¿Cómo tomar buenas fotos de boda?
Solo cuando realmente profundizas en la fotografía de paisajes y disparas con una mentalidad rigurosa, utilitaria e impetuosa puedes apreciar verdaderamente el misterio.
Desde que aprendí fotografía de paisajes, he acumulado algo de experiencia y luego las junté para pensar en seis preguntas:
Proposición 1: ¿Por qué elegiste la fotografía de paisajes?
Proposición 2: ¿Qué etapas debe trascender la fotografía de paisaje?
Proposición 3: ¿Cuáles son las habilidades clave necesarias para la fotografía de paisajes?
Proposición 4: ¿Cómo leer imágenes?
Proposición 5: ¿Cómo disparar como un maestro?
Proposición 6: ¿Qué quieres fotografiar?
Proposición 1: ¿Por qué elegiste la fotografía de paisajes? ¿Cuál es el significado de la fotografía de paisaje?
Para mí, esta propuesta es la razón por la que la fotografía de paisaje tiene prioridad sobre otras fotografías. De hecho, tiene sentido elegir cualquier tema fotográfico. Sólo hay malas obras, no malos temas. Cuando comencé a aprender fotografía, probé la fotografía de retratos, pero no encontré el sentimiento ni la motivación para seguir fotografiando.
En los días en que no podía viajar muy lejos para fotografiar paisajes, también intentaba fotografiar obras humanísticas y conceptuales. Dedicaré mucha energía a fotografiar sujetos humanos en el futuro, pero hasta ahora, el campo que realmente me hace "sentir" es la fotografía de paisajes.
Desde entonces, el “sentir” se ha convertido en mi prioridad a la hora de elegir la fotografía. Por supuesto, la premisa implícita es que lo mejor es probar tantos géneros diferentes como sea posible para poder comparar y saber cuál es el que realmente te gusta. De hecho, al final no nos pueden gustar todos los temas e invertir la misma cantidad de dinero. Definitivamente todos le prestarán atención.
Doy prioridad a la fotografía de paisajes como un pasatiempo personal a largo plazo, y también encontré esta razón auxiliar para mí:
-La fotografía te permite disfrutar del paisaje salvaje;
p>
-Al tomar fotografías de paisajes, hay que llevar decenas de kilogramos de equipo para escalar montañas y vadear en el agua, lo que influye en la aptitud física.
Mi propio juicio sobre lo que es "sentimiento":
-¿Tengo el equipo y las habilidades de disparo necesarios para fotografiar un sujeto así?
-¿He dominado los criterios y métodos comunes de evaluación de trabajos en este campo?
-¿He estudiado suficientes obras representativas en este campo para juzgar si mi trabajo puede entrar en el umbral mínimo de reconocimiento público y profesional?
-¿Puedo obtener algo más que dinero por fotografiar este tema?
-¿Estoy seguro de que incluso si no hay una recompensa económica en el futuro, seguiré dedicándome a fotografiar este tipo de temas durante mucho tiempo, o incluso me volveré desconocido?
Proposición 2. ¿Qué etapas debe atravesar la fotografía de paisaje?
Divido la fotografía de paisajes en tres etapas:
La primera etapa: dominar las habilidades clave necesarias.
En esta etapa, la clave es equiparse con los equipos y sistemas necesarios, poder exponer según sus propias intenciones, obtener fotografías claras, aprender a utilizar los filtros necesarios y dominar la imagen necesaria. habilidades de procesamiento.
La segunda etapa: aprender a leer imágenes
En esta etapa, aprenda a examinar y juzgar las obras desde una perspectiva profesional y utilice conscientemente estos estándares para guiar su propia filmación.
La tercera etapa: dispara como un maestro
Esta etapa es la más larga y no tiene fin, a menos que te rindas a mitad del camino. Después de ingresar a esta etapa, debe establecer sus propios ideales fotográficos, establecer sus propios conceptos fotográficos, aclarar sus propios objetivos fotográficos, formular planes de rodaje viables y hacer esfuerzos persistentes para lograr los objetivos de cada etapa.
