¿Quién es el líder en arquitectura?
1. Representante de los arquitectos innovadores: Santiago Calatrava
(Calatrava)
Santiago Calatrava es uno de los arquitectos innovadores más famosos del mundo y también es controvertido. . Santiago
Calatrava es famosa por el diseño estructural de su puente y su arquitectura artística. Diseñó puentes en Venecia, Dublín, Manchester y Barcelona, así como estaciones de ferrocarril en Lyon, Lisboa y Zurich. La última obra es el famoso estadio principal de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.
Porque Calatrava
Como arquitecto e ingeniero, dominó la interacción entre estructura y estética arquitectónica. Él cree que la belleza se puede expresar a través del diseño de ingeniería mecánica y que en la naturaleza los insectos y pájaros del bosque tienen formas hermosas y una eficiencia mecánica asombrosa. Por ello, suele utilizar la naturaleza como fuente de inspiración a la hora de diseñar. El puente que diseñó es mundialmente famoso por su elegante dinámica formada por una estructura pura, que muestra la belleza lógica que la racionalidad técnica puede presentar, pero que parece trascender las limitaciones de la gravedad y las leyes estructurales.
A veces, sus diseños recuerdan inevitablemente a visitantes extraterrestres, y la belleza técnica extremadamente abrupta parece superar por completo las expectativas convencionales de la gente en la Tierra. Por supuesto, esto se debe a su especialización en ingeniería estructural. Ya a principios del siglo XX, el diseño de puentes se confiaba a los ingenieros estructurales de puentes, y los arquitectos parecen haberse acostumbrado a mantenerse alejados de ellos. Gracias a Calatrava, arquitectos de todo el mundo descubrieron de repente un nuevo tema. Alrededor de la década de 1990, hubo un auge en el diseño arquitectónico de puentes. Comenzaron a dar forma a estos elementos en la ciudad desde una nueva perspectiva, afectando así la apariencia de la ciudad. En 2001 se completó la primera obra de Calatrava en Estados Unidos, un proyecto de ampliación del Museo de Arte de Milwaukee en Wisconsin. Aquí solía haber un antiguo museo, diseñado por un estudio de arquitectura local en 1957. Esta incorporación al showroom de Quadracci en Calatrava, con su pequeño nombre, crea una situación absolutamente abrumadora.
En segundo lugar, la búsqueda de la coordinación interna y externa: I.M. Pei
Ieoh Ming Pei, un chino-estadounidense, es un arquitecto de fama mundial. Diseñó el Beijing Fragrant Hill Hotel, el edificio de la sede del Banco de China y la Torre del Banco de China en Hong Kong para China. Cooperar con la Academia de Ciencias Arquitectónicas de China para cultivar y capacitar a diseñadores arquitectónicos para China y hacer contribuciones importantes para promover la modernización de la arquitectura china.
Muchos de los edificios de gran escala que diseñó se pueden encontrar en todo el mundo, entre ellos, el Edificio Este de la Galería Nacional de Arte en Washington, el Proyecto de Ampliación del Louvre en París y el Banco de China Hong. Kong Branch Building ha dejado obras maestras clásicas en la historia de la arquitectura mundial. El edificio de la sede del Banco de China, terminado en Beijing de 1948 a 1999, fue el último proyecto de diseño arquitectónico a gran escala en la carrera de diseño arquitectónico de Pei. Fueron necesarios siete años y cada ladrillo, madera, agua y piedra del edificio fue un reflejo de su arduo trabajo. Hay un jardín en el edificio, que parece un patio de Beijing. Las piedras negras recolectadas del bosque de piedras de Yunnan en la piscina del jardín están distribuidas uniformemente y los arbustos de bambú en ambos lados se complementan entre sí, lo que hace que las técnicas de diseño tradicionales chinas sean muy precisas en la organización espacial.
