¿La vida de Picasso?
Los métodos y estilos de pintura de Picasso a lo largo de su vida se pueden dividir en varios períodos: el primer período es el "período azul"; el segundo período es: "el período rosa rojo"; el tercer período es: "el negro"; período "Período"; el cuarto período es: "Período Cubismo", que se divide en dos formas: descomposición y síntesis; el quinto período es: "Período Clasicismo"; el sexto período es: "Período Surrealismo"; "Período abstracto".
Picasso llegó a París con nueve años. Debido a la pobreza, ha estado viviendo en el fondo de la sociedad. En ese momento pintó algunos cuadros al óleo con el tema de los amigos pobres, y los cuadros estaban llenos de fríos tonos azules. Este es su "período de melancolía". En abril de 1904 se instaló en los barrios bajos de París y vivió una vida libre y romántica. En este momento, pintó muchos cuadros con el tema de la vida de los artistas errantes, y el color parecía rosa cálido. Este fue su "período rojo rosa". Posteriormente, fue influenciado por el arte de Cézanne y estudió la estructura de la pintura basándose en Cézanne. Sus obras muestran una tendencia geométrica, comenzando a descomponer las imágenes en varios planos para luego volver a ensamblarlas. En 1907, creó la obra que hizo época "Las señoritas de Aviñón", que marcó el comienzo del período de investigación y creación del cubismo analítico. Pronto utilizó técnicas de collage para crear, lo que marcó el final de su cubismo analítico y avanzó gradualmente hacia el "cubismo sintético".
La principal tendencia en la pintura de Picasso después de los 32 años fue el modelado rico, es decir, el uso del espacio, el color y la línea, que recuerda a Cézanne. Desde entonces, Picasso ha entrado en un período de exploración inquieta tras otro. Sus obras, como su vida, no tienen unidad, continuidad ni estabilidad. No tiene ideas fijas, es cambiante, apasionado o maníaco, adorable y odioso, sincero y pretencioso, adorable y molesto, impredecible e impredecible, pero siempre es leal a la libertad. Nunca ha habido un pintor en el mundo que recreara el mundo a su antojo, con una franqueza asombrosa y una creatividad ingenua, y con total libertad para ejercer el poder a su antojo. Quería crear todo sin reglas ni prejuicios, no tenía reglas a seguir en su camino artístico. Pasó del naturalismo al expresionismo, del clasicismo al romanticismo y de nuevo al realismo. De lo concreto a lo abstracto, de un lado a otro, se opone a todas las limitaciones y a todas las visiones sagradas del universo. Sólo le conviene la libertad absoluta.
En su vida, nunca hubo un maestro concreto ni un niño concreto, pero ningún pintor activo en el siglo XX pudo sortear por completo el camino abierto por Picasso. Dijo: “Cuando trabajamos con un espíritu desinteresado, a veces las cosas que hacemos tienden a atendernos automáticamente. No te preocupes demasiado por varias cosas porque te llegarán de forma natural o inesperada y creo que morimos. Es lo mismo. ¡Cosa!”
En 1973, falleció silenciosamente y, después de una larga carrera, a la edad de 91 años, vivió su vida como deseaba.
Cronología de Picasso
Infancia de 1881 a 1900
1881 10 Picasso nació en Málaga, sur de España;
1889 completó la primera Un óleo "Matador";
Ingresó en la Escuela de Arte de la Ronja de Barcelona en 1895;
Ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en 1897. Su óleo "Ciencia y Caridad" obtuvo el Premio de Honor en la Exposición Nacional de Arte de Madrid y posteriormente la Medalla de Oro en Málaga.
1900-1903 Periodo Azul
1902 completó el "selfie azul"; 1903 completó su vida y la expresó con un fuerte tono azul El sufrimiento de la pobreza, la vejez y soledad;
Período de auge 1904-1906
Los "barcos de lavandería" que comenzaron a instalarse en París en 1904 comenzaron durante el Período Rosa. Conocieron a Fernand Olivi y vivieron juntos;
En 1905, escribió "El niño" con una pipa, que fue comprada por la filántropa Sra. John Hesitney por una enorme suma de 30.000 dólares.
En 1906, conoció al maestro fauvista Matisse y pintó un retrato del escritor y coleccionista estadounidense Chang Chustein. El "Retrato de Stein" fue el trampolín de Picasso desde el "Período Rosa" hasta el "Cubismo".
