Ilustración arquitectónica italiana: ¿de quién es esta pintura?
La superposición de líneas y la disposición de espesores perfilan los rasgos icónicos del objeto. Estas ilustraciones pueden parecer simples, pero cada trazo tiene su propio encanto único.
Centro Cultural Zaha Hadid Aliyev
*Puente Milo C Norman Foster*
Nido de Pájaro C Herzog y de Meuron
Ópera de Sídney -Jon Woo Chung
Zaha Hadid Dominion Office Building Torre C
La Pirámide del Louvre
Hotel Safdie Sands
Museo Guggenheim de Bilbao
Burj Khalifa
Centro Cultural Marie Gibio C Renzo Piano
Villa Liu Shui C Frank Lloyd Wright
Museo Guggenheim de Nueva York C Frank Lloyd Wright
Además de la arquitectura, Andrea Minini también ilustra animales, cuya forma muestra perfectamente sus características.
¿Has visto el encanto de las ilustraciones de AndreaMinini?
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¿De quién es este cuadro? La de Durero.
En primer lugar, una breve introducción a la vida
Albrecht Dürer (1471-1528) fue un pintor, grabador y xilógrafo alemán. Cuando era adolescente, estudió con su padre. Mostró un talento especial para la pintura. A la edad de 65.438+03 años, pudo dibujar un retrato realista de sí mismo. El retrato que pintó para su padre cuando tenía 65.438+09 años demuestra plenamente sus habilidades maduras para dibujar y puede recordar remotamente a Leonardo da Vinci. Posteriormente trabajó durante tres años para el pintor Michael Wolgemut. El estudio de Vogmut también produjo ilustraciones xilográficas para el padrino, impresor y editor de Durero, Anton Koberger. En aquella época, esta fábrica más grande tuvo una gran influencia en Durero. Entró en contacto con el arte del cobre por primera vez en la infancia, y esta impresión duradera jugó un papel decisivo en su grabado posterior. Una vez finalizada la partición, el joven pintor salió del estudio y viajó a lo largo del río Rin hasta las principales ciudades industriales de Alemania, visitó Frankfurt, Colonia y Basilea. El viaje de estudios de cuatro años jugó un papel decisivo en la formación de la cosmovisión y el desarrollo artístico del pintor. A la edad de 23 años, Durero ya era un artista influyente. Este año se casó con Agresa Flaughey, hija de un músico de su ciudad natal. A partir de entonces, Durero empezó a trabajar de forma independiente como joyero y pintor.
Durante 1485, cuando la educación alemana estaba en vísperas de una reforma inminente bajo la influencia del humanismo, Durero ingresó en una escuela primaria pública en Nuremberg. Según la tradición familiar, el padre convirtió a su hijo en aprendiz en su propio taller, con la esperanza de formarle para convertirse en joyero. Durero se formó por primera vez en pintura en el taller y rápidamente llegó a dominarlo, lo que se convirtió en la base de su actividad artística. Para aprender las artes decorativas necesarias para la artesanía de la joyería, Durero comenzó a copiar las pinturas de figuras del artista y también copió las esculturas de Martin Sanger, lo que creó las condiciones para que se convirtiera en artista.
Cuando tenía trece años, Durero talló su primer autorretrato con una aguja de plata y escribió: "1484 Cuando era niño, me dibujé en el espejo su cuadro con pluma y tinta "La Virgen María y la Virgen". Trono" del año siguiente "Ángel arriba" es una de las segundas obras más antiguas y se ha conservado hasta el día de hoy.
Mientras estudiaba pintura, Durero estaba muy interesado en la estructura de las figuras y las reglas de la pintura, por lo que le pidió a su padre que le permitiera convertirse en pintor. Su padre cumplió los deseos de su hijo y lo envió al estudio del pintor Michael Wallgemuth cerca de Nuremberg. El contrato estipulaba que trabajaría como aprendiz durante tres años. Durero copió las obras de su maestro, poco a poco aprendió diversas técnicas pictóricas y comenzó a estudiar la naturaleza, el cuerpo humano y las plantas, y empezó a experimentar con las creaciones. Al mismo tiempo, también estudió cuidadosamente la combinación y aplicación de colores. Por tanto, cuando finalice su aprendizaje, podrá crear según las reglas del art. A la edad de 23 años, Durero estableció formalmente un estudio no lejos de su casa y comenzó a pintar retratos.
