¿Cuál es la intersección entre Barroco, Rococó y Academicismo (1)?
Desde el siglo XVIII, los historiadores del arte y los arqueólogos han prestado especial atención al estudio del estilo. El llamado estilo se refiere a la composición de una obra según una determinada combinación, que es internamente armoniosa pero claramente diferente de otros estilos, por lo que puede dejar una profunda impresión en las personas. La formación del estilo es una manifestación de una determinada época y de la madurez artística del autor.
Sin embargo, el barroco como estilo siempre ha sido un tema controvertido entre los historiadores del arte. El significado original de Barroco incluye significados irregulares, retorcidos y grotescos. Fue un nombre dado por los clasicistas en el siglo XVIII al arte con el que sus predecesores no estaban de acuerdo. Desde una perspectiva temporal, el barroco fue popular entre los siglos XVII y XVIII. Así, se sitúa el arte de todos los países del siglo XVII: italiano, español, flamenco, holandés, francés... en el período barroco.
El estilo rococó se originó en Francia en la década de 1820 y se hizo popular en Europa. Fue desarrollado sobre la base de la arquitectura barroca y se refleja principalmente en la decoración de interiores. Las características básicas del estilo rococó son delicadas, hermosas, delicadas, dulces, gentiles y complejas. Tomando como trasfondo el declive de la cultura aristocrática feudal europea, expresa los ideales y pensamientos estéticos decadentes y ostentosos de la clase aristocrática en declive. No pueden soportar la seria racionalidad del clasicismo y el ajetreo del barroco, y persiguen la belleza y el ocio. La palabra rococó evolucionó del francés ro-caille (artesanía con conchas), y su significado original era el patrón en forma de concha en la decoración arquitectónica. En 1699, el arquitecto y artista decorativo Marley utilizó este patrón de concha curva en una gran cantidad de diseños decorativos en la residencia oficial del rey, de ahí el nombre. El estilo rococó apareció por primera vez en la decoración interior de los edificios y luego se extendió a la pintura, la escultura, la artesanía, la música y la literatura.
El estilo artístico rococó recorre un tema común en las obras de los músicos Mozart y Haydn, los escritores Pope, Edison y Voltaire, y los pintores Waldo y Consborough: combinar la razón y el buen gusto con la luz. material claro y ordenado.
Luis XIV solía celebrar varios bailes en Versalles, atormentando a los nobles con una etiqueta engorrosa y responsabilidades sin sentido, y luego utilizó magníficas decoraciones palaciegas para crear un ambiente relajado y deliberadamente crear ambigüedad para consumir la energía de los nobles, dejándolos. No hay tiempo para planear una rebelión. Por lo tanto, el artista recibe el encargo de inventar una vida ideal de felicidad, con el único propósito de crear una sociedad feliz de ocio y, de hecho, de indolencia. El rococó es relativo al magnífico y solemne arte clásico de Luis XIV. Este cambio está relacionado con el declive de la aristocracia francesa, el espíritu libre de investigación de la Ilustración (que casi reemplazó a las creencias religiosas) y la creciente prosperidad de la clase media.
La pintura académica generalmente se refiere a un tipo de pintura conservadora que ha pasado por un entrenamiento estricto, transmitida de maestro a aprendiz y transmitida capa por capa. Como escuela académica de historia del arte, se originó en Italia en el siglo XVI y posteriormente se hizo popular en Europa, llegando a varias academias de arte en los siglos XVIII y XIX. La primera Academia de Bellas Artes fue fundada por los hermanos Carracci en Italia. Así fue la Academia de Bolonia fundada en 1590. Su mérito es que puso fin a la antigua educación manual estilo taller y promovió en gran medida toda la educación artística. Posteriormente, la Academia de Bellas Artes enfatizó la necesidad de heredar el arte clásico del Renacimiento y perseguir la perfección en la forma y la elegancia en el contenido. Entre los pintores representativos importantes se encuentran Karachi, Lenny, Leblanc, Bouguereau, David, Angel, etc.
Estatua del Papa Inocencio X
Velásquez de España es otro maestro de la pintura española de talla mundial después de El Greco. Al mismo tiempo, como amigo íntimo de Rubens, también se convirtió en un pintor representativo del arte barroco debido a su influencia.
Velásquez nació en Sevilla, sur de España. Su padre era un noble decadente. Los padres no querían que su hijo estudiara arte y querían que cuando fuera grande fuera juez o abogado. Sin embargo, Velásquez estuvo obsesionado con la pintura desde niño y tuvo que enviarlo a estudiar con el pintor realista Herrera. Aunque a Velásquez le gustaba el trabajo realista de su maestro, el temperamento malhumorado de Herrera le resultaba intolerable. Poco después se trasladó al estudio de Francesco Bacheco para estudiar.
Aunque Pacheco no destaca como pintor, es un profundo erudito con grandes logros en la pintura clásica. Velázquez respetaba mucho a su maestro y adquirió magníficas habilidades pictóricas bajo su influencia y fue influenciado por el espíritu del humanismo. Y su maestro también admiraba a este joven discípulo prometedor y talentoso y le prometió a su hija Fiona. En sus últimos años, mencionó a menudo sus pies en alto en "Sobre la pintura".
Después de trabajar como profesor durante seis años, Velázquez se convirtió en un destacado pintor independiente local bajo el esmerado cultivo de su suegro.
