Pídale a Andy Warhol (el que pintó a Marilyn Monroe) que haga un comentario psicológico.

En Hollywood del 65438 al 0962, la noticia de última hora fue que la famosa estrella de cine Marilyn Monroe se suicidó en su casa. La causa de su muerte sigue siendo un tema candente en la opinión pública. Apenas una semana después de la muerte de Monroe, apareció en Nueva York un retrato de Monroe, que fue muy popular en Nueva York en ese momento a través de la serigrafía y las imágenes repetidas. El autor es Andy Warhol.

Andy Warhol era un visitante frecuente del CIGE. Como fundador y principal exponente del movimiento de arte pop estadounidense, sus famosas imágenes en serigrafía de todos, desde Marilyn Monroe hasta el presidente Mao, se consideran algunas de las obras de arte más importantes de nuestro tiempo. Es el epítome de un artista exitoso por derecho propio, y sus obras se encuentran en las colecciones de casi todos los coleccionistas y museos importantes.

Warhol es el héroe o antihéroe del arte moderno, porque fue él quien hizo desaparecer la forma ritualizada del arte, hizo desaparecer toda la tristeza en el arte, hizo transparente y fiel a sí mismo su negatividad. Indiferencia sexual llevado al extremo. Lo que este héroe moderno presenta en el arte ya no es lo sublime, sino el cinismo del mundo mercantil.

-Jean Baudrillard

Si el surgimiento de la llamada "generación de 1863" encabezada por Manet marcó el establecimiento del arte modernista, entonces el surgimiento del movimiento pop en la década de 1960 anunció el fin del arte modernista. Después de cien años de arduo trabajo, la última gran escuela de arte modernista (el expresionismo abstracto representado por Pollock) y su base teórica (el formalismo de vanguardia defendido por Greenberg) comenzaron a colapsar en la década de 1950. Casualmente, exactamente cien años después, en 1963, una generación de artistas pop como Andy Warhol, James Rosenquist, Chris Oldenberg, Roy Lichtenstein, Tom Weisman, Robert Rauschenberg, Aspel Johns y Kim Dini finalmente tuvieron la oportunidad de trabajar juntos en el exposición Aunque estos artistas tienen diferentes caminos creativos y conceptos artísticos, obviamente tienen la misma idea: los artistas en la era de la sociedad de consumo, la cultura de masas y la comunicación electrónica deberían separarse del modernismo.

Aunque la palabra pop fue inventada por los británicos (el crítico Allawi y el artista Hamilton), el arte pop es esencialmente un producto de Estados Unidos (de esto hablaremos más adelante). Aunque Oldenburg, Johannes, Rauschenberg y Lichtenstein fueron pioneros del arte pop en los Estados Unidos, no fue hasta la década de 1960 que Andy Warhol entró en el campo del "arte puro" a partir del arte aplicado. Sólo entonces se pueden mostrar plenamente los conceptos artísticos representativos y el contenido ideológico. . Fue este pequeño checo-estadounidense quien en gran medida subvirtió por completo la tradición modernista con sus creaciones y su estilo de vida.

Andy Warhol nació en Estados Unidos el 28 de septiembre de 1928, en el seno de una familia de inmigrantes checos. Warhol siempre afirmó haber nacido en Cleveland, Filadelfia o Pittsburgh. Sin embargo, según un certificado de nacimiento que figura en el apéndice de "Andy: An American Biography" de Stern y Plimpton, se suponía que Warhol había nacido en Frost, un pequeño pueblo de Pensilvania. Sin embargo, Warhol insistió en que el certificado de nacimiento era una falsificación. Sabemos que James Whistler, el primer artista modernista estadounidense, murió en otro país y que ocultó su lugar de nacimiento. Pero la diferencia aquí es que Whistler quería expresar independencia cultural, mientras que Warhol quería mostrar su afinidad por la cultura en la que vivía. De hecho, el padre de Warhol emigró a Estados Unidos desde la República Checa en 1912. Pronto encontró un trabajo en Pennsylvania Coal Company, primero como trabajador de la construcción y luego como minero. Sin embargo, pasarían nueve años antes de que pudiera llevar a su esposa a los Estados Unidos, lo que fue suficiente para demostrar las dificultades de los inmigrantes de primera generación. El padre de Warhol murió en 1942 después de una enfermedad de tres años, dejando atrás esposa y tres hijos. Para ganarse la vida, Warhol vendía fruta en un camión y trabajaba como dependiente en una pequeña tienda de comestibles. Warhol estudió arte en el Instituto Carnegie de Tecnología de Pittsburgh de 1943 a 1945 y se convertiría en profesor de arte en una escuela secundaria después de graduarse.

