¿Cómo captar el tema de la foto?
En primer lugar, la composición
La llamada composición es la organización y disposición de la escena en el plano. Depende principalmente del ángulo de fotografía, el punto de vista y el rango de visión. El ángulo de visión se refiere principalmente a la relación posicional entre el fotógrafo y la escena en el espacio tridimensional al mirar cosas, como a qué distancia, a qué altura y en qué dirección. Esta es la cuestión más básica en la observación de cosas y en la fotografía, que es captar el terreno poderoso y favorable. Determine la dirección del ángulo del punto de vista y luego seleccione el alcance de la lente, es decir, qué parte del objeto se selecciona y qué aspecto del objeto se resalta. Esto depende no sólo de la distancia focal del objetivo, sino también de lo abierto que sea el entorno fotográfico. Si el entorno fotográfico es abierto, la libertad de encuadre será alta y viceversa. No se explica en detalle cómo elegir el punto de vista, solo cómo diseñar el paisaje en la toma, al igual que cómo pintar sobre el lienzo.
Personalmente creo que no importa qué lado de la escena elijas, debes elegir la parte más distintiva de la escena para expresar. Una escena o una cosa, sin importar en qué dirección se encuentre, tendrá la característica más distintiva. El propósito del modelado se logra expresando las características de la cosa en esa dirección. En segundo lugar, cualquier cosa o escenario tiene el llamado problema de dirección, al menos en la posición o convención que observas. Por ejemplo, cuando tomamos la dirección de la cara como frente, las personas se dividirán en frente, lado, atrás, arriba y abajo, etc. Las subdivisiones aparecerán como lado frontal, lado frontal derecho, lado trasero izquierdo, lado trasero derecho, etc. , bajar la cabeza, levantar la cabeza, inclinarse hacia adelante, inclinarse hacia atrás, inclinarse hacia atrás, etc.
Los métodos de composición más básicos son el método de composición del centro geométrico y el método de composición "tic-tac-toe" de la sección áurea. El método de composición del centro geométrico organiza al sujeto en el centro de la imagen. Este método de composición se utiliza principalmente para composiciones con simetría geométrica entre izquierda y derecha, arriba y abajo, como edificios con simetría izquierda y derecha, arriba y abajo. Generalmente, los sujetos que son simétricos hacia la izquierda y hacia la derecha se organizan en los puntos centrales izquierdo y derecho, y los sujetos que son simétricos hacia arriba y hacia abajo se organizan en los centros superior e inferior. La composición de la palabra "bien" consiste en organizar el tema en los cuatro puntos dorados del carácter "bien" según la dirección del tema. Estas dos composiciones son los métodos de composición básicos tradicionales. Debido a que la composición de la sección áurea es relativamente común, a veces se utiliza al fotografiar sujetos simétricos. Por ejemplo, cuando el sujeto es simétrico, a veces la parte expresiva principal del sujeto o el peso principal del sujeto, es decir, el foco visual (a veces llamado punto de interés visual), se dispone en el punto de la sección áurea con la izquierda. y los centros superior e inferior derecho, el cuerpo principal simétrico superior e inferior o centro visual. Lo mismo es cierto. Ambas composiciones son métodos de composición básica tradicionales y son restringidos. Además de la simetría, también hay una composición equilibrada, es decir, el cuerpo principal y el florete parecen sentir el equilibrio de izquierda y derecha en el diseño de la imagen, dando a las personas una sensación de estabilidad.
