Quiero saber el origen y desarrollo del jazz. ¿Alguien la ama?
En la película de Sir Wong Kar-Wai "In the Mood for Love", la vieja cantante de jazz Nata King Cole fascinó de repente al público chino. En Pearl Harbor, fue Jazz quien les dio a los muchachos de la Fuerza Aérea una escena conmovedora de reunión con las enfermeras antes de partir a la batalla. También están las canciones tristes "Time in Casablanca" y "I Saw Your Face" cantadas por el cantante Johnny Hartman en "Covered Bridge", y las fuertes canciones con tintes de blues cantadas por Diana Washington "breeze". En "Sleepless in Seattle", la famosa canción de jazz de Louis Armstrong, Makin' Mhoopee, "The Way You Look Tonight" del cantante estadounidense Bennett en "The Bride Is Not Me", "New York City" protagonizada por Nicolas Cage, "Love", "They Can No me quites eso" de Billie Holiday, "The Cotton Club" de Coppola. En esta era de la música multicultural, los elementos del jazz se utilizan cada vez más, incluida la música pop, la música rock, la música clásica y el hip-pop, que es popular en todo el mundo. El nuevo trabajo de Radiohead, KID A, Kenny Kissachs, Dou Wei Translation Band, el nuevo álbum de Shunzi... la música está ahí... y Broken Wing Butterfly de Ding Wei... De hecho, el encanto único del jazz ha sido cada vez más gente lo conocen y lo aman. ¿Qué es el jazz? En pocas palabras, el jazz es una música híbrida. Puedes encontrar canciones populares americanas, música soul negra y rencores, y varias rimas de pueblo. Esta música de "cóctel" tiene sólo cien años desde sus orígenes.
1. Cultura de fondo del origen del jazz (1. Orígenes africanos) El jazz proviene de la música negra, y la patria de la música negra es la música africana. En la cultura africana, la música se basa en una comprensión completa de la música. La vida no tiene lugar. La ausencia lo llena todo, al servicio no sólo de la religión sino de todos los aspectos de la vida, incluido el nacimiento, la enfermedad, el trabajo y el entretenimiento. África, un continente lleno de naturaleza salvaje, es el factor más destacado e importante de su música. Los ritmos del tambor producen naturalmente un ritmo llameante bajo el sol abrasador. Como resultado, este ritmo se ha convertido en el núcleo de la música africana. Su vitalidad única y su poderoso atractivo hacen que todos en el mundo sientan profundamente que son de África. La música africana es "oral", no hay discos, no hay convenciones, pero la tradición oral produce flexibilidad y ritmos creativos que el cantante (a menudo) inventa durante la interpretación nuevas palabras y melodías, esto es lo que se entiende por. "Improvisación", es decir, el artista que crea con la cabeza (y el corazón). Otra característica destacada de la música africana es el inicio de las sílabas, a menudo retrasado, en el siglo XVIII. En el siglo XIX, la trata de esclavos estaba en auge y muchos negros. personas de todos los rincones de África fueron vendidas a las Américas, la mayoría de las cuales sirvieron como esclavos. La herencia de la cultura musical negra fue gravemente dañada por la opresión de la esclavitud por parte de los colonos blancos. En los rituales religiosos, la tendencia a "modificar libremente" palabras, ritmos y estilos es cada vez más evidente. Esto es lo más preciado de su cultura nacional, que se ha transmitido de generación en generación. Después de la liberación de los esclavos, estas culturas tradicionales se desarrollaron nuevamente y finalmente dieron una marca especial a la cultura musical de los blancos dominantes. (2) La atmósfera cultural de tolerancia en la música africana y la improvisación. de la música negra Antes de que la música negra influyera completamente en la música convencional estadounidense, la música estadounidense blanca no se centraba en la melodía. Además, la música africana valoraba la melodía al menos tanto como el ritmo. que los primeros dueños de esclavos blancos prohibían