Proposición 3. ¿Cuáles son las habilidades clave necesarias para la fotografía de paisajes?
Basándome en mi propia experiencia fotográfica, analizaré aquí algunos aspectos clave de la fotografía de paisajes.
1. Exposición: de precisa a correcta
En la mayoría de los casos, mi método para medir la luz es:
-Bloquear la composición primero;
-Mida el valor de exposición a la luz más alto con detalle y el valor de exposición más oscuro con detalle en la imagen en secuencia y guárdelos por separado;
-Observe la diferencia entre los dos valores;
- Si la diferencia no excede el ancho de la película (generalmente 5 pasos para películas invertidas y 7 pasos para películas en blanco y negro), entonces tome el valor promedio y use este valor promedio para la exposición, que es "precisa". en la mayoría de los casos;
Para obtener la exposición "correcta", es necesario ajustar el promedio en función de la luz recibida por el sujeto y la proporción de áreas claras y oscuras en la composición. En circunstancias normales, si el sujeto está en la oscuridad o hay muchas áreas oscuras en la imagen, la exposición debe aumentarse adecuadamente (1/3 a 1/2 y viceversa (1/3 a 1); Cabe señalar que el sentido de esta compensación es opuesto al caso de la dosificación multiárea en máquinas, ya que en estas últimas el factor de área ya está calculado.
-Si se excede la capacidad de carga de la película, es necesario ver si se puede usar un espejo gris degradado para suprimir las partes brillantes y reducir la relación de luz. De lo contrario, sólo podrás elegir entre partes claras y oscuras, y ver qué parte de blanco muerto o negro muerto no afecta la intención creativa de la obra.
2. ¿Cómo obtener imágenes claras?
-Enfoque preciso, enfoque manual si es necesario;
En muchos casos, los trabajos de paisajes requieren una nitidez total, por lo que cuanto más corta sea la distancia focal del objetivo y menor sea la apertura utilizada, mayor será la precisión del enfoque. más útil es Cuanto mayor es la profundidad de campo, más clara se ve la imagen. El uso de cámaras técnicas de gran formato presenta mayores ventajas en este sentido. Sin embargo, hay un dicho que dice que la calidad de la imagen disminuirá con la apertura mínima, por lo que cuando busco la máxima profundidad de campo, suelo utilizar la penúltima apertura. Por ejemplo, para una lente con una apertura mínima de F/32, utilizo. dispara a F/22.
——A menos que sea necesario, se recomienda usar menos filtros; de lo contrario, use varios filtros con precaución, especialmente no se recomienda usar siempre lentes UV para disparar para proteger la lente;
-Utilice el objetivo tanto como sea posible;
-Si la cámara tiene una función de elevación previa del espejo, úsela siempre, no hay necesidad de molestarse;
-Insista en use el control remoto del obturador/disparador del cable y desarrolle el hábito de usarlo antes de salir. Haga un hábito de respaldo (a veces los amigos pueden tocar su lámpara);
-Siempre verifique si la conexión entre el trípode y el el trípode es firme y lleve consigo el trípode y las herramientas del trípode como respaldo;
-Elija un trípode resistente. Cuando lo use, dé prioridad a expandir secciones de tubería con diámetros más grandes y no levante el eje central a menos que sea absolutamente necesario;
——Al instalar el trípode, elija un punto de apoyo sólido (si está embarrado, es mejor utilizar bloques de piedras y ladrillos);
- Presione la persiana cuando el viento sea fuerte, y presione la persiana si hay tráfico 200 metros antes/después del paso.
3. Utiliza los filtros de forma adecuada para conseguir el efecto deseado.
Ya sea una cámara de cine o una cámara digital, los polarizadores siguen siendo un filtro imprescindible. Úselo para:
-Reducir el reflejo de la superficie del agua y profundizar el color de la superficie del agua;
-Fotografiar claramente peces, piedras, ramas muertas, etc. Bajo el agua;
——Profundiza el color azul del cielo;
-Reduce el impacto de la niebla en la imagen;
——Elimina la superficie de Objetos no metálicos como el reflejo de las hojas, profundizando la saturación de su color.
