La concepción artística de las ilustraciones literarias en acuarela: ¿quiénes son los pintores japoneses que pintan acuarelas (el estilo de pintura es muy fresco y artístico)?
[Análisis del uso de la luz para crear una concepción artística en la pintura de acuarela] El curso de pintura de acuarela de concepción artística del cielo estrellado y la hoja de arce es una categoría importante del pensamiento estético tradicional chino. La pintura constituye la concepción artística al plasmar imágenes artísticas intuitivas y concretas. Para superar las limitaciones impuestas por el sentido de instantaneidad y estática en las artes plásticas, los pintores suelen utilizar un lenguaje artístico y técnicas de expresión inspiradores y simbólicos para expresar el proceso del tiempo y la expansión del espacio. La pintura con acuarela es el arte del color de la luz y el color es un derivado de la luz. Deberíamos aprovechar mejor la luz en las acuarelas para crear efectos naturales y coloridos en el plano de la pintura. Ampliar el campo de actuación de las técnicas de pintura con acuarela, enriquecer la interpretación de la imagen, mejorar la expresión artística de la pintura con acuarela y crear un espacio artístico. En la pintura, la luz se selecciona y combina conscientemente según las necesidades del cuadro, y mediante el uso efectivo de este lenguaje se logra el propósito de crear una concepción artística.
1. Diseñe diferentes colores de fuentes de luz para crear una concepción artística.
El mismo objeto aparecerá en diferentes colores cuando se encuentre con diferentes fuentes de luz, y los objetos con diferentes fuentes de luz inevitablemente aparecerán en diferentes bandera. El color de la fuente de luz es un factor importante a la hora de unificar el color de la imagen. El tono a menudo crea una primera impresión fuerte y juega un papel clave. El tono puede tocar rápidamente los corazones de las personas a través de la representación del estado de ánimo y la expresión de emociones, infectando a las personas.
Los tonos cálidos y fríos expresan diferentes significados. Los pintores suelen elegir diferentes temperaturas de color como colores claros. Los objetos cubiertos por colores claros de diferentes temperaturas de color también aparecerán en diferentes colores, lo que hará que las personas sientan diferentes estados de ánimo. Por ejemplo, las pinturas de Turner son estéticas y románticas. Lo que dedicó y persiguió a lo largo de su vida fue la luz, la niebla, el vapor, el sol, el fuego, el agua y el reflejo, todos los cuales se entrelazan en un cuerpo dulce, hermoso, feliz y un dolor profundo. . El amarillo brillante suele ser el color dominante en la luz que representa, como en "El incendio del Capitolio en junio de 1834". Turner eligió el naranja como color de fuente de luz y utilizó su técnica especial para crear un cuerpo luminoso que contrastaba con el azul claro del cielo, dando a los espectadores una fuerte sensación del fuego furioso que iluminaba el río y el cielo. Toda la imagen es hermosa y cálida.
Se puede decir que las formas de luz en la naturaleza son ricas y coloridas. A medida que cambian el tiempo y las estaciones, la luz determina la temperatura del color y la atmósfera de todo. Si quieres bañar el paisaje con la luz adecuada, debes saber cómo utilizar la luz para crear una concepción artística única y transmitirla al público. La elección del color de la fuente de luz es una parte importante a la hora de determinar la atmósfera de la imagen. El autor cree que el color de la fuente de luz no es necesariamente un registro preciso del color real o del efecto luminoso. En cambio, el autor diseña el color de la fuente de luz (es decir, determina el color principal) de acuerdo con las necesidades de la imagen y las emociones. ser expresado, para que la obra pueda suscitar * * * comentarios de la audiencia.
En segundo lugar, diseñar luz con diferentes intensidades para crear una concepción artística.
