¿Es grave que los ilustradores trabajen horas extras? ¿Cómo convertir tu hobby en un trabajo y convertirte en ilustrador profesional?
Los ingresos de los pintores e ilustradores originales, en lo que respecta a Beijing, el salario actual de los pintores originales de juegos es de 0,60 000 a 30 000 por mes, y el salario promedio en la industria del cine y la televisión es más bajo. que el de los juegos. El salario general en la industria de la animación es más bajo que el de los juegos y las películas, y se caracteriza por un umbral bajo. Normalmente trabajo en proyectos relativamente pequeños, como vídeos promocionales, y películas como la de Luo Xiaohei son proyectos relativamente de alto nivel. Las empresas de publicidad también tendrán carreras de pintura. Las ilustraciones tendrán algún papel en la publicidad y cooperarán con anuncios de renombre. Algunos guiones gráficos y guiones gráficos son muy gratificantes pero muy agotadores. En la industria editorial, algunas empresas de Internet o editoriales de libros, y algunos libros ilustrados, publican muchas imágenes, los salarios son relativamente bajos y la industria es inestable porque el tamaño del mercado es relativamente pequeño.
2. Situación laboral y ambiente: Básicamente, todas estas industrias trabajan horas extras, excepto el cine y la televisión, donde hay más mujeres. La mayor parte del ambiente de trabajo es bueno, pero las empresas de animación son un poco peores. A menudo me quedo despierto hasta tarde y trabajo horas extras debido al nerviosismo. Las empresas de juegos son relativamente formales en esta industria debido a su gran escala, buenos beneficios y estructura simple de relaciones con el personal.
3. Contenido de la obra: La diferencia entre ilustraciones y pinturas originales es más hermosa y el fondo es para que el público lo vea.
La pintura original del artista original Li Rui está para que la vean los productores, principalmente para el diseño de performance.
Un cuadro como este es un cuadro que combina las funciones de ilustración y pintura original, es decir, un cuadro vertical.
4. ¿Cómo entrar en la industria? El primero es tener habilidades profesionales. En primer lugar, para ingresar a la profesión CG, debes tener habilidades de modelado, es decir, habilidades de pintura, habilidades de diseño, habilidades estéticas y habilidades de expansión. Ampliar tu capacidad es tu principal competitividad, es decir, cómo dibujar mejor que otros.
Las tres etapas del aprendizaje: (1) Periodo y afición. Cultivar intereses y pasatiempos y comprender el sistema de conocimientos.
(2) Periodo de aprendizaje. Ordenar el sistema de conocimientos, entrenar de forma planificada, practicar y crear.
(3) Periodo de promoción. Capacidad estética y sistema de conocimientos en expansión.
Para la habilidad de modelado, necesitas practicar líneas y habilidad de modelado. Debes dibujar más y practicar la perspectiva de las partes.
De izquierda a derecha, gira la cabeza hacia la izquierda y hacia la derecha, de arriba hacia abajo, gira la cabeza hacia abajo y levanta la cabeza. Se deben practicar todas las partes.
Puntos de atención en el modelado de personajes y diseño de vestuario.
5. Portafolio y currículum. Si se puede extrapolar, la tasa de éxito será mayor. Si no, envíe su currículum en línea. El portafolio debe centrarse en el diseño y no puedes incluir más de 3 ilustraciones muy completadas, como la imagen de abajo.
Obra 6 del pintor original Li Rui. Esta industria es una industria de alta eliminación y requiere una gran persistencia. El estudio en una escuela privada requiere mucho tiempo y energía, y habrá un largo período de crecimiento que requerirá que dediques más tiempo al trabajo duro fuera del trabajo.
Integrando aficiones y estudios en la vida, la energía de las personas es muy limitada. A la hora de relajarte, puedes elegir algo que te ayude a dibujar, como ver exposiciones, fotografías, películas, etc.