a los negros cantar y tocar el piano estaba muy restringido cuando llegó por primera vez a los Estados Unidos, pero siempre hubo lugar para la música de África. Así que tuvo que ser la cuna del jazz desde finales del siglo XIX hasta principios del XX, Nueva Orleans fue probablemente la ciudad menos americana del país. Estaba situada a 80 millas de la desembocadura del río Mississippi. , Nueva Orleans y las culturas africanas, su atmósfera es muy abierta, inclusiva, libre y cálida. Nueva Orleans jugó un papel clave en el nacimiento y desarrollo del jazz a lo largo del siglo XVIII: los franceses y los españoles cedieron Nueva Orleans. El estado estaba tan separado del gobernador que los colonos parecían ausentes de vez en cuando hasta 1803, cuando fue comprado por el gobierno de Estados Unidos por 7 millones de dólares. El gobierno aquí es relativamente débil y muchos africanos negros huyeron a Nueva York. ¿Orleans de los dueños de esclavos en el sur de los Estados Unidos y las islas del Caribe para disfrutar de un sentido de superioridad y singularidad? "Como "negros libres", no hay restricciones en la búsqueda de empleo, la educación superior, la comunicación con los blancos locales y los matrimonios mixtos. Como los matrimonios interraciales son comunes, sus descendientes forman aquí una clase dominante, los "criollos" (uno de los padres es africano, el otro español o francés). A principios del siglo XIX, los criollos disfrutaban casi del mismo estatus social que los blancos. A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los franceses que gobernaban Nueva Orleans siempre habían concedido gran importancia a la música y eran especialmente aficionados a los festivales de música y de arte.
Empresarios y profesionales franceses y españoles trajeron pianos, violines, trompetas y otros instrumentos desde sus países de origen para poder seguir disfrutando de la música de Bach, Mozart y Schubert cuando llegaran a Nueva Orleans. Las familias de comerciantes son ricas, educadas, influenciadas por las obras musicales europeas, familiarizadas con los instrumentos musicales y preservar las tradiciones se ha convertido en una costumbre. Más tarde, la población local (africanos y criollos) interactuó libremente con ellos y fueron influenciados por su música y arte. Los ricos enviaron criollos talentosos a escuelas de música europeas, pero lo que recibieron cuando eran jóvenes fue auténtica música negra. Así, a finales del siglo XIX, un gran número de músicos negros y criollos cantaban ópera y tocaban instrumentos de cuerda, dando estímulo cultural a sus mecenas y a ellos mismos. El West Side estaba formado en su mayoría por negros pobres, pero los músicos entre ellos ni siquiera sabían música. En este caso, surgieron dos grupos musicales diferentes en Nueva Orleans. Una es una "banda sentada" que actúa en el centro de la ciudad. El otro tipo es la "banda de improvisación", que suele deambular por calles y callejones. En 1894, este patrón cambió repentinamente y dramáticamente. El gobierno promulgó "políticas de apartheid" que redujeron a todos los negros y criollos al estatus de personas de color y los segregaron. La disminución del estatus provocó un gran descontento entre los criollos, lo que objetivamente los acercó a los negros locales. Como resultado, músicos criollos y negros con buena educación musical se sentaron juntos para estudiar y discutir música, lo que provocó que los criollos abandonaran la música europea originalmente hermosa y relajante y la alargaran deliberadamente para protestar contra la discriminación. Nueva Orleans tenía antes una gran libertad social y varias tradiciones culturales diferentes se mezclaban libremente. Alguna vez personas de diferentes países pudieron mezclarse y casarse libremente, y su propia música se incorporó a la música de Nueva Orleans, convirtiéndose en una música híbrida que era diferente de la tradición musical estadounidense dominante.
