Diez películas imprescindibles para los fotógrafos.
La mayoría de estas películas se pueden comprar en DVD originales, pero algunas son extremadamente raras, lo que también demuestra su rareza.
1. Baraka (Cielo y Tierra)
La patente de los fotógrafos, fotógrafos que también hacen fotografías fijas.
Baraka es un antiguo término sufí en el Islam, que significa "bendición".
Esta película recibió excelentes críticas cuando se estrenó por primera vez y algunos críticos de cine locos la llamaron "el mejor documental del siglo XX". Hace unos años algunas personas incluso afirmaban que si fueran exiliados a una isla desierta, esa sería la única película que se llevarían consigo. La película está basada en la evolución de la Tierra y los humanos, así como en la relación entre los humanos y el medio ambiente. No hay diálogo de principio a fin. El origen del paisaje que tienes delante depende totalmente del público.
Se dice que el director Ron Frick pasó 14 meses viajando a 24 países en seis continentes con un equipo de tres personas para rodar esta película. * * * Se gastaron cuatro millones de dólares. Para una película que no requiere que los actores paguen altos honorarios por su aparición, la inversión es considerable. Otra razón para una inversión tan elevada es el equipo de filmación: utiliza el costoso formato Todd-AQ de 70 mm. Al mismo tiempo, el efecto musical de esta película es excelente y le brinda un impacto visual y auditivo poco común.
Apreciar y ver películas es más que simplemente tomar fotografías.
Las escenas de Baraka son el sueño de cualquier fotógrafo. En un momento estás imaginando el rostro humano de un macaco y al siguiente estás en el Monte Fuji en Japón. Antes de tener tiempo de saborear la ceremonia de cremación a orillas del río Ganges en la India, me detuve frente al templo sirio. Esta es una película que vale la pena volver a ver porque hay tanto contenido que una mirada fugaz simplemente no puede absorberlo todo.
Además de la escenografía, el director también utilizó tecnología de control de programas informáticos para realizar una gran cantidad de tomas a intervalos para reflejar las concurridas escenas de las calles de Manhattan y Tokio. Esta es sin duda una característica de las películas, pero ¿aún pueden los fotógrafos considerar el uso de efectos de exposición retardada para expresar algunas escenas ocupadas?
Junto con esta película hay un hermoso libro ilustrado, que registra en detalle varias experiencias interesantes durante el rodaje. También se adjuntan numerosas fotografías en color y en blanco y negro.
Las películas no tratan sobre las actuaciones de los actores, ni ellos mismos.
Si hay algo malo en esta película, su originalidad y estilo de rodaje parecen bastante similares a una película de 1983 llamada Koyaanisqatsi. Curiosamente, el director y director de fotografía de Koyaanisqatsi también es Ron Frick.
Al igual que el extraño título de la película, es una obra maestra dedicada a todos aquellos que entienden y están dispuestos a apreciar las artes visuales.
2. Barry Lyndon (Deuda de sangre)
Las películas no tratan sobre las actuaciones de los actores, ni lo son.
Antes de ver esta película, déjame hacerte una pregunta: ¿Alguien tiene una lente f0.7? Incluso en el industrializado siglo XXI, tal cosa probablemente no se encuentre por ningún lado. Quizás sólo exista un objetivo f0,7 en el mundo: el que utilizó Kubrick para rodar "Blood Debt".
Esta preciosa lente, que se dice que fue personalizada por Zeiss para la NASA, de alguna manera terminó en manos de Kubrick. Modificó ligeramente la lente y la montó en la cámara. La enorme transmitancia de luz de F0.7 le permite utilizar iluminación a la luz de las velas al fotografiar paisajes interiores sin necesidad de otras fuentes de luz artificial.
Con una herramienta tan afilada, la composición de esta película, ya sea un paisaje exterior o un espacio interior, es extremadamente reflexiva, como una pintura al óleo fluida y exquisita que se puede sacar fácilmente y colgar en la pared. . superior. Pero vale la pena señalar que la película utiliza conscientemente mucha "composición central", especialmente en escenas interiores. El punto central de la imagen siempre está marcado con pilares, puertas, ventanas, mesas y sillas, que también es el centro de la imagen. La próxima escena también es el centro donde la lente quiere guiar a la audiencia. Desde la perspectiva de la psicología visual, sólo hay un sentimiento positivo y dinámico cuando la simetría se desvía o cambia. Esta simetría habitual en una toma estática sólo puede producir una sensación psicológica embotada. Y esto es exactamente lo que Kubrick quería transmitir: una sociedad sin vida, jerárquica y ociosa.