Ieoh Ming Pei cree: “La arquitectura es una forma de arte social”. En ninguno de sus diseños no relajará la coordinación, purificación y sublimación de esta relación. Al diseñar, suele explorar el espacio y la forma de diversas maneras, dándoles características arquitectónicas que se adaptan a su contenido sin ser idénticas entre sí. I.M. Pei tiene un concepto de diseño global. Dijo: "Hay tres puntos a los que se debe prestar atención en el diseño arquitectónico: primero, la combinación del edificio y su entorno; segundo, el tratamiento del espacio y la forma; tercero, considerar a los usuarios y resolver problemas funcionales... Es este punto al que nadie ha hecho antes. Préstale suficiente atención”.
El diseño de I.M. Pei crea un estilo arquitectónico que conecta el pasado y el futuro. Se centró en purificar la forma del edificio y eliminar en la medida de lo posible aquellos componentes geométricos intermedios, transicionales e inciertos. La imagen espacial que diseñó tiene atributos distintivos. Además, sus diseños tienen un fuerte y vívido sentido escultórico y un vívido sentido de la época. y el arte realzado por la pintura y la escultura.
Pei diseñó él mismo casi todos sus interiores para garantizar la armonía entre el interior y el exterior.
Tres arquitectos locos: Antonio Gaudí
Antonio Gaudí (Antonio
Gaudi, 1852-1926), arquitecto español, es representante de la escuela de arquitectura plástica y Pertenece al estilo arquitectónico modernista. Gaudí estudió en la Escuela Provincial de Arquitectura de Barcelona. Después de graduarse, sus primeras obras se parecían al ornamentado estilo victoriano, y más tarde adoptó el estilo histórico, que fue predominante en el Renacimiento gótico. El primer encargo importante de Gaudí fue la finalización de la Sagrada Familia de Barcelona (1883 - todavía en construcción), un edificio de gran carácter y atractivo (Gaudi sólo había completado un crucero y cuatro Torre Uno), los Apartamentos Mira, los Apartamentos Bartolomé (también conocidos como Casa de Bartolomé), Capilla del Gil y Parque Güell.
A los ojos de Gaudí, toda inspiración proviene de la naturaleza y la fantasía: la curvatura de las olas, las líneas de la caracola, el estilo del panal y las formas de los personajes míticos son todas sus expresiones favoritas. Odia las líneas rectas rígidas y está dispuesto a utilizar curvas suaves y colores coloridos para expresarlo todo. Incluso la forma de cada chimenea y la disposición de cada ladrillo son lo suficientemente interesantes como para que la gente reflexione durante mucho tiempo. Por tanto, los proyectos que contrató se convirtieron en obras maestras. El Parque Güell tardó 65.438 04 años y aún quedó inacabado tras la muerte de la Sagrada Familia. Si la inversión es estable (cuesta 3 millones de dólares al año), tardará al menos 65 años en completarse.
Cuatro maestros de la deconstrucción: Zaha Hadid. Hadid
Hadid es una leyenda en el mundo de la arquitectura. Algunos decían que estaba loca, otros decían que era una hereje y, por supuesto, algunos decían que era una arquitecta inconformista. En cualquier caso, Hadid es conocido hoy como el mejor "maestro de la deconstrucción" del mundo. Hadid ha llevado a su equipo a ganar muchos de los concursos de diseño arquitectónico más importantes del mundo: un retorcido edificio de oficinas en Milán, Italia, un edificio universitario y de conferencias en Barcelona, España, una ópera en Guangzhou, China, un fuerte de Estrasburgo en Alemania. Power Station, un museo de arte en Copenhague, Dinamarca, un museo de arte en Cincinnati, Estados Unidos, un centro acuático para los Juegos Olímpicos de Londres 2012 y los derechos de sede para la construcción urbana en Estambul, Turquía y Singapur.