De acuerdo con el principio selectivo de la percepción estética, en la creación de belleza, especialmente en la creación de belleza artística, la percepción del sujeto se dirige de manera estable al objeto, de modo que la atención no intencional se transforma en atención intencional, con lo que suprimir las percepciones irrelevantes tanto como sea posible, haciendo que la percepción relacionada con un objeto específico esté altamente excitada, de modo que el centro excitador dominante en el área correspondiente de la corteza cerebral pueda experimentarla completamente. La razón por la que las películas tienen primeros planos, las pinturas y esculturas tienen partes prominentes y el escenario utiliza la persecución de la luz es para atraer la atención del público y guiarlo a tomar decisiones.
Diferentes intensidades de luz pueden producir contrastes de diferentes intensidades. A través del contraste y los cambios de sombra, se representa la atmósfera ambiental del espacio y se realza la sensación de espacio en la imagen. Cuando la luz en un espacio es oscura o el espacio está en sombras, las personas que están dentro sentirán que el espacio se encoge, se tensa y se deprime. Por el contrario, cuando la luz del espacio es fuerte, las personas que se encuentren en él se sentirán cómodas, abiertas y relajadas. Si la luz que ingresa al espacio tiene forma de punto y es lineal, los cambios y el entrelazamiento de luces y sombras no solo le darán al espacio una sensación de jerarquía, sino que también lo harán rico, activo e incluso misterioso. En las acuarelas, varias combinaciones de luces y sombras, luces y sombras pueden expresar la distancia entre las cosas y las personas. En general, se cree que cuanto más cerca del ojo, mayor es el brillo y las cosas en el fondo siempre son oscuras. De hecho, todo lo contrario, el primer plano es al mismo tiempo el más oscuro y el más brillante. En otras palabras, el fuerte contraste entre luces y sombras revela la silueta con mayor claridad. En cambio, el contraste entre luces y sombras en el fondo desaparece tanto que todo desaparece en un gris brillante. El fuerte contraste de luces y sombras perfila el objeto, esto es la "realidad".
El contraste entre los colores se debilita y el contraste entre la luz y la oscuridad es pequeño, formando una atmósfera artística "virtual" de la imagen se crea a través del contraste entre lo virtual y lo real.
El claroscuro es un método muy utilizado en la creación artística. A través de investigaciones en psicología visual, se ha demostrado que las partes claras son más atractivas que las oscuras, los colores saturados son más neutros y los bloques de colores cálidos son más atractivos que los bloques de colores fríos. En la creación, los pintores suelen utilizar luces y sombras para configurar la gestión del cuadro, con el fin de representar la atmósfera del cuadro y hacer que el espectador sueñe con él. Rembrandt, el maestro de la luz y la sombra, es mejor para representar la atmósfera de una imagen con un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad. Por ejemplo, en "Night Patrol", utilizó el efecto de foco para resaltar a los dos oficiales que hablaban en la pintura y dispuso el resto en la escena intermedia y en el fondo. Combinando detalles exquisitos con un todo vago. Hay un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad en la imagen, lo que da al público una impresión fuerte, llamativa y armoniosa. Es muy dramática y constituye un ámbito poético y conmovedor. La pintura con acuarela es un arte de la luz. Mediante el uso de la luz, la imagen puede contrastar lo virtual y lo real, y crear una concepción artística a través del contraste. Por ejemplo, "Red Reggie" de Turner muestra el paisaje natural de lagos y montañas. El autor utiliza hábilmente técnicas de contraste, especialmente en la unión de montañas y agua en la imagen, con facilidad. Los colores son sutiles, el cielo y las nubes a lo lejos se manejan con libertad y sin esfuerzo, y las grandes montañas distantes de color rojo violeta parecen sutiles y brumosas. El cuadro completo es grande y vacío, claro y oscuro, frío y cálido, con niveles