Conocimientos básicos de fotografía de cine y televisión.
Conocimientos básicos de fotografía de cine y televisión
1. Escena y estilo cinematográfico: disposición y ritmo de la escena: tiempo, huecos entre escenas. La disposición del escenario crea repetición, y la repetición es estilo y ritmo.
2. Espacio: El espacio cinematográfico es un espacio de pantalla, no un espacio real. La cámara de cine tiene la capacidad de descomponer el espacio y el director de cine tiene la capacidad de combinar el espacio. Preste atención al alcance del salto del avión. Cuantos más puntos de salto tenga un avión, más realista podrás verlo y recrearlo. Observe cuánto espacio hay en el video. Algunas tarjetas de presentación solo tienen noche oscura y buen espacio.
3. Asientos: El núcleo de una película es la cámara, y el núcleo del escenario dramático es la gente. La forma de ver y crear es completamente diferente.
4. Movimiento: movimiento externo de la cámara. Propósito: Cambiar perspectiva, crear ritmo. La velocidad del movimiento determina el movimiento de la imagen. El movimiento compuesto producido por la cámara creará una imagen visual maravillosa. El director de fotografía está muy dispuesto a mover la cámara según la intención del director.
5. Color: El color es la exteriorización de las emociones humanas y una extensión de la psicología personal. Observe el tono emocional general y la percepción general del color. No separe los colores locales y de escena.
6. Luz: estética: diferente a la vida, naturaleza: cercana a la vida pero no igual a la vida. Los fotógrafos deben perseguir la belleza de la fotografía natural. La fotografía de retrato por sí sola es nuestra especialidad como fotógrafos. Los fotógrafos deben controlar y utilizar la luz. Es la clave para modelar personajes.
7. Ángulo: Ángulo = punto de vista, ángulo = composición. Al fotografiar personas, es mejor fotografiarlas al revés porque la iluminación es confusa. Los locutores de televisión nacionales tienden a tener hombros estrechos. En Europa, los locutores de televisión siempre disparan entre 5 y 15 grados hacia atrás y ensanchan mucho los hombros.
8. Zona expuesta, tratamiento local: Tratamiento local expuesto, negro es negro, peludo es peludo.
9. Analizar el diálogo: El diálogo es la mejor forma de potenciar la trama. El diálogo está abierto, la acción está cerrada. Analizar el estado del habla, la velocidad del habla, el volumen, el estilo de hablar y la relación entre el habla y el movimiento. Las películas de acción estadounidenses no tienen nada que ver con el lenguaje, pero la narrativa siempre avanza.
10. Acción: Hay dos situaciones: entorno o contenido. Las acciones se realizan, no se ejecutan. Al analizar una película, debemos separar el movimiento del movimiento de la cámara. Los movimientos de la cámara son la expresión del director y la actuación de los actores.
11. Perspectiva de la imagen: Independientemente de si hay deformación o no, la deformación se ha puesto de moda en las películas modernas, pero cabe destacar que la deformación es el estilo de la película o el método de una determinada escena. Esta última expresión no tiene fuerza. Una vez significa dos veces por repetición, tres por estilo y cuatro por dominio.
12. Profundidad de campo: puede formar la programación de escenas y la distancia hiperfocal también es una forma de controlar la profundidad de campo. El método de profundidad de campo estrecha fue creado por John Woo y tiene muchas ideas estéticas. Su método de disparo a menudo se asocia con disparos a alta velocidad.
13. Sujeto narrativo: persona u objeto. En "Red..." y "Red..." de Zhang Yimou, los objetos y las personas son el mismo tema.
14. Tono: Es la relación entre la luz y la oscuridad en la imagen, como el final de "La lista de Schindler". Aprenda a controlar su tono. Al fotografiar en blanco y negro, tenga en cuenta la relación entre los tonos. Incluso si dispara en color, aún necesita comparar la relación de brillo entre el blanco y el negro. Aprenda a utilizar el tono para controlar la fisiología visual y las leyes de la audiencia.