En 2004, Hadid ganó el Premio Pritzker de Arquitectura, el "Oscar de la Arquitectura", convirtiéndose en la primera mujer en ganar el máximo honor mundial en arquitectura. Ida Louise Hext Bull, una de las jueces del Premio Pritzker y crítica de arquitectura estadounidense, dijo: "Hadid cambió las opiniones y los sentimientos de la gente sobre el espacio". En manos de Hadid, el espacio es como arcilla de caucho, lo que le permite cambiar su forma: el piso cae bruscamente, las paredes se inclinan, el techo cuelga alto y es difícil distinguir entre el interior y el exterior ... A juzgar por la concepción y expresión de las numerosas obras de diseño de Hadid, su distintivo El trasfondo cultural islámico es obviamente más débil que el tradicional espíritu conservador británico que ella aceptó. Pero es innegable que también tiene un lado duro y radical en su carácter. Muchas de sus técnicas y conceptos de diseño parecen estar animados con entusiasmo por el fuerte espíritu emprendedor de ascendencia árabe. Al mismo tiempo, también revela un sabor romántico cercano a la naturaleza en algunos planos de diseño arquitectónico "conformes" y fluidos.
Sus diseños utilizan audazmente el espacio y las estructuras geométricas, y es conocida como la "maestra de la deconstrucción". Aunque ganó premios grandes y pequeños, a veces cuatro al año, muchas de sus obras sólo podían permanecer silenciosamente en la mesa de dibujo y no podían ponerse en práctica. Incluso una vez la llamaron "arquitecto de sillón". Esta situación no cambió hasta finales de los años 1990.
Cinco talentos que combinan arte y sabiduría: World Architect Tadao Ando.
Tadao Ando, que vive y trabaja en Osaka, Japón, fue nominado al 18º Premio Pritzker de Arquitectura a la edad de 53 años. Jay A Pritzker, presidente de la Fundación Heia, citó la descripción del jurado: "La arquitectura de Ando es una unión de espacio y forma con artesanía... a la vez aplicable e inspiradora... Mirando su carrera arquitectónica, es imposible predecir su futuro ”
Tadao Ando es un arquitecto poco común. Combina arte e inteligencia.
Las casas que construyó, sin importar cuán grandes o pequeñas fueran, eran muy prácticas y espirituales. Tiene una gran visión que trasciende las escuelas o estilos deportivos más populares en la actualidad. Sus edificios son una síntesis de la forma y las personas que viven allí.
Mientras la mayoría de los arquitectos comenzaron a trabajar en las obras más ortodoxas, Ando había completado la mayor parte de una obra destacada que era única para él, especialmente en su Japón natal. Utilizando hormigón sedoso, Ando crea espacios que son tan expresivos, como lo son las paredes que utiliza, que él llama los bloques de construcción más fundamentales de la arquitectura. Durante mucho tiempo, aunque los materiales y componentes que utilizó fueron columnas, muros, arcos, etc. Estas partes siempre están llenas de energía y movimiento después de diferentes combinaciones. Sus conceptos y materiales de diseño combinan el modernismo internacional con la conciencia estética tradicional japonesa. Debido a su énfasis y comprensión de las técnicas de construcción, se ganó una reputación como arquitecto y constructor. Cumplió la misión que se le había impuesto, que era restaurar la unidad de la casa con la naturaleza. A través de las formas geométricas más básicas, logró crear mundos microscópicos personales con mapas de luz caleidoscópicos. Además de obtener algunos conceptos de diseño abstractos, sus edificios también encarnan plenamente el concepto de "vida cómoda".
La arquitectura de Ando es una asombrosa combinación de espacio y forma en el arte. Nadie podía predecir este momento a través de su arquitectura, y él no quería estar limitado por la tradición. La innovación es su método y su visión personal del mundo es su fuente de inspiración. El Premio Pritzker de Arquitectura fue otorgado a Tadao Ando no sólo porque completó una determinada obra, sino también porque sus proyectos futuros enriquecieron aún más el arte de la arquitectura...
Casi todos los proyectos de Ando se basan en cemento como el principal material de construcción. De hecho, trabajó como aprendiz de carpintero durante un tiempo y dominó la artesanía tradicional japonesa de estructuras de madera. De hecho, una de sus obras más famosas es una estructura completa de madera: el Pabellón de Japón que visitó en España en 1992.