brumosos, armoniosos y de ensueño. Por ejemplo, "Avalancha en la montaña Grisong" es una escena emocionante. La avalancha cae del cielo y es imparable. La avalancha brillante en el centro de la imagen contrasta marcadamente con las partes oscuras de las raíces rotas de los árboles en primer plano, lo que la hace resaltar y se suma a la atmósfera peligrosa. El pintor utiliza pinceladas rápidas para dar a la nieve que cae una sensación de movimiento, expresando la vida y la magnificencia de los movimientos de la naturaleza. Otro ejemplo es "Sunset". La luz y la sombra proyectadas por el sol poniente en el río forman un fuerte contraste visual con las fuertes mesas y sillas en primer plano, recordando a la gente el atardecer en el río, lírico y cómodo. Al igual que el hermoso paisaje descrito en el poema: "Un círculo de sol poniente se extiende en el agua, la mitad del río susurra y la mitad del río es rojo", lo que transmite una belleza artística infinita. Las luces y sombras fuertes dan a las personas una sensación brillante e intensa, mientras que el contraste suave y débil les da a las personas una sensación confusa y misteriosa. Hay muchos ejemplos de este tipo, todos los cuales son el pleno uso que hace el pintor de métodos de contraste para expresar la naturaleza de forma objetiva. El contenido artístico de la obra determina una determinada forma, y la elección del contraste de luces y sombras debe determinarse en función del contenido específico. Para la belleza majestuosa y masculina de la meseta de Loess, una pintura realista y de fuerte contraste es más adecuada, mientras que una pintura etérea de contraste débil es más adecuada para la lluvia y niebla brumosas, ligeras y hermosas de la ciudad acuática de Jiangnan. La disposición del diseño de luces y sombras unifica perfectamente forma y contenido.
En tercer lugar, diseñar la luz en diferentes direcciones para crear una concepción artística.
La luz tiene características lineales y una direccionalidad prominente. Según la dirección de recepción de la luz de la imagen, generalmente se puede dividir en luz delantera, luz trasera, luz lateral, luz superior, luz inferior y luz dispersa. La luz suave, la luz que incide desde el frente de la imagen, generalmente tiene el efecto de resaltar la imagen o mejorar la profundidad. La luz lateral es la luz que incide desde el costado de la imagen y la imagen del objeto tiene un tono distinto. Si hacemos buen uso de la luz y las sombras laterales para construir la imagen, podemos expresar mejor la textura y el volumen de la imagen del objeto, enriquecer el nivel de la imagen y realzar la profundidad espacial. La retroiluminación, la luz que incide desde la parte posterior de la imagen, a menudo oscurece la mayor parte de la imagen del objeto y, al mismo tiempo, puede delinear claramente el contorno de la imagen del objeto. Luz superior, la luz que incide desde la parte superior de la imagen; , y la imagen del objeto se proyecta debajo; Luz inferior, la luz que incide desde la parte inferior de la imagen es una luz suave sin una direccionalidad clara. La dirección de la fuente de luz es muy importante para mostrar el contorno y la forma de un objeto. Cambiar el ángulo de la fuente de luz a menudo puede hacer que un objeto común parezca encantador.
La dirección de la luz en la pintura afecta a la composición del cuadro y a la creación de la atmósfera. Por ejemplo, durante el amanecer y el atardecer, a muchos pintores les gusta usar retroiluminación para darle a la imagen una profundidad de campo vertical. Por ejemplo, en la obra "El puerto" de Claude Lorraine, las elegantes líneas de los veleros y los edificios clásicos proyectan largas sombras bajo el resplandor del sol poniente, contrastando con los reflejos en el agua, presentando una imagen perfecta y en movimiento. La luz lateral hace que las personas u objetos tengan una mayor sensación de volumen y un efecto más tridimensional. Rembrandt, por ejemplo, solía utilizar una fuerte luz lateral para crear personajes y utilizaba el contraste entre la luz y la oscuridad en el rostro para representar las expresiones y rasgos de los personajes.