2. El origen directo del jazz (1) Blues La música blues es un estilo musical creado por personas negras que vivían en Estados Unidos durante sus difíciles vidas. Se originó en el delta del río Mississippi a principios del siglo XX. En 1865 terminó la Guerra Civil estadounidense y los antiguos esclavos fueron liberados. La mayoría de ellos son analfabetos y sus vidas siguen siendo muy pobres. Sólo se entretienen escuchando música cultivada en su ciudad natal, como cánticos laborales y canciones agrícolas que se cantan cuando se recoge algodón o se construyen carreteras. La música religiosa fue uno de los medios importantes para el contacto musical temprano entre negros y blancos en el sur de los Estados Unidos. Influyó musicalmente en los negros y formó himnos negros. En la iglesia, los pastores negros aprendieron de la práctica británica en las reuniones religiosas, que consistía en utilizar una técnica llamada "cantoring" y recitar dos o tres líneas de himnos repetidamente para resolver el problema del analfabetismo de la gente. Inicialmente, esta música era recitada íntegramente por la voz humana, con poco acompañamiento instrumental. Más tarde, esta música (al menos para los europeos) gradualmente se volvió muy formal, siendo grabada cuidadosamente y tocada con regularidad. Los negros religiosos (a menudo ignorantes de la teología metafísica y de los santos) también tocaban música, pero no tanto como esperaban los pastores. Hay mucha terminología musical africana en los himnos de la iglesia negra (música tan seria). El pastor también cambió al cantante principal de la música de África Occidental, y el estilo de canto es enérgico, emocionante y diferente. Cantar, alargar y cambiar sílabas y patrones en respuesta al coro, junto con gritos y generación de emociones, son adiciones únicas a la ofrenda negra a Dios. En la segunda mitad del siglo XIX, el estilo de la música negra se desarrolló rápidamente y también fue influenciado por la música africana y la música tradicional traída por los estadounidenses blancos de Europa. La combinación de canciones laborales e himnos negros formó un estilo único de canciones populares negras, del que surgió la música blues. El blues era originalmente principalmente una narración vocal y luego tuvo acompañamiento instrumental. Se acompaña principalmente de una sola pieza musical como la guitarra o el banjo, y se alternan la melodía instrumental y el cantante. Tiene características rítmicas obvias y conserva las características de la improvisación colectiva. En la década de 1920, el blues surgió gradualmente con sus letras únicas, su ritmo armonioso y su melodía melancólica. La música blues contiene mucho lenguaje poético, se repite una y otra vez y luego termina con una línea decisiva. La melodía se basa en acordes, con I, IV y V como acordes principales y 12 compases como patrón. En la melodía, las notas tercera, quinta y séptima de la melodía principal se bajan un semitono, lo que la hace sentir agridulce y sentimental. Como forma musical, el blues puede parecer simple, pero en realidad se puede variar casi infinitamente. Siempre ha sido una parte importante de cualquier tipo de jazz y ha logrado mantener su propia existencia independiente. ¿Puedes decir eso? Tenía miedo de poder tocar la batería pero no tenía idea de lo que estaba haciendo. br & gt Blues fue creado para expresar las emociones personales del cantante. Brinda a los músicos la oportunidad de expresar su amor, su odio, su actitud hacia el trabajo, etc. El famoso cantante de blues Brown Marks dijo una vez: "Nunca uso la imaginación para escribir música. El blues no es un sueño, sino una realidad. El blues en sí es un estado mental, música para la gente corriente y música de la vida". Y en su contenido hay mucho, que es el reflejo más auténtico; la resistencia ante la injusticia, el anhelo de belleza y de amor, la depresión tras los reveses, la catarsis emocional al mismo tiempo, el humor, el autodesprecio y, en ocasiones, hasta las sonrisas llorosas; (2) La música Ragtime REGTIME en sí no tiene discriminación de color. Para empezar, todos los bardos eran blancos. Se pintaron la cara de negro e imitaron y distorsionaron el canto de los músicos negros. Los músicos blancos pobres del campo a menudo interpretaban canciones populares europeas y música de inmigrantes exclusiva de la Luisiana francófona. Después de la Guerra Civil, los soldados regresaban a casa después de la desmovilización y poseían música militar a muy bajo precio. El crecimiento del equipo de música instrumental significa la madurez de la música negra.