Uno de los proyectos residenciales más destacados de Ando es Rokko.
La vivienda se divide en dos fases. Hay 20 unidades en la primera etapa, cada una de las cuales es trapezoidal pero difiere en escala y diseño. La segunda fase tiene 50 unidades y se completó en 1993, pero todas las unidades tienen una apariencia unificada y una estructura interna única. Los complejos residenciales, todos construidos con estructuras de hormigón armado, ofrecen vistas panorámicas desde la bahía de Osaka. Toda la comunidad es como una pendiente de 60 grados, como una piscina y una plaza en la azotea. Ando también ganó el Premio de Diseño Cultural de Japón en 1983.
El abanderado de la arquitectura moderna: Le Corbusier.
Le Corbusier (Le
Corbusier 1887.10.6-1965. 8. 27): el arquitecto, urbanista y escritor más famoso del siglo XX. Es un radical y líder del movimiento de arquitectura moderna y es conocido como el "abanderado de la arquitectura moderna". Él y Walter Gropius (Walter
Gropius), Ludwig Ludwig Mies van der Rohe (nombre original Maria Ludwig Michael Lloyd Wright y Frank Lloyd Wright son conocidos como los principales representantes de la arquitectura moderna o la arquitectura internacional.
De 1943 a 1927, Corbusier lanzó la "Conferencia Internacional de Arquitectura Moderna" en La Salas, convirtiéndose en la organización central de la arquitectura moderna con estilo internacional. El pensamiento arquitectónico de Le Corbusier se puede dividir en dos etapas: antes de la década de 1950, fue el principal líder del racionalismo, el funcionalismo y el estilo nacional, representado por la Villa Saboya en 1929 y el Apartamento Marsella en 1945. Los muros de carga de muchas estructuras de edificios fueron reemplazados por hormigón armado y los edificios a menudo estaban suspendidos del suelo. Después de la década de 1950, Le Corbusier recurrió al expresionismo y al posmodernismo; La Capilla Ronchamp conmocionó al mundo arquitectónico con su expresión escultórica y forma única, una desviación total del vocabulario clásico anterior. Esta es una de las estructuras más memorables construidas por el hombre moderno. En términos de diseño de muebles, Le Corbusier es famoso por su lujosa y cómoda chaise longue con estructura de tubo de acero, que casi se ha convertido en un símbolo de la vida elegante en los años 20.
Sus ricas y diversas obras y su apasionada filosofía arquitectónica influyeron profundamente en el paisaje urbano del siglo XX y en el estilo de vida de la gente contemporánea.
Sus ideas arquitectónicas y urbanas en constante cambio siempre han dejado atrás a sus seguidores, desde las primeras villas blancas, los apartamentos de Marsella hasta la iglesia de Ronchamp, desde el plan de reconstrucción de París hasta la nueva ciudad de Changal, desde "hacia una nueva arquitectura" hasta " modus operandi”. Corbusier es la cima insuperable de la arquitectura moderna y una fuente inagotable de ideas arquitectónicas.
Le Corbusier también propuso muchas ideas sobre planificación urbana. Se opuso a la tendencia actual de pensamiento contra las grandes ciudades y abogó por una planificación urbana completamente nueva. Él cree que, en las condiciones tecnológicas modernas, es posible mantener una alta densidad de población y crear un entorno urbano tranquilo e higiénico. Primero propuso la idea de edificios de gran altura e intercambiadores, que era muy previsora. Siempre estuvo a la vanguardia de las tendencias del desarrollo arquitectónico en las décadas de 1920 y 1930, promoviendo la modernización del diseño arquitectónico y la planificación urbana.
Maestría en Artes y Arquitectura: John? John Utzon
Wu Zhong nació en Dinamarca en 1918 y fue un excelente marinero. Hasta los 18 años todavía pensaba en convertirse en oficial naval. Egresado de la Escuela Superior de Arte en 1942. Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, huyó a Suecia, donde trabajó como empleado en un estudio de arquitectura. Luego me fui a Finlandia y trabajé con Alvar Aalto. Durante los siguientes diez años viajó a muchos lugares, como China, Japón, México, Estados Unidos, India y Australia. Donde terminó convirtiéndose en un factor importante en su vida.
