Trabajo de investigación sobre artes visuales
Ejemplo 1: Breve análisis de la aplicación de símbolos en el arte visual. La semiótica implica principalmente el proceso de pensamiento de simular y combinar objetos percibidos por las personas en los sentidos visuales y experiencias psicológicas en forma de puntos, líneas, superficies, cuerpos, luces, colores, etc., y luego regenerarlos mediante la transformación en la visión del objetos. En términos generales, podemos entender las imágenes simbólicas en las obras de arte y las obras de arte mismas como símbolos.
Arte visual; símbolo; transformación; regeneración
¿El famoso simbolista Umberto? Umberto Eco dijo:? El hombre es un animal simbólico. ? 1Los seres humanos expresan su mundo interior y transmiten información a través de símbolos. Transmitir un concepto integrado a la otra parte a través de ciertas formas del lenguaje, incluido el sonido, la visión, el comportamiento corporal, etc. La semiótica es la teoría de los signos y sus aplicaciones, incluida la visión de los signos. La semiótica no es una disciplina histórica sino interpretativa, pero que puede integrarse efectivamente en la exploración histórica. La semiótica se ocupa de cuestiones de composición y representación. ¿Palabra? como combinaciones específicas de símbolos que producen significado. Ésta es una perspectiva limitada, sin hegemonía ni coerción. 2
Desde la perspectiva de la teoría de la representación, la brujería y la teoría del trabajo, el origen del arte puede verse como el inicio de la simbolización humana. Los pueblos primitivos usaban sus extremidades para capturar los movimientos de los animales, usaban sonidos para imitar los llamados de los animales, usaban minerales para representar las formas de los animales en los acantilados y usaban un lenguaje simple para bailar y comunicarse, creando así los primeros símbolos de danza, partituras musicales y artísticas. símbolos y símbolos del lenguaje. Con la división social del trabajo cada vez más compleja y el continuo progreso y desarrollo de la sociedad humana, el contenido de los símbolos se ha vuelto cada vez más complejo y sutil, y se ha utilizado amplia y profundamente en diferentes campos de las ciencias naturales, las humanidades y las ciencias sociales.
El arte visual, como ciencia humanística, estudia la conexión con el ojo desnudo. La semiótica implica principalmente el proceso de pensamiento de simular y combinar objetos percibidos por las personas en los sentidos visuales y experiencias psicológicas en forma de puntos, líneas, superficies, cuerpos, luces, colores, etc., y luego regenerarlos mediante la transformación en la visión del objetos. En términos generales, podemos entender las imágenes simbólicas en las obras de arte y las obras de arte mismas como símbolos. Como conjunto de herramientas, la semiótica proporciona una variedad de ideas y conceptos útiles que creo que pueden usarse para analizar obras de arte en profundidad y detalle. Si bien estas ideas y conceptos pueden ser desencadenados por el psicoanálisis, la narrativa y la teoría de la modificación, se pueden producir ideas que no entren en conflicto con la historia del arte tradicional. De hecho, estas ideas y conceptos a menudo permiten a los estudiantes utilizar los métodos disponibles entre disciplinas con mayor precisión y hacer explicaciones más sistemáticas. 3
1. Clasificación de los símbolos de las artes visuales
En la actualidad, en el campo de la investigación de la teoría de los símbolos, se cree generalmente que los símbolos se pueden dividir en los siguientes tres tipos diferentes, que también están los tres niveles de símbolos :4.
1. Iconos: Los iconos se forman simulando la similitud entre gráficos y objetos. El icono es un proceso de percepción directa y pertenece a la categoría de realismo en iconografía. Como retratos, fotografías, etc. , cuando nos enfrentamos a este tipo de trabajos, normalmente podemos tener una sensación más intuitiva, como? ¿Qué hay en la pantalla? ?