15. Visión: Es una forma de comunicación distinta al lenguaje. Mirar la lente es diferente a mirar los lados izquierdo y derecho de la pantalla. La línea de visión debe corresponder y hacer eco. El papel de la vista es muy importante en la composición de tramas y escenas.
16. Eje: El cambio en la relación entre dos personajes de una escena. El eje es la relación entre el personaje y el asiento del avión. Cabe señalar que el eje es de un solo eje y de varios ejes.
17. Programación; hay dos tipos: A programa completamente a las personas en el espacio de la escena. b Ajuste el plano y utilícelo para organizar personas y escenas juntas. Es necesario analizar cómo el plano representa a los personajes y la posición de los personajes en la escena y el cuadro. La gente mira el entorno, la gente mira la luz y la gente mira la imagen. Este es un método de programación.
18. Posición: La posición de la persona en la imagen. La posición de los personajes puede formar un estilo cinematográfico. En una misma escena de diálogo, la posición de los personajes en la pantalla es muy importante.
19. Escena: Las escenas convencionales incluyen escenas exteriores, escenas interiores y escenas reales. Las proporciones de las tres escenas de una película pueden tener una influencia decisiva en el estilo. Las escenas exteriores ahorran dinero, el estudio gasta dinero, las escenas exteriores muestran la atmósfera, las escenas interiores muestran el drama y las escenas reales muestran el calendario.
20. La longitud de la lente afecta la longitud de la película y la presión fisiológica visual. Duración de un solo plano: alta presión visual; ritmo lento: pocos planos en toda la película. Generalmente, el precio de filmación de las películas extranjeras es de 1600-2200 y el precio de filmación de las películas nacionales es de 1500-1800. Pero cómo editar es un proceso de sentimiento.
21. Número de tomas: En los conceptos cinematográficos modernos, cuantas más tomas, más ricas serán las vistas y mayor será la cantidad de información. Una gran cantidad de tomas afectará la estructura narrativa de la película, y una pequeña cantidad de tomas deportivas también afectará el estilo narrativo del director.
22. Atmósfera: La representación de la atmósfera ambiental y la música. La atmósfera es algo virtual que no se puede cuantificar, pero debemos captar el contenido relevante al analizar la película.
Expansión: técnica de lentes
1. Técnica de empujar y tirar de lentes
La técnica de empujar y tirar de lentes es un grupo de técnicas técnicamente opuestas en la edición no lineal. A menudo, uno se puede utilizar para implementar el otro. Empujar la lente equivale a caminar directamente a lo largo de la línea recta del objeto para mirarlo, mientras que tirar de la lente significa que la cámara se sigue alejando del objeto. Por supuesto, ambas técnicas se pueden lograr con un objetivo zoom. El papel del push shot en el rodaje se centra en resaltar personajes u objetos importantes que aparecen en la película posterior. Este es el papel más común del push shot. Puede permitir que la línea de visión de la audiencia se acerque gradualmente al tema y guiar gradualmente la observación de la audiencia del todo a la parte. En el proceso de empujar el suelo, el contenido de la imagen disminuye gradualmente, lo que significa que el movimiento de la cámara descarta las cosas redundantes en la imagen, resalta los puntos clave y atrae la atención del público hacia una determinada parte.
Este efecto también se puede lograr usando una lente de zoom, es decir, pasando gradualmente de una distancia focal corta a una distancia focal larga, permitiendo al público ver las partes sutiles del objeto y resaltando las partes clave. al contenido a expresar. Empujar la cámara también puede revelar un espacio enorme.