Mientras trabajaba en unos grandes almacenes durante el verano, participé en algunos trabajos de diseño de escaparates y tuve la oportunidad de ver algunas revistas de moda famosas. Estas cosas no sólo le dieron un sentido de la moda, sino que también le permitieron ver un mundo completamente diferente a su propia vida.

En 1949, Warhol viajó a Nueva York animado por un amigo. Aunque Warhol era tímido y mal vestido cuando llegó allí, tuvo suerte. Durante su primer verano en Nueva York, Warhol tuvo la oportunidad de ilustrar un artículo en la revista Glamour titulado "El éxito es un trabajo en Nueva York". El tema de este primer trabajo parece haber presagiado el contenido creativo y el camino de vida de Warhol en los próximos años, que consiste en utilizar la publicidad de moda como ídolo y escalera, como símbolo de ambición personal y búsqueda del éxito. Pronto, Warhol se mudó de la casa de un amigo y alquiló un apartamento en el sótano cerca de la calle 103 y la avenida Manhattan. El lugar estaba lleno de jóvenes ambiciosos que acababan de llegar a Nueva York. Durante los años siguientes, Warhol trabajó duro y se mudó varias veces. Durante este período, su trabajo principal fue una serie de zapatos de moda para la empresa I Miller. Otros anuncios comerciales también comenzaron a aparecer con frecuencia en periódicos y revistas famosos, como "The New York Times", "Glamour", "Vogue". y "The New Yorker" esperan. En ese momento, había sido aceptado en los círculos comerciales de arte y diseño de Manhattan y estaba ascendiendo rápidamente de rango.

En 1954, Warhol recibió por primera vez el Premio al Logro Sobresaliente de la Sociedad Estadounidense de Diseño Gráfico. En 1956 y 1957, ganó el único premio al logro y el premio al logro más alto del Art Directors Club. Su primera exposición individual fue Andy Warhol: Fifteen Drawings Based on the Works of Capote, en la Sugar Gallery, Nueva York, 1952. En 1956, su obra fue incluida en la reciente exposición en el Museum of Modern Art American Drawing Show..The Andy Warhol Company se fundó en 1957 para gestionar el creciente negocio del diseño. Alrededor de 1958, Warhol compró una casa de cuatro pisos en Lexington Avenue y 87th Street. De esta manera, en menos de diez años, Warhol se estableció con éxito en Nueva York. Tiene un trabajo estable, buenos ingresos, una casa espaciosa, una amplia gama de amigos y es algo famoso.

Sin embargo, Warhol no quedó satisfecho. Lo que necesita ahora es entrar en el campo del arte llamado serio y elegante. En esa época, en Nueva York había surgido la segunda generación de artistas expresionistas abstractos, encabezada por Morris Louis y Kenneth Noland, y los primeros artistas pop como John y Rauschenberg también eran muy populares. Especialmente la repentina popularidad y los recursos financieros de este último hicieron que Warhol sintiera envidia y no pudo evitarlo, tal como les dijo a sus amigos: "Puedo hacer esto". Sin embargo, la entrada de Warhol en el círculo de artistas "serios" no fue así. Era tan simple como imaginaba. Al principio quería empezar con dibujos animados, pero pronto descubrió que Liechtenstein ya estaba a la vanguardia en este ámbito. Es más, el mundo de las bellas artes parece reacio a aceptarlo. Por ejemplo, si bien la obra de Lichtenstein fue universalmente reconocida, las pinturas tipo caricatura de Warhol fueron rechazadas por todos los agentes artísticos de Nueva York. Para poner otro ejemplo, aunque Johns y Rauschenberg fueron los sujetos de la desaparición de Warhol, y sus caminos y estilos creativos eran similares a los de Warhol, los esfuerzos de Warhol por conocerlos e interactuar con ellos no lograron recibir una respuesta inmediata. Antonio, amigo de ambas partes, le explicó el motivo a Warhol: "Estás demasiado a la moda, lo que les incomoda. Además, eres un artista comercial, lo que también les incomoda. Aunque se han dedicado a este tipo de creación". ... Estaban tratando de sobrevivir, así que ni siquiera firmaron para ese tipo de trabajo, y tú ganaste el premio a bombo y platillo”.