La iluminación en diferentes direcciones puede hacer que las sombras tengan características diferentes. Las sombras son extremadamente importantes a la hora de crear la atmósfera de la imagen. Cambiar la posición de la fuente de luz o aumentar o disminuir la intensidad de la fuente de luz tendrá inmediatamente un gran impacto en la atmósfera de la imagen. Por ejemplo, "Unchained" de Hu Yichuan es una pintura al óleo a gran escala con personajes simples y resumidos, colores simples y cálidos, una composición rigurosa y completa y una combinación distintiva de personajes.
En particular, la imagen está llena de una atmósfera alegre y la fuente de luz en el suelo es una característica importante de esta obra. El soldado del Ejército Popular de Liberación, a la izquierda, en primer plano, sostiene una linterna que ilumina el suelo y los personajes de abajo hacia arriba. Especialmente en la parte inferior de la imagen destaca una enorme y fría cadena de hierro dispuesta por el artista. En esta posición de la imagen, se revela la insensibilidad y la crueldad de las fuerzas reaccionarias. La liberación habría sido un acontecimiento feliz, pero las experiencias y el sufrimiento de los revolucionarios en prisión hicieron que la gente se sintiera triste y apesadumbrada. La luz utilizada por el pintor soluciona muy acertadamente este problema. Se proyecta una luz parcial sobre la figura central, lo que hace que los colores cálidos de la imagen sugieran la llegada de la libertad y la liberación, mientras que el alto muro en el fondo izquierdo representa el terror y la oscuridad en la prisión.
En lo que respecta a la pintura con acuarela, la composición en el sentido moderno se refiere a las características posicionales de cada elemento visual en un determinado plano material. Como arriba y abajo, izquierda y derecha, tamaño, círculo, cuadrado, luz y oscuridad cuando la luz se refleja en la pantalla, y sus estados formales derivados como escasez, densidad, retorno y equilibrio. El estudio de la luz en la acuarela sigue básicamente el camino del estudio del color en la pintura al óleo, es decir, desde el método claro y oscuro hasta el método frío y cálido. Diferentes fuentes de luz en diferentes direcciones hacen que la proyección y la distribución de la imagen sean diferentes. La luz y la oscuridad serán diferentes, y la proporción entre frío y calor de la imagen también será diferente, por lo que la imagen formará una atmósfera diferente, ya sea densa o brillante. Por ejemplo, en la obra de Wyeth "Girlfriend", la luz brilla diagonalmente a través de la ventana sobre los personajes del cuadro, y las sombras de la celosía de la ventana forman interesantes proyecciones sobre los personajes. Las partes gruesas y oscuras forman un fuerte contraste con el cuerpo humano bajo una luz intensa, lo que convierte a los personajes de la imagen en el centro visual, lo cual es muy impactante. El autor cree que este es el resultado del minucioso esfuerzo del pintor. A través de la organización ordenada de luces y sombras, se muestra la concepción artística del cuadro.
La personalidad del lenguaje de la acuarela es un factor importante en la formación de la capacidad de información de las obras, y también es una razón importante por la que las obras de acuarela tienen encanto artístico y vitalidad. La acuarela es un arte de colores claros. Podemos ver que esos excelentes maestros de la acuarela tienen sus propias características en el uso de la luz. Por ejemplo, Turner es magnífico, por eso sus pinturas están llenas de movimiento; Wyeth es racional, por lo que sus pinturas están llenas de tranquilidad y melancolía. Como medio de color, si la luz se utiliza con precisión en la pintura y el diseño es consciente, se reducirá la aleatoriedad en la pintura. La luz tiene significados simbólicos, como vida, brillo, ideales, etc.; la luz puede mostrar el tiempo: el día, la noche, la mañana y el desmayo. Integrar el diseño y la aplicación de la luz en los ideales y conceptos del autor puede mejorar eficazmente la ductilidad de la obra. Entonces una obra que incorpore los sentimientos sinceros del autor transmitirá naturalmente su concepción artística. En la pintura de acuarela, la luz se refleja a través del color y el diseño de la luz es la selección y combinación de colores. Al ser un diseño, no es una descripción pasiva del objeto, sino un reflejo de la conciencia subjetiva del autor. En el diseño de la luz, el autor debe considerar el color de la luz y la forma en que se proyecta la luz, el contraste entre luces y sombras, la proporción de luces y sombras y la composición. Esta es una interpretación integral del concepto del autor. sólo esas obras pueden tener vitalidad. Desde la representación de la luz natural pura hasta el diseño de la luz con una cierta direccionalidad, explore el poder expresivo más fuerte de la luz como lenguaje pictórico. Debido a esto, elegí cambiar la forma de la imagen discutiendo el diseño de la luz para expresar plenamente mi búsqueda de concepción artística. En la pintura de acuarela, el diseño y uso de la luz es una técnica de expresión que maximiza la expresión de escenas de tiempo y espacio. Por un lado, estas técnicas dan al pintor plena iniciativa en la composición de la concepción artística, rompiendo las limitaciones de los objetos objetivos en un tiempo y espacio concretos. Por otro lado, proporcionan al espectador un amplio mundo de imaginación artística, creando. El espacio limitado y la imaginería inclusiva en la obra abre un mundo infinito y rico en connotaciones ideológicas.