Tomando como ejemplo a las personas, mi enfoque personal es colocar a las personas en un espacio tridimensional, que es un espacio cilíndrico. Aquí solo considero la relación izquierda-derecha. La relación arriba-abajo se puede modificar con referencia a la relación izquierda-derecha. Este cilindro tiene el centro de la imagen como centro y los puntos de la sección dorada izquierda y derecha como radio. Una persona de pie se imagina en el borde de un cilindro con la cara hacia el eje central del cilindro. Cuando mira hacia usted en diferentes direcciones, se puede suponer que gira a diferentes posiciones en el cilindro. Cuando su cara mira hacia usted y le da la espalda, se puede suponer que el cilindro girará a la persona a esta posición. , entonces Al componer música, la persona está en el centro. Cuando una persona mira hacia la izquierda o hacia la derecha, su cara mira hacia el eje central de la imagen, por lo que el cilindro girará a la persona hacia el extremo izquierdo o derecho. Cuando la gente te mira de izquierda a derecha, suponiendo que el cilindro girará a la persona a la misma posición que tú, ¿cuántas fases cambiará la disposición de la persona antes de que se sienta estable y equilibrada? Cuanto más grande sea el frente de la persona hacia usted, más cerca estará del eje central y el máximo estará hacia usted. Cuanto más pequeño está frente a usted, más se desvía del eje central. El máximo está completamente de lado hacia ti, en el borde izquierdo o derecho del cilindro, y esta es la sección áurea.
Este es sólo mi método de composición personal. A veces no puedo seguir completamente este principio durante el proceso de filmación. A veces se considerará en función de muchos factores, como el movimiento del sujeto y la línea de visión. Básicamente, sigo este principio. Aquí es cuando una sola persona es el foco principal. Otros aspectos de la composición del paisaje se pueden utilizar de manera flexible con referencia a este método de composición. El método de composición será diferente para diferentes temas o centros visuales principales. Por ejemplo, al tomar fotografías panorámicas de personas, podemos seguir este principio o método. Si se trata de un primer plano o un primer plano, el cuerpo principal o el enfoque de la actuación ya no es la expresión o los ojos de la persona, por lo que este es solo un método general personal. Cuando el sujeto y el foco no son únicos, sino que hay un sujeto y un acompañante, tanto el sujeto como el acompañante deben tenerse en cuenta en el diseño integral, de modo que el cilindro imaginario ya no siga la relación de posición de la sección áurea, confía. en sus propios sentimientos para determinar y organizar. Lo anterior considera y explica principalmente los dos métodos de composición básicos en la composición tradicional. Además de la composición de simetría, equilibrio y sección áurea "bien", hay muchos tipos, como anillos, formas de S, triángulos, etc.
Además de la simetría y el equilibrio, también existen relaciones como el contraste, el contraste y el eco. Éstos son el diseño y las relaciones que son más importantes en la composición tradicional.
La composición tradicional es principalmente la búsqueda moderada de la simetría, el equilibrio y la suavidad en la imagen, formando una armonía entre las escenas dentro de la imagen y entre el paisaje y el entorno. La imagen completa parece un mundo completo e independiente. Este tipo de composición se denomina composición conservadora tradicional. El antónimo de composición conservadora es composición abierta. La llamada composición abierta rompe el método de composición tradicional que busca la simetría, la estabilidad, el equilibrio, sistemas autónomos y autónomos, y busca la comunicación dentro y fuera de la imagen. El espacio de la imagen es abierto, lo cual es un método de composición que tiene en cuenta los sentimientos y la imaginación personales del espectador. Este tipo de composición enfatiza la relación entre el mundo de la imagen y el mundo fuera de la imagen, enfatiza la relación interactiva entre la imagen y el espectador y considera el derecho y la conciencia del espectador a participar, que es la humanización de la teoría del arte reciente. Según la estética de la recepción en la teoría literaria, una obra de arte sólo se completa con la participación del apreciador. Los niveles de apreciación y gustos de los apreciadores son diferentes, lo que resulta en diferentes connotaciones de las obras. Por lo tanto, el autor no puede imponer sus propios intereses y valores de apreciación a los apreciadores, no puede obligar a los apreciadores a aceptar los intereses y valores expresados por el autor y exigir a los apreciadores que interpreten y reconstruyan las obras. Por lo tanto, la composición abierta a menudo tiene en cuenta la relación entre el sujeto y el público, el espacio de la imagen y el espacio real. La forma a menudo no sigue la simetría, el equilibrio y la suavidad de la composición tradicional, y persigue una especie de naturaleza sin intervención subjetiva. . Los temas expresados a menudo no tienen dirección y las ideas temáticas son ambiguas, vagas e implícitas.