La leyenda de la Ópera de Sídney comenzó en 1957. El arquitecto Wu Zhong, de 38 años, sólo ejerció una vez en Dinamarca. Se presentó a un concurso anónimo: un teatro de ópera en un pequeño terreno. Su propuesta fue seleccionada por los jueces del concurso entre 230 propuestas de más de 30 países. Los medios de la época lo denominaron "tres grupos de bóvedas de hormigón en forma de concha revestidas con gres porcelánico blanco". El edificio es enorme e incluye una sala de conciertos, una sala de ópera, un teatro, salas de ensayo y muchos espacios e instalaciones de exposición. El área de construcción es de 8.000 metros cuadrados. El edificio no se completó hasta 1973, tardó 14 años y costó 654.382 millones de dólares. Su diseño estructural es más difícil que nunca. Durante este período, pasó por innumerables diseños de diseñadores y finalmente se convirtió en una esfera de concreto, que luego fue modificada y restaurada, y así nació la obra maestra.
Comentarios del Premio Pulitzer: ¿John? Wu Zhong es arquitecto. Arraigado en la historia, su alcance se extiende a las culturas maya, china, japonesa e islámica, así como a muchos otros orígenes, incluida su propia herencia escandinava. Combinó esas antiguas tradiciones con su cultivo armonioso, dando como resultado un sentido artístico de la arquitectura y un instinto natural para la arquitectura orgánica en relación con el contexto del lugar. Siempre adelantado a su tiempo, es digno de ser uno de los pocos modernistas cuya arquitectura atemporal ha dado forma al siglo pasado.
Alvar Aalto, defensor de la teoría humanista de la arquitectura.
Aalto nació en Kuortane, Finlandia, el 3 de febrero de 1898. Se graduó en el Instituto Tecnológico de Helsinki en 1921, con especialización en arquitectura. Desde 1923 se han establecido estudios de arquitectura en las dos ciudades finlandesas de Yuvesquele y Turku.
Alrededor de 1924, diseñó varios cafés y centros de estudiantes para la escuela, y diseñó juegos completos de muebles para dormitorios de estudiantes, utilizando principalmente el estilo de diseño "neoclásico". Ese mismo año, se casó con el diseñador Arnold Marceau y * * * realizó cinco años de experimentos de doblado de madera, investigación que condujo al diseño revolucionario de Alva Aalto en la década de 1930.
Aalto se unió a la Asociación Internacional de Arquitectura Moderna en 1928. En 1929, según las ideas emergentes de la arquitectura funcionalista, se diseñó en colaboración con otros el edificio para una exposición para conmemorar el 700 aniversario de la fundación de Turku. Abandonó todos los adornos del estilo tradicional, lo que dio como resultado la primera arquitectura modernista en Finlandia y promovió el desarrollo de la arquitectura finlandesa moderna. En los primeros diez años después de la Segunda Guerra Mundial, Aalto se dedicó principalmente a la restauración y construcción de su patria y a la planificación regional de la capital de la provincia de Laponia (1950-1957).
De 1931 a 1932, Aalto diseñó el Sanatorio de Tuberculosis Paimio en Finlandia. Sus muebles modernos originales también se dieron a conocer aquí. Este fue un gran avance para que el diseño de muebles de Aalto se globalizara. En 1935, los Otto y sus amigos fundaron Artek Company para promover los muebles, la iluminación y los textiles diseñados por Otto en el extranjero.
Aalto fue profesor invitado en el Instituto Tecnológico de Massachusetts en 1940, Doctor honorario en Bellas Artes por la Universidad de Princeton en 1947 y miembro de la Academia de Finlandia en 1955. Ganó la Medalla de Oro del Real Instituto de Arquitectos Británicos en 1957 y la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos en 1963. Murió en Helsinki el 11 de mayo de 1976.