Más tarde, Durero completó su primera gran obra maestra: la serie de grabados en madera "Apocalipsis". Este "Apocalipsis" se originó a partir de la misteriosa fantasía del antiguo cristianismo durante la dinastía Nerón del Imperio Romano. Produjo un conjunto de 15 obras monumentales que expresan el terror impotente y la desesperación de la humanidad a finales del siglo XV ante la llegada del fin del mundo. En ese momento, Alemania estaba en medio de luchas entre la burguesía y los artesanos, entre los campesinos y los señores feudales, entre el hambre y la explotación. Las emociones apasionadas del pueblo eventualmente se convirtieron en innumerables movimientos de masas religiosos, políticos y revolucionarios. Durero quería dotar a las visiones del Apocalipsis de imágenes realistas y darles poder de sugestión. Varias de las pinturas criticaban abiertamente a los poderes gobernantes y dejó sus opiniones a la conciencia de todos.
Desde la publicación de "Apocalipsis", Durero se ha unido a las ilustres filas de los grandes artistas contemporáneos. Federico lo invitó a pintar un segundo retablo. 1498 Durero estaba lleno de energía y confiado en su popularidad. Pintó un autorretrato vistiendo ropa lujosa. (Existe en Madrid Sala de Exposiciones del Prado 1519. En marzo de 2004, Durero pintó un retrato de su madre dos meses antes de su muerte. En esta pintura al carbón, creó la obra más vívida y conmovedora de su vida, que es la única que tiene El retrato de la madre de Durero ha circulado hasta el día de hoy. Cuando su madre murió el 17 de mayo, escribió unas palabras en el cuadro: "Esta es la madre de Alberto Durero, a las 2 de la tarde del martes anterior a la Semana de Oración de 1514. ." Murió a la edad de 63 años, "lo que ilustra el respeto y el amor de toda su vida por su madre.
De 1490 a 1507, viajó a Basilea, Estrasburgo y Venecia, para visitar a su admirada madre, Giovanni Bellini. No sólo se esforzó por reforzar sus conocimientos de arte, también comenzó a estudiar matemáticas, geometría, latín, literatura clásica, etc. Se convirtió en emperador Maximilano en 1512. Posteriormente viajó a Amberes, Bruselas, Marian, Colonia, Middlesbrough, Brujas y Gante, donde fue bien recibido. En julio de 1521, regresó a su ciudad natal, pero su salud se deterioró, pero continuó escribiendo.
Durero fue una figura representativa del Renacimiento del Norte. En aquel momento, Alemania se encontraba en el período más oscuro de la historia. El hambre y la peste (peste negra) mataron sin piedad a muchas personas. La vida y los conflictos sociales se intensificaron, lo que debilitó la cultura y el arte alemanes, lo que no fue más que una grave crisis. Al mismo tiempo, los países europeos liderados por Italia han salido de la Edad Media y han entrado en un período de apertura y prosperidad en política, economía y cultura, y la gloria del humanismo ha iluminado a Europa. Sólo persigue y difunde las ideas avanzadas de la Europa "moderna" en un país atrasado que representaba el pasado.
Este chico talentoso se preparó para introducir la cultura moderna pero sus ojos curiosos e inquisitivos y sus dedos cristianos. sugieren que, a diferencia de la alegre visión del mundo entre los hombres del Renacimiento italiano y del obstinado enfoque del Renacimiento holandés en el mundo exterior, el Renacimiento alemán traería Mirar fijamente al hombre mismo con un poco de amargura lo convertiría en una vanguardia única llena de contradicciones.