2. Indicador (índice): la relación causal o espacio-temporal entre el indicador y el objeto al que se refiere. ¿Por ejemplo? ¿Señal, señal de tráfico? . Desde una perspectiva amplia, las reglas del flujo visual en el arte del diseño también pertenecen a la categoría de símbolos indicativos. Debido a características fisiológicas, los ojos mostrarán una especie de puntualidad, direccionalidad y selectividad al navegar, es decir, la línea de visión se moverá selectivamente en una determinada dirección a lo largo del centro de gravedad de la imagen, es decir, la mejor. campo de visión, que refleja el flujo visual.
3. Símbolo: No existe una conexión necesaria o intrínseca entre el símbolo y el objeto al que se refiere. Suele referirse al resultado de un acuerdo. El objeto al que se refiere y la adquisición de significados asociados son un conjunto de asociaciones generadas por los sentimientos de muchas personas durante un largo período de tiempo. Al mismo tiempo, la naturaleza simbólica de los símbolos es también la característica más profunda de la semiótica, que es la extensión y asociación de connotaciones relevantes en el proceso de generación de símbolos y pensamiento objetal. Por ejemplo, los giros y vueltas de las líneas, la calidez y frialdad de los colores y la suavidad y dureza de los materiales brindarán a las personas las correspondientes experiencias emocionales.
En segundo lugar, comprensión de los símbolos del arte visual
El proceso de la conciencia humana es en realidad un proceso de simbolización del mundo, y el pensamiento no es más que la selección, combinación y transformación de símbolos. , proceso de operación de regeneración. Por tanto, se puede decir que la gente piensa con símbolos, y los símbolos son el cuerpo principal del pensamiento.
Entonces, ¿cómo interpretamos las imágenes desde una perspectiva semiótica, utilizando herramientas semióticas, y cómo los símbolos alienan lo que ya sabemos para poder comprender algo nuevo? Aquí me gustaría utilizar los principios de la semiótica para analizar la obra "Jóvenes" del pintor al óleo contemporáneo Zhang Xiaogang.
Lienzo "Jóvenes" de Zhang Xiaogang
1. Generar conciencia de la imagen
Interpretar símbolos visuales es a veces un proceso muy complejo que requiere una combinación de psicología y conceptos históricos para comprender.
Cuando apreciamos una obra de arte visual, primero formamos una imagen en nuestro pensamiento, es decir, lo que hay en la obra, ya sea un símbolo concreto o un símbolo abstracto. Por ejemplo, cuando entramos en contacto con "Jóvenes" del pintor al óleo contemporáneo Zhang Xiaogang, lo primero que nos damos cuenta es de un joven con gafas con una cicatriz roja en la cara, un tono azul grisáceo y una cicatriz roja. 2. Explorar el significado simbólico de las imágenes.
Después de obtener la información anterior, querremos saber qué se esconde en la intención creativa del artista (es decir, el creador del símbolo). ¿Más adentro? , o un significado derivado. Cuando decimos que una obra tiene un significado más profundo, generalmente queremos decir que la obra transmite una idea subyacente que no podemos identificar en la observación inicial, a saber, el significado simbólico del símbolo. Por supuesto, necesitamos encontrar la intención del artista. Debemos tener una comprensión básica del propio artista y de los antecedentes de su época.
Intentemos explorar y explicar el mensaje conceptual que el artista quiere transmitir ahora. Sabemos que Zhang Xiaogang nació a finales de la década de 1950. Experimentó el período histórico más turbulento después de la fundación de la Nueva China, especialmente la "Nueva China", que tuvo un profundo impacto en la gente de esa época.
Así que ahora volvemos a la imagen (símbolo) en sí, un hombre joven con un corte al rape, piel limpia y clara, un estilo estándar de un erudito débil. Sabemos que las gafas son signo de una persona culta y conocedora, y el traje de Mao era una vestimenta común en esa época. El fondo azul grisáceo crea una atmósfera lúgubre, solitaria e indiferente. La cicatriz en su mejilla parece una charretera, lo cual es particularmente genial. Combinado con el análisis anterior, también podemos entenderla como una marca popular en esa era apasionante. Los ojos están atraídos hacia la esquina inferior izquierda, ligeramente apagados, los labios ligeramente abiertos como si estuvieran viendo una escena impactante, el rostro está inexpresivo y una emoción solitaria y deprimida se expresa plenamente. Todos los símbolos recuerdan el tema de las cicatrices de una época, que no es sólo un recuerdo, sino que también refleja la indiferencia entre las personas en la sociedad real.