En 1623, Velázquez, que sólo tenía 24 años, llegó a Madrid y pronto se convirtió en el pintor de corte del rey Felipe IV. Vivió en palacio y entabló una profunda relación con el rey Felipe IV, que entonces sólo tenía 19 años. . Amistad, dedicó el resto de su vida a la corte. En la corte, Velásquez, profundamente querido por el rey, no sólo fue pintor de corte, sino que también fue reutilizado para muchos otros usos y se le concedió el título de "Caballero de Santiago".
Poco después de comenzar la vida en la corte de Velázquez, conoció a Rubens, que estaba de visita en Madrid como enviado diplomático, y se convirtió en un buen amigo. Velázquez se benefició enormemente de la comunicación con este maestro barroco y del estudio cuidadoso de sus obras, lo que mejoró enormemente sus habilidades pictóricas. Rubens también apreció el talento de Velázquez y le sugirió que fuera a estudiar a Italia.
Velásquez visitó Italia dos veces en su juventud y en su mejor momento. La primera vez fue en 1629. Con el permiso del rey, acompañó al comandante en jefe español Spinola a visitar Italia, el país del arte. Los pintores en Italia observaron y estudiaron las obras de Tintoretto, Rafael, Miguel Ángel y otros maestros, mejorando sus logros artísticos. Horizontes artísticos ampliados. La segunda vez, el pintor de 50 años fue a comprar cuadros.
Después de regresar de su segundo viaje, Velásquez se convirtió en oficial ceremonial de Felipe IV y trabajó para la boda de la princesa María Teresa y el rey Luis XIV de Francia. La boda se celebró en 1659. El anciano ceremonial estaba sobrecargado de trabajo debido a este matrimonio y murió poco después.
Cuando Velásquez viajó a Italia por segunda vez en 1649, completó un famoso retrato "Retrato del Papa Inocencio X". En este retrato, el artista no sólo mostró la ferocidad y la astucia del hombre, sino también la debilidad mental del hombre de 76 años. Aunque el Papa en la foto tuvo una expresión fuerte en su rostro por un momento, sus manos en la silla parecían particularmente débiles. El pintor captó hábilmente este punto y personalizó los personajes, añadiendo así mucho espacio para que el público se asociara. Las habilidades de pintura al óleo de este trabajo también son excelentes. En la imagen, el rojo intenso muestra la atmósfera solemne de esta religión única; la sotana blanca y el chal rojo forman un fuerte contraste cromático. La pincelada es muy suave y libre, mostrando las magníficas habilidades del artista.
Debido a la familiaridad, las pinturas famosas siempre han sido demasiado elogiadas. Muchas pinturas famosas son difíciles de despertar sorpresas en la experiencia visual del público e incluso pueden resultar aburridas. Sin embargo, el Retrato del Papa Inocencio X (1649) de Velázquez parece ser una excepción. Aunque se ha publicado durante más de 300 años, todavía puede impactar fuertemente los sentidos del público contemporáneo. En cuanto a la forma pictórica, no se diferencia de otros retratos europeos de la época. La pose y la composición de las figuras siguen la tradición del retrato, contrastando con el realismo inusual de la pintura. Es una reminiscencia de la evaluación del público contemporáneo de Velázquez: las otras obras son todas pinturas, sólo ésta es real. Este cuadro fue pintado por Velásquez durante su segunda visita a Italia.
Como pintor de la corte del rey Felipe IV de España, Velázquez participó en la celebración de 1650 organizada por el Papa Inocencio X en Roma. En esa época también conoció a pintores contemporáneos como Poussin y el escultor Bernini. Fue allí, a petición de Inocencio X, donde Velázquez pintó su famoso retrato. Se dice que cuando el propio Papa vio este cuadro por primera vez, casi se sorprendió y dijo: "¡Es tan parecido!"
Esta verdad proviene obviamente de la profunda observación de la naturaleza humana por parte del pintor. Velásquez y Goya, pintor de la corte española del siglo XVIII, tuvieron experiencias de vida y reputaciones artísticas similares, y ambos pintaron muchos retratos para la familia real y los nobles. Pero Goya no ocultó su desprecio por la nobleza de la corte. Se centró en revelar el marcado contraste entre la apariencia solemne y hermosa de los nobles y sus mentes embotadas y su vacío interior. Su pincel es tan afilado como una hoja de afeitar. Velásquez trataba a personas de todas las identidades por igual, ya fueran campesinos y peones, o príncipes y nobles, podía pintarlos como individuos. El retrato del Papa Inocencio X es un ejemplo clásico. En esta pintura, simplemente trató al sujeto como una persona y pintó su identidad y carácter. No se pueden distinguir los gustos y disgustos del autor ante una obra así, porque él no interviene, sólo observa. Debido a esto, el "Retrato del Papa" de Velázquez es casi una pintura objetivamente realista en una época anterior a que se inventara la fotografía. No hay nada exagerado en la imagen, todo representa fielmente lo que vio el artista.
Cuando realizó este cuadro, el artista tenía poco más de 50 años y se encontraba en el apogeo de su creación. Si todavía queda un rastro del estilo de Caravaggio en las primeras obras de Caravaggio, entonces Velázquez ha creado su propio reino artístico. Su comprensión de la anatomía, la forma y el color se reflejan tan vívidamente en esta pintura que es difícil para la gente darse cuenta de que es solo una pintura ante una obra como esta. La profundidad y amplitud de la descripción que hace el pintor de la naturaleza humana atrae la atención de todos, que es uno de los milagros de la historia de la pintura. No es de extrañar que el Papa se sorprendiera. Nunca pudo imaginar que este pintor español pudiera realmente mostrar detrás de su apariencia disfrazada el mundo interior de un hombre poderoso conocido por sus intrigas y astucia. Ahí reside el poder de Velázquez.