Período del cubismo 1907-1916
En 1907, conoce a Braque y comienza a crear el estilo cubista, creando "Les Demoiselles d'Avignon";
1909 Analítica Comienza el cubismo; crea "La cabeza de Fernando";
1917-1924 Período clásico
1917 Conoció a la bailarina Olga Koklova en Italia, creó un retrato de Olga;
Casado Olga en 1918, realizó una exposición conjunta con Matisse;
1920 versión coral pintada a mano de "Tricorn Hat";
En 1922, creó dos mujeres corriendo por la orilla del mar;
Periodo del surrealismo 1925-1932
En 1927, conocí a Marie Theresa Waugh, que con sólo 17 años Erchi se convirtió en modelo de Picasso. y dio a luz a una hija, Maggie;
En 1929, él y el escultor Gong Salles crearon esculturas y estructuras de alambre. Produjo una serie de pinturas agresivas con cabezas femeninas como tema, que muestran la crisis del matrimonio y la comprensión de Dalí;
Período de metamorfosis 1932-1945
1932 creó "La mujer en el sillón rojo" ;
1933 Realiza grabados con la temática del taller del escultor.
En 1934 creó una obra con la temática del toreo;
En 1936 estalló la Guerra Civil Española. Conoce a Dora. Maar, y creó el retrato de Dora Maar;
Guernica fue creado en 1937;
En 1942, creó el grabado "La historia de la naturaleza"
1943 Conoció a François Giraud, de 22 años;
Se unió al Partido Comunista Francés en 1944;
1945 comenzó a intentar la creación de litografías;
1946-1973 Pastoral Época
En 1947 nació su hijo Claude. Realizó alfarería en el taller del alfarero Hamil. A partir de 1948 * * *, produjo 2.000 piezas de arte alfarero; en 1948 produjo "La paloma de la paz" y "Veinte poemas de Góngora" para la Conferencia Mundial de la Paz
Creó la serie Carmen en 1949;
Recibió la Medalla Lenin de la Paz en 1950;
En 1953 conoció a Jacqueline Locke en el Taller de Cerámica de Madura;
En 1954, comenzó a componer la serie de variaciones de "Mujeres argelinas" de Delacroix;
En 1956, se estrenó la película "El misterioso Picasso", con Clouzot* * *
En 1957, se celebró la exposición del 75 aniversario de Picasso en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y él creó el grabado "Serie taurina".
En 1958, Picasso creó el mural "La caída de Ícaro" para la sede de la UNESCO en París.
En 1959, creó una serie de variaciones imitando "El almuerzo sobre la hierba" de Manet; " ;
Se casó con Jacqueline Locke, de 35 años, en 1961 para celebrar el 80 cumpleaños de Picasso;
Pintora en color y modelo en 1963;
1966, el Gran Palais y el Petit Palais de París acogen una exposición retrospectiva de Picasso a gran escala.
Creación de la serie Quicksand;
En 1968 crea las series de grabados "Celestite" y "Ridiculous Man"
En 1970, cerca de 2.000 obras tempranas conservadas en España fueron donadas a Picasso; Museo de Bellas Artes de Barcelona;
En 1971, el Museo Nacional de Arte Moderno de París celebró una exposición celebrando el 90 aniversario del nacimiento de Picasso;
En 1973, a la edad de 92 años Murió el 8 de abril en James, cerca de Cannes. Fue enterrado en el jardín de la Villa Fuwennaju el 10 de abril.
Obras de Picasso
Pablo Picasso (1881-1973) es uno de los artistas más influyentes de Occidente en el siglo XX. Dejó una asombrosa cantidad de obras a lo largo de su vida, con estilos ricos y diversos y una creatividad extraordinaria. Picasso nació en Málaga, España, y posteriormente se estableció en Francia durante mucho tiempo. Su padre es profesor de arte. Ama el arte desde que era niño. A los 15 años ingresó en la Academia de Bellas Artes de Barcelona con excelentes resultados, para posteriormente trasladarse a la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Llegó a París, Francia, en 1900 y comenzó a describir las vidas de los pobres con gran compasión. En este momento, sus obras están llenas de tragedia. Las imágenes finas y los fríos tonos gris azulados hacen que sus pinturas estén llenas de soledad y desesperación, desastre y desgracia. La gente llama a este período el "período azul" (1900-1904) de su creación. 1904-1906 fue el "período rosa" de la carrera creativa de Picasso. Sus obras de este período representan principalmente personajes de circo. Aunque las imágenes son melancólicas, no son solitarias. Desde 65438 hasta 0906, influenciado por las primitivas esculturas africanas y las pinturas de Cézanne, Picasso se dedicó a explorar nuevos estilos de pintura. Como resultado, pintó su obra maestra emblemática: "Las señoritas de Aviñón".