A medida que los estadounidenses negros se trasladaron a ciudades como Memphis y Nueva Orleans en busca de trabajo, el blues se convirtió gradualmente en un fenómeno más urbano. En 1900, debido a la fusión e infiltración mutua de la música, se formó en Nueva Orleans la música llamada "Escuela de Nueva Orleans", que se llamó "Música de la Era Rag". Como se mencionó anteriormente, muchos músicos negros y criollos eran extremadamente talentosos. Interpretan música clásica europea y canciones populares con gran habilidad. En aquella época, estos músicos tocaban en burdeles y tabernas ante una multitud de personas con pocos conocimientos musicales. En el ambiente de borrachera, comenzaron a modificar sus propios temas e incluso a componer los suyos propios. El pianista puede tocar libremente y desviarse del formato fijo a voluntad. Lo hacen casi por venganza. Debido a los largos horarios de actuación (desde la tarde hasta la madrugada), es posible que estos artistas indisciplinados se cansaran de los estrictos estándares musicales y comenzaran a crear nuevos e interesantes formatos rítmicos. El pianista del "burdel" desarrolló dos modos: la "síncopa" y la "improvisación", que son las características distintivas de la "música de la época". A principios del siglo XX, la "música de la era rag" representaba los estilos dominantes de la música precursora del jazz estrictamente de Nueva Orleans. La "Música Grunge Times" comenzó a definirse claramente como un estilo único de tocar el piano. Es complejo, rítmicamente riguroso y adornado con "citas" de música clásica. Pero en manos de negros de clase baja y pianistas criollos, los ritmos estrictos de la música clásica se alteraban o incluso colapsaban por completo, lo que parecía un poco travieso, de ahí el nombre "Ragtime". La edad de oro del ragtime fue probablemente entre 1898 y 1908, pero en realidad el lapso de tiempo es muy largo y la influencia es infinita.
3. La historia del desarrollo del jazz El jazz temprano (1900-1917) tenía 32 compases y 4 frases de canciones pop AABA. Hay temas de ragtime con cuatro compases y dos tonos; y temas de blues instrumental con 12 resúmenes. La música ragtime tiende a tener un tempo armónico más rápido que las otras dos. La música blues tiene el ritmo armónico más lento, pero su línea melódica solista tiene muchos cambios de clave, diferentes notas iniciales y muchos cambios de tono. Las primeras bandas de jazz tenían un promedio de ocho músicos. La banda de jazz al estilo de Nueva Orleans incorpora dos instrumentos en su forma de conjunto. A veces se añaden trompetas e instrumentos rítmicos, a veces se añaden violines como protagonistas. Durante una actuación, no sólo el solista, sino todos los miembros de la banda improvisan. Hay una humildad mutua y una cooperación espontánea entre ellos, limitada únicamente por la estructura de la progresión de acordes. A principios del siglo XX, este nuevo sonido podía ser escuchado por cualquier oyente: era el "jazz". En 1917, la palabra "jazz" apareció por primera vez en la vida de las personas; este año es reconocido como el "Año del Jazz". Desde entonces, el jazz, una música clásica negra, ha influido gradualmente en todo el mundo de la música pop moderna. En ese momento, la música jazz era más una música de acompañamiento de baile y aún no había formado una buena teoría y no había entrado en el palacio de la elegancia. Pero a medida que pasa el tiempo, los músicos de jazz continúan explorando e innovando, formando un conjunto completo de teorías de la música de jazz, creando más de una docena de tipos y estilos de música de jazz y gradualmente convirtiéndose en música convencional en las salas de música del mundo. Algunos profetas incluso dijeron: "En los próximos 50 años, la música sufrirá cambios más radicales y se puede dividir a grandes rasgos en dos categorías: no improvisación e improvisación, esta última representada por la música jazz. Siempre hay un grupo que". derroca a otro grupo y hace que Jazz esté lleno de energía. Desde principios del siglo XX hasta la Primera Guerra Mundial, el jazz siguió siendo una forma musical regional en Nueva Orleans. En la década de 1920, conocida como la "Era del Jazz" debido a la popularidad del jazz, la improvisación colectiva de una famosa banda de jazz sureña compuesta íntegramente por blancos estaba de moda. El surgimiento de la Creole Jazz Band y su cornetista soul Louis Armstrong, el epítome del jazz de Nueva Orleans, reescribió el jazz y el conjunto colectivo comenzó a pasar a la forma solista. En las décadas de 1930 y 1940, bajo el liderazgo del clarinetista Benny Goodman, el jazz entró en la "era de las big band", también conocida como la "era del swing". Durante