Después de que el creador de un símbolo de arte visual tiene una idea, combina su comprensión del símbolo y elige los medios visuales apropiados para transmitir la idea. Entonces el objeto receptor, es decir, la audiencia, transforma y regenera la información visual recibida en su pensamiento a través de su propio dominio y comprensión del lenguaje simbólico. (Continuación de la página 99) (Continuación de la página 98) Por supuesto, debido a las diferencias en las características emocionales personales, las experiencias de vida y las estructuras de conocimiento, la forma en que una obra finalmente se devuelve al pensamiento del público es diferente, ¿entonces? ¿Mil lectores tienen mil Hamlets? dicho. Cuando uno ve una naturaleza muerta holandesa que muestra un frutero, la imagen es un símbolo o representación de algo más. El espectador forma una imagen de la cosa en su mente y asocia la imagen con la cosa. La imagen mental, no el individuo que la formó, es el intérprete. Este intérprete apunta a un objeto. El objeto es diferente para cada espectador: para uno puede ser una fruta real, para otro pueden ser otras naturalezas muertas, para un tercero puede ser una enorme suma de dinero, y para una cuarta persona, ¿también podría serlo? ¿Los Países Bajos en el siglo XVII? ,etc. Por tanto, el objeto representado por el cuadro es esencialmente subjetivo y está determinado por el destinatario.
El arte visual en sí se trata de la expresión de símbolos. El creador transmite su proceso de pensamiento y sus conclusiones al espectador a través de símbolos para lograr el propósito de la narrativa, en otras palabras, a través de las obras del creador y la suya propia. , el espectador finalmente comprende los pensamientos y sentimientos que el creador quiere expresar. Obviamente, como medio intermedio, las obras de arte visual actúan como símbolos de los pensamientos y sentimientos del creador en este momento, y si la información requerida por este símbolo puede ser aceptada y reconocida de manera precisa, rápida y efectiva por el espectador se convierte en el éxito del proyecto. creación o no firma. Esto está determinado por la precisión y eficacia de la selección, combinación, transformación y regeneración de símbolos en el proceso de pensamiento creativo.
Referencia
[1] Li Youyan, "Introducción a la semiótica teórica", Social Sciences Literature Press, edición de junio de 1999.
【2】¿Mick? Barr: ¿Ver símbolos/interpretar pinturas? El uso de la semiótica para comprender el arte visual se publicó en World Art, número 1, 2007.
[3]¿Barra? Cartier-Bresson: Semiótica e Historia del Arte 1991.
[4] "Métodos de ilustración y aplicaciones en la historia del arte" de Chang Ningsheng se publicó en el primer número de "World Art" en 2004.
Muestra 2 de trabajo de investigación de artes visuales: Interpretación discursiva del fenómeno del arte visual del color Resumen: Una historia del desarrollo del arte visual es también una historia del desarrollo del color. Desde el culto al color en la antigüedad hasta la imitación del color en la época clásica, desde la liberación del color en el período romántico hasta la fascinación por la luz y el color en el impresionismo, en la historia del arte, cada recomprensión y re-comprensión La interpretación del color siempre conducirá a Los grandes cambios en las artes visuales han producido nuevos fenómenos artísticos y discursos teóricos.
Palabras clave: color, color, color inherente, costumbre popular, color, impresión de luces y sombras
El llamado color, en un sentido general, es el sentimiento de color de las personas. El amor por el color y la elección del color son extremadamente subjetivos. No hagas que un determinado estándar de color sea absoluto. ¿Deberíamos reconocer la diversidad y el desarrollo de los estándares de color, comprender sus respectivas características a partir de los conceptos de color en constante cambio, estudiar sus similitudes y diferencias y captar sus conexiones internas para lograr esto en el mundo del color? ¿Está todo listo para mí? en lugar de limitarse a un rango estrecho. Se permiten preferencias, pero la intolerancia y los prejuicios no favorecen el desarrollo del arte.
