a toda la acción.

Segundo punto; conectar dos acciones en una.

El primer punto es conectar el mismo sujeto usando diferentes lentes. Lo que se introduce aquí es conectar múltiples acciones de diferentes temas en una, también llamada "edición de acción única". Si se golpea la pelota, normalmente se manejará así: conectar un jonrón = "Devolución del lanzador = "Devolución del primera base = "La pelota voló muy lejos. Con este método de edición, se repetirá la acción de giro de los dos jugadores , dando a la audiencia una impresión aburrida. A través de la "edición de acción única", estos dos movimientos de espalda se combinan en uno y la diferencia de tiempo se elimina mediante la edición.

El método específico es cortar la primera mitad. del regreso del lanzador y conectarlo La segunda mitad del regreso del base puede mejorar la sensación de velocidad y hacer que la imagen sea coherente. Por supuesto, en la edición real, podemos agregar una serie de escenas donde el público mira hacia atrás para fortalecer la imagen. pelota volando alto y lejos (la edición es incierta). p>

El tercer punto: uso intencionado de superposición para dar énfasis

Por ejemplo, en las películas de acción, las tomas de las habilidades asesinas se pueden reproducir desde diferentes ángulos. , o desde el mismo ángulo en cámara rápida y lenta.

Punto 4: La parte central se puede omitir para escenas de acción intensa.

Punto 5: Conecta el fotograma. e imágenes FrameOut. p>

El sexto punto: use lentes oscuros o puntos comunes para conectar las acciones de diferentes objetos

El efecto es acortar en gran medida el tiempo y aumentar la velocidad del video.

Dibuja puntos de conexión de acción:

Toma una toma más larga como toma principal.

Considera la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la imagen sin. afectando la continuidad de la acción.

Los cambios dramáticos en la acción y la posición de la cámara mejorarán el impulso de la escena.

La conexión según el tiempo real parecerá retrasada, por lo que las partes de las acciones de transición que se pueden omitir deben comprimirse. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano.

El material filmado simultáneamente se puede editar teóricamente en cualquier punto, pero elegir diferentes puntos de edición y repetir u omitir algunas tomas hará que la acción sea más fluida.

Cuando se conectan diferentes imágenes para la misma acción, intenta conectar en el vértice de la acción.

3. Puntos de conexión de fabricación y conversión de escenas

El primer punto: compatibilidad: significa que la pantalla frontal desaparece lentamente y la pantalla trasera aparece lentamente.

Tiene un tacto más suave que el corte y es muy fácil de usar. Se puede decir que es un método de transición de escenas que casi nunca falla.

El segundo punto: aparición y desaparición gradual: utilice una transición negra.

El tercer punto: utiliza máscaras para conectar diferentes escenas.

Punto 4: Utiliza imágenes borrosas para conectar diferentes escenas.

Punto 5: Utiliza el efecto de desenfoque provocado por el movimiento para conectar las lentes.

Punto 6: Conecta planos con un mismo paisaje. "Corte vacío"

Punto 7: Conecta la lente y el efecto de exposición. "Comerciales y videos musicales"

Punto 8: Utilice pantallas divididas para pasar a tomas posteriores.

4. Otros métodos de edición representativos:

El primer punto: dejar que aparezcan diferentes tomas alternativamente al mismo tiempo.

Segundo punto: Cuando tengas dificultades para conectarte, simplemente salta.

El tercer punto: conectar las lentes de diferentes monturas para crear una sensación de ritmo.

"En general, para los progresivos se utiliza un juego de tres lentes."