Las muchachas de Aviñón
Esta pintura al óleo increíblemente grande no sólo marca un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno, desencadenando La Nacimiento del movimiento cubismo. "Les Demoiselles d'Avignon" se inició en 1906 y se completó en 1907, con muchas revisiones durante el período. En este cuadro, cinco mujeres desnudas y un grupo de naturalezas muertas forman una composición formal. El título de la pintura fue añadido por el amigo de Picasso, Andreu Selman. Se dice que al propio Picasso tampoco le gustó. Pero en fin, este es sólo el nombre de la obra. En el arte moderno, los títulos son cada vez menos relevantes para las obras, y los pintores a menudo no utilizan conscientemente títulos para explicar el contenido de sus obras. Lo mismo debe decirse de Las señoritas de Aviñón de Picasso. La intención original del cuadro era ser una alegoría sobre las enfermedades de transmisión sexual, titulada "La recompensa del pecado", lo cual es claramente evidente en el boceto original que presentaba a un hombre sosteniendo un esqueleto en su mano, recordando una antigua moraleja española; máxima: "Todo es vanidad". Pero durante la creación formal del cuadro, estas anécdotas o detalles implícitos fueron eliminados por el artista. Su impacto final no proviene de ninguna descripción literaria, sino del poder conmovedor de su lenguaje pictórico.
Este cuadro es la primera obra cubista. Las imágenes de las tres mujeres desnudas del lado izquierdo de la imagen son obviamente rígidas deformaciones del cuerpo humano clásico; los rostros y posturas ásperos y anormales de las dos mujeres desnudas del lado derecho están llenos de las características salvajes del arte primitivo. Los pintores fauvistas descubrieron el encanto original de las esculturas africanas y oceánicas y presentaron a Picasso. Sin embargo, fue Picasso, no los pintores fauvistas, quien destruyó la estética clásica con el arte primitivo. En esta pintura no sólo se niegan las proporciones, sino también la totalidad orgánica y la continuidad del cuerpo humano. Entonces la pintura es (como dijo un crítico) "como vidrios rotos". Aquí Picasso destruyó muchas cosas, pero en el proceso de destrucción, ¿qué ganó? A medida que nos recuperamos del impacto de ver la pintura por primera vez, comenzamos a ver que la destrucción es bastante ordenada: todo, tanto la imagen como el fondo, está dividido en bloques geométricos angulares. Notamos que estos fragmentos no son planos, tienen una sensación tridimensional porque están sombreados. No siempre estamos seguros de si son cóncavos o convexos; algunos parecen bloques sólidos, mientras que otros parecen fragmentos de un cuerpo transparente. Estos bloques inusuales dan al cuadro cierta unidad y continuidad.
En esta pintura podemos ver un nuevo método para expresar el espacio tridimensional en un plano bidimensional. Este método se utilizó por primera vez en las pinturas de Cézanne. Vemos que las caras de las dos imágenes en el centro de la imagen están de frente, pero sus narices están dibujadas de perfil; las cabezas están en el lado izquierdo de la imagen, pero los ojos están de frente. Vídeos desde diferentes ángulos se combinan en una misma imagen. Este lenguaje llamado "video sincronizado" se usa más obviamente en la imagen en cuclillas en el lado derecho del cuadro. Esta imagen de tres cuartos de la espalda está separada del eje central de la columna debido al desmontaje y empalme. Sus piernas y brazos están alargados para sugerir profundidad; su cabeza está volteada para mirar al espectador. Picasso parece haber rodeado la imagen 180 grados antes de fusionar las imágenes desde varios ángulos en esta imagen. Este método de pintura rompe por completo las restricciones de perspectiva de los pintores en los 500 años transcurridos desde el Renacimiento italiano.
