Interpretación de técnicas artísticas en espectáculos cinematográficos y televisivos (2)
13. La discontinuidad de las actuaciones cinematográficas y televisivas es una de las características de la creación de los actores cinematográficos y televisivos. La técnica de edición del montaje y el rodaje dividido de planos permiten a los actores de cine y televisión crear de forma intermitente un plano tras otro delante de la cámara. El plano más largo dura varios minutos y el más corto es solo un momento. Las escenas a rodar eran incoherentes, desordenadas e incluso rodadas al revés según la clasificación de las escenas. Este tipo de discontinuidad en el rodaje requiere continuidad artística cuando se proyecta la imagen. Por lo tanto, los actores deben vivir en la misma imagen de forma intermitente para mantener la unidad del personaje, el desarrollo de pensamientos y emociones y la continuidad de las conexiones de las lentes.
Los actores suelen hacer trabajo de escritorio antes de filmar para madurar al personaje completo, incluida la comprensión del guión y los personajes, dominar el tono, la personalidad y el desarrollo del personaje, y explorar y comprender la situación designada. , imaginar la escena, aunque sea un solo plano, manejar el ritmo, etc. , y explorar y dominar la imagen ensayando y realizando varios bocetos, complementando y enriqueciendo las partes en blanco entre tomas y escenas, haciendo que la imagen sea regordeta y unificada. En definitiva, deberíamos tener una puntuación para la creación de personajes y anticipar el efecto en pantalla. Para adaptarse a las características discontinuas del rodaje, los actores de cine y televisión deben tener una rica imaginación artística, un fuerte sentido de fe y habilidades de improvisación, para poder entrar rápidamente en la situación prescrita y profundizar la imagen durante el rodaje y en el intervalo; Al tomar las tomas, puedes cambiar rápidamente de un estado de ánimo de la imagen a otro, por lo que puedes tomar cualquier escena o toma del guión gráfico y reproducirla bien, con un sentido de proporción y coherencia.
14. El mejor momento de actuación es el momento en que la actuación del actor es sincera, natural, llena de emoción, precisa en la acción y más encantadora durante el rodaje de la película. El cine y la televisión son arte de una sola vez. Una vez que se filma la actuación de un actor, quedará fijada en la película para siempre. Si los actores de cine y televisión quieren mostrar actuaciones destacadas que mejor se adapten a sus personajes en la pantalla, no sólo deben hacer preparativos creativos completos antes del "rodaje real", sino también dominar y adaptarse a las condiciones de trabajo en la escena del rodaje, y aprender a estar en la "espera sin fin" sólo acumulando energía a través de repetidos "ensayos técnicos" (esperando luces, esperando procesamiento por varios departamentos, esperando el amanecer y el atardecer) y repetidos "ensayos técnicos" (adaptación a posiciones de fotografía y ensayos de iluminación) ¿Podemos mantener un fuerte entusiasmo creativo y entrar en el rodaje real? Al filmar "escenas apasionantes" de personajes, los directores y fotógrafos también deben prestar especial atención a proteger las emociones de los actores, crear una atmósfera y un entorno para que los actores desarrollen plenamente las emociones de los personajes, aprovechar las oportunidades para que los actores produzcan buenas actuaciones e invertir en tomas reales clave para capturar las emociones de los actores. Los mejores momentos de la actuación fueron capturados en película. En el trabajo de postproducción, depende de la cuidadosa edición del editor editar los momentos de actuación más emocionantes de la película de muestra en la película terminada.
15. Experimentar la vida ① se refiere a la acumulación creativa a largo plazo de actores, que a menudo profundizan en la vida de todos los ámbitos de la vida, aprenden de la sociedad y observan, experimentan y absorben nutrientes constantemente. enriquecer y mejorar sus creaciones escénicas. (2) Después de recibir una tarea creativa específica, el actor va a observar y experimentar un entorno de vida similar al sugerido por el guión, y gradualmente comprende y se acerca al personaje a través de acciones internas y externas. La experiencia generalmente se divide en experiencia directa y experiencia indirecta. Lo que ha hecho un personaje se puede experimentar repetida y profundamente, lo que se llama experiencia directa; lo que sólo se puede sentir con la ayuda de materiales escritos, análisis, imaginación y suposiciones se llama experiencia indirecta.