Así que la composición es un aspecto muy importante de la fotografía, es el comandante de otros elementos de expresión y del factor alma. Casi todos los demás elementos de expresión sólo pueden expresarse cuando están relacionados con la composición. Por lo tanto, la composición es lo más fundamental en fotografía, por lo que si quieres dejar claro el tema de tu fotografía, debes trabajar duro en la composición para hacer que el tema o enfoque de la fotografía sea más vívido y prominente. Si una obra fotográfica tiene características distintivas en la composición y otros factores son relativamente débiles, también hará que su fotografía sea artísticamente hermosa. Si hay otros factores artísticos para complementar la composición, tu fotografía será aún mejor y ascenderá al trono del palacio del arte. Entonces la composición es la clave de la fotografía. En segundo lugar, luces y sombras
El arte es un vehículo para expresar emociones. La fotografía es el arte de la luz y la sombra, que se utiliza para hacer dibujos. Por tanto, la luz y la sombra se convierten en un factor de expresión más además de la composición. Gracias a la luz, podemos componer imágenes según la distribución de luces y sombras, por lo que la esencia de la fotografía son las luces y las sombras. Por lo tanto, ya sea fotografía de retrato o fotografía de cine y televisión, hacer un buen uso de la luz es especialmente importante para la fotografía. En la época de la fotografía en blanco y negro, cuando la fotografía no implicaba color, la luz y las sombras eran un factor fundamental para expresar emociones.
La luz y la sombra se dividen en tonos y tonos de luz, que generalmente se pueden llamar tonos. Hay diferencias muy sutiles entre los dos, que a menudo se denominan colectivamente tonos, pero el énfasis es diferente. Los tonos de sombra tienden a centrarse en el tono general de la imagen, mientras que los tonos de luz tienden a ser más específicos, refiriéndose principalmente a la distribución específica de luces y sombras, es decir, la distribución escalonada de la luz. Una vez que el color interviene en la fotografía, se producen tonos excelentes basados en los tonos de sombras. (No sé si esta afirmación es científica o no, porque está escrita en una carta y necesito la corrección de todos. Según la cantidad de componentes claros y oscuros en la imagen, el tono se puede dividir en tonos altos , tono medio y tono bajo, también llamado brillante, tono medio y oscuro. Según el contraste claro y oscuro se puede dividir en tonos duros, medios y suaves. Estos dos tonos se refieren a cosas diferentes. Los tonos se refieren principalmente a tonos oscuros, mientras que los tonos suaves y duros se refieren principalmente a emociones brillantes, positivas y edificantes, pero también dan a las personas un sentimiento ligero pero no pesado y profundo. Los tonos oscuros expresan emociones depresivas, oscuras y pesadas. Las emociones expresadas por tonos duros son firmes, pesadas y significativas, la textura, el conflicto y el conflicto son agudos, la expresión suave es ligera y la relación contradictoria es suave. La formación del estilo del tono está relacionada principalmente con lo subjetivo y objetivo. p>
Por ejemplo, objetivamente: por la noche, cuando no hay suficiente luz, la escena nocturna, por supuesto, estará dominada por tonos oscuros, y durante el día, por supuesto, estará dominada por tonos brillantes. Por ejemplo, al fotografiar metal y algodón, el color del propio sujeto también determinará el tono. La cantidad de luz y la cantidad de luz reflejada por el sujeto determinan la suavidad y dureza de la imagen. La imagen será diferente cuando se tome bajo lámparas fluorescentes suaves y luz solar brillante al mediodía. El grado de reflexión del entorno también determina el tono de color de la imagen. Por ejemplo, el tono de color de una sala blanca y de una celda oscura y húmeda. Definitivamente será diferente Además de los factores objetivos de la luz, los factores que afectan el tono de color de la imagen también tienen mucho que ver con la combinación de exposición. Cuando se utiliza un objeto brillante como punto de referencia de exposición, la imagen tiende a ser diferente. ser más oscuro, mostrando características de tono bajo y duro. Cuando se utiliza un objeto más oscuro como punto de referencia de exposición, la imagen tiende a mostrar características brillantes y de tono alto, esto también está relacionado con la naturaleza de la luz. ángulo de la luz y la relación entre la luz principal y la luz de relleno Generalmente, la luz frontal es más brillante, la luz lateral es de tono medio y la luz de fondo lateral o la luz de fondo es más oscura. La luz es más pequeña y la imagen es más suave. El ángulo y el área de la luz principal a menudo determinan el tono general de la imagen. El contraste entre la luz frontal y la luz principal y la luz auxiliar es pequeño y la imagen es más suave. Más suave suele ser opaca y no tiene un fuerte efecto tridimensional, por lo que es adecuada para expresar sujetos animados. La luz lateral tiene un fuerte contraste con la luz principal y la luz de relleno, y la imagen suele ser profunda y tridimensional. dimensional, por lo que es adecuado para expresar una forma tridimensional fuerte.
