El cine de Andy Warhol
Sueño (1963)
Fotografía de un hombre durmiendo más de seis horas.
Kissin (Kissin, 1963-1964)
Se trata de una serie de cortometrajes rodados desde agosto de 1963 hasta finales de 1964. En cada corto, los actores se besan durante tres minutos. Esto es una subversión y una burla del Reglamento de la Oficina Hays (Reglamento de la Oficina Hays), la ley de producción cinematográfica de Estados Unidos. El reglamento prohíbe el contacto labial entre actores durante más de tres segundos. Al mismo tiempo, Andy Warhol hizo una serigrafía (El beso), también llamada "El beso", que mostraba a Sir Drácula besando a Mina Harker en la película de terror "Drácula" (1931), toma clásica del cuello.
Empire State Building (Empire State Building, 1964)
Durante ocho horas, los cambios en el Empire State Building de Nueva York desde el anochecer hasta la madrugada fueron captados con una única lente fija y luego edite los negativos juntos.
Prostituta (1965)
Aquella fue la primera vez que Andy Warhol utilizó el sonido en una película, pero fue muy crudo.
My Pimp (Mi proxeneta, 1965)
La película tiene una duración de unos 65 minutos y consta de dos partes. La trama de la película es bastante simple, como una historia sin historia. La primera parte se rodó en una casa de vacaciones frente al mar. El dueño de la cabaña, Ed, llevó a su guardaespaldas Curley y a su nuevo chico guapo Paul a la playa de vacaciones. Paul tomaba el sol solo en la playa mientras Ed lo observaba desde la terraza de la cabaña. Más tarde, a Ed se le unen su vecina Genevieve y otro hombre gay de mediana edad, Joe, y los tres comienzan interminables discusiones sobre el cuerpo tonificado de Paul y cómo seducirlo. La primera parte termina con Genevieve tratando de entretener a Paul en la playa, poniéndole protector solar y van a nadar al océano. Esta parte consta de tres planos generales, de aproximadamente 16 minutos, 4 minutos y 12 minutos y medio respectivamente. La cámara se instaló entre la cabaña y la playa, lo que permitió que la lente se moviera hacia adelante y hacia atrás entre ellas. Diferentes escenas, como de cerca, media y lejana, se completaron con un teleobjetivo. La segunda parte sólo tiene unos 32 minutos de planos largos fijos, que fueron filmados en el baño de la habitación de ED. Joe le enseñó a Paul cómo comportarse, cómo complacer a su empleador, y eso fue todo.
Esencialmente, "My Little Pretty Face" es un drama de diálogo. El diálogo interminable gira en torno al sexo y las burlas, reflejando el vacío y el aburrimiento de la vida de la clase ociosa.
Ninguna de estas películas tiene banda sonora. El silencio, la antinarrativa, la larga duración y la orientación extrema hacen que no puedan estrenarse en los cines normales. Para Warhol, el cine era como una extensión de la creación gráfica, y el cine era otro soporte además del lienzo y el papel. Las serigrafías, la fotografía y el cine formaron parte de la obra general de Warhol. Usar una cabeza fija para fotografiar continuamente al sujeto durante mucho tiempo está en línea con una serie de ideas creativas de la cabeza de Marilyn Monroe. Posteriormente, Warhol extrajo imágenes de sexo oral, dormir, besos y el Empire State Building para realizar serigrafías y reciclar su obra en diferentes soportes.
No fue hasta que formó una sociedad con Chuck Wayne y Paul Morrissey que Warhol puso mayor énfasis en la manipulación del sonido. Después de mediados de la década de 1960, la importancia de Chuck Venmorisse en "The Factory" aumentó gradualmente. En particular, el interés de Morris por las películas de Hollywood hizo que Factory Film encajara perfectamente. Si Mamadas, Dormir, Besos y el Empire State Building son creaciones cinematográficas de un artista gráfico y plástico, entonces Chuck Wenmolise es la creación cinematográfica de La Fábrica como cineasta. Desde entonces, aunque los temas de las películas de Warhol siguen siendo vanguardistas, poco a poco han ido reduciendo la distancia entre ellos y el público, sin desafiar los límites de la tolerancia del público e incluso añadiendo elementos narrativos a las películas y humor a los diálogos. . El crítico de cine italiano Adriano Apra cree que fueron Chuck Wen y Molise quienes alejaron a Andy Warhol de su orientación experimental.