En cuanto a ilustradores y diseñadores gráficos, por favor ayuden. Habilidades básicas de diseño gráfico En primer lugar, si no existe una barrera informática, debe considerarse una habilidad básica. Por supuesto, esto no es incompatible con no depender de las computadoras. No confiar en ello no significa que no puedas entenderlo. Después de todo, en nuestro trabajo, cada proceso, desde el diseño hasta la impresión, requiere la ayuda de computadoras. Hoy vemos que este problema es el mismo que la razón por la que los pintores no pueden utilizar bolígrafos. En segundo lugar, la falta de conocimientos de impresión obstaculiza el desarrollo de muchos diseñadores gráficos. Como no lo entienden, muchos diseñadores piensan que sus diseños son lo que parecen en la pantalla de la computadora, lo cual es muy peligroso. Por razones técnicas, todavía existe una gran brecha entre el efecto de producción real. Al no estar familiarizados con las características y defectos de la impresión, muchos diseñadores continúan creando problemas y poniendo obstáculos para la impresión durante el diseño, lo cual es una estupidez. Los diseñadores gráficos necesitan tener muchos conocimientos de impresión, como el rendimiento de varias marcas de máquinas de impresión, el rendimiento de diferentes especificaciones del mismo modelo, el rendimiento de diferentes marcas de tinta, las características de la tinta de cuatro colores y el color directo. tinta, y el desempeño de diferentes marcas, especificaciones y variedades de papel, tecnología especial, postprocesamiento y encuadernación, etc. Todas estas son cuestiones que los diseñadores deben considerar para sus clientes al diseñar. Entonces, si comprende las computadoras y los procesos de impresión, ¿se le puede llamar diseñador gráfico? Quizás no, después de todo, lo anterior no está directamente relacionado con el "diseño". En lo que al diseño gráfico se refiere, existen muchas reglas distintas: a. El plano es desigual. Yo también he tenido mucha suerte durante los últimos veinte años. Por ejemplo, en los primeros días de comer este plato de arroz, compré accidentalmente un montón de revistas de "arte y diseño" en un puesto de libros usados. Esto siempre será un recuerdo emocionante para mí. Debido a que en ese momento estaba confundido por los diseños deslumbrantes, no había ningún maestro a quien seguir. Este montón de revistas viejas me abrió los ojos a la puntualidad.
Lea atentamente revistas de arte y diseño. Se incluyen todas las técnicas relacionadas con el diseño gráfico, que son discretas y amables, lo que deja mucho espacio para el plagio. Gran parte de mi comprensión del diseño gráfico proviene de este montón de revistas viejas. "Plano desigual" es mi comprensión del efecto de imagen en el diseño gráfico. Mucha gente lo llama diseño, composición, estructura y sentido de la forma. Me gusta mantenerlo simple. Después de observar muchos buenos diseños, siento que los diseñadores buscan el efecto "desigual" de forma intencionada o no. Es decir, utilizar varios elementos planos sobre materiales planos (como papel, etc.). ), nos esforzamos por ampliar el espacio visual. El pintor Cézanne empezó a experimentar con esta teoría cien años antes que nosotros y la llevó al extremo. Lo que me hace suspirar es que el cambio artístico menos comercial y más aterrador de hace cien años se haya convertido en el arte gráfico más comercial cien años después. Qué interesante. Este concepto de espacio incluye una sensación de espacio natural y una sensación de espacio contradictorio. Puede elegir libremente según los pasatiempos, los requisitos de diseño y las necesidades de impacto visual del diseñador. No mucha gente está haciendo escándalo ahora, pero las técnicas (o elementos) utilizadas por los diseñadores son regulares, ya sea para expresar la sensación de espacio natural o la sensación de espacio contradictorio. Hay mucho que juntar. Por ejemplo: hacer agujeros; efectos de sombras exagerados; usar imágenes muy reales y texturizadas; uso contrastante de elementos físicos y elementos de pintura; el efecto de superposición de; texto y texto; comparación de relaciones proporcionales entre caracteres, etc. Debido a limitaciones de espacio, no quiero explicarlo en detalle. En el futuro podrá comparar claramente los trabajos de ejemplo con los textos teóricos. b. Música en color El color es el alma de la obra gráfica. Si quieres utilizarlo bien, debes entender el papel y la tinta. La combinación de diferentes papeles y diferentes tintas producirá efectos absolutamente diferentes. Pero la diferencia entre nosotros y los pintores es que los diseñadores gráficos sólo tienen cuatro tubos de pintura en sus manos, pero pueden confiar en las características de densidad de los puntos para mezclar todos los colores que podemos percibir. Este es realmente un invento sorprendente. Como país originario de la tecnología de impresión, damos las gracias a los alemanes. La combinación de puntos y papel (blanco) puede hacer que la tinta parezca más uniforme, brillante y limpia. Pero esto es sólo una cuestión técnica. Los diseñadores deberían confiar más en la espiritualidad en el uso del color en el trabajo de diseño. A menudo espero que mis amigos diseñadores que me rodean puedan aprender algo de música. Esto no es un misterio. Usar la teoría musical para analizar el color es realmente simple y directo. Esto es lo que encontré. 