La principal idea creativa de Aalto es explorar el camino de la arquitectura moderna nacionalizada y humanizada. Él cree que la industrialización y la estandarización deben servir a la vida de las personas y satisfacer sus necesidades espirituales. El alcance creativo de Aalto es muy amplio, desde la planificación regional, la planificación urbana hasta el diseño de centros municipales, desde la arquitectura civil hasta la arquitectura industrial, desde la decoración de interiores hasta el diseño de muebles, lámparas y artesanía diaria. "La estandarización no significa que todas las casas sean iguales, sino que sirve principalmente como un medio para producir sistemas flexibles para satisfacer las necesidades de varias familias de diferentes casas, diferentes terrenos, diferentes orientaciones, diferentes vistas, etc.", dijo. El plano del edificio diseñado es flexible y fácil de usar. Los componentes estructurales se transforman inteligentemente en decoraciones exquisitas. La forma arquitectónica es elegante y el tratamiento del espacio es libre, animado y dinámico. sino una extensión continua. Crecimiento, cambio. Aalto amaba la naturaleza y los edificios que diseñó siempre aprovechaban al máximo el terreno natural, integraban hermosos paisajes y eran de estilo simple.
Finlandia, situada en el norte de Europa, es rica en madera y su producción de cobre ocupa el primer lugar en Europa. Las propiedades de la madera se reflejan tanto en la decoración exterior como interior de los edificios diseñados por Aalto; el cobre se utiliza para la decoración para mostrar los detalles exquisitos. La forma arquitectónica es tranquila y grandiosa, la estructura utiliza principalmente paredes de ladrillo grueso y las puertas y ventanas están colocadas adecuadamente. Sus obras no son exageradas ni lujosas, ni siguen la moda europea y americana, creando un estilo nacional único y una personalidad distintiva. En Helsinki, Finlandia, las obras representativas de Aalto se pueden encontrar en todas partes, incluido el campus de la Universidad Tecnológica de Helsinki, la sala de conciertos y centro de conferencias de Finlandia, el Palacio de Cultura de Helsinki, Stora Enso, etc.
Enso) edificio sede de la empresa, etc.
En 1936, Alvar Aalto se encargó del diseño interior del restaurante Ravintola en Helsinki.
Savoy) diseñó un jarrón como una de las decoraciones, que fue el producto de vidrio clásico que más tarde lleva su nombre. No sólo demostró el nivel del diseño moderno finlandés en la Exposición Internacional de París de 1937, sino que también lo ha hecho. se convirtió en la colección de muchos museos de todo el mundo y ganó el Premio Internacional de Vajilla en 1988. Su interés en el diseño proviene del contorno curvo ondulado, aleatorio y orgánico, que rompe por completo los estándares de diseño tradicionales de la cristalería simétrica. Se especula que el contorno ondulado y curvo simboliza los lagos punteados de Finlandia. Esta es una obra maestra clásica dejada por el genio maestro del diseño Aalto para la fabricación de cristalería fuera de la arquitectura. Los jarrones Aalto son "antiguos" en términos de antigüedad, pero aún son muy avanzados y modernos en términos de diseño.
Nueve innovaciones y avances audaces: Renzo Piano.
Renzo Piano (Renzo
Piano) nació en septiembre de 1937 en una familia de trabajadores de la construcción en Génova, Italia. En 1964, Piano se licenció en arquitectura en la Universidad Técnica de Milán y comenzó su carrera permanente como arquitecto. Primero trabajó en el estudio de Louis Kahn en Filadelfia y en el estudio de Makovsky en Londres, antes de establecer su propio estudio en Génova. Allí inició una serie de diseños experimentales: una refinería, una sala de exposiciones, un hospital polivalente, etc. Aunque Piano ha estado profundamente influenciado por las obras de muchos maestros de la arquitectura, desde su debut siempre ha sido independiente y nunca se adhiere a las convenciones. Siempre ha preferido el diseño abierto y los efectos de luz natural.