La mayoría de las películas de Warhol son películas en blanco y negro de 16 cm, y el grano de las imágenes es obvio. Si la cámara se está moviendo, como por ejemplo una lente panorámica, inevitablemente se producirán sacudidas inesperadas y las lentes telescópicas a menudo perderán el enfoque. Debido a su rápida producción y mala técnica, las películas de Warhol tienen la sensación de ser películas caseras y películas de aficionados. Esta textura rugosa realza el carácter del disco. De hecho, la cámara Auricon de 16 cm de Warhol era el modelo favorito de los periodistas de la época. Es liviano, puede recibir radio simultáneamente y puede disparar durante largos períodos de tiempo. Esta cámara Auricon la compramos yo y yo durante el período de preparación del imperio. Fue en ese momento que le gustó la función de disparo a largo plazo de esta máquina.
En las películas de Warhol de esta época, como "My Beautiful Boy", los documentales permiten al espectador acercarse a los acontecimientos de la película. Con el uso de lentes largos, cada plano se sincroniza con la realidad. tiempo real. Tomemos como ejemplo la primera parte de "My Beautiful Boy". Mientras el camarógrafo enfrenta a Ed, Genevieve y Joe durante largos períodos de tiempo, el público parece estar observando atentamente su conversación.
Cuando la cámara de repente cambia a Paul en la playa, la conversación entre Ed, Genevieve y Joe continúa en forma de voz en off, y la audiencia inmediatamente se convierte en sus compañeros que miran a Paul junto con ellos.
El discurso de la Sexta edición de los Premios del Cine Independiente de 1966 describió su película de la siguiente manera:
“Andy Warhol devolvió esta película a sus orígenes, a sus orígenes en la era de Lumière, la actualizó. y depuró el cine. En sus obras renunció a la extravagancia en la forma y en el contenido, y su lente se centró en las imágenes más simples en los gestos más simples. Su única guía registra la vida cotidiana de las personas y lo que ve a su alrededor. En sus películas comienzan a aparecer sentimientos extraños; se vuelve intenso e intenso. El mundo es más claro que antes, pero no está en un estado muy dramático, ni con ningún otro propósito. Es simplemente algo primitivo y simple, como comer es comer. , dormir es dormir..."
Chelsea Girls (1966)
La película fue un éxito comercial y de crítica y se proyectó en más de 100 salas de Estados Unidos. Por primera vez, una película de Warhol saltó del suelo a la mesa.
Dado que la mayoría de las escenas fueron filmadas en el Hotel Chelsea de Nueva York, el nombre original de "Chelsea Girls" era Chelsea Hotel. La película consta de doce cortometrajes de 30 minutos y el contenido son sólo fragmentos de la vida cotidiana. A primera vista parece un documental, pero en realidad los actores improvisaron basándose en los conceptos de Warhol.
La película utiliza la pantalla dividida, es decir, dos (o más) conjuntos de imágenes se muestran uno al lado del otro al mismo tiempo. Por ejemplo, el primer y segundo cortometraje de "Chelsea Girls" se combinan en un grupo, con el primer cortometraje a la derecha y el segundo a la izquierda. La película tiene una sola pista de audio, que se compone de dos diálogos entrelazados. Esta forma hace que dos simples escenas de la vida sufran cambios químicos, reflejándose como espejos y fusionándose de vez en cuando en un todo inseparable. El formato de mapa dividido era bastante vanguardista en ese momento.
El éxito de "Chelsea Girls" inspiró directa o indirectamente el uso de imágenes divisivas en otras películas estadounidenses, como "The Boston Strangler" de Richard Fleischer (1968), "Blow Out" de Brian DePad (1981). ), "Código de tiempo" de Mike Figgis (Código de tiempo).
En comparación con muchas de las películas de vanguardia de Warhol, Chelsea Girls es una obra meditativa a pesar de su forma deslumbrante. Warhol yuxtapuso tristeza, alegría, indiferencia, vanidad y confusión entre los seres para crear un retrato del hombre moderno. En ese momento, Newsweek lo llamó “la Ilíada del underground”.