Como hombre del Renacimiento, Durero creía que los artistas debían observar profundamente la naturaleza y hacer todo lo posible para descubrir los secretos para revelar y expresar la belleza, pero al mismo tiempo mantenía su creencia semimedieval. Los artistas y su arte deberían ser instrumentos de Dios cuando Miguel Ángel utilizó la estatua de David (1501-1504) para representar a la humanidad. En Perfección y renacimiento, Durero utilizó la misma magnífica técnica para crear el grabado "San Eustaquio" (1501), que muestra la escena del encuentro del mártir con el milagro como un paraíso terrenal. Pero su obra maestra en ese momento fue el "Apocalipsis". La serie de grabados en madera fue creada antes, y su contenido y estilo de expresión se caracterizan más claramente por los retratos educativos góticos. >
Al igual que Leonardo da Vinci, Durero también tenía una mente científica, por lo que estudió matemáticas y perspectiva en profundidad, escribió muchas notas y trabajos sobre perspectiva y anatomía humana, y creó muchas pinturas que reflejaban la realidad social. También estudió arquitectura e inventó un sistema constructivo. Durero también fue un teórico del arte y autor de "Introducción a la pintura" y "Principios de anatomía humana". Liberó al arte alemán de la influencia y las limitaciones del arte gótico y avanzó por el camino del arte realista bajo la guía del humanismo. Llevó el ingenuo arte del grabado a una nueva etapa de perfección. Apoyó la reforma religiosa en ese momento y simpatizó con la guerra campesina.
Tomó la iniciativa de realizar grabados e ilustraciones para los folletos del líder de la Reforma Martín Lutero y terminó su carrera con el diseño del Memorial de Guerra de los Campesinos.
La precisión de sus bocetos de flora y fauna rivaliza con los dejados por Leonardo da Vinci, pero al mismo tiempo está convencido de la existencia de los distintos monstruos registrados en el Libro del Apocalipsis. Por tanto, Durero no fue sólo pintor, sino también matemático, mecánico y arquitecto. Una vez creó la teoría de la fortificación.
Viajó sin parar durante toda su vida. Sus huellas y su visión fueron casi inigualables en su momento, pero siempre conservó la ignorancia y la estrechez de miras de algunos agricultores. Creía que la razón y el conocimiento harían del hombre un ser noble, pero era profundamente consciente de la imperfección humana.
Provenía de una familia de artesanos medievales y vivía en un país donde los artistas tenían el estatus más bajo, pero se convirtió en el artista más independiente y orgulloso de Europa en ese momento. Como "padre del autorretrato", fue el primer pintor en Europa atraído por su propia apariencia e identidad, convirtiéndose así en el precursor de Rembrandt. Era más o menos consciente de que el arte lo haría inmortal, pero durante toda su vida estuvo obsesionado con la idea de la muerte inminente y no pudo escapar del miedo a que su cuerpo desapareciera. En términos de estilo artístico, aunque fue un perseguidor y divulgador del arte renacentista italiano, la tradición alemana que vivió permitió que su arte conservara un poco del legado gótico medieval, al mismo tiempo que mostraba sorprendentemente algunas de las características barrocas.
Las obras de Durero incluyen xilografías y otros grabados, pinturas, dibujos y bocetos. Entre sus obras, el grabado es la más influyente. Fue uno de los mejores artistas de xilografía y aguafuerte. Sus principales obras incluyen "Apocalipsis", "La catástrofe de Cristo", "Pequeña tribulación", "Baño de hombres", "Monstruo marino", "Hijo pródigo", "Gran destino", "Adán y Eva", "Caballero", "Muerte". "y el diablo", etc. Sus paisajes en acuarela se encuentran entre sus mayores logros, y la atmósfera y emoción de estas obras son extremadamente vívidas.
A finales de 1523, Durero comenzó a escribir su autobiografía, en la que no sólo repasaba su vida, sino que también describía a sus padres, sus diecisiete hermanos y hermanas y sus propias experiencias vitales. Sólo uno de sus hermanos estaba vivo en ese momento.
En 1525 se publicó la importante obra de Durero "Conferencias sobre el arte de la medición". Como resultado, se convirtió en uno de los principales teóricos del arte del Renacimiento. 1526 fue el año en que Durero creó retratos destacados como "Ishmas van Rotterdam", que se convirtió en su mayor obra maestra.
