¿Andy? ¿Cuál es la belleza del trabajo de Warhol?
Jiang Wen fue entrevistado recientemente y dijo lo siguiente:
Si eres una persona a la que le gusta usar las películas como herramienta para expresar tu visión del mundo, entonces realmente no Necesito estudiar películas. Las películas son solo una herramienta, es decir, las películas no son lo que aprendes en las películas, sino tus puntos de vista sobre la vida, las personas, la historia e incluso el futuro de la humanidad. Lo expresaste a través del cine. No hay mucho que estudiar sobre la llamada tecnología cinematográfica y el llamado lenguaje cinematográfico.
El arte de la pintura también es similar. El arte en la era de Andy Warhol ha llegado a la etapa mencionada por Jiang Wen: el lenguaje pictórico tradicional se ha estudiado casi a fondo y la tendencia del expresionismo abstracto también ha cambiado varias veces. Bajo los elementos de la imagen extremadamente simples, las "técnicas" se vuelven cada vez más inútiles y la calidad del arte se vuelve cada vez más esquiva a los ojos del público.
En relación con la disminución de las "habilidades", la "diferenciación" se ha convertido en el nuevo estándar. Cualquier artista exitoso debe tener su propia singularidad. Sin embargo, debido a la prosperidad sin precedentes del mercado del arte después de la Segunda Guerra Mundial, el énfasis en esta "originalidad" se convirtió gradualmente en un motivo comercial para un rápido éxito. Las galerías y coleccionistas esperan invertir en artistas “diferentes”. Esta inversión se revalorizará enormemente cuando sea reconocida por la sociedad. Debido a que "ser diferente" siempre puede obtener patrocinio fácilmente, esto también impulsa a los artistas a perseguir nuevas tendencias con más entusiasmo, y este efecto de fama y fortuna inevitablemente afectará la consideración cuidadosa del verdadero significado del arte. Una vez excluidos por el arte conservador, son constantemente excluidos. luchando por su propia supervivencia. El arte de la guerra de vanguardia ha experimentado un cambio cualitativo de forma invisible.
Entonces, ¿cómo podemos ser diferentes? La oposición deliberada al arte anterior era un enfoque común, pero el expresionismo abstracto casi fusionó los dos extremos de la pintura moderna impulsada por el cubismo y el surrealismo. Los artistas de vanguardia obviamente no se conformaron con complementar estos dos extremos, por lo que surgió una nueva pregunta: si no hay "originalidad" en la pintura, ¿puede el arte "más allá de la pintura"?
Este es un desafío a la “pintura” misma. En general, sospecharon de la idea de que el objetivo del pintor/escultor fuera crear obras maestras, obras maestras que pudieran exhibirse para que la gente las disfrutara en galerías y otros lugares. Desde principios del Renacimiento hasta Mondrian, nadie lo puso en duda. Sin embargo, el culto inconsciente e injustificado del expresionismo abstracto al pintor, y su frívolo apoyo por parte de los marchantes de arte, están provocando un debate creciente. Debido a la insatisfacción con las ideas elitistas del expresionismo abstracto de los artistas y el concepto mismo de obras maestras, así como por el impulso interno de “buscar la originalidad”, el arte pop subió al escenario de la historia.
Esta es la “vida anterior” del Pop Art.
"Popular" significa popular y popular. Curiosamente, aunque este movimiento apareció por primera vez en el Reino Unido, recibió una respuesta entusiasta de la sociedad estadounidense, que carecía de una base cultural tradicional. Su esencia espiritual (el misterio y la oscuridad de la anti-abstracción, así como su actitud condescendiente hacia el público) muestran las imágenes visuales más comunes en la vida diaria, y estas imágenes básicamente abandonan el problema de la "pintura" en el camino de la creación. Los pinceles, las pinturas e incluso el lenguaje de la pintura ya no son las únicas herramientas de expresión importantes del arte pop. El británico Hamilton creó un método de pintura sencillo, recortando directamente las fotografías y ordenando los personajes del cuadro. Aunque los pintores cubistas anteriores habían intentado pegar trozos de papel y tela sobre el lienzo, su intención original era encontrar un nuevo sentido de la forma a través del collage.