Yo, un hombre (Yo, un hombre 1967)
Este fue el primer encuentro de Warhol con un objeto heterosexual. Consta de ocho cuentos, cada uno con una estructura y tamaño diferente. En realidad, se trata de una aventura sexual entre un mismo hombre (interpretado por Tom Baker) y ocho mujeres. Sin embargo, sus aventuras sexuales siempre fueron interferidas o terminaron en vano. Por ejemplo, en el primer corto, Tom y una mujer interpretada por Cynthia May se habían conocido por primera vez la noche anterior. Después de levantarse por la mañana, Tom y Cynthia volvieron a tener relaciones sexuales. Cynthia se negó muchas veces con la excusa de que sus padres entrarían repentinamente a la casa o que la criada vendría a limpiar, por lo que tuvo que correr debajo de la cama. En el segundo cuento, una mujer interpretada por Tom y Stephanie Graves se encuentra en el último piso de un edificio. Vestida con harapos, le cuenta que es una mujer encarcelada y que su apartamento es un nido de amor donde ella y su amante se reúnen dos veces por semana. En el tercer cuento, Tom e Ingrid Posta conversan durante la cena. Al principio, Tom se rió de la gordura de bebé de Ingrid y clamaba por ver sus senos. Ingrid le muestra a Tom sus senos y él intenta tocarla. Para acostarse con Ingrid, Tom le mintió diciéndole que era psíquico. La hizo acostarse sobre la mesa y realizó una ceremonia de conjuro espiritual. Como resultado, Ingrid habló de su novio arquitecto en un estado semihipnótico.
A primera vista, "Yo, un hombre" es una comedia sexual serializada. Describe a un hombre que está en todas partes y muchas veces no puede entrar, o tendrá que ceder ante situaciones ridículas para lograr sus objetivos. Para el papel de Tom Baker, a Andy Warhol originalmente le gustaba el cantante principal de "The Doors", Jim Morrison, pero debido a que el agente de Morrison se opuso, se utilizó al buen amigo de Morrison, Tom Baker.
En "Yo, solo", Warhol utilizó la técnica del disparo estroboscópico, es decir, la cámara debe apagarse y encenderse rápidamente durante el proceso de filmación para que las imágenes y los sonidos se vean interrumpidos, y el actor la ejecución no será interrumpida. Esta técnica debe realizarse en una máquina capaz de recibir señales de radio simultáneamente. Entre cambios rápidos, la máquina emite un pitido breve y la imagen queda expuesta brevemente. Así, en algunos momentos clave de "I Am a Man", el público sólo recibe un rápido vistazo del punto, acompañado de una serie de destellos y pitidos, como si la película hubiera sido cortada por la oficina de censura, dejando al público frustrado. en vano.
Similar a la visión consistente de Warhol sobre la creación, "I, Alone" es una serie de representaciones fragmentarias de escenas de la vida. La película no proporciona los entresijos de los acontecimientos ni el trasfondo de los personajes. Las personas son sólo símbolos del desarraigo y la falta de vivienda. Detrás de estas interesantes escenas de la vida, vemos el vacío y la inutilidad de las personas, y la impotencia de las personas que no pueden cambiar el status quo.
Curiosamente, la séptima chica de la película es Valerie Solanas, quien disparó contra Warhol el 3 de junio de 1968.
Al igual que su personaje en "Soy un hombre", Solanas es feminista. Al ir a la fábrica por primera vez, buscó oportunidades de filmar su guión. El guión, titulado "Get Your Ass Up", era tan atrevido que incluso el siempre atrevido Andy Warhol quedó desconcertado. Creía que Solanas era un agente encubierto enviado por la policía para inducirlo a cometer un delito. Inicialmente, Solanas pensó que Warhol adoptaría su guión. Sin embargo, cuando el guión se perdió sin motivo alguno en la fábrica, Warhol se convirtió en el objeto del enredo de Solanas, allanando el camino para su futura filmación de Warhol. Ella comenzó a pedirle dinero y a exigirle que le pagara el alquiler del hotel Chelsea, por lo que Warhol le dio a Solanas un cameo de 25 dólares en "Yo, un hombre".
Cuando Solanas estaba filmando, Andy Warhol estaba ocupado editando la película "El vaquero solitario", y una bala le impactó en el pecho a quemarropa, casi fatalmente. La obra feminista "S.C.U.M Manifesto" (Sociedad de Cortar a la Humanidad) publicada por Solanas después de su encarcelamiento la convirtió en un símbolo de la escuela fundamentalista feminista. En 1996, la directora canadiense Mary Harron llevó a la pantalla grande "Warhol" de Solanas, titulada "Le disparé a Andy Warhol".