Efectivamente, desde el principio, hubo Había algo en Warhol que era completamente diferente de los artistas modernistas del pasado. Por ejemplo,

Van Gogh era descuidado e incluso se cortó las orejas, pero Warhol llevaba una diadema plateada y se operó la nariz. Gauguin podría dejar París e ir a Tahití para encontrar la fuente de su creatividad. Una vez que Warhol abandonó Manhattan, no pudo crear, ni siquiera vivir. Pollock, el "último" artista modernista anterior a Warhol, todavía vivía una vida solitaria, fruncía el ceño todo el día y hablaba poco, mientras que Warhol asistía a diversos eventos sociales, era tranquilo y adorable.

Warhol, que sobrevivió al desastre, no guardó silencio, pero se hizo famoso entre la subcultura. En ese momento también vinieron de visita líderes del círculo cultural y artístico. El pintor Johannes y otros visitaron el estudio de Warhol. Cuando el productor Persia organizó una fiesta en 1965, el dramaturgo Tennessee Williams y el poeta Allen Ginsberg estaban entre los invitados. Al mismo tiempo, empezó a ser aceptado por la auténtica clase alta. Conoció a Diana Williland, la editora en jefe de la revista Vogue, y se convirtió en un visitante habitual del salón de la casa de Halton. Entre los invitados se encontraban la estrella de cine Elizabeth Taylor y la bailarina y estrella de la música Lisa Ming. En la Casa Blanca le presentaron a Henry Kissinger. Después de que Carter fue elegido presidente, Warhol fue invitado a una fiesta organizada por Carter en su ciudad natal. Entre sus celebridades se encuentran Margaret, la esposa del primer ministro canadiense Trudeau, el príncipe del ballet Rudolf Neruyev y el pintor Salvador Dalí. La obra principal de Warhol durante este período fue una serie de retratos de personajes famosos, incluidos algunos autorretratos. De hecho, es posible que el propio Warhol se haya convertido en el artista más famoso de Estados Unidos y su rostro sea inmediatamente reconocible para miles de personas comunes y corrientes que nunca habían estado en galerías y museos. En este momento, me pregunto si todavía recuerda lo que le dijo a su padre cuando era niño: "Papá, seré muy famoso en el futuro".

Margot Lovejoy dijo: "Para el público , el estilo de vida y la creación artística de Wo Hall crearon un nuevo fenómeno: el artista como estrella ". El poeta John Yao señaló que la diferencia entre Warhol y otros artistas (como Andrew Wyeth) es que este último es famoso pero no famoso. No es infame. , mientras que Warhol era a la vez famoso e infame. Pero ya sea que uses notoriedad o notoriedad, Warhol se convirtió en un héroe cultural y una superestrella. En este sentido, es posible que no encontremos a nadie comparable a Warhol entre los pintores estadounidenses de los años cincuenta y sesenta. Quizás, en el poeta Ginsberg y el novelista Capote, podamos ver alguna sombra de Warhol.

El éxito y la influencia de Warhol, o más exactamente, el fenómeno Warhol, se convirtió inmediatamente en tema de discusión entre críticos de arte, historiadores del arte, sociólogos y filósofos. Incluso hoy, el nombre de Warhol sigue apareciendo en el llamado discurso posmodernista. Ya en 1968, Warhol, que ya había logrado un gran éxito, dijo: "Si quieres entender todo sobre Warhol, ve y mira mis pinturas, mis películas y mi mirada. Y aquí estoy, debajo de la superficie. Nada. Al igual que la vida, las creaciones y los pensamientos de Warhol, este pasaje contiene inevitablemente un elemento de sensacionalismo. Como hemos visto, no había mucho detrás de la fachada de Warhol. Del mismo modo, ciertamente no hay nada detrás de la superficie de la obra de Warhol. Pero sí habla de un aspecto fundamental de su propia creación, así como de las características formales y la expresión del arte pop en su conjunto: el abandono de la profundidad del arte modernista y todos los conceptos relacionados. Por lo tanto, esta cita tan citada sigue siendo un punto de partida básico para nuestra comprensión de Andy Warhol.