Para las cámaras de película, los espejos grises degradados también son indispensables, porque hay muchas ocasiones en las que la relación de luz excede la tolerancia de la película. Si no fuera en este momento, nos habríamos arrepentido en vano de este viaje.
4. Tecnología de posprocesamiento necesaria
Actualmente, para los trabajos de película inversa, existen las siguientes rutas y enlaces para el posprocesamiento y la salida:
Ruta 1: Desarrollo> ;& gt& gtEscanear> & gt& gtProcesamiento de imágenes> & gt& gtImprimir
Ruta 2: Enjuague>;& gt& gtDiagrama de descarga directa
En primer lugar, no importa cuál camino, El proceso de limpieza de la placa de inversión es muy importante. Se deben boicotear resueltamente las imprentas con los siguientes malos antecedentes:
-Provocar continuos rayones en la película;
-No cambiar la solución química entre películas reveladas de diferentes fabricantes según sea necesario, Resultando en decoloración o deterioro de la película (desafortunadamente, es imposible determinar de antemano si no habrá pérdida a este respecto. Se recomienda que los principiantes consulten a fotógrafos más experimentados).
5. Selección de equipo/película o digital
En cuanto a la selección de equipo, personalmente quiero hacer buenos trabajos. El equipo es solo mi herramienta, por lo que nunca estoy casado con una marca. Por supuesto, para los amigos calificados e interesados, no hay nada de malo en comprar equipos de marca de alto precio. Los equipos de marca pueden mejorar su confianza y tienen el valor de jugar y coleccionar. ¿por qué no? Sin embargo, los amigos que no necesitan esto no tienen por qué sentirse avergonzados. La buena noticia es que las obras maestras del pasado rara vez están etiquetadas y a pocos les importa con qué equipo fueron filmadas.
Mi sistema principal son dos juegos de cuerpos Pentax 645 que comparten seis lentes (30, 35, 45-85, 120, 200, 2x), Fotoman617 y Nikon SW90/4.5, excepto el cuerpo 617. Es el segundo. -artículos de mano. La razón por la que elegí la Pentax 645 como mi sistema principal para fotografía de paisajes es porque logra un equilibrio perfecto en términos de tamaño de fotograma, adaptación del sistema, portabilidad y rentabilidad.
Proposición 4. ¿Cómo leer un mapa?
Ya sea que esté apreciando las obras de otras personas, fotografiando mis propias obras o reseñando mis propias obras, me obligo a medirlas desde las cuatro dimensiones de concepción, composición, iluminación y color. Puede haber algunas opiniones diferentes, pero casi todas pueden resumirse en estas cuatro direcciones.
1. Concepción
Lo que entiendo por concepción es que antes de decidir empezar a rodar una obra -por muy largo o corto que sea el plazo- el autor debe enterarse parcialmente o todo. :
¿Qué me conmovió de esta escena?
-¿Cuáles son los elementos centrales? ¿Cuáles son los elementos auxiliares indispensables?
-¿Cómo me siento?
-¿Puede este sentimiento intuitivo impulsar un tema visual?
¿Estarían otros interesados en un tema así?
Si decidiera grabar y transmitir este tema, ¿esta escena sería suficiente para expresarlo?
Existe un proceso de autoverificación. Puedes permitir que algunas personas tengan diferentes interpretaciones de tu trabajo durante un período de tiempo, pero no puedes permitir que todos nunca lo comprendan.
A continuación se muestra un ejemplo de fotografía de un paisaje marino para ilustrar el proceso.