En 1527 se publicó el segundo libro científico "Principios de la construcción de ciudades". Del 65438 al 0928, se publicaron Principios de anatomía humana, que fue la culminación de sus 27 años de investigación sobre anatomía humana. Es una pena que no haya visto la enorme influencia de este trabajo. Después de regresar de Holanda, Durero, de 57 años, se debilitó y sufrió repetidas enfermedades. Esta alguna vez brillante superestrella cultural cayó repentinamente el 6 de abril de 1528.
¿Qué incluye el arte bizantino? Arte Bizantino El arte bizantino es un estilo y técnica artístico desarrollado en el Imperio Romano de Oriente desde el siglo V hasta mediados del siglo XV. Al convertirse en el vínculo entre el arte clásico griego y romano y el arte posterior de Europa occidental, el arte bizantino mezcló el naturalismo del arte clásico y las características decorativas abstractas del arte oriental. No existía una línea divisoria clara entre el arte cristiano primitivo y el arte bizantino. , desde el año 330 Constantinopla se convirtió en la capital hasta hace unos 500 años, conocido como período prebizantino. La primera edad de oro del arte bizantino fue durante el reinado de Justiniano I (527-65). Durante un período de los siglos VIII y IX, muchas pinturas y esculturas fueron destruidas durante un debate llamado Iconoclastas contra la idolatría. Con el fin de la iconoclasia en 843, se fomentaron nuevamente las representaciones de figuras divinas. La segunda edad de oro del arte bizantino duró del siglo IX al XII, introduciendo el realismo en el arte de la corte y el misticismo en el arte religioso. La última gloria del arte bizantino se produjo durante el reinado de la dinastía Valliolo, del período del siglo XIII al XV. . Se llama Renacimiento Bizantino. En el período posterior, el arte religioso expresó más emoción y naturalismo. Estilo y características El arte oficial del Imperio Bizantino (es decir, el Imperio Romano de Oriente) y la Iglesia cristiana se centró en Constantinopla (es decir, la antigua ciudad griega de Bizancio) desde el siglo IV al XV. Su contenido ideológico es adorar al emperador, promover la teología cristiana y servir para consolidar el gobierno de la clase aristocrática. Su estilo se caracteriza por la combinación de formas de arte tardorromano y formas de arte oriental centradas en Asia Menor, Siria y Egipto, con un fuerte color oriental. Por ejemplo, la estructura de la cúpula central de Hagia Sophia y su magnífica decoración interior reflejan la autoridad del gobierno espiritual teocrático. Se han logrado grandes logros en el establecimiento y utilización del sistema cristiano de adoración de ídolos, la transformación de formas antiguas para servir a la propaganda cristiana y la creación de estilos en la arquitectura de la iglesia, pinturas de iconos, mosaicos, murales, miniaturas y artes y oficios. Por las limitaciones de la iglesia. El estilo tardío del arte bizantino tendía a ser formulaico y conceptual. Tuvo un gran impacto en el arte de los países europeos medievales, especialmente en los países ortodoxos. Después de la captura de Constantinopla por los turcos islámicos en 1453, la historia del arte bizantino llegó a su fin, pero la Iglesia Ortodoxa todavía utilizaba sus formas. El estilo bizantino maduro evolucionó a partir de la tendencia estilizada y estandarizada de las formas clásicas tardías del arte cristiano primitivo, basadas en la dinámica de la línea y el color plano más que en la forma; Los rasgos de carácter se suprimen y se reemplazan por formas faciales estandarizadas.