En primer lugar, echemos un vistazo a los temas creativos de Warhol, que son las manifestaciones externas directas del arte de Warhol. En términos generales, sus temas creativos se pueden dividir en tres categorías. La primera categoría son los productos de consumo diario, incluida la famosa serie de pinturas de latas de sopa Campbell, la serie de pinturas de Coca-Cola, el jabón Brillo y la serie de dispositivos de ketchup para manos. La mayoría de estos temas son los más mundanos, pero reconocibles al instante para todos los estadounidenses. Tomemos como ejemplo la sopa enlatada Campbell's. El propio Warhol creció comiendo este alimento barato y omnipresente. Como el estadounidense promedio, probablemente vio algo familiar de su vida diaria en esta marca roja de comida enlatada. Al elegir este tema, Warhol claramente quería evitar que el arte tradicional dependiera del mensaje o significado inherente de la obra. El propio Warhol dijo una vez: En ese momento estaba "buscando algo que pudiera expresar la esencia del vacío, y las latas de sopa Campbell's eran tal cosa. Sin embargo, como se mencionará más adelante, fue este "vacío" el que le dio todo a Warhol". creación de un determinado contenido "metafísico".

El segundo tema de Warhol es una serie de retratos de celebridades.

Entre ellos se incluyen estrellas de cine, cantantes pop, políticos, escritores y el propio Warhol. Entre ellos, Marilyn Monroe, Elvis Breasley, Elizabeth Taylor y otras series estrella son las más famosas. A diferencia de los retratos anteriores, la mayoría de los retratos de celebridades de Warhol no se crearon en base a sus propias observaciones y comprensión de los sujetos, sino que fueron copiados de fotogramas de películas, fotografías de periódicos o carteles. Por ejemplo, todos los retratos de Marilyn Monroe que hizo Warhol se basaron en la famosa foto de Monroe de la película Niagara Falls. Esta foto de Ginny Coleman muestra a una estrella de cine sexy en lugar de una persona real. De hecho, el propio Warhol lo sabía. Después de conocer a Monroe, una vez le dijo a un amigo: "Su imagen en la pantalla es completamente diferente de su imagen en la vida real. Es demasiado tímida. Esto muestra claramente que Warhol tomó una decisión consciente de ser estereotipado por los medios de comunicación y, por lo tanto, por la gente". público aceptó la imagen iconográfica como base para la creación de su retrato.

Además de productos de consumo cotidiano e imágenes de celebridades, Warhol también creó una serie de obras relacionadas con eventos y violencia social, a saber, "Desastre" y "Muerte". Hay escenas que muestran malestar social, colisiones de coches y accidentes aéreos, la silla eléctrica para las ejecuciones, cuerdas suicidas, etc. La mayoría de ellos provienen directamente de periódicos, revistas y otros medios. Los ejemplos más famosos son el accidente aéreo en el que murieron 129 personas y los disturbios rojos. Sin embargo, como señala acertadamente Jamie James: "Aunque estas pinturas reflejan claramente la realidad de un período tumultuoso en Estados Unidos, no sería razonable pensar que la creación de las pinturas de Disaster Series estuvo motivada por un intento de comentar la realidad social misma. Eso está mal." De hecho, no hay ningún elemento de "tragedia" en este tipo de trabajo, ni tampoco hay ninguna conciencia de "resistencia". También son impactantes, pero eso es sólo porque estos temas nunca antes se habían expresado tan claramente en el arte. Para Warhol, su principal motivación para elegir estos temas fue probablemente su mirada hacia su "medianidad", es decir, su tendencia a generar sensacionalismo. Los temas "calientes" y los colores "fríos" son claramente su foco.