¿Color intrínseco? El color ideal de la belleza eterna
La gente de Taikoo Li usa el color como un medio para expresar los objetos pintados del fondo, es decir, para separar los objetos del fondo espacial, por lo que solo conocen el rojo y el negro. Debido a que el rojo es el más llamativo y el negro tiene el mayor contraste con el fondo brillante, en su opinión, el rojo es hermoso, el negro es hermoso, por lo que la combinación de rojo y negro es hermosa. Recurriendo a la expresión artística, redujeron todos los colores de la naturaleza al rojo y al negro. ¿La madera neolítica de Hemudu está decorada con rojo y negro; la cerámica pintada en todo el mundo está decorada con rojo y negro; las pinturas rupestres originales son en su mayoría rojas y negras? La preferencia por el negro y el rojo se ha transmitido hasta nuestros días y es especialmente típica en las vestimentas de algunas etnias. Los trajes tibetanos y yi en China son principalmente rojos.
Las personas enriquecen sus sentimientos en la práctica, aumentan su comprensión de las cosas externas y captan los colores eternos y duraderos inherentes de los objetos en las primeras actividades artísticas para buscar su conexión adecuada en el espacio. De esta manera, la gente descubrió la belleza estática del color y desarrolló así la búsqueda del valor eterno del color y el concepto de color inherente.
El arte es inseparable de la imitación. Tanto Demócrito como Aristóteles creían que el poder del arte es la imitación. ¿Papá? Finch incluso dijo: Si no eres un maestro en el uso de tu arte para imitar las características de todas las formas producidas en la naturaleza, entonces no puedes ser un buen pintor. ? El concepto de color inherente se produce imitando la eterna y sólida belleza del color de la naturaleza.
El concepto de color inherente ha dominado durante mucho tiempo la creación artística. En Occidente, las obras del Renacimiento son las más representativas. En China, se pueden citar figuras de la dinastía Tang, flores y pájaros de la dinastía Song y muchas excelentes obras de arte popular. Lograron un gran éxito en la expresión de colores inherentes y la disposición espacial de bloques de colores. La experiencia de utilizar colores inherentes se puede resumir de la siguiente manera:
Primero, la compatibilidad de colores. Por ejemplo, los maestros del Renacimiento solían utilizar el rojo rosa, el azul cielo y el gris plateado, y el arte popular chino solía utilizar el bermellón, el azul ultramar, el escarlata, el verde piedra y el amarillo dorado. Estos colores tienen la belleza de una unidad de opuestos.
En segundo lugar, los colores convergen. ¿Cuáles son las recetas populares en China? El taller está lleno de verdor y flores; es mejor morir que pedir morado. Espera un momento. Diferentes formas de conectar colores inherentes formarán percepciones de color en constante cambio.
En tercer lugar, comparación de pureza. Este contraste es un medio importante para ajustar la relación relativa entre los colores. La intensidad es apropiada, el sujeto y el objeto son claros y los colores están equilibrados en fuerza y debilidad en el espacio.
En cuarto lugar, el contraste de brillo. La forma de crear un efecto tridimensional sobre una superficie bidimensional es mediante claroscuros. El contraste único entre la luz y la oscuridad no sólo hace que la imagen sea tridimensional sino que también la hace sentir pesada.
5. Comparación de áreas. El contraste del área hace que los colores cambien de peso y se complementen entre sí en el espacio, creando un ritmo de color distinto.
Desde la antigüedad hasta la actualidad, la teoría de la empatía artística ha ido acompañada de la teoría de la representación. Si bien los colores inherentes pretenden imitar la naturaleza, también hay expresiones románticas en el camino. No utilizan la imitación como color complementario, ¿pero? La pintura no es seria y no tiene buena pinta. con propósito. Pintan la simplicidad y solidificación de los colores inherentes, y utilizan el equilibrio espacial de los colores inherentes como un medio para impulsar la tasa de color de las obras y lograr el efecto de color ideal. Por ejemplo, el bordado Miao, el corte de papel popular, el corte de papel Yuxian y los dioses de las puertas Mianzhu son ejemplos de color que el romanticismo trata con el concepto de color inherente.