este período, el jazz se convirtió en la corriente principal de la música popular, con la danza como su función principal. "La música swing es muy popular. La música swing rompió la organización original de la banda, aumentó el número de bandas a veinte o treinta y dividió las bandas en saxofón y saxofón. ¿Cuál es el rango militar? Disprosio de semilla femenina de salvado de arroz, ¿yo m? ¿Qué sucede contigo? ¿Las puertas están divididas? ¿Huang Zhong? "Blues" para crear "blues clásico". A mediados de la década de 1940, la música swing comenzó a carecer de originalidad en la música y, en ocasiones, perdió su personalidad artística para complacer al público blanco. Por lo tanto, el jazz bebop representado por el saxofonista Charlie Parker puede ser. Se dice que fue un período loco del jazz. Los músicos de jazz rompieron las limitaciones del "swing" y crearon el jazz "bebop", que ignoraba la melodía y buscaba una excelente improvisación basada en la interpretación de acordes complejos. Se convirtió en música artística y se retiró del escenario popular. Al mismo tiempo, continuaron desarrollándose varias formas de jazz, "Dixieland" revivió y el jazz recibió una atención sin precedentes. Durante su creación se llamó "Bipopo" y "Cool Jazz" se convirtió en la corriente principal del jazz, pero al mismo tiempo enfatizó el tono relajante y el arreglo del "jazz frío", también conocido como "cool". Surgió en la costa oeste, en Alcanzó su apogeo a mediados de la década de 1950. Sin embargo, el "hard beat pop", otro estilo que enfatiza la composición de canciones soul, ha superado en influencia al "beat pop".
Posteriormente, el "free jazz" atonal que mezclaba música primitiva africana con elementos del modernismo europeo realmente hizo avanzar el jazz y dejó una impresión en los oyentes. En la década de 1960, el "free jazz" alcanzó su apogeo. La aparición sucesiva de los géneros "pop", "bebop", "cool" y "liberal" allanó el camino para una mayor "evolución, experimentación e imaginación" de la música moderna. Entonces, ¿hacia dónde va el jazz a partir de aquí? Este es el segundo concepto de "Negación-Innovación": innovación. La negación misma significa innovación, y la innovación significa que volverán a aparecer nuevos fenómenos. Después de absorber todos los nutrientes de la música estadounidense, el jazz comenzó a extenderse por todo el mundo. Sin embargo, a medida que viajaba por América Latina, el momento se sumó a la gloriosa historia del jazz. El jazz latino, la música latina más popular y el comandante supremo de la música pop, el jazz, choca con la chispa de un halo. La música latina, que se caracteriza por su ritmo, se combina con el jazz, que se caracteriza por su ritmo. Por lo tanto, el ritmo del jazz latino no tiene comparación con ninguna música. La Bossa Nova de Brasil, en particular, combina ritmos latinos con mambo y jazz cool, con colores de percusión deslumbrantes contra ritmos sincopados. En las décadas de 1970 y 1980, el jazz entró en la era del "jazz fusión". Los músicos introdujeron el rock, el ritmo, el blues, el funk bass y el pop en el jazz, añadiendo instrumentos electrónicos sintetizados a sus actuaciones. El jazz comenzó a volver a la "fusión" como corriente principal en la década de 1980, mientras que otros músicos regresaron a la era pre-pop en busca de inspiración, y nació el "nuevo pop". En la década de 1990, los "neoclásicos" crearon música reprimida, restringida y económica. rompiendo con la tradición del romanticismo del jazz Hoy en día, casi todos los estilos de jazz están activos en el escenario. El jazz tiene una vitalidad fuerte y duradera. Después de cien años de evolución e integración, ya ha superado las restricciones raciales y nacionales. Hoy en día, el escenario principal del jazz también se ha trasladado de Estados Unidos a Europa, se ha extendido a todas partes del mundo y se ha convertido en una música mundial, amada por los amantes de la música de todo el mundo. p>
Los cuatro géneros principales del jazz, aunque la industria discográfica moderna a veces divide el jazz en jazz tradicional y jazz moderno. El jazz tradicional se refiere al jazz que utiliza una banda de música de 4/4 para tocar obras relacionadas, mientras que el jazz moderno se refiere. a usar un bajo para tocar música de baile. Esta distinción a veces parece incuestionable, y es casi imposible decir si la música de Kenny King es más jazz contemporáneo que la de Hill Taylor. De hecho, los dos están relacionados. no es exacta, lo que ha provocado el problema de que algunas obras destacadas con estilos tanto modernos como tradicionales no pueden clasificarse, porque el desarrollo del jazz en los últimos 100 años ha sido continuo.