Picasso intentó mantener el cuadro plano. Aunque muchos de los bloques de la pintura son cóncavos y convexos, no son profundamente cóncavos ni convexos. El espacio que se muestra en la pantalla es tan poco profundo que la pintura parece una imagen en relieve. El pintor eliminó deliberadamente la distancia entre los personajes y el fondo, intentando que todas las partes del cuadro aparecieran en la misma superficie. Si prestamos un poco de atención a la mancha azul del fondo a la derecha, podemos detectar la originalidad del artista. El azul suele tener visualmente un efecto de retroceso. Para contrarrestar este efecto, Picasso enmarcó estas manchas azules con bordes blancos deslumbrantes, de modo que pareciera que destacaban desesperadamente.
Les Demoiselles d'Avignon es en realidad una estructura de pintura independiente que no se preocupa por el mundo exterior. Lo que le importa es el mundo formado por sus propias formas y colores. Nació de la inmortal obra de Cézanne que representa a una chica bañándose. Forma una estructura puramente pictórica en un orden diferente al orden natural.
El disfrute de Cassler
"Retrato de Cassler", Picasso, 1910, óleo sobre lienzo, 100 × 61,5 cm, Chicago, Art Center of Chicago.
Las pinturas de Picasso del período del "cubismo analítico" de 1909-1911 demuestran aún más el abandono de la representación objetiva. Durante este periodo, las imágenes de sus obras, ya fueran naturalezas muertas, paisajes o figuras, estaban completamente descompuestas, dejando al espectador con poca comprensión de ellas. Aunque cada pintura tiene un título, a las personas les resulta difícil encontrar el objeto relacionado con el título. Esas formas descompuestas y fondos se fusionan entre sí, haciendo que toda la imagen esté llena de bloques de diferentes formas entrelazados con líneas verticales, diagonales y horizontales. En esta compleja estructura de red, las imágenes emergen lentamente pero pueden disolverse instantáneamente en bloques complejos. Aquí se minimiza el papel del color. Parece que en la pintura sólo hay algunos monótonos colores negro, blanco, gris y marrón. De hecho, lo que el pintor quiere expresar es sólo la estructura compuesta de líneas, formas y formas, y la tensión que emana de esta estructura.
Este retrato de Cussler demuestra claramente cómo Picasso aplicó el lenguaje analítico del cubismo a la creación de figuras específicas. Lo sorprendente es que Picasso nunca dejó de utilizar modelos como referencia en esta representación extremadamente abstracta de imágenes en descomposición y abandono del color. Para pintar este cuadro, le pidió a su viejo amigo el Sr. Kessler que se sentara pacientemente frente a él veinte veces. Se esforzó por descomponer la forma en detalle, obteniendo así una estructura pictórica que parece estar compuesta de capas de bloques de color transparentes superpuestos. Los únicos colores del cuadro son el azul, el ocre y el violeta grisáceo. El color aquí juega sólo un papel menor. Aunque el contorno de la imagen del Sr. Canwell todavía puede verse débilmente en el entrelazado de líneas y cuadrados, es difícil juzgar su parecido con la persona real. Roland Penrose, el experto en Picasso más famoso, comentó una vez después de ver este cuadro: "Cada vez que se separa una cara, hay un plano que se separa de la parte adyacente y sigue retrocediendo, produciendo constantemente una sensación inmediata, que recuerda a las ondas". En el agua, mientras tus ojos vagan por estas ondas, puedes captar algunas señales aquí y allá, como una nariz, dos ojos, un cabello cuidadosamente peinado, unas pulseras, un par de manos cruzadas.
Pero cuando la mirada se vuelve de un punto a otro, siente constantemente el placer de nadar alrededor de algunas superficies que convencen por su apariencia similar... Al ver una imagen así, surge la imaginación: la imagen, aunque ambigua, parece real y; hace su propia interpretación con alegría, impulsado por la vida simétrica y armoniosa de esta nueva realidad. ”
Botella, Vidrio y Violín
1890-1892, óleo, 45×57 cm, en el Museo de Orsay, París.