De esta manera, los temas creativos de Warhol demuestran claramente el contenido principal de su arte, que es producto de la sociedad de consumo, la cultura de masas y los medios de comunicación. Corresponden a las tres características principales de la sociedad estadounidense de posguerra: consumismo, comercialismo y culto a las celebridades. A través de esta selección y expresión de temas, Warhol buscó borrar los límites entre la llamada alta cultura y la cultura popular, el arte de vanguardia y el kitsch o, en palabras de Buch, "el límite entre el museo y los grandes almacenes". haciendo del arte algo inmediatamente comprensible para todos. Respecto a los medios de comunicación, el propio Warhol lo dejó claro: "No cambio los medios, no hago diferencia entre mi arte y los medios. Sólo uso los medios para mi trabajo y los repito. Creo que los medios son un hecho". Los temas y el contenido de las obras de Warhol no son diferentes de los de la mayoría de los artistas pop. En términos generales, los alimentos preparados, los productos de marca, los carteles publicitarios, los carteles de películas, las calles de las ciudades, las autopistas, los supermercados, la televisión, las películas, los dibujos animados, etc. constituyen los temas creativos de todos los artistas pop. Sin embargo, el trabajo de Warhol tuvo un efecto más sensacionalista y un impacto de mayor alcance que el de otros artistas pop. La razón aquí es que, con sus formas únicas y técnicas innovadoras, demuestran más claramente los conceptos estéticos inherentes y el contenido ideológico del arte pop.

Más adelante hablaremos de la ideología de la obra de Warhol. Veamos ahora el significado estético de las formas y técnicas de su obra. En este sentido, lo más sorprendente de la obra de Warhol es su cualidad no artística. Con una tranquilidad casi cruel, eliminó en sus obras todos los factores formales de la estética tradicional, la composición artística y la autoexpresión. Aunque el no-arte o el anti-arte era una característica común de todo el movimiento pop, en este sentido nadie cortó la conexión con el arte anterior de manera más decisiva y completa que Warhol. Esta es la razón por la que, si bien Lichtenstein fue aceptado por el mundo de las bellas artes, todos los agentes artísticos de Nueva York rechazaron caricaturas similares creadas por Warhol.

La imagen en sí es borrosa, pero aún así se reconoce al instante. Vale la pena señalar que el fondo que rodea el retrato está completamente cubierto de un solo color dorado, lo que priva a toda la imagen de expresividad y profundidad. Esto se puede ver más claramente si la comparamos con la Marilyn Monroe pintada por el pintor expresionista abstracto de Kooning hace unos años. En las obras de de Kooning, aunque la belleza de la imagen de Monroe ya no es el foco de expresión, el pintor resalta su figura regordeta de una manera única. Stella Stizzi dice: "De Kooning vio a la chica pin-up de Hollywood como una contraparte de la diosa prehistórica de la fertilidad. Ambas tenían figuras voluptuosas que también simbolizaban la sociedad que representaban". En las obras de Kooning todavía queda un atisbo de los sentimientos y la comprensión del propio pintor. Esto nos hace preguntarnos, ¿es esto Monroe? ¿Por qué el pintor la mostró así? Pero no se puede decir lo mismo de Golden Marilyn, cuyo tratamiento deja claro que el pintor no pretendía expresar ningún concepto psicológico o biográfico de "profundidad" o "insight", rechazando explícitamente nociones banales de "personalidad" o "carácter". Por el contrario, Warhol eliminó cuidadosamente las características individuales del objeto y lo transformó en un simple "objeto" visible: una representación de la imagen. En palabras de Roland Barthes: "Fijaron las estrellas (Marilyn y Liz) en su imagen de estrellas, que no tiene alma, sino que es estrictamente un estado de imagen, porque el estado de existencia de la estrella es el de un ídolo". Con esta imagen, ya no sentimos la necesidad de hacernos preguntas sobre la belleza o la fealdad, la realidad o la irrealidad, la trascendencia o la concreción. En Golden Marilyn, el fondo dorado nos recuerda inmediatamente a los iconos medievales. De hecho, así como los pueblos de la Edad Media habían suspendido toda duda ante los iconos, nunca pudieron dudar de la presencia invisible de Dios. La Marilyn dorada hace que la gente moderna adore la imagen de esta sexy diosa sin pensar.