16. Los actores que trabajan en sus escritorios analizan el guión a partir de toda la obra y estudian la etapa de preparación del personaje. Es importante que un actor profundice su comprensión del guión y del personaje. Generalmente bajo la dirección de un director. Suele incluir el siguiente contenido: leer el guión por primera vez, obtener una impresión general, aclarar los antecedentes de la época, determinar el tema y las ideas, estudiar el estilo y las características del guión, leer atentamente los párrafos del guión; , clasificar los eventos y encontrar las actitudes y tareas de los personajes en cada evento; analizar los rasgos de personalidad del personaje, determinar el tono y la calificación del personaje y escribir la autobiografía del personaje; la lectura de materiales relevantes ayudará a comprender el guión y los personajes; formar el concepto general del personaje creativo y explorar las técnicas de expresión correspondientes.
En esta etapa, el director también explicará la intención del director o le pedirá al guionista que explique la intención creativa para ayudar a los actores a prepararse. Y sobre esta base, los actores se organizan para ensayar. En diferentes grupos creativos, los procedimientos para el trabajo de escritorio son diferentes. Algunos se llevan a cabo en el proceso de profundización de la vida y otros se llevan a cabo en combinación con el ensayo del movimiento inicial. La precisión en el trabajo de escritorio juega un papel importante en el desarrollo del carácter. Los actores de cine y televisión no solo deben analizar guiones literarios, sino también estudiar los guiones gráficos del director, prepararse de acuerdo con los requisitos de los métodos de corte y rodaje de lentes, garantizar la coherencia antes y después de la actuación y estar atentos para adaptarse a las características de rodaje de cine y televisión en orden inverso.
17. Las características y colores básicos (o principales) del temperamento del personaje en la obra. Es una expresión concentrada de los pensamientos, emociones, percepciones y ritmos de la vida de los personajes. Los personajes tienen personalidades complejas, pero todos tienen características básicas sobresalientes, como la cuñada de Xianglin que "parece débil pero en realidad es fuerte" y la imprudencia de Li Kuijy. Estas son las notas clave de sus personajes. Solo estudiando el guión, comprendiendo la explicación del director sobre el personaje y analizando en profundidad los pensamientos, el comportamiento, la identidad, la experiencia, etc. , y sólo poniéndose en el lugar de alguien para sentir y experimentar puede un actor comprender correctamente al personaje y captar el tono del personaje. El tono de un personaje es la pauta para que los actores den forma y retraten su imagen. Para los actores de cine y televisión, es especialmente importante captar firmemente el tono del personaje.
Debido a que la actuación frente a la cámara está limitada por las condiciones de rodaje, las creaciones de los actores a menudo no siguen la secuencia de la trama y son intermitentes.
Si no se puede captar bien el tono del personaje, será difícil garantizar que la imagen de la imagen sea precisa, vívida y prominente. Además de captar el tono del personaje, los actores también deben prestar atención a otros aspectos de la personalidad del personaje, para que la imagen que creen sea completa, plena y colorida.
18. La idea general de interpretación también se llama "la partitura de creación de personajes". La concepción artística general que hace un actor para crear un personaje. Incluyendo la apariencia externa, el temperamento y la perspectiva mental del personaje, el tono y el color del personaje, la historia y el desarrollo del personaje, la impresión especial que los momentos y experiencias le dan al personaje, la tarea más importante del personaje y sus acciones consistentes, la visión del actor y la visión del personaje. el estatus y el papel del personaje en toda la película, la relación entre los personajes, la disposición del ritmo y la intensidad en la creación, la asunción del estilo de actuación según la intención del director, etc. El concepto general de la actuación frente a la cámara también debe tener en cuenta las características del cine y la televisión: por ejemplo, la comprensión del efecto global de la actuación en el arte integral; el dominio de las diferentes escenas y momentos de la actuación bajo montaje; Evaluación de condiciones técnicas especiales de tiro.
Las características de las representaciones cinematográficas y televisivas, como el rodaje intermitente, los pocos ensayos y la finalización única, requieren que los actores conciban la banda sonora de la actuación. El concepto general de la actuación debe reflejar la concepción artística del director, y la concepción de los personajes debe partir de la historia de vida de los personajes, estimular la pasión creativa, promover a los actores para crear personajes vívidos y desempeñar un papel rector en todo el proceso creativo. proceso.
19. El egocentrismo del personaje es una técnica para la creación de personajes. ¿Por el dramaturgo estadounidense Robert? —propuso Cohen. Esto significa que cuando un actor desempeña un papel, no debe comenzar desde la perspectiva del propio actor, sino que debe comenzar desde la perspectiva del papel y desempeñar el papel "egocéntrico". El personaje siente que él (no tú) es el centro del universo y que los demás personajes son sólo objetos que su personaje ve y toca. El principio básico del "egocentrismo" es que los actores deben considerarse a sí mismos como "sujetos" y no como "objetos" cuando desempeñan papeles. Debe considerarse a sí mismo como la figura central del entorno que lo rodea, incluso si se trata de un papel pequeño en la obra. Por ejemplo, el actor que interpreta el papel de Horacio en "Hamlet" debe estar pensando "Hamlet es mi amigo" en lugar de "Soy amigo de Hamlet".