Una vez, concerté una cita con dos viejos amigos en Shenzhen para tomar fotografías del paisaje marino de la península de Dapeng. Por cierto, utilicé la cámara 617 que compré durante medio año pero nunca tuve la oportunidad. para intentar tomar fotografías de su "debut". Todo el proceso es el siguiente:
-El diseño del tema del rodaje: estoy seguro de crear un "paisaje marino de arrecife etéreo, parecido a un hada";
-Determinar el método de implementación: este efecto solo puede producirse mediante una exposición prolongada a rocas y olas;
-Selección del clima y la ubicación de la toma: elija un día soleado al amanecer, con la península de Dapeng mirando hacia el este sobresaliendo Acomódese en la playa y familiarícese con el terreno, las rutas y las condiciones de la carretera hasta el lugar de rodaje con antelación;
-Horario de rodaje: el amanecer en esta temporada es entre las 5:50 y las 6:00, y El cielo a la orilla del mar se vuelve blanco antes. En base a esto, es necesario configurar la cámara y completar los preparativos para el rodaje antes de las 5:00, 15 desde el alojamiento hasta la playa cerca del punto de disparo, se necesitan unos 15 minutos para caminar por la escarpada sección del arrecife del mar; (incluido el punto de disparo seleccionado) en la oscuridad, así que finalmente decidí levantarme a las 4 en punto y salir alrededor de las 4:40;
-El proceso de rodaje real: comencé a las 4:40. 5:15 y tomé la primera foto usando una combinación de F/8 y 16min. Luego, cuando el sol haya salido del agua, tome algunas fotos más según la situación. Uno de los trabajos calientes es la combinación de F/22, 1/8seg;
-Trabajo: Fueron necesarios unos días para desarrollarlo y ver los resultados. Como película de prueba, sentí que era aceptable. El que tuvo mayor tiempo de exposición básicamente logró el efecto deseado. Por lo tanto, doy por sentado que este trabajo es mi producto "creativo", y las otras películas filmadas esta vez son mis productos "documentales" y resultados derivados. En términos de intenciones de disparo, sus posiciones en mi opinión son completamente diferentes.
El escaneo es un archivo TIF de 50 MB, utilizando un escáner de rodillo, 300 ppp, aproximadamente 6400 píxeles en el lado largo. Además, la anticipación de esperar a ver su propia película revelada es también uno de los placeres de utilizar una máquina cinematográfica.
2. Composición
Ya existen muchas monografías sobre técnicas de composición, por lo que no necesito entrar en detalles. Permítanme compartir aquí algunos sentimientos acumulados durante el proceso de filmación:
——Desarrollar los hábitos de pensamiento anteriores durante el proceso de concepción será de gran ayuda para la composición. Por ejemplo, distinguir los elementos centrales y los elementos auxiliares en la escena puede ayudarnos a extraer con éxito al sujeto y sus acompañantes. De hecho, muchas veces, concepción y composición se sincronizan o se intercalan;
-Hay que resaltar la posición del tema (centro de interés). Se puede colocar en la intersección de la "sección áurea", o en el medio de la imagen u otros lugares, según la intención creativa.
-Conserve sólo los acompañantes necesarios para que la imagen sea concisa y ordenada;
-Preste atención al equilibrio general de la imagen. Por supuesto, algunos temas necesitan crear una sensación de desequilibrio, que no están incluidos;
——Sea bueno en el uso de elementos como primer plano y fondo, profundidad de campo y líneas guía visuales que guían la visión del espectador. vista al sujeto para crear una sensación tridimensional de la imagen. El primer plano a veces puede desempeñar un muy buen papel a la hora de equilibrar la imagen;
——La composición no debe ser demasiado completa. En la mayoría de los casos de fotografía de paisajes, la imagen debe dejarse en blanco;
——Presta atención a la dirección horizontal en la imagen, la posición de la línea, ya sea horizontal;
-Normalmente fotografío al menos una composición horizontal y vertical de una escena que creo que es. bueno para diferentes propósitos;
-I Desde el principio, se me ha exigido que componga mis fotografías con rigor y nunca las tome al azar ni las edite más tarde. Porque espero poder compartir mi "producto terminado" con mis amigos directamente usando un visor de películas o un proyector de diapositivas; no importa cuán alto o bajo sea, al menos no es un "producto semiacabado". No quiero no estar dispuesto o avergonzado de explicar a los demás en este momento: "Esta película, si cortas estas partes... ¿sigue siendo recomendable?"