Leonardo da Vinci dijo: "¡Mira la luz y considera su belleza! Parpadea y mira de nuevo y verás lo que no estaba allí y lo que estaba allí. La luz es como un mago, creando". un reino inesperado, y la sombra hace que este reino sea mágico. Al intentar utilizar diferentes efectos de luces y sombras para expresar el mismo tema, ganará mucho y obtendrá una comprensión más profunda del peso de las luces y las sombras en la pintura.
Referencias:
Christopher Zink. Color y luz en la pintura de acuarela[M]. Traducido por Dong Jiping, Editorial Juvenil de China, 1999.
[2] "Introducción al Arte"/Departamento de Educación Artística China[M]. Prensa de Cultura y Arte, 2006.
[3]Li Guangyuan. Arte en color[M]. Editorial de Bellas Artes de Heilongjiang, 2000.
[4]Paul Jackson. La expresión de la percepción de la luz en las técnicas de pintura con acuarela[M]. Ding Wei, traduce. Editorial de Bellas Artes de Jiangsu, 2002.
[5]He Zhengguang.
Colección completa de pinturas mundialmente famosas: el maestro acuarelista británico Turner [M]. Prensa educativa de Hebei, 2001.
Autor: Escuela de Bellas Artes, Universidad Jiaying, Guangdong.
(Editor: Ju Xiangling)
¿Quiénes son los acuarelistas japoneses (muy frescos y artísticos)? Mukumoto Natsuye (siempre conocido por su estilo de pintura fresco y hermoso, sus obras son típicas del estilo de "nueva estética" del siglo XXI).
Ito Murmur (de colores brillantes, pero lleno de una magnífica sensación de transparencia). Las ilustraciones tienen líneas suaves y colores brillantes, y los movimientos y decoraciones de las chicas son muy lindos y populares. )
Yamamoto Keiji (Las líneas faciales simples y refinadas, los colores de acuarela puros y brillantes y las posturas de los personajes ligeras y dinámicas hacen que la gente sienta que la atmósfera que se derrite es como un mundo de cuento de hadas).
Harada Yukio es bueno en composiciones en forma de bloques sin líneas de tinta, lo que tiene una sensación de pincelada a mano alzada. Hace que la gente se sienta cercana. )
Nishi Mata Aoi (Los personajes son completos y sustanciales. Si miramos de cerca sus pinturas, aunque no hay nada particularmente impresionante, hay un encanto ordinario embriagador.)
Nanase Las coloridas pinturas de Aoi son excepcionales, lo que la hace única en la creación de hermosas imágenes de niñas: las pinturas hermosas, hermosas y de ensueño son muy apreciadas. )
Zhu (que es bueno pintando CG, lleno de transparencias y elementos de fantasía) es bien recibido por los lectores y la comunidad empresarial. )