En 1971, un ingeniero sugirió que Piano y Rogers se unieran para participar en un concurso internacional en el Centro Pompidou de París, que finalmente ganaron.
Pasajes animados, hermosos y coloridos, junto con ascensores sinuosos y cristalinos, hacen del Centro Pompidou uno de los hitos reconocidos de París. Desde el proyecto Pompidou, Piano ha ganado reputación mundial por sus dibujos arquitectónicos en capas. Japón, Alemania, Italia y Francia tienen sus audaces proyectos de edificios públicos y comerciales, y los museos que diseñó son aún más inigualables.
La gente habla maravillas del piano gracias al Museo Menil en Houston y al Museo Fondation Beyeler cerca de Basilea. Decoró una isla artificial en la bahía de Osaka en Japón con la fantástica terminal del aeropuerto de Kansai. También construyó un imponente centro cultural parecido a un cobertizo en Noumea, Nueva Caledonia. Allí, gracias a su profundo conocimiento de las costumbres, creencias y gustos estéticos locales, se ganó el apoyo de los ancianos indígenas que desconfiaban del dominio colonial occidental.
Piano se centra en la combinación del arte arquitectónico, la tecnología y el entorno. Sus pensamientos arquitectónicos son rigurosos y líricos, y tiene el coraje de innovar y abrirse paso mientras hereda y transforma la tradición. Piano utilizó la expresión modernista para hacer realidad los mismos ideales de gran alcance de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y otros predecesores: la perfecta armonía entre las personas, los edificios y el medio ambiente, y prestó una atención apasionada a la habitabilidad y el desarrollo sostenible de los edificios. Las obras de Piano abarcan desde museos e iglesias hasta hoteles, edificios de oficinas, residencias, teatros, salas de conciertos, aeropuertos y puentes. En sus obras se refleja ampliamente la colisión de diversas técnicas, materiales y formas de pensar. Estos patrones de pensamiento activos y dispersos son un regalo de un maestro verdaderamente perspicaz y su equipo para toda la humanidad.
La grandeza de Piano radica en que sus obras arquitectónicas no tienen un patrón fijo. A diferencia de los modelos arquitectónicos de otros arquitectos, la marca distintiva del trabajo de Piano es su falta de marcas distintivas. El propio Piano fue un modelo a seguir e inspiración para los jóvenes arquitectos que rechazaban dogmas y dogmas. Sus obras no tienen expresiones exageradas y revelan un raro y cálido espíritu humanista, que se preocupa persistentemente por el cielo, la tierra y los corazones de las personas. En la tendencia actual de promover ciegamente la personalidad y la autopromoción, parece tranquilo y sobrio.
La figura representativa de la "escuela de alta tecnología": Norman Foster.
Norman Foster, uno de los arquitectos más destacados del mundo, es conocido como el representante de la "escuela de alta tecnología" y ganador de 21 premios Pulitzer de Arquitectura. Norman Foster enfatizó particularmente la coexistencia de los humanos y la naturaleza en lugar del conflicto entre sí. Enfatizó la necesidad de recurrir a formas culturales pasadas y defender métodos arquitectónicos que satisfagan las necesidades de las formas de vida humana.
Creía que la arquitectura debía dar una sensación de énfasis, un efecto dramático y aportar tranquilidad.
Nació en Manchester, 1935. Tras graduarse en la Escuela de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Manchester en 1961, recibió una beca Henry de la Universidad de Yale para estudiar en Jonathan.
Edwards College, Máster en Arquitectura. Del 65438 al 0967, Foster fundó su propia empresa. Hasta el momento, sus proyectos se han extendido por todo el mundo, ganando más de 190 premios y 50 premios en concursos de diseño nacionales y extranjeros. Norman Foster recibió la Medalla de Oro Real en 1983, fue nombrado caballero en 1990, fue catalogado como Persona Destacada por la Reina en 1997 y fue nombrado compañero vitalicio en 1999, convirtiéndose en Señor del Támesis.