Tire de la lente hacia adentro y empújela exactamente en la dirección opuesta. Esto significa que la cámara se aleja constantemente del sujeto y también se puede disparar con una lente de zoom (ajustándose gradualmente desde una distancia focal larga a una distancia focal corta). Tiene dos funciones. Una es mostrar la posición del protagonista o escenario en el entorno. La cámara retrocede y amplía gradualmente el campo de visión, lo que puede reflejar la relación entre la parte y el todo en una misma toma. En segundo lugar, la conexión entre planos también es necesaria. Por ejemplo, si el primero es un primer plano de una escena y el segundo es un plano de otra escena, será mucho más natural conectar los dos planos de esta manera.
El efecto push-pull de la lente es diferente al del zoom. Por ejemplo, en la técnica del objetivo zoom, utilizar un objetivo zoom equivale a ampliar una parte del sujeto original. El efecto en la pantalla es que la posición relativa de la escena permanece sin cambios, la escena permanece sin cambios y la imagen original simplemente se amplía. Cuando el sujeto de la escena fotográfica no cambia y es necesario acercarse al objeto a cualquier velocidad sin sacudidas continuas, es más apropiado utilizar una lente con zoom para lograr este efecto de lente. Mover la lente para empujarla equivale a observar el sujeto más de cerca. El efecto en la imagen es que los objetos en la escena se mueven hacia atrás y el tamaño de la escena cambia. Esto resulta muy eficaz al fotografiar pasillos estrechos o paisajes interiores. Existe una clara diferencia entre mover la cámara y usar una lente con zoom para lograr el efecto push-pull de la lente, por lo que debemos tener una comprensión clara del concepto de disparo y no podemos simplemente reemplazar los dos.
2. Técnica de lente agitada
Esta técnica de lente fue iniciada por el fotógrafo francés Dixon en 1896 y se desarrolló basándose en los hábitos visuales de las personas. Cuando utilizamos la técnica de panorámica, la cámara permanece estacionaria y la lente cambia la dirección de disparo, lo cual es muy similar a cuando nos quedamos quietos y giramos la cabeza para mirar algo.
Existen varios tipos de tomas panorámicas que pueden oscilar de lado a lado, arriba y abajo, inclinarse o mezclarse con tomas en movimiento. La función de la panorámica es permitir al público mostrar las escenas que se van a mostrar una por una. Las habilidades de panorámica lenta también pueden crear efectos prolongados en el tiempo y el espacio, dando una impresión a las personas.
Agitar la cámara muestra el contenido de principio a fin de una sola vez. Por lo tanto, se requiere que el propósito de las tomas iniciales y finales sea claro. De un objetivo determinado a un objetivo determinado, la serie de procesos. entre los dos planos también debe haber contenido para expresarse. Alejar el teleobjetivo del sujeto también puede crear un movimiento lateral o un efecto de elevación.
La velocidad de movimiento de la lente del cardán debe ser uniforme. Se estancará por un momento cuando se inicie, luego acelerará gradualmente, desacelerará a una velocidad uniforme y luego se estancará. La imagen de la izquierda será lenta.
3. La técnica del movimiento de la lente
Esta técnica de la lente fue inspirada por el fotógrafo francés Promio en un yate en Venecia en 1896. Se imaginaba "disparar con una cámara de película en movimiento para que los objetos inmóviles pudieran moverse", por lo que en la película fue pionero en el "plano lateral", que significa colocar la cámara en un coche en movimiento y disparar al costado de la pista.
El propósito de este tipo de lentes es mostrar la relación espacial entre personas y objetos en la escena, o entre personas y objetos, o expresar algunas cosas de manera coherente. Las tomas en movimiento y las tomas con movimiento son similares en que ambas están diseñadas para mostrar la relación entre el sujeto y sus compañeros en la escena, pero los efectos visuales en la pantalla son completamente diferentes. Una lente PTZ significa que la posición de la cámara es fija y el ángulo de disparo y el ángulo del sujeto cambian, lo cual es adecuado para fotografiar objetos distantes. La lente móvil es diferente, es decir, el ángulo de disparo permanece sin cambios, la posición de la cámara se mueve y el ángulo con respecto al sujeto permanece sin cambios. Es adecuado para fotografiar objetos y sujetos que están más cerca uno del otro.