Varios estilos y escuelas también tienen sus interrelaciones, que generalmente se pueden dividir en los siguientes 19 estilos:
Representantes del estilo de la época
1910'-1920'
Ragtime Carlos Barbosa-Lima Dick Baker Burt Bales
1910'-1930'
Nueva Orleans Louis Armstrong Big Bill Bissonnette Henry "Red" Allen
1920'-1930'
Clásica (Jazz Clásico) Coleman Hawkins Fatswale Louis Armstrong
1920' -1930'
Dixieland (Sir Dixieland) Eddie Contumbo Crosby Charlie Tea Garden
1915-1960'
Estándares (Mainstream Jazz) Bing Crosby Didi Bridgewater Nina Simone
1920'-1940'
Cool Jazz Dave Brubaker Lay Ste Youngstein Gates
1930'-1940'
Big BandFrank Sinatra Benny Goodman Duke Ellington
1940'-1960'
Swing Count Basie Louis Armstrong Ella Fitzgerald
1940'
Pop Charles Minger Oscar Peterson Sonny Rollins
1940'
Latino (Latin Jazz) Tito Puente Ray Barreto Thelonious Monk
1940'-
Jazz brasileño Lisa OnoAzymuthLuiz Bonf
1950'
Avant -garde Cecil Taylor Charlie Hayden ·Max Roach
1950'-
Jazz post-bop o jazz convencional
1950'-1960'
Third Flow (Tercer Género Jazz)
1950'-1960'
Arte Hard Bop Blakeyelvin Jones Thelonious Monk
1960'-
Free Jazz Chick Corea John Coltrane Neilt Coleman
1960'-
Fusión Miles Davis Marvin Gavin Más Corto
1970'-
Crossover de jazz Bill Evans George Benson Quincy Jones
La cantante de jazz Billie Holiday ·Ella Fitzgerald·George Gershwin
Presentamos algunos de los estilos de jazz más influyentes.
Aunque el jazz de Nueva Orleans creó un conjunto de improvisación, a medida que el jazz se hizo más popular en la sociedad estadounidense en la década de 1920, la demanda de jazz requirió más bandas de baile. Swing, si se usa como adjetivo, generalmente se refiere a un sentimiento, una sensación de síncopa del jazz, un sentimiento de swing, ya que los remakes se diferencian de la música clásica. Este sentimiento suele ser uno de los criterios para juzgar si una pieza musical es jazz. Por lo tanto, la gente a veces escucha cosas como: el material de Keith Jarrett no es suficiente para el swing, o el swing no se balancea, etc. , es convertir el swing en un criterio de juicio. En la década de 1930, la big band a menudo se llamaba swing, o se traducía como música swing, y en la década de 1930 también se la llamó era Swing. (Algunos también dicen que desde mediados de la década de 1930 hasta 1946. Si el jazz todavía estaba en su infancia antes de la década de 1920, se hizo muy popular en la década de 1930. A principios de la década de 1930, debido a la industria popular (como el gramófono, la radio y discos), el centro del jazz se trasladó de Chicago a Nueva York cuando la base de consumidores estadounidenses intentó recuperarse de la depresión posterior a la Primera Guerra Mundial y los músicos de jazz perdieron sus trabajos individualmente (o en pequeños grupos) y la oportunidad de actuar, pero. Por otro lado, también hizo que el estilo de interpretación de las big band fuera más popular. Esta tendencia sólo empezó a desvanecerse después de la Primera Guerra Mundial. Este período, en el que las grandes bandas de rock dominaban el mundo de la música popular, a menudo se conoce como la era del swing. Durante esta época dorada del jazz, las grabaciones de grandes bandas de swing se reproducían en estaciones de radio, bares y salones de baile dominados por big bands, y el pueblo estadounidense se abrió paso bailando durante las crisis económicas, los disturbios laborales y las crisis laborales. Además, hay muchos músicos famosos en su banda, incluida la música de Count Basie, que también se convirtió en el futuro puesto de avanzada del bebop. Algunas personas incluso piensan que él es el verdadero padre del bebop.