Desde 1912 , Picasso recurrió a Experimentó con la pintura en el estilo del "Cubismo sintético". Este nuevo estilo se demuestra claramente en este cuadro llamado "Botella, vidrio y violín". En él podemos distinguir varias figuras basadas en objetos cotidianos: una botella, un vaso y un violín están representados por recortes de periódico. Aquí, el foco del pintor es en realidad la forma básica.
Sin embargo, este problema se abordó con una actitud completamente nueva, la. La imagen se redujo a sus elementos básicos, es decir, se dividió en muchos pedazos pequeños. Picasso usó estos bloques de construcción como elementos. Se formó un nuevo orden de objetos y espacio en sus pinturas. Usó pinceladas cortas y gruesas para yuxtaponer. y conectar esos bloques para obtener una estructura de imagen clara, que encarna el proceso de pintura riguroso y racional, simplemente adoptó el procedimiento opuesto. Ya no tomó objetos reales como punto de partida y los descompuso en básicos. elementos, pero utilizó elementos básicos como punto de partida para transformar formas y bloques básicos en objetos gráficos objetivos, es decir, antes de mostrar botellas, tazas y violines, había organizado y dispuesto una estructura pictórica abstracta abandonando la pintura y la pincelada. Incluso logró una realidad más objetiva con periódicos, papeles pintados y madera con textura y otros materiales similares para hacer collages de bloques de construcción de diferentes formas, que por un lado muestran el mundo exterior al cuadro y por otro. Por otra parte, su combinación orgánica muestra la unidad e independencia del mundo de la pintura, el comerciante de arte y amigo Kahn Weiler comentó sobre él: "Aunque no sepa jugar con el pincel, todavía puede crear obras excelentes. "En este collage, un trozo de periódico a la izquierda representa una botella, y el papel impreso en madera representa un violín. Y unas líneas fuertes dibujadas con carboncillo hacen realidad esta transformación, reuniendo aquellas cosas que no son materiales coherentes. un todo orgánico.
Se puede decir que este lenguaje artístico del collage es el símbolo principal de la pintura cubista. Picasso dijo una vez: "Incluso desde un punto de vista estético, la gente está confundida. Se puede preferir el cubismo. Pero el papel maché es el verdadero corazón de nuestro descubrimiento. "En el uso de este lenguaje de collage, Picasso es obviamente más audaz e imaginativo que otros pintores cubistas (como Braque y Grice). Cuando otros pintores organizan diferentes papeles, deben considerar si son consistentes con la realidad. Una cuestión de lógica. Siempre limitaron el papel con vetas de madera a los objetos que representaban la madera (como mesas y guitarras). Picasso rompió por completo con esta restricción y podía usar un papel tapiz estampado para representar la mesa, o un trozo de periódico recortado para hacer un violín. . Picasso explicó una vez su opinión sobre el collage en una conversación con François Giraud:
“El propósito del papel es señalar las diferencias que pueden introducirse en la composición, convirtiéndose en una realidad en la pantalla que rivaliza con la naturaleza. . Intentamos deshacernos de la perspectiva y encontrar el espíritu del trompe l'oeil. Nunca se utilizan fragmentos de periódicos para representar periódicos. Los usamos para representar una botella, un piano o una cara. Nunca utilizamos el material según su significado literal, sino fuera de su contexto habitual, creando así un conflicto entre la imagen visual original y su nueva definición final. Si los fragmentos de periódico se pueden convertir en una botella, la gente pensará en los beneficios de los periódicos y las botellas. El objeto es desplazado a un mundo extraño, un mundo en el que está fuera de lugar. Sólo queremos que la gente piense en esta extrañeza porque nos damos cuenta de que vivimos solos en un mundo muy perturbador. "(Traducido por François Giraud y otros, "Picasso in Lovers' Works", Tianjin People's Publishing House, 1988, p. 60).
Guernica.
Guernica, Picasso, 1937, óleo sobre lienzo, 305,5×782,3 cm, Museo del Prado.
El óleo "Guernica" es una obra maestra de gran influencia y significado histórico creada por Picasso en los años 30. La pintura fue encargada por el gobierno español para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937. Esta pintura muestra la atrocidad del bombardeo de la Luftwaffe a la ciudad española de Guernica en 1937. Como artista con un fuerte sentido de la justicia, Picasso mostró una gran indignación ante este acto bárbaro. Completó esta obra maestra en apenas unas semanas como condena y protesta contra las atrocidades fascistas.