La fotografía con teléfonos móviles se trata principalmente de composición dinámica. Cuando el sujeto está estático, la cámara se mueve para que el paisaje pase a través de la pantalla en secuencia, creando un efecto visual de patrullaje o visualización; cuando el sujeto es dinámico, la cámara se mueve en consecuencia, creando un efecto visual de seguimiento. También puede crear estados de ánimo y atmósferas específicas.
Al mover la cámara, además del coche móvil colocado en la vía, también puedes utilizar otras herramientas móviles, como aviones en fotografías a gran altura, trenes y coches en la naturaleza. Su movimiento se puede dividir a grandes rasgos en movimiento lateral y movimiento profundo según la dirección del movimiento. Cuando la cámara está estacionaria, cambiar el enfoque o mover el sujeto en el fondo también puede lograr el efecto de mover la lente.
4. Habilidades de seguir la cámara
Se refiere a que la cámara sigue objetos en movimiento, como empujar y tirar, balancearse, levantar, rotar, etc. Posteriormente, el sujeto dinámico de la imagen permanece sin cambios, mientras que el primer plano y el fondo pueden seguir cambiando.
Esta técnica de disparo no sólo puede resaltar el sujeto en movimiento, sino también explicar la dirección, velocidad, postura del objeto y su relación con el entorno, haciendo coherente el movimiento del objeto y ayudando a expresar la perspectiva mental del personaje en movimiento.
5. Lente de elevación
Esta técnica de lente se refiere a la fotografía tomada por la cámara moviéndose hacia arriba y hacia abajo. Es un método para expresar la escena desde múltiples puntos de vista. Sus técnicas de variación incluyen dirección vertical, levantamiento oblicuo y levantamiento irregular. Cambiar constantemente la altura y el ángulo de inclinación de la cámara durante el rodaje brindará una rica experiencia visual a la audiencia. Si se usa con habilidad, puede mejorar la ilusión de profundidad espacial y crear una sensación de altura. Si la cámara elevada se mueve adecuadamente en términos de velocidad y ritmo, puede expresar creativamente el estado de ánimo de una trama. A menudo se utiliza para expresar el patrón de desarrollo de eventos o las emociones subjetivas del sujeto que sube y baja en la escena. Si puedes combinar las técnicas de otras lentes en la toma real, puedes mostrar una variedad de efectos visuales.
6. Técnica de lanzamiento de lente
Esta técnica tiene requisitos más altos para el camarógrafo, es decir, después de tomar una fotografía, la cámara "tembla" rápidamente en otra dirección, moviendo así la cámara. cámara La imagen se reemplaza con otro contenido y el contenido capturado durante el proceso de agitación se vuelve borroso. Esto también es muy similar a los hábitos visuales humanos, muy parecido a cuando de repente giramos la cabeza hacia otra cosa mientras observamos algo, puede enfatizar simultáneamente la transformación del espacio y la yuxtaposición de escenas en diferentes escenas.
Otra forma de lanzar un tiro es tomar una imagen en movimiento del lanzamiento en la dirección deseada y luego editar entre las tomas de antes y después.
El efecto del balanceo de la cámara es un ritmo vertiginoso que puede provocar transiciones repentinas. Al editar, la dirección, velocidad y rapidez del lanzamiento, así como la duración del proceso, deben ser compatibles con los movimientos de los tiros delantero y trasero y su dirección y velocidad.
7. Girar la lente
Para fotografías con el sujeto o el fondo girando, existen varios métodos de disparo comunes: 1. Gire la toma a lo largo del ángulo de elevación del eje óptico de la lente; en segundo lugar, la cámara tiembla rápidamente 360 grados; en tercer lugar, el sujeto y el fotógrafo realizan una toma de rotación de 360 grados casi en el mismo eje; estacionaria, la imagen en la película o cinta La imagen o foto se gira, invierte o gira en cualquier ángulo en un círculo de 360 grados, puede moverse en el sentido de las agujas del reloj o en el sentido contrario a las agujas del reloj. Además, también puedes usar un vehículo giratorio para disparar y también puedes obtener un efecto de rotación.