¿Débil impresión? Colores naturales fugaces
La óptica descubrió la esencia física del color, revelando la conexión interna entre el color y la luz, la descomposición y mezcla del color y la luz descubrió la esencia de la visión humana del color, entendiendo así la relación de atenuación del color; a colores complementarios y la base para requisitos de color completo. Estos descubrimientos dieron gran inspiración a la colorimetría artística, dando lugar así a la visión impresionista del color. Por tanto, el pintor utiliza el color para perseguir la luz, el temblor de la luz, el paso de la luz, la confusión de la luz, desde la eternidad y solidificación del color inherente, hacia el fluir del tiempo y el espacio, y obtiene la fugaz impresión de la luz.
Se puede decir que los conceptos y técnicas de color del impresionismo no son sólo producto de logros ópticos, sino también producto de la tradición artística occidental. Simplemente, estas tradiciones fueron sistematizadas y teorizadas más por los pintores impresionistas, estableciendo así su lugar en la historia del arte. Los impresionistas creen que el color es luz, por eso:
Primero, todos los objetos visualmente perceptibles son el resultado de la exposición a la luz, y toda la luz debe ser coloreada. El color de un objeto depende del color de la fuente de luz, del color ambiental (color reflejado) y del contraste de color. Es decir, el color cambia con la fuente de luz y el entorno, y está relativamente presente en la pantalla.
En segundo lugar, reemplaza la paleta clásica con colores del espectro de la luz del día.
En tercer lugar, busque el efecto dorado del espectro, citando a menudo el tono del espectro.
En cuarto lugar, la relación de color complementario es una herramienta indispensable para los pintores impresionistas. Por ejemplo, en la naturaleza, la luz del sol y el tragaluz son un par de colores naturales complementarios.
5. ¿Utilizar la mezcla de luz en lugar de la mezcla de pigmentos, de modo que los colores se subdividan y yuxtapongan para enriquecerlos? ¿Alto? .
6. En la yuxtaposición de colores, el brillo suele ser similar y la yuxtaposición de frío y calor es inexacta. Esta es la técnica de comparación simultánea. En este momento, los mismos colores se empujan entre sí hacia sus respectivos colores complementarios, aumentando así el valor del color de ambas partes. Al mismo tiempo, pierden estabilidad, adquieren el temblor de la luz y muestran vitalidad, realizando así la desmaterialización del color. y convirtiéndose en luz temblorosa. Goethe dijo una vez:? Al mismo tiempo, el contraste determina el valor práctico de la estética del color. ?
El impresionismo liberó los colores de los objetos a los que estaban conectados y eliminó los colores inherentes a los objetos. La pintura entró así en un nuevo reino. Los impresionistas eran adoradores de la luz y devotos misioneros de la luz. Abrieron un mundo espléndido, pero siguiendo la luz, perdieron el poder espiritual que una vez poseyó el arte y el contenido simbólico que iluminaba el mundo, y se quedaron en la superficie material de las cosas.
¿Color de rendimiento? Volvamos a los colores modernos subjetivos.
La práctica demuestra que la magnífica capa de luz se obtiene a expensas del espíritu cualitativo interior. Esta contradicción se manifiesta directamente en la contradicción técnica entre el dibujo y el color. Cuando dibujar es particularmente necesario en una representación, los cambios de color y de luz no pueden dejar de pasar a un segundo plano. Esto es cierto en el clasicismo, el neoclasicismo y el prerrafaelita; cuando la representación presta especial atención al color y la luz, el boceto debe pasar a un segundo plano, como es el caso del impresionismo. ¿Pizarro enseñó al joven pintor Lebel? Preste más atención al color del cuerpo y no preste demasiada atención al boceto. Un boceto demasiado preciso será aburrido y no dará a la gente una impresión general. Ésta fue la elección impresionista entre el dibujo y el color.