20. Realizar ejercicios breves de actuación. Es una forma de formación actoral básica y un medio para que los actores se acerquen gradualmente al papel en el proceso de darle forma. A diferencia de los ejercicios de interpretación, es relativamente completo en términos de expresión del contenido ideológico, disposición de la estructura de la trama y aplicación integral de las habilidades de interpretación. En aplicaciones prácticas, los bocetos también se utilizan como parte de los ejercicios de interpretación, o los bocetos y los ejercicios de interpretación se denominan colectivamente: bocetos de práctica de interpretación. Hay muchos tipos de bocetos, incluidos "bocetos de una sola persona", "bocetos de varias personas", "bocetos de la vida del personaje", "bocetos de guiones y eventos", así como "bocetos musicales" y "bocetos gráficos" divididos según el contenido de la capacitación y forma. Durante el proceso de formación de habilidades básicas, los actores pueden dominar los métodos de interpretación correctos y mejorar la calidad de sus actuaciones ensayando y representando parodias. Al crear un personaje, dibujar puede ayudar al actor a entrar en el personaje, vivir en la situación designada por el personaje y mejorar su creencia en la relación entre el personaje y la situación designada.
21. La práctica escénica es uno de los temas para que los actores entrenen sus habilidades interpretativas básicas. También es un medio para que los actores se acerquen gradualmente al personaje en acción al darle forma. Se basa principalmente en la improvisación y no requiere un contenido ideológico completo. Solo requiere práctica para entrenar algunas habilidades interpretativas. Hay varios tipos, formas y contenidos de ejercicios de interpretación. Las opciones más comunes son: ejercicios de elementos para entrenar cada elemento de interpretación por separado, ejercicios de movimiento simple para entrenar elementos de manera integral y ejercicios sensoriales fisiológicos para entrenar los cinco sentidos (visión, oído, olfato). , gusto, tacto), ejercicios variados de situaciones asignadas, ejercicios no físicos y ejercicios de observación de la vida. Los actores suelen realizar diversos ejercicios de interpretación, que son muy útiles para mejorar sus habilidades interpretativas básicas, especialmente para capacitar a los actores de cine y televisión para que dominen la capacidad de improvisar en la escena del rodaje.
22. El mimo se conoce comúnmente como “cine y televisión”. Métodos psicológicos y técnicos para que los actores se preparen para una actuación. Es decir, experimentar silenciosamente los sentimientos internos del personaje en tu mente, descubrir qué hizo el personaje en toda o parte de la obra y presentar tu actuación de manera intuitiva, como "ver una película", para que puedas considerarla cuidadosamente desde la perspectiva. de un espectador y encontrar el sentimiento exacto. Y los métodos de expresión, hay nuevos descubrimientos o sublimaciones en la creación de personajes. El mimo debe combinarse con el ensayo; los resultados del ensayo pueden mejorarse y enriquecerse aún más a través del mimo, y las nuevas ideas generadas en el mimo pueden aplicarse al ensayo para realizar pruebas y ajustes repetidos, de modo que las actuaciones de los actores puedan volverse gradualmente perfectas y unificadas. , y armonioso. La tarea suprema de la terminología sistemática de Stanislavsky. El verdadero objetivo de la intención creativa.
Ocupa una posición primordial en el sistema Stanislavsky y es el alma del sistema. Cuando el dramaturgo crea, el ideal de vida que ha estado explorando a lo largo de su vida recorre sus obras y constituye la tarea más elevada de sus obras. La interpretación del guión debe transmitir los pensamientos, emociones, ideales, dolor y alegría del escritor, que es la tarea más elevada de la interpretación. Cada actor debe descubrir la misión más elevada escondida en lo más profundo del guión, descubrir la reacción en su propia mente y formular su propia misión más elevada. El mismo papel supremo de un mismo personaje tiene diferentes reacciones y experiencias en el corazón de diferentes actores, por lo que cada actor tiene sus propias características. Esto hace que las principales misiones y personajes sean muy interesantes.
Si se utilizan correctamente, estas técnicas te ayudarán a ser tú mismo en el escenario. Te ayudarán a parecer natural y animado, y también te ayudarán a guiar a tu audiencia. Entonces, como dicen en la industria del entretenimiento, ¡rompe el huevo y rómpelo! Principios importantes del movimiento: técnica de interpretación.