Esta técnica de lente se utiliza a menudo para expresar la visión subjetiva o el vértigo de los personajes en rotación, o para intensificar las emociones y mejorar la atmósfera.
8. Técnica de lente temblorosa
Este tipo de lente no se usa mucho en tomas reales, pero cuando se usa en circunstancias apropiadas, esta técnica a menudo puede producir fuertes conmociones y sentimientos subjetivos. . La técnica de vibración de la lente se refiere al cuerpo de la cámara que se balancea hacia arriba, hacia abajo, hacia la izquierda, hacia la derecha y hacia atrás al disparar. A menudo se utiliza como lente subjetiva, como para crear efectos artísticos específicos al mostrar borracheras, trance, mareos o los efectos de sacudidas y golpes de barcos y automóviles. Si miramos atentamente la película de Zhang Yimou "Speak Out Loud", definitivamente la comprenderemos profundamente.
La amplitud y frecuencia de oscilación requeridas para esta tecnología en la toma real dependen de la situación específica. Es mejor sostener la cámara en la mano o en el hombro al disparar.
Las tecnologías de lentes de las que hablamos anteriormente no están aisladas en la toma real, sino que a menudo cambian constantemente y se pueden combinar entre sí para formar un efecto de lente deportivo completo, rico y colorido. Sin embargo, cuando queremos utilizar las habilidades de rendimiento de la lente, debemos determinarlo en función de las necesidades reales. Al disparar, los movimientos de la cámara deben ser uniformes, firmes y decisivos. No abuses sin rumbo de las técnicas de la cámara, pausas o sacudas hacia adelante y hacia atrás sin ningún motivo. Esto no solo afectará la expresión del contenido, sino que también deslumbrará y confundirá a la audiencia. La dirección y la velocidad del movimiento de la cámara también deben considerar la coherencia del ritmo y la velocidad de los planos frontal y posterior.
Desarrollo
En primer lugar, agotar
El consumo de luz se puede dividir en las siguientes categorías:
Luz frontal: luz suave . Se refiere a la luz que ilumina al sujeto en la misma dirección que la cámara.
Luz lateral: Luz lateral. La luz brilla desde el costado del sujeto en un ángulo de 90 grados hacia la izquierda y hacia la derecha. La luz que proviene del costado del sujeto en un ángulo de 45 grados se llama luz lateral frontal; la luz que proviene del costado en un ángulo posterior de 45 grados se llama luz de fondo lateral. El contraste de la luz lateral es fuerte, lo que resulta útil para expresar el sentido tridimensional y la textura de los objetos.
Retroiluminación: También conocida como retroiluminación y luz lateral. La luz detrás del sujeto aclara el contorno del objeto.
Luz superior: la luz que brilla desde arriba del sujeto crea una proyección fuerte.
Luz inferior: también llamada luz reflejada. La luz que brilla hacia arriba cerca del sujeto puede crear un efecto aterrador en él.
En segundo lugar, el tipo de luz
Según la fuente de luz, se puede dividir en luz natural y luz artificial;
Según la naturaleza de la luz, se puede dividir en luz dispersa (luz suave) y luz directa (luz fuerte);
Según el nivel de luz, se puede dividir en luz delantera, luz lateral, luz de fondo lateral, luz de fondo, luz inferior, luz superior, etc.
Según la función de modelado, se puede dividir en luz principal, luz de relleno (luz auxiliar), luz de fondo, ojos y luz de efecto.
1. Luz natural: luz solar y claraboya. La luz natural se ve afectada por los cambios de tiempo, estación, clima y condiciones geográficas. En la práctica de la fotografía, no sólo es necesario dominar los cambios en la intensidad de la luz natural, el ángulo y las propiedades de la luz, sino también la ley de los cambios de temperatura del color.