El cuerpo es plano y las arrugas se transforman en remolinos. Toda la imagen da la sensación de que el alma está fuera del cuerpo; la expresión tridimensional de los personajes ha sido reemplazada por el poder espiritual, que se manifiesta en la fuerza de las líneas y el brillo de los colores. Sus figuras adoptan una postura frontal estricta y un rostro bizantino, con ojos enormes y mirada penetrante, sobre un fondo típicamente dorado. Este fondo hace que la imagen parezca suspendida en algún lugar del espacio entre la pared de la pantalla del personaje aislado y el espectador. El Imperio Bizantino produjo muy poca escultura. Los pequeños relieves en marfil más habituales se utilizan para portadas de libros, relicarios, etc. Otras pequeñas obras de arte, bordados, objetos de oro y vidriados también eran populares entre las clases altas de Constantinopla. Las pinturas decorativas manuscritas, aunque no tan impresionantes como las pinturas y mosaicos monumentales, desempeñaron un papel importante en la difusión del estilo y la iconografía bizantinos en Europa. Edite este párrafo para explicar que la arquitectura bizantina heredó las técnicas arquitectónicas romanas. Al principio había dos tipos de iglesias: la basílica, la basílica y la iglesia con cúpula y cruz griega. Bizancio fue una de las primeras regiones en utilizar cúpulas triangulares colocadas sobre áreas cuadradas. Construida durante la Primera Edad de Oro, Santa Sofía es un ejemplo excepcional de la arquitectura bizantina. En la Segunda Edad de Oro, casi todas las iglesias tenían forma de cruz griega. La arquitectura bizantina más antigua se basó en el plano de la basílica italiana, con su enorme cúpula y bóvedas. Sin embargo, tanto estructural como visualmente, existe una incompatibilidad entre la cúpula y el muro vertical debajo de ella. Por lo tanto, en el siglo X, la arquitectura en la mayoría de las áreas se cambió a un diseño radial, que consta de cuatro estructuras de brazos arqueados idénticos, sus intersecciones cubiertas con cúpulas y los brazos que se extienden hacia afuera desde este centro. Este diseño centralizado y radial es muy consistente con la visión jerárquica del mundo de la Iglesia Oriental. Esta cosmovisión se puede ver claramente en los diseños decorativos de los iconos, frescos o mosaicos de las iglesias. Cubren las cúpulas, muros y bóvedas de la iglesia, integrando completamente el lenguaje expresivo de la arquitectura y la pintura. Este diseño de iconos también refleja una especie de liturgia: las escenas de la historia de la vida de Cristo y la Virgen María no están dispuestas en la pared en el orden del desarrollo de la trama, como en las iglesias occidentales, para satisfacer las necesidades de la predicación y atractivo, sino elegir según el significado de la fiesta y colocarla según su significado teológico. El estilo en el que se hicieron estos mosaicos y frescos refleja que eran simplemente imágenes que expresaban a los dioses y símbolos estáticos de los dioses. Ilustraciones de mosaicos de arte bizantino Los artesanos bizantinos llevaron el arte del mosaico a un nuevo nivel. Los tubos de vidrio de colores y el fondo dorado crean efectos de luz y color brillantes. Los mosaicos decoraban las paredes y techos de las iglesias, embelleciendo a Dios y a los reyes. El mejor mosaico de la Primera Edad de Oro es la Iglesia de San Vitale en Rávena, Italia. La segunda edad de oro vio la formación de una ilustración antigua (disposición de temas cristianos) en la decoración de las iglesias. En la cúpula central está Dios Todopoderoso (Jesús es Señor de todas las cosas), en las esquinas están los Evangelistas, y detrás de la cúpula está la Virgen. Cuando los frescos bizantinos tardíos reemplazaron a los costosos mosaicos, esta elaborada pintura sobrevivió. Los manuscritos ilustrados a menudo imitan los mosaicos, ya que muchas ilustraciones están colocadas sobre fondos dorados o azules. Pequeñas pinturas sobre paneles de madera llamadas iconos, que a menudo colocan a la Virgen en escenas formales y muy decorativas. Escultura y ornamento El Imperio Bizantino produjo pocas esculturas monumentales. En los primeros tiempos, había tallas de figuras humanas, pero principalmente se tallaban en placas de marfil, que se utilizaban para actividades de altar y embalaje de joyeros y otros artículos. Plata, joyas, sedas y linos reflejaban la grandeza y el esplendor de la corte bizantina. Los artesanos bizantinos llevaron la tecnología del vidriado cloisonné al extremo.