Si bien Renoir logró un gran éxito en sus experimentos impresionistas, también sintió la crisis del impresionismo, por lo que viajó a Italia para aprender de sus predecesores. Se enamoró de las pinturas de Rafael y apreció mucho la sencillez y grandeza de los óleos de Ángel. Después de estudiar a Rafael, finalmente sintió que había descuidado los bocetos. Tras regresar de Italia, se dedicó a sacrificar el color para simplificar las figuras, reforzar los bocetos, volver a los métodos pictóricos clásicos y anular la luz accidental en el cuadro, por lo que empezó el suyo propio. ¿Período clásico? . ¿Su trabajo? ¿Paraguas? Los desnudos que pintó en Nápoles son un registro de su regreso a los conceptos clásicos del color inherente.
Después del impresionismo, los filósofos vieron que la visión del color del impresionismo se limitaba a cambios superficiales en el color de la luz e ignoraron su estructura inherente sin cambios, por lo que se embarcaron en el camino opuesto al impresionismo.
En primer lugar, Cézanne, el pionero del arte moderno, intentó deshacerse de la apariencia vaga y parpadeante de las cosas y se dedicó a expresar la llamada estructura interna, verdadera e inmutable. En términos de color, Cézanne se diferenciaba del impresionismo en que ordenaba los colores. A través de la organización, los colores se vuelven más regulares y concisos, pero más intensos, y por lo tanto tienen una sensación de estabilidad y claridad, logrando así el extraordinario poder de la imagen visual. ¿Sus conceptos artísticos y su práctica artística influyeron profundamente en pintores posteriores, como Matisse, que se inspiró en Cézanne y abandonó a los pintores impresionistas? ¿Encantador, brillante, animado? , la búsqueda de la pintura? ¿estabilidad? Se cree que se debe establecer un equilibrio entre todos los colores que componen el cuadro, por lo que la sensación de la superficie debe ser delicada, y es la sensación delicada la que conforma el cuadro. Kandinsky dijo:? El factor intrínseco, la emoción, debe estar presente, de lo contrario la obra de arte es falsa. Los factores internos determinan la forma de la imagen. ? Picasso lo resumió :? ¿No estoy imitando a la naturaleza, sino enfrentándola? Aprovecha la naturaleza. ? Después de Cézanne, varias escuelas compitieron contra el impresionismo y el objetivismo, enfatizando el papel de la voluntad subjetiva, por lo que se concentraron en perseguir la belleza formal y la belleza abstracta, y avanzaron hacia la expresión de la subjetividad. En términos de color, es natural pasar del color objetivo al color subjetivo al mismo tiempo.
Sin embargo, el modernismo tomó las armas del impresionismo y pasó a todo lo contrario. El impresionismo descubrió los colores naturales y el modernismo hizo que estos descubrimientos fueran ordenados, solidificados y poderosos. En otras palabras, el impresionismo captura los colores perceptivos, el modernismo explora los colores racionales y el arte moderno coloca la subjetividad y el valor espiritual del color en una posición sin precedentes, perfeccionando la combinación de sentimientos personales subjetivos y leyes objetivas del color.
Materiales de referencia:
[1] ¿Quién es quién de Giorgio Italian Art Garden en Italia? "Vasari", traducido por Liu Yaochun, Editorial de Bellas Artes de Hubei, 2003.
[2] "Modern Aesthetic System", editado por Ye Lang, Peking University Press, edición de 1988.
[3] "Historia del Arte Chu", escrito por Pi Daojian, Hubei Education Press, 1995.
[4] "Hablando de Belleza en el Extranjero", escrito por Chen, Editorial de Arte y Literatura Huashan, edición de 2003.
[5] "Historia de Chu", escrito por Zhang, Hubei Education Press, edición de 1995.
[6] “Poética”, escrito por Aristóteles, Editorial de Literatura Popular, edición de 1982.
[7] "Catálogo de pinturas antiguas", escrito por Xie He, Dizhi Culture Publishing Co., Ltd., edición de 2001.
[8] "Arte del Renacimiento italiano", escrito por Xu Qingping, China Renmin University Press, 2004.
[9] Impresionismo, Ma Fenglin, Editorial de Bellas Artes de Hubei, 2005.
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