3. efectos de sombra o tonales. La mayoría de ellos se pueden seguir:
——Haga un buen uso de la luz de la mañana y del atardecer para crear imágenes de baja temperatura de color y bajo contraste, como obras con puesta de sol temprana y tiempo de exposición prolongado;
-Haga buen uso de la retroiluminación O use retroiluminación lateral para delinear la escena o crear un efecto de silueta para mejorar la tridimensionalidad de la imagen;
-Haga buen uso de la diferencia en luz y oscuridad causadas por la luz lateral en la superficie de objetos no lisos para resaltar la textura del objeto;
-Sé bueno en Usar luz de fondo para resaltar el brillo y la saturación de las hojas rojas y amarillas, así como la textura de las hojas;
-Utiliza luz enfocada para iluminar al sujeto a través de las nubes o huecos del objeto para obtener un efecto similar a la iluminación del escenario. Por ejemplo, en los pequeños pueblos de la meseta occidental, a menudo se encuentran escenas en las que las luces iluminan el pueblo y las montañas circundantes están ocultas bajo la sombra de las nubes y la niebla;
——El reflejo de los objetos en el agua se usa inteligentemente;
-Utilice un obturador lento o un filtro reductor de luz para extender el tiempo de exposición y crear un efecto de seguimiento en los objetos en movimiento, con el agua con un aspecto satinado, las salpicaduras de agua aparecen brumosas y se mueven rápidamente. nubes borrosas, luces nocturnas formando franjas de luz, etc.
Estas técnicas de iluminación no son más que preocuparse por la temperatura del color (color), la dirección (ángulo de incidencia, directa/refracción/reflexión), la intensidad, el flujo luminoso y el rango de irradiación de la luz.
4. Color
En el caso de las fotografías en color, la composición cromática de la obra es otra dimensión importante de evaluación. Al evaluar la composición del color, existen dos direcciones de evaluación completamente diferentes.
Por un lado, las imágenes con colores fuertes y contrastados son más atractivas. Los colores contrastantes suelen referirse a colores complementarios, como cian y rojo, magenta y verde, amarillo y azul.
Cada par de colores complementarios será acromático (es decir, blanco) cuando se mezclen.
Por el contrario, una imagen armoniosa es más “agradable a la vista”. La armonía del color generalmente se refiere a la situación en la que los colores contenidos en la imagen son similares en los tres atributos de color (es decir, tipo de color), pureza (es decir, brillo) y luminosidad (es decir, la posición entre blanco, gris y negro):
-Los colores son muy similares. Por ejemplo, dos colores de la misma serie roja son fáciles de armonizar;
-la pureza es casi la misma. Por ejemplo, dos colores con pureza media son más armoniosos que un color con mayor pureza y otro con menor pureza;
-el brillo es aproximadamente el mismo. Por ejemplo, dos colores claros son más armoniosos que un color claro y un color oscuro.
Además, algunos factores psicológicos también afectan la percepción del color por parte de las personas. Por ejemplo,
-el tamaño, la forma y la distribución de áreas de color;
-varios colores cuando se ven como representaciones de formas abstractas u objetos identificables;
-La edad y el nivel de educación artística del espectador;
-La visualización prolongada producirá un efecto de adaptación, confundiendo así el sentimiento de atracción por TINT;
-La publicidad guiará a las personas a juzgar si TINT está de moda, etc.
En el caso de una fotografía en blanco y negro, sólo existe uno de tres atributos de color: la luminosidad. Está relacionado con si los detalles son ricos (especialmente los detalles en partes brillantes u oscuras), si los niveles/transiciones son delicados y el contraste.
De los cuatro elementos básicos anteriores, ¿cuál refleja mejor el profesionalismo del autor?
-Intención: Se trata de una cuestión estética y filosófica, relacionada con la realización artística del autor y del apreciador. No existe un estándar estricto y rápido, puedes dejarlo pasar primero.