La retroiluminación lateral y la retroiluminación tendrán contornos distintos, lo que hará que el sujeto sea vívido, pero también tendrán diferentes experiencias visuales generales, que son adecuadas para expresar situaciones visuales especiales.
La luz determina el tono y la tonalidad, y determina la expresión de las emociones en el cuadro. Al mismo tiempo, como factor de composición, también es un factor importante a considerar en la composición. En la imagen, no importa qué tipo de imagen, el cuerpo principal o el contenido principal de la parte principal que queremos expresar estará en un entorno determinado. Por tanto, cualquier trabajo fotográfico tendrá un trasfondo, que también es inevitable en la realidad. Por lo tanto, cómo manejar correctamente la relación entre el sujeto y el fondo se ha convertido en una consideración importante en la composición. Para resaltar el tema o partes importantes, a menudo colocamos el tema sobre un fondo con un contraste relativamente alto, de modo que el tema que expresamos sea vívido y tridimensional. Por lo tanto, considerar luces y sombras en la composición se ha convertido en un medio muy importante para resaltar el tema. Normalmente, la luz y la oscuridad tienden a tener esas sensaciones y propiedades. Las cosas brillantes a menudo dan a las personas la sensación de ser brillantes, vivaces, abiertas, en expansión y retraídas, mientras que las cosas oscuras a menudo dan a las personas la sensación de ser pesadas, deprimidas, introvertidas, testarudas y progresistas. Entonces, en la composición, a menudo ponemos cosas oscuras sobre un fondo brillante, como siluetas, o cosas brillantes sobre un fondo oscuro, como fuego, fuegos artificiales, amanecer, etc. y coloque al sujeto con una distribución de luz y oscuridad sobre un fondo con contraste opuesto o un fondo de tono medio. Por lo tanto, si desea expresar el tema de manera vívida, a menudo debe prestar atención a separar el tema y el fondo. El uso de luces y sombras también es un factor muy importante.