"The Lonely Cowboy" es una película en color de 109 minutos codirigida por Andy Warhol y Paul Molise, y producida por Molise, protagonizada por el actor favorito Joe Dallessandro y la superestrella de Factory Viva. "Lonely Cowboys" cuenta la historia de un grupo de vaqueros homosexuales que viven en un pueblo remoto con una sola mujer. La película se rodó en Toscana, Arizona, junto a algunos de los lugares de rodaje de películas del oeste protagonizadas por John Wayne. "The Lonely Cowboy" es una de las películas más explosivas de Warhol. Atrajo la atención del FBI durante el rodaje, y la escena de la película en la que Viva fue golpeada por un grupo fue aún más controvertida. 1968 165438+Octubre, "The Lonely Cowboy" ganó el primer premio en el Festival de Cine de San Francisco. Como bastión gay en la costa oeste de Estados Unidos, una ciudad abierta donde intelectuales y estudiantes están activos, el reconocimiento del Festival de Cine de San Francisco es indicativo del director Warhol.
Blue Film (1968)
Esta fue la última película dirigida por el propio Andy Warhol. Se trata de una película sonora en color con una duración de 133 minutos.
Blue Film, anteriormente conocida como Cao, se rodó en un apartamento de Greenwich Village, Nueva York, en junio de 1968+2000. Aunque los actores Viva y Louis Waldon tienen una relación sexual real en la película, la mayor parte de la película se dedica a hablar sobre la guerra de Vietnam, cocinar y ducharse. El color azul de la "película azul" se debe al hecho de que durante la filmación se ignoró la luz del sol que ingresaba a la habitación y, después de revelar la película, toda la película parecía azul. El título original era tan sensacional que Warhol simplemente lo llamó "Película azul" en un intento de evitar los oídos del FBI.
A juzgar por la atmósfera social de la época, "Blue Movie" era muy provocativa en términos de narrativa y presentación sexual, lo cual era consistente con la atmósfera de la era de la desintegración moral y la liberación sexual. Como resultado, la policía intervino repetidamente y la película fue retirada del nuevo Teatro Andy Warhol Garrick, donde se proyectó en una sala separada. Después de que la película fue retirada, Warhol volvió a publicar la película azul en forma de libro, conservando intactos las fotografías y los diálogos de la película.
El propio Warhol dijo una vez: "Siempre quise hacer una película sobre sexo y nada más". Así como comer es solo comer y dormir es solo dormir. Entonces, en junio 65438+octubre 0968+65438, hice una película sobre Viva y Louis Walden teniendo sexo, y la llamé "Fuck". "Como dijo Warhol, algunos de los conceptos creativos de Blue Film se hacen eco de sus primeras películas, como la presentación de las relaciones sexuales, y temas periféricos como la guerra de Vietnam son sólo el marco de la película. Aparte del sexo y la liberación personal, Las películas de Warhol tienen pocas referencias o críticas directas a la política y la sociedad de la época, el nihilismo sexual y la paranoia de Blue se superponen hasta cierto punto con "El último tango en París" de Bertolucci de 1972. Las películas son tranquilas y tristes. Una nueva era y nuevos conceptos morales en 1970, lo cual es triste que Andy Warhol una vez amenazó con que en la tendencia en constante cambio, las personas y las cosas eran famosas por solo quince minutos como máximo, y la vida útil de las tendencias no era tan larga. como los pañales desechables o los condones. Sin embargo, la visión artística poco convencional de Warhol siguió influyendo en el arte y la cultura de orientación "posmodernista", aunque una vez dijo modestamente: "No creo que mi arte tenga ningún valor duradero". "Sin embargo, el valor del arte es diferente del precio del arte, que a menudo excede el precio vendido en las casas de subastas. El valor real radica en inspirar y generar más vida artística.
Muchos críticos de cine creen que Andy Warhol no puede ser considerado un verdadero director, y tienen razón, porque muchas de las películas de Andy básicamente no requieren la acción de "dirigir". Su cámara simplemente enfoca un objeto, como una persona dormida, como el Empire State. Construir y luego dejar funcionar su cámara durante horas. Pero sus conceptos de fotografía y dirección estaban muy adelantados a su tiempo, e incluso al nuestro.
Llevó al extremo el método cinematográfico, el primer plano, convirtiéndolo en tramas y acontecimientos, devolviendo así la función original de la cámara. El espectáculo instantáneo que creó en el Empire State Building también fue citado por futuros cineastas, por lo que a menudo podemos disfrutar en la pantalla de la iluminación repentina de muchos edificios como el Arco de Triunfo, Times Square y el puente Golden Gate.