Bebop "Bebop" es un radical. Nuevo estilo musical que se originó a partir de las sílabas sin sentido (o gritos sin sentido) pronunciados por los músicos de jazz mientras practicaban o tarareaban melodías instrumentales. El jazz popular comenzó a ganar popularidad a principios de la década de 1940 y se desarrolló rápidamente alrededor de 1945.
Las frases de Bebop a menudo terminan abruptamente con un patrón de sonido distintivo "largo y corto". Este ritmo a menudo se tararea como "Libop" o "Bibop". El término apareció impreso por primera vez como el título del álbum de Gillespie VI en Nueva York de 1945, "Salted Peanut Bebop". Bebop se desarrolló durante la era del swing. los saxofonistas tenores Lester Young y Don Bias, los pianistas Arthur Tatum y Nat Cole, el trompetista Roy Eldridge, la sección rítmica de Earl Bass, Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Miller Davis y Bud Powell. La música bebop suele ser interpretada por pequeñas bandas de jazz formadas por entre 3 y 6 personas. No utilizaron notación musical, que era un principio que utilizaron para resistir el uso de partituras adaptadas en la música swing. El procedimiento de interpretación consiste en tocar la melodía completa una vez (dos veces si se trata de un blues de 12 compases), seguida de varios estribillos solistas improvisados, acompañados de una sección rítmica (normalmente piano, contrabajo y batería), para luego repetir la melodía de el primer estribillo finaliza toda la canción. La sección rítmica repite los patrones armónicos de toda la canción (incluidos los patrones cambiantes) de principio a fin para mantener la estructura de la música.
A finales de los años 40 y 50, el cool jazz evolucionó directamente a partir del Jimbo jazz. Este estilo musical básicamente combina algunas características pasadas por alto y abandonadas del jazz y el swing populares. Los sonidos disonantes se volvieron más suaves y naturales, las melodías más suaves, los arreglos recibieron un énfasis renovado y los instrumentos rítmicos se tocaron de manera más armoniosa. Algunas personas lo llaman genial y otras lo llaman genial. Este es principalmente un estilo de juego genial que es diferente del estilo popular del bebop. A principios de la década de 1950, algunas personas no podían soportar la presión del bebop, por lo que lo cambiaron un poco, disminuyendo los rápidos cambios de acordes y disminuyendo la velocidad de ejecución. En otras palabras, algunos son mucho más lentos. La característica principal es que no es tan nítido y angular como el bebop, sino un estilo musical tranquilo y suave. Generalmente la costa oeste es la zona principal. Cuando hablo de jazz de la costa oeste, generalmente me refiero a cool. Si queremos hablar del origen, debería ser "Capitol" (Birth of Cool), una colaboración entre Miller Davis y Gil Avnas en 1949, pero la mayoría de los músicos que siguen este estilo musical son de Cisjordania. En general, la vida del Coolpad fue corta. Se convirtió en un estilo de juego convencional en la década de 1950, pero pronto fue superado por el Hard-bop. Sin embargo, algunos elementos del Coolpad aún surgieron como algo que algunos músicos podían usar. Miller Davis, Lee Konitz de hace 49-50 años y el material de Stan Getz de hace 60 años son geniales, puedes consultarlos.