Hablando de la relación entre el fondo y el sujeto, por cierto, la relación entre el sujeto y el primer plano, la relación entre el sujeto y el acompañante. El primer plano es la escena frente al sujeto. En un trabajo fotográfico el sujeto y el fondo son fundamentales, pero la elección del primer plano se basa en las necesidades de expresión de la composición fotográfica, y también se seleccionarán algunos decorados en función del entorno. Si no hay ninguna perspectiva en el entorno, no hay necesidad de fingir la perspectiva por la perspectiva, lo que viola el principio de verdad artística. En algunos entornos, cuando el primer plano juega un papel importante al enfatizar, resaltar y resaltar el cuerpo principal de las cosas, o para crear una sensación profunda del entorno o expresar una forma de belleza, a menudo agregamos un primer plano como complemento. Haga que el sujeto sea más vívido y vívido. La elección del primer plano suele estar relacionada con el tema, o puede contrastar, enfatizar, hacer eco o mejorar la representación del entorno, etc. El acompañamiento aparece a veces como fondo del tema y otras veces como primer plano del tema. A veces existe como un objeto relacional que corresponde al sujeto. Manejar bien la relación entre el sujeto y su acompañante a veces puede hacer que la imagen sea vívida y completa. Al igual que la relación entre flores y hojas, la flor es el cuerpo principal. Sin las hojas como compañeras y fondo, las flores serán monótonas. Otro ejemplo es el primer plano y el florete de una flor marchita, que puede reflejar el significado simbólico de la tenaz vitalidad de la flor como tema. Por poner otro ejemplo, si un loto en flor y un loto en ciernes se complementan, puede expresar una relación creciente. El contraste y contraste entre un loto maduro y un solo pétalo formará un símbolo de reemplazo de vida y gestación, por lo que la relación entre el sujeto y la pareja podrá expresarse de manera profunda y completa.
En tercer lugar, el color
El color es el elemento emocional más importante además de restaurar verdaderamente el color original de los objetos y brindar a las personas una experiencia visual normal. Dado que el color no ha entrado en la fotografía, la expresión de emociones se basa principalmente en la creación de tonos. Una vez que el color entra en la fotografía, se convierte en el elemento emocional más importante de la fotografía. El color, la luz y la sombra juntos constituyen un importante portador de modelado visual en fotografía. Entonces, en la fotografía en color, cuando hablamos de la expresión emocional de la fotografía, generalmente hablamos del tono y el tono de la imagen.
Como hemos mencionado anteriormente, los tonos generalmente se dividen en tonos cálidos, tonos fríos y por supuesto tonos medios. Sin embargo, debido a lo llamativo del color, es difícil lograr un equilibrio entre colores cálidos y fríos en una imagen fotográfica, por lo que la mayoría de las fotografías en color tenderán a tener un tono tonal. La tendencia del tono determina la tendencia de la imagen a expresar sentimientos artísticos. El uso del color también puede reflejar la melodía de la imagen y formar un ritmo armonioso y unificado. Todo arte es rítmico y la melodía y el ritmo determinan los altibajos de la expresión emocional. Por eso, una buena obra artística suele prestar gran atención a la armonía y unidad de la melodía y el ritmo y a los cambios de ritmo.
En el arte fotográfico, se expresa como la armonía del tono y el ritmo. Por supuesto, si la melodía y el ritmo de una pintura son armoniosos o no, juega un papel importante en la composición. En la composición, el sujeto y sus acompañantes, el sujeto y el fondo, y el sujeto y el primer plano formarán el ritmo básico de la melodía, por lo que el timbre y el color fortalecen y exageran este ritmo, haciéndolo más prominente y tendencioso. Generalmente, los colores cálidos dan a las personas una sensación positiva, vivaz, cálida, desenfrenada y cálida. Los colores fríos dan a las personas la sensación de tranquilidad, estabilidad, paz y frío. Este sentimiento es causado por la percepción del color. El espectro de colores de tendencia roja tiene una sensación cálida y es un color cálido, mientras que el espectro de colores de tendencia azul tiene una sensación fría y es un color frío. Los colores fríos y cálidos tienden a complementarse entre sí y este atributo tiende a mostrarse más claramente. Por lo tanto, a menudo utilizamos colores un poco fríos o cálidos para resaltar el tono general de la imagen, haciendo que la imagen sea más viva y realista. La sensación general es que los colores fríos tienden a tener la sensación de encogerse, expandirse, ser silenciosos y relativamente livianos, mientras que los colores cálidos generalmente tienen la sensación de prominencia, cohesión, vivacidad y peso. Por lo tanto, este atributo del color es a menudo. Utilizado completamente en composición para arreglos de diseño. Para expresar colores cálidos, a veces se mezclan algunos elementos de color que son diferentes del cuerpo principal. Los colores que se complementan suelen jugar un papel muy llamativo en las imágenes y también se utilizan como advertencias en la vida, como los colores protectores de algunos animales, los semáforos, las señales de tráfico, etc. Los colores de algunos edificios a veces utilizan combinaciones de colores para formar un estilo.
