Técnicas y propósitos de edición cinematográfica

La función de la edición es editar sonidos e imágenes que parecen sin sentido por sí solos para producir una melodía y formar una trama mediante combinación.

El propósito es:

1. Reflejar de forma precisa y vívida la temática de la película.

2. Estructura rigurosa y ritmo distintivo.

Este artículo presenta algunas técnicas de edición de películas de uso común.

Primero, entrar y salir

Este es uno de los métodos de cambio de cámara más comunes en las películas. Es decir, no existe ningún hueco entre el final del plano anterior y el inicio del siguiente. ¿Cómo se llama? ¿cortar? .

En segundo lugar, aparición y aparición gradual

También se denomina aparición y desaparición gradual de la pantalla de cine. La imagen se desvanece gradualmente en la oscuridad y finalmente desaparece por completo. Este método se llama desvanecimiento o desvanecimiento. Por el contrario, la imagen cambia gradualmente de oscura a brillante y finalmente se vuelve completamente clara. Esta toma se llama aparición gradual, también llamada aparición gradual.

En tercer lugar, acercar y alejar

también es una técnica para cambiar las lentes en las películas. A veces se utilizan líneas rectas claras, a veces se utilizan líneas onduladas para borrar la imagen en línea recta, horizontal o diagonal desde el borde de la imagen, lo que se llama dibujo. Reemplácelo con la imagen de abajo, que se llama delimitación.

Cuarto, transferir hacia afuera y hacia adentro.

¿También se llama? ¿Disolverse en? También es un método para cambiar lentes en películas. Una imagen desaparece gradualmente (se desvanece) y otra emerge gradualmente (se desvanece). Esto se usa a menudo para dos contenidos y escenas relacionadas antes y después, creando una sensación de transición lenta.

5. Sobreimpresión

Se refiere a dos o incluso tres imágenes que se superponen e imprimen en una sola imagen. A menudo expresan recuerdos de personajes, sueños, imaginación ilusoria, mundo mágico, etc.

6. Otras habilidades

El foco queda vacío. El enfoque se vuelve borroso en varios fotogramas y la imagen se vuelve borrosa gradualmente. ? ¿Virtual? La velocidad y la duración se pueden controlar libremente, lo que a menudo se manifiesta como visión borrosa y coma.

Congelar fotograma: suele referirse a una toma dinámica que se congela momentáneamente en una determinada pantalla.

La esencia de la edición:

Usa imágenes para contar historias.

Algunas personas señalan que el secreto de la fluidez es moverse y moverse. De hecho, ésta no es la única manera. Hay edición estática y estática, dinámica y estática. Diferentes películas tienen diferentes efectos, pero todas se pueden editar sin problemas. De hecho, no hay muchas restricciones en la edición de pantalla, puedes jugar libremente, pero existen algunos estándares que no se pueden violar, como mover y no mover:

1. no puede haber una pantalla muerta (fija), ¿debe haberla? ¿Empujar, tirar, sacudir, levantar? Si alguno de ellos encuentra una imagen muerta, ¡empújela y tírela en software como PM o AE! ! Aunque se pierde un poco de claridad, es mucho más rentable que perder la suavidad de la imagen.

2. Las dos imágenes no pueden ser de asientos similares en la misma escena (normalmente, a menos que esté buscando efectos especiales, la edición de ubicación conjunta es un tabú) 3. No puede esperar hasta que la imagen se mueva a la izquierda (en resumen, afectará la sensación de suavidad. Mucha gente piensa que las imágenes deben ser lo suficientemente largas para verlas con claridad. De hecho, la edición de imágenes también es una técnica para movilizar la imaginación de las personas.

4. Debe haber una base para moverse. Si una persona bebe agua de una tetera, la relación lógica del trago debe ser: sostener la tetera en una mano, abrir la tapa (si la hay) y sostener la taza en la otra. mano, vertiendo agua, llenar con agua? (Básicamente la regla normal), si se invierte el orden, este grupo de tomas se verá incómodo. 5. Preste atención al ritmo. las cosas que se representan. El ritmo interno formado. Esto ya existe. 2. La música artificial, el ruido y otros factores externos se utilizan para controlar el ritmo. >Reglas generales de edición

1. Punto de corte correcto:

La edición consiste en conectar muchos fragmentos de imágenes fragmentados en uno rítmico. El proceso general implica la cuestión de dónde comenzar y conectar.

Aquí me gustaría mencionar el concepto de vértice de la imagen, que se refiere al punto de inflexión de las acciones y expresiones en la imagen, como el momento en que el brazo de una persona está completamente. extendida, el momento en que baja la cabeza después de asentir para saludar, y el momento en que se retira la sonrisa.