La década de 1960 fue un período oscuro de desilusión. La gente utiliza el arte para escapar de la supervisión de las responsabilidades sociales y perseguir sus propios deseos. De todas las formas de arte, el jazz puede ser el más rebelde y borracho. Oscilante, refrescante, dura e improvisada, la trayectoria de desarrollo de esta música se ha perdido y la gente no puede imaginar hacia dónde saltará mañana. Fue a partir de este imprudente laissez-faire que surgió el free jazz. Tan pronto como apareció esta nueva música, los músicos y fanáticos del jazz la amaron profundamente. El free jazz se diferencia del jazz anterior en que no hay muchas restricciones en cuanto a armonía y melodía. Los jugadores pueden jugar libre, audaz y arbitrariamente durante el juego. El free jazz tiene un concepto de ritmo completamente nuevo, donde el ritmo y la simetría se alteran por completo. Al mismo tiempo, también enfatiza la intensidad y tensión de la música en sí, agregando mucha disonancia, integrando diferentes músicas de África, India, Japón y Arabia, y usando sitar, tabula, piano de pulgar agrandado, sirena y un instrumento indio. gran cantidad de equipos electrónicos e instrumentos de percusión. Como resultado, algunas bandas de free jazz parecen una vanguardia que no es jazz. El free jazz tuvo un profundo impacto en el desarrollo del jazz en la década de 1960.
Fusion Fusion significa fusión, por lo que en realidad cualquier elemento musical puede considerarse fusión, pero en términos generales fusoin se refiere a: fusión de jazz-rock, otras como las franquicias de música brasileña se llamarán: bossanova, la rusa. El concierto se llama Russian-Jazz. En la década de 1960, el jazz ya no era popular. La música jazz que se escuchaba al encender la radio en los años 30 había sido reemplazada por la música rock en los años 60, y el mercado determinaba la vida de un músico. Por ello, ante la presión comercial, Miller Davis comenzó a añadir elementos del rock and roll al jazz. Tanto el rock and roll como el jazz tienen su origen en el Rhythm and Blues, la música gospel, las canciones laborales y el Rhythm and Blues. b, por lo que el proceso de combinar estas dos cosas es bastante natural. Al menos no hay demasiados cambios en términos de contenido musical. A mediados de la década de 1960, Tony Williams, miembro de la sección rítmica del Segundo Quinteto, comenzó a añadir algunos ritmos de rock a su batería. Después de mediados de la década de 1960, muchas personas comenzaron a unirse a esta tendencia, incluidos Gary Burton, Larry Correll, Herbie Hancow, Keith Jarrett, Freddie Hubbard, Charles Lloyd, Don Ellis y muchos más. Los álbumes importantes que juegan un papel principal son los tres álbumes de Lao Mai: "Filles de Kilimanjaro" (Filles de Kilimanjaro) y "Bitches Brew", que introdujeron métodos de batería de rock y cambiaron el método de tocar el bajo. Las guitarras eléctricas y los teclados también se suman a la escena del jazz.
La alineación de estos álbumes incluía a Herbie Hancow, Chick Corea, Joe Zawinul, Wayne Shorter, John McLaughlin, Tony Williams y Larry Young, quienes en el futuro también formó sus propias bandas de fusión, como Head Hunter, Retreat to Forever, etc. . Además, el parte meteorológico, compuesto por Joe Zawinul y Wayne Shorter, también incorpora música folclórica centroeuropea. En definitiva, la fusión representó una salida para el jazz que estaba siendo perseguido en el mercado. Ahuyentó a muchos aficionados fundamentalistas del jazz, pero también atrajo a algunas nuevas generaciones a sumarse a las filas de los oyentes de jazz de aquella época.
Verb (abreviatura de verbo) Características del Jazz Una de las características del jazz es su diversidad. En primer lugar, tiene una variedad de estilos. Ha estado cambiando casi continuamente desde hace 100 años. Hay una docena de líneas gruesas e innumerables líneas finas en todos los estilos de jazz. Este es también un atributo de la música popular. El segundo son los cambios en el proceso de interpretación, de los cuales la improvisación es una característica típica. La música jazz generalmente tiene un marco temático en el conjunto de cada persona, y luego, bajo cambios de acordes fijos, se toca el nivel de improvisación de cada músico y solo tienen una partitura de melodía principal.