2. Luz artificial: La luz artificial no es tan buena como la luz natural en términos de intensidad, alcance y reproducción cromática, pero tiene más ventajas en su uso.
Usando luz artificial, puede dar forma a la escena con facilidad; puede usar la luz para crear varios efectos artísticos de acuerdo con sus propias ideas creativas, como complemento a la luz natural, puede usarse para iluminar partes de sombras para formar niveles tonales ricos.
3. Luz directa: también llamada “luz fuerte”. Las características de la luz que producen proyecciones claras sobre el sujeto son: la dirección de la proyección es obvia; puede formar partes brillantes y sombras y sus proyecciones sobre el sujeto pueden expresar la forma tridimensional, la forma del contorno y la estructura de la superficie; sujeto; es fácil producir un punto de luz parcial; la luz directa tiene buena forma y una fuerte percepción de la luz, y generalmente se usa como luz principal.
4. Luz dispersa: también llamada “luz suave”. No hay luz proyectada obvia sobre el sujeto, lo que significa: no hay una dirección de proyección obvia; la iluminación es uniforme y la forma tridimensional del objeto se puede representar con tonos claros, con capas delicadas y efectos suaves. El astigmatismo se utiliza a menudo como luz de relleno. En la fotografía de interiores, a menudo se utilizan gasas, papel suave, reflectores o controles mecánicos para difundir la luz en una luz suave.
5. Contraluz: Uno de los métodos de iluminación en el rodaje de cine y televisión. Esto separa a los actores del fondo, superando así la naturaleza bidimensional de la imagen y dándole una sensación tridimensional.
6. Luz principal: la fuente de luz principal de la imagen. Úselo para crear efectos de iluminación y determinar el contraste en las imágenes.
Generalmente, el método de iluminación principal se encuentra en una posición ligeramente más alta frente al sujeto, lo que puede expresar mejor el sentido tridimensional y la textura del sujeto.
7. Luz auxiliar: También conocida como "luz auxiliar", se refiere a la luz auxiliar que incide sobre la parte de sombra que no está iluminada directamente por la luz principal. Desempeña un papel de equilibrio en la relación oscura de la imagen. La luz de relleno suele utilizar una luz más suave.
La relación de brillo de la luz de relleno y la luz principal afecta el contraste de la imagen. No existe una relación de luz fija y depende de la situación específica. La proporción de luz varía con el tiempo, el entorno y las personas. En términos generales, la relación de iluminación debe estar entre 1:2 y 1:4.
8. Vista: el reflejo de la fuente de luz en los globos oculares también es un método indispensable para que el arte de iluminación del cine y la televisión represente la perspectiva espiritual de los personajes. Generalmente, el efecto de iluminación de los ojos se puede obtener a través de la luz auxiliar en el frente del personaje.
En tercer lugar, bloquee la luz
Utilice herramientas y equipos para bloquear la luz innecesaria. En las tomas al aire libre, a menudo se utilizan cortinas o varios hilos para cubrir el paisaje y los personajes y luego se vuelven a iluminar para que la forma del sujeto satisfaga las necesidades de la trama. A veces es para evitar la luz superior directa del sol; otras es para buscar un efecto de luz difusa más suave.
4. Métodos básicos de iluminación
Iluminar objetos, determinar niveles de luz, medir la intensidad de la luz, ajustar la proporción de luz, corregir interferencias, etc. Los pasos básicos son:
1. Determinar el nivel de luz de la luz principal y realizar un modelado preliminar del sujeto.
2 Cooperar con la luz auxiliar para compensar las deficiencias; de la luz principal y mejorar la iluminación de la luz principal. La forma de la parte que no es visible.
3. Para distinguir el sujeto y el fondo y mejorar la sensación de espacio del sujeto, la iluminación de contorno puede. ser utilizado;
4. Para ilustrar el fondo ambiental, resaltar y contrastar el sujeto, use luz de fondo para procesar el fondo.