Aquí me gustaría mencionar una técnica de edición: ya que la imagen es una serie de fotografías. , la toma anterior es diferente, la imagen formará una imagen secundaria en el ojo humano, por lo que en el trabajo de edición real, cuando se encuentre con tomas de movimiento rápido (contenido de la imagen), el punto de corte debe avanzar para crear una sensación de melodía y comodidad. refleja la imagen, por ejemplo, al girar un libro Durante la acción, podemos seleccionar el punto de corte inicial cuando la acción de girar el libro se divide en 25 cuadros, entonces podemos elegir comenzar desde el. cuarto o quinto fotograma y establecer el punto posterior. Alrededor de 21 fotogramas no afectarán la comprensión del público de la acción de girar el libro. Por el contrario, también pueden mostrar la melodía de la acción y la continuidad de las tomas frontal y posterior.

2. Reglas fijas en la edición de acciones:

Se refiere al método de edición cuando el sujeto está en movimiento.

El método consiste en conectar la misma acción continua. con diferentes posiciones y escenas. ¿Por qué haces esto? Muy corto. En el pasado, el rodaje de una acción tenía que ser interrumpido a menudo debido a cambios de película.

Pero la gente descubrió que la misma acción conectada por diferentes tomas parecía sorprendentemente fluida e impresionante, y luego evolucionó hacia un método de edición de acción fija.

Primer punto: Conexión Acción 7:3.

Este método se utiliza generalmente cuando el mismo avión está en diferentes escenas. Por ejemplo, al fotografiar la acción de lanzamiento de un lanzador desde el frente, tanto el panorama como el primer plano pueden estar cerca del 30% o el 70% de los detalles del lanzador al comienzo del panorama, de modo que la acción general pueda ser fluida. Por supuesto, dependiendo del material, también puedes eliminar o superponer deliberadamente algunas tomas para darle otro significado a toda la acción.

Segundo punto; conectar dos acciones en una.

El primer punto es conectar el mismo sujeto usando diferentes lentes. Lo que aquí se introduce es conectar múltiples acciones de distintos sujetos en una sola, también llamada? ¿Una secuencia de acción? Si se golpea la pelota, normalmente se manejará así: conectar un jonrón = "Devolución del lanzador = "Devolución del primera base = "La pelota voló muy lejos. Con este método de edición, se repetirá la acción de giro de los dos jugadores , dando a la audiencia una impresión aburrida. ¿A través de? ¿Una secuencia de acción? Los dos movimientos se fusionarán en uno, y la diferencia de tiempo se eliminará cortando la primera mitad del regreso del primera base. Por supuesto, en la edición real, podemos agregar una serie de escenas en las que el público mira hacia atrás para fortalecer la pelota que vuela alto y lejos (la edición es incierta)

El tercer punto: la superposición intencionada es. se utiliza para dar énfasis.

Por ejemplo, en las películas de acción, las tomas de habilidades asesinas se pueden reproducir desde diferentes ángulos y también se pueden reproducir desde el mismo ángulo en cámara rápida y lenta para mejorar el impacto visual.

Punto 4: La parte central se puede omitir para escenas de acción intensa.

Punto 5: Conecta las imágenes dentro y fuera del marco. p>Sexto. Punto: Utiliza tomas oscuras o el mismo punto para conectar las acciones de diferentes sujetos

La función es acortar mucho el tiempo y aumentar la sensación de velocidad del vídeo.

Puntos de conexión de la acción de dibujo:

Tome una toma más larga como toma principal.

Considere la parte superior, inferior, izquierda y derecha del encuadre sin afectar la continuidad. de la acción

Cambie significativamente el movimiento y la cámara. La posición mejorará el impulso de la imagen y la conexión de acuerdo con el tiempo real aparecerá retrasada, por lo que las partes que se pueden omitir en la acción de transición. Debe comprimirse, especialmente las escenas con acción intensa, y la duración del metraje filmado al mismo tiempo debe acortarse. En teoría, la edición se puede realizar en cualquier punto, pero elegir diferentes puntos de edición y repetir u omitir algunas tomas hará que sea más complicado. la acción más fluida.

Cuando se conectan diferentes imágenes para la misma acción, intente hacer que la conexión de Vertex sea más fluida

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El primer punto: compatibilidad: significa que la pantalla frontal desaparece lentamente y la pantalla trasera aparece lentamente.

En comparación con el corte, se puede decir que se siente más suave y es muy fácil de usar. que es un método de transición de escenas casi infalible.

Segundo punto: aparición y desaparición gradual: use transición negra.

Punto 3: use máscaras para conectar diferentes escenas. >

Punto 4: Utiliza imágenes desenfocadas para conectar diferentes escenas.

Quinto punto: Utiliza el efecto de desenfoque provocado por el movimiento para conectar las tomas.

Punto 6: Conecta. las tomas con el mismo escenario?

Punto 7: Conectar las tomas con el efecto de exposición ?

Otros métodos de edición representativos:

Punto: permita que diferentes lentes aparezcan alternativamente al mismo tiempo.

El segundo punto: cuando la conexión sea difícil, simplemente salte.

El tercer punto: conecta las lentes de diferentes monturas. Crea una sensación de ritmo.

? ¿Se suele utilizar un juego de tres lentes de forma gradual?

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