Para que los colores tengan un ritmo armonioso y formen una transición suave, a menudo se utilizan colores similares para realizar una transición pacífica, de modo que la imagen pueda expresar emociones de manera implícita y pacífica y aliviar los conflictos. Para expresar emociones fuertes, a menudo utilizamos al máximo este elemento de color, que es un estilo de imagen vívido que expresa emociones directamente. A veces, en la composición, también prestaremos atención a hacer que el sujeto de colores brillantes destaque más sobre fondos de diferentes colores, o hacer que el sujeto sea más vívido a través del contraste entre el sujeto y el color de primer plano. Cuarto, la lente
El uso de lentes de fotografía a menudo hace que la relación de perspectiva del sujeto fotográfico se sienta diferente. Por tanto, el estilo de fotografía desarrolló un estilo único. Como todos sabemos, el gran angular exagera la relación posicional entre el sujeto y el fondo y el primer plano, exagerando el efecto sensorial de la perspectiva visual, que a menudo crea una sensación de profundidad y hace que la imagen tenga más capas. Los teleobjetivos comprimen el sujeto y el fondo. La posición del primer plano hace que la imagen parezca cercana y abarrotada. Al mismo tiempo, debido a las diferentes lentes, la profundidad de campo también será diferente. Un gran angular produce una profundidad de campo muy profunda, mientras que un teleobjetivo tiende a ser muy superficial, desenfocando el primer plano y el fondo o incluso quedando completamente en blanco. El ángulo de visión gran angular es grande y cubre un rango mayor, mientras que el ángulo de visión del teleobjetivo es estrecho y a menudo cubre un rango más pequeño. Para resaltar las características del sujeto fotográfico, a menudo elegimos lentes más adecuados para la creación. Por ejemplo, a menudo utilizamos un gran angular para mejorar este efecto, expresar el vasto espacio y el paisaje, expresar el majestuoso impulso o resaltar la posición del sujeto en frente. Para expresar un espacio lleno de gente o enfatizar las características del sujeto, a menudo se utiliza el teleobjetivo para resaltar el sujeto y desenfocar el fondo. Personalmente también creo que las tomas de profundidad de campo suelen tener un estilo más documental, expresan significados más objetivos y reales y están menos sujetas a la intervención subjetiva del fotógrafo. El teleobjetivo es subjetivo porque resalta las características del sujeto, por lo que el sentimiento tiene un fuerte sentimiento y estilo subjetivo personal. Los planos generales tienden a transmitir una imagen en la que entran en juego factores psicológicos, como el romance. A veces, para expresar la belleza de una determinada composición, este teleobjetivo suele formar un estilo visual de patrones geométricos planos. La composición concisa da a la imagen una nueva sensación de abstracción. El gran angular tiende a enfatizar el contraste entre el sujeto y sus acompañantes, mientras que el teleobjetivo enfatiza el contraste entre el sujeto y el fondo y el primer plano.