1. En primer lugar, cualquiera que sepa música sabe que no existe un sonido fijo en un instrumento y que la posición del "Tao" de las notas cambia con el modo. Los diferentes modos transmiten diferentes emociones y son adecuados para diferentes instrumentos y sonidos. Esta es la misma razón por la que usamos el color. El tono y la concepción artística de todo el cuadro se transmiten a través de los colores cálidos y fríos del cuadro. Pero desde la infancia, la relación entre colores fríos y colores cálidos está fijada en nuestros corazones. El rojo es más cálido y el azul es más frío. De hecho, este es un concepto equivocado. Los colores, como las notas musicales, cambian de tonalidad (la relación entre cálido y frío) a medida que cambia el entorno. Sabiendo esta verdad, ¿el azul también podemos usarlo nosotros? & amp lo calienta. 2. Debido a la pantalla, los diseñadores gráficos no están acostumbrados a dar nombres artísticos a los colores, como magenta, ultramar y azul lago, sino que utilizan cuatro números más simples y directos. Esto es bueno. Cumple con los requisitos de la era empresarial o la era digital. Este es un requisito mecánico. La comprensión de la tonalidad del color es una formación espiritual para los diseñadores gráficos. 3. En segundo lugar, la aplicación de los conceptos de acordes y melodías en el diseño gráfico. Los amigos que tocan instrumentos musicales conocen otra verdad. No importa cuál suena bien o no. Las notas deben juntarse para hacer música, de lo contrario habrá ruido si sigues presionándolas. Cuando lo juntas, se convierte en un acorde "C". Es como la combinación de colores rojo, azul y blanco, siempre es armoniosa. Puede continuar agregando nuevas notas al acorde, como agregar "ven", y la clave cambiará inmediatamente y se convertirá en un acorde de séptima. Si reemplazas "Mi" por "Mi", irás hacia el azul de una manera completamente diferente, al igual que en la combinación de rojo, azul y blanco, el violeta o el naranja brindan una experiencia visual completamente diferente. Los acordes siempre se pueden agregar con notas para convertirse en acordes de novena, y los acordes de 13.ª son como lo que a menudo llamamos colores. Después de comprender este principio, comprenderemos más directamente que los colores deben usarse en grupos. La base de estas combinaciones debe ser la misma que la de los acordes do, re, mi, fa, con una combinación original. Para que los diseñadores sigan cambiando, tienen que hacerlo dentro de estas combinaciones. Tienes que mantener juntos los colores irrelevantes, al igual que "pelo" y "esperanza" no están uno al lado del otro. No importa, tu cuadro debe ser muy aburrido; si debes juntar colores hostiles, quedará feo. Utilice el principio de las cuerdas para comprender el color e inmediatamente saldrá del malentendido de la falta de color y descubrirá que hay demasiados colores para elegir. La combinación razonable de tonos amplía continuamente el espacio visual de la imagen, haciendo que la imagen sea hermosa y pesada. Este es el papel de los acordes de color. ¿Pero los acordes por sí solos hacen música? No, la música necesita melodía, la música sin melodía no es buena. Entonces, ¿cuál es la melodía de una obra gráfica? Es el proceso de mirar una obra con los ojos. Ya sea un cartel o un folleto, existe la cuestión de qué leer primero, qué leer después, qué es lo que más necesita ver la gente, qué recordar y qué recordar. Estos forman la melodía de la obra gráfica, poniendo nerviosos los ojos del espectador sobre cuándo descansar y dónde descansar al final. Ésta es la pregunta más importante en la que deben pensar los diseñadores. c. Ritmo Según mis sugerencias, mis asistentes de diseño han resumido y grabado varios tonos durante mucho tiempo.
De las obras de artistas famosos, de los patrones de varios grupos étnicos, de los paisajes naturales, utilizamos estos colores en el trabajo práctico. Un conjunto de colores que se encuentran en verduras y frutas y que se utilizan en pequeños folletos elaborados para comida rápida. Porque necesitas una paleta de colores que dé hambre a la gente. Pero pronto surgieron problemas. Muchas combinaciones de colores resumidas por diseñadores famosos en diseño han cambiado después de que las usamos. No hay genialidad. ¿Por qué? Esto realmente nos molestó por un tiempo. Al principio pensamos que había un problema con la grabación del color y que el color correcto no era lo suficientemente preciso. Posteriormente, muchos experimentos no tuvieron éxito, pero afortunadamente, después de un largo período de confusión, finalmente encontramos la razón. Resulta que el uso del color, como el ritmo en la música, requiere proporción. Muchos tonos hermosos también requieren un control razonable de la proporción de color. En determinadas condiciones, el área utilizada para un determinado color debe ser grande y el área utilizada para un determinado color debe ser pequeña. Algunos son solo para ventilación y otros para descompresión. No tengo la confianza para seguir buscando reglas, es realmente voluble. Pero lo cierto es que las obras gráficas deben requerir una especie de control del ritmo. Hay muchos elementos que controlan el ritmo, entre los que se suelen utilizar el color, las imágenes, la disposición del texto, etc.