——Usado: los trabajos con un desbordamiento obvio de luces/oscuridades (excepto para algunas necesidades especiales) ciertamente no están dentro del alcance de nuestra discusión;
-Color: básicamente depende del " concepto", siempre y cuando la combinación no sea demasiado vulgar.
Así que mi opinión es que el nivel de composición es la línea divisoria entre "nivel profesional" y "nivel amateur". Por supuesto, lo de "profesional" y "amateur" que digo aquí se refieren al nivel y no tienen nada que ver con la ocupación.
Por muy buenas que sean las escenas y lo bonitas que sean la iluminación y los colores de una película, si la composición es defectuosa, sigue siendo una obra "amateur".
Proposición 5: ¿Cómo disparar como un maestro?
Personalmente nunca he sido supersticioso con los maestros, pero tengo mucho miedo.
Así que aspirar a convertirse en maestro no es en absoluto algo vergonzoso, sino un signo de una sociedad prometedora. Por supuesto, aquellos que tienen grandes ambiciones pero nunca las ponen en práctica, o aquellos que ocasionalmente se dejan llevar por ser llamados "maestros", no están incluidos en esta categoría.
Aquellos que realmente se dedican a la fotografía, incluso si no pueden convertirse en maestros, deben disparar como maestros. No estamos seguros de lo que podemos llegar a ser, pero podemos estar seguros de lo que queremos hacer y cómo queremos hacerlo.
1. Punto de partida: Utiliza los estándares del máster para exigirte.
¿Cuáles son los criterios para ser un maestro fotógrafo? Mi entendimiento es: del pensamiento a la técnica. En otras palabras, piensa y actúa como un maestro.
Para comprender el pensamiento de los maestros, recomiendo especialmente la lectura de "Fotógrafos' Diálogos" de Frank Horvath. La editorial todavía tiene una pequeña cantidad de existencias.
Existen innumerables libros sobre técnicas. Se recomienda leer más libros y álbumes de fotógrafos nacionales y extranjeros.
No basta con leer. Tienes que hacerlo tuyo y practicarlo.
2. Punto final: Establece tu propio objetivo de tiro.
Cualquiera que pueda convertirse en un maestro tiene su propio ideal de fotografía: ¿qué quiere hacer en el campo de la fotografía y qué posición ocupará la fotografía en su vida? Todos tienen sus propios conceptos fotográficos: ¿qué se debe fotografiar, qué no se debe fotografiar, cómo observar las cosas y cómo fotografiar sus propias características? Y tus propios objetivos de tiro: ¿qué sujetos estás disparando? ¿Cómo lograrlo?
Una vez establecidas las porterías de tiro escenificadas, se deben plasmar en planes de tiro específicos. El plan de rodaje debe ser específico, con un cronograma claro y una operatividad realista.
3. A mitad de camino: sigan con el buen trabajo.
Una vez claro el punto de partida y el punto final, el resto se pone en acción.
Para la mayoría de los aficionados a la fotografía, el mayor desafío es: ¿cómo lograr un equilibrio entre la fotografía y el sustento? La verdadera prueba es la elección.
Proposición 6. ¿Qué quieres hacer?
La respuesta a esta pregunta afectará tu comportamiento de disparo. Suele haber tres opciones:
- Vivir íntegramente de la fotografía. Este camino todavía es relativamente difícil de recorrer en China. Las principales fuentes de ingresos de los fotógrafos profesionales famosos son las conferencias, las giras y la publicación de libros. La demanda de obras de paisajes puros en fototecas comerciales es mucho menor que la de materiales fotográficos comerciales.
——Diviértete y ignora por completo los ingresos comerciales de la obra;
-Concéntrate en rodar, pero no desistas de intentar obtener réditos comerciales.
Alguien puede ir en cualquier dirección. Los fotógrafos se enfrentan a esta elección y no deben fingir que el problema no existe, ni deben vacilar con frecuencia de un lado a otro.