Ejercicio de verbo (abreviatura de verbo)
Además del contraste entre la profundidad de campo y la realidad en la lente, el contraste de movimiento a menudo hace que el sujeto sea más prominente. Para resaltar el tema de la expresión, a menudo utilizamos el movimiento para expresarlo, y algunos simplemente expresan el movimiento. Por supuesto, todo arte expresa movimiento y ritmo, y el ritmo es la forma exteriorizada del movimiento. El movimiento expresado por la fotografía es un estado de movimiento, una tendencia de movimiento, un momento de movimiento y un movimiento solidificado. Para expresar el movimiento, a veces se representan sujetos estáticos a través de un entorno en movimiento. Por ejemplo, si se utiliza un tiempo de exposición prolongado para fotografiar una garita en medio de la carretera, los vehículos que circulan por la carretera formarán una imagen virtual. de movimiento, y la banda de luz se perderá por la noche. A veces, para expresar el sujeto en movimiento, siga al sujeto en movimiento y use un tiempo de exposición corto para solidificar el sujeto en movimiento, mientras que el fondo forma una sombra virtual, como seguir un automóvil en movimiento o un jugador de fútbol en movimiento. A veces se permite desenfocar al sujeto y se registra su movimiento, como en el caso de fotografiar el tráfico de noche, de modo que el tráfico en la carretera forma un río con franjas de luz, extendiendo el tiempo de exposición, y la cascada forma un suave blanco. cinta. En ocasiones, la esencia y el espíritu del sujeto se expresan congelando el momento de su movimiento. Por ejemplo, disparar una bala a través de una manzana a gran velocidad puede permitir a las personas comprender completamente el estado de una bomba de neutrones en movimiento rápido, capturar rápidamente el estado de un soldado en el momento de recibir el disparo y mostrar la crueldad de la guerra y la heroísmo de los soldados. Por tanto, la velocidad expresiva de la fotografía nos permite ver el estado y las características esenciales de los sujetos en movimiento. A veces, la esencia de la fotografía es en realidad registrar la esencia y el espíritu de varias cosas, y esta esencia y espíritu se expresan a través del movimiento, por lo que expresar el movimiento se convierte en el mayor requisito de la fotografía para lograr realismo.
La ciencia y el arte son dos vertientes para explicar cosas objetivas. El conocimiento humano se amplía y amplía básicamente en estos dos aspectos. La investigación científica expresa qué es el mundo, por qué es como es, cómo el pasado se convirtió en presente y cómo el presente se convierte en futuro. Es análisis lógico racional y comprensión racional. El arte expresa la relación emocional entre las personas y el mundo, que es una cuestión de belleza humana. El conocimiento del arte le dice a la gente qué es la belleza, por qué es belleza y cómo producirla. El arte surge de la interacción entre los humanos y el mundo. La música proviene de cánticos en los deportes. Cuando el canto se expresa rítmicamente, comunica el ritmo del trabajo, unifica pensamientos y emociones y fortalece la comunicación entre las personas. Por tanto, el arte se forma en la interacción entre las personas y el mundo. La esencia del arte ligada a la practicidad determina el principio de autenticidad del arte. La verdad se convierte en la vida del arte. Dado que la materia está en movimiento y el movimiento de los objetos es absoluto, la quietud. es relativo Por lo tanto, el arte, como aspecto de la comprensión humana del mundo, se forma durante la interacción entre las personas y el mundo, y debe expresar la esencia del movimiento material. Por tanto, todo arte describe, expresa y expresa movimiento. La fotografía como categoría de arte no es una excepción. Básicamente, la fotografía expresa la esencia del estado de movimiento de las cosas. Quizás pienses que los movimientos de expresión en la fotografía de paisaje y en la fotografía de retrato no son muy fuertes, pero no es así. Las maravillas de los paisajes en la fotografía de paisajes muestran los cambios en la geología de la tierra y los cambios en las estaciones. La fotografía de retrato expresa el movimiento espiritual del comportamiento humano y las actividades psicológicas.
Por lo tanto, en la fotografía de retratos, captar con precisión y delicadeza las expresiones sutiles de las personas puede reflejar mejor la perspectiva mental de las personas. Por lo tanto, los fotógrafos famosos prestan gran atención a captar las emociones más vívidas y sutiles de las personas, que a menudo son el lado más auténtico. Por ejemplo, capturar expresiones y movimientos dolorosos puede reflejar el dolor de las personas por perder a sus seres queridos y encarnar el afecto sublime de los seres humanos; capturar expresiones sutiles de timidez y alegría puede expresar la felicidad y la calidez del primer amor de una niña y reflejar el impacto del amor en seres humanos. Por lo tanto, el alto nivel de la fotografía de retratos no se trata de cuán hermosa es la postura de la modelo, sino del alma noble debajo de la hermosa apariencia. Espero que te sea útil.