Aunque Picasso era aficionado a la innovación artística de vanguardia, no abandonó la expresión de la realidad. Dijo: "No soy surrealista y nunca me he divorciado de la realidad. Siempre permanezco en la situación real de la realidad". Esta también puede ser una razón importante por la que eligió pintar Guernica. Sin embargo, la expresión de la realidad en sus pinturas es completamente diferente al realismo tradicional. El rico significado simbólico de sus pinturas es difícil de encontrar en obras realistas ordinarias. El propio Picasso explicó el significado simbólico de esta pintura, diciendo que el toro simboliza la violencia, el caballo herido simboliza el sufrimiento de España y las luces brillantes simbolizan la luz y la esperanza. Por supuesto, en el cuadro también se representan muchas escenas de la vida real. En el lado derecho del cuadro, una mujer sostiene a su bebé muerto y llora al cielo. Debajo de ella hay un soldado, tirado en el suelo con flores en las manos y brazos extendidos con flechas rotas. En el lado izquierdo de la pintura, un hombre aterrorizado levantó las manos en el aire y gritó al cielo. No muy lejos de él, la mujer que se agachó para escapar estaba tan asustada como si sus patas traseras estuvieran detrás de ella. Todos estos son retratos reales de las víctimas de horribles bombardeos aéreos.
Muchas imágenes del cuadro reflejan la absorción por parte del pintor de factores pictóricos tradicionales. La imagen de una madre sosteniendo a su hijo muerto parece provenir de la tradición de la Piedad; la mujer sosteniendo una lámpara de aceite recuerda la forma de la Estatua de la Libertad. La imagen de las manos gritando en el aire es similar a la postura moribunda del patriota en la pintura de Goya; la imagen del soldado tirado en el suelo con los brazos extendidos parece estar relacionada con las imágenes de algunas pinturas de guerra del Renacimiento italiano temprano. Se puede ver que Picasso no sólo fue un innovador audaz con un espíritu rebelde, sino también un artista que respetaba y dominaba la tradición.
A primera vista, la organización de la imagen y la disposición de la composición de este cuadro son muy aleatorias, e incluso podemos sentir que está un poco desordenada. Esto parece coherente con la atmósfera caótica en la que los residentes estaban dispersos presa del pánico durante el bombardeo. Sin embargo, cuando miramos de cerca esta pintura, encontramos que todas las formas e imágenes en este largo espacio pictórico han sido cuidadosamente concebidas y consideradas, y tienen un orden estricto y unificado. Aunque muchas de las imágenes son dinámicas, sus formas textiles revelan claramente algún significado clásico. Vemos que en el centro de la imagen, diferentes imágenes brillantes se superponen entre sí para formar un triángulo isósceles; el eje central del triángulo simplemente divide toda la imagen en forma de franja en dos cuadrados; Y las imágenes en los lados izquierdo y derecho de la pantalla están muy equilibradas. Se puede decir que esta composición llamada pirámide tiene algunas características similares a "La Última Cena" de Leonardo da Vinci. Además, toda la pintura se puede dividir en cuatro secciones de izquierda a derecha: la primera sección resalta la imagen del toro; la segunda sección enfatiza el caballo herido y luchando, y las deslumbrantes luces eléctricas de arriba parecen ojos asustados y solitarios; en el tercer tramo, lo último que llama la atención es la "Estatua de la Libertad" sosteniendo una lámpara y asomando la cabeza por la ventana. En el cuarto párrafo, inmediatamente llama la atención la imagen del hombre asustado con los brazos extendidos hacia el cielo, inolvidable su gesto desesperado. Picasso utiliza esta composición cuidadosamente organizada para expresar imágenes exageradas y deformadas llenas de dinámica y emoción de una manera unificada y ordenada. No solo representa detalles ricos y variados, sino que también resalta y enfatiza puntos clave, mostrando sus profundas habilidades artísticas.
Aquí, Picasso todavía utiliza el lenguaje artístico del recorte. Sin embargo, el efecto visual del recorte en la pintura no se logra mediante métodos de recorte reales, sino mediante pintura a mano. Los personajes de "cortar y pegar" superpuestos uno sobre otro se limitan a tres colores: negro, blanco y gris, resaltando así eficazmente la atmósfera tensa y aterradora de la imagen.