Podemos aprender mucho de ello. Aprecialo desde la perspectiva de un fotógrafo
Esta película cuenta la historia de Europa en el siglo XVIII, cuando la Alianza Anglo-Prusiana y la Alianza Franco-Austríaca estaban en guerra entre sí. Barry, un sinvergüenza irlandés sin un centavo y un niño pobre, conoció accidentalmente a una viuda rica y se metió en la clase alta. Pero en busca de un título nobiliario, luchó con el señor y finalmente fue expulsado de Inglaterra. Quizás esta película debería traducirse a una versión europea de The Deer and the Cauldron.
En esta película, Ryan O'Neal, que interpreta a Barry Lyndon, capta bien la libertad y la presión moral del gángster.
Él y la película también ganaron una serie de premios, como el Premio al Mejor Estudiante de Cine, el Premio al Mejor Director de Arte, el Premio a la Mejor Película Británica, etc. Esta película, que dura más de tres horas, tiene al menos veinte o treinta escenas que vale la pena grabar como imágenes fijas. Por supuesto, si no tiene la lente f0.7 mencionada anteriormente, intente capturar algunos reflejos rápidos. Después de todo, f0.7 suena más lejos que un mito.
3. Sumisos
Podemos aprender mucho de ellos. Apreciala desde la perspectiva de un fotógrafo
Se puede decir que esta película es la obra maestra del gran director Bernardo Bertolucci. Aunque la trama no sigue el patrón tradicional de "principio hasta el final", la película se ha convertido en un clásico de la historia del cine gracias al inteligente rodaje del director de fotografía Vittorio Storaro. El uso exquisito de la luz, los ángulos de disparo poco comunes y el uso de varios filtros de color aportan mucho a esta película. Aunque fue tomada hace 35 años, todavía hay mucho que los fotógrafos de hoy pueden aprender de ella: pensar fuera de lo tradicional y crear su propio estilo.
El director Bertolucci de Parma filmó más tarde la famosa "El último emperador" y ganó ese año el Premio de la Academia al Mejor Director. Otras de sus obras incluyen "Cubriendo el cielo", "El último tango en París", etc.
4. Día en el Paraíso (Sueño de Amor)
Apreciar y ver películas no se trata sólo de tomar fotografías.
Los fotógrafos fijos suelen hablar de las llamadas "horas mágicas", el amanecer y el anochecer de cada día. En estos momentos, la débil y cálida luz del sol hace que los objetos luzcan especialmente bellos. Pero para los directores de fotografía, el "momento mágico" a menudo no es una opción debido a limitaciones de trama y presupuesto. Obviamente, ningún equipo de producción está dispuesto a pagar mucho dinero para que el elenco y el equipo se queden sentados por un día solo para ese momento al anochecer.
La única excepción es la película "Un sueño de amor" filmada en 1978. La película cuenta la historia de un triángulo amoroso a principios del siglo XX. El director Malick contrató a dos directores de fotografía famosos en ese momento: Nestor Almendros y Haskell Wexler. La mayor parte del metraje se rodó al anochecer, por lo que ganó el Premio a la Mejor Fotografía de 1978.
En resumen, la trama de esta película es extraña y no resiste el escrutinio. Sin embargo, lo que no se puede ocultar son sus destacados efectos visuales. Así se sintió Néstor Almendros después de la película:
Es coto exclusivo de los fotógrafos, fotógrafos que también toman fotografías.
"Malick me dijo que quería hacer una película que se centrara en los efectos visuales y contara la historia a través de efectos visuales. Mucha gente no se da cuenta de la importancia de los efectos visuales y muchos directores prestan más atención a los actores. Sin embargo, esta es una película que habla con efectos visuales. Esta película trata sobre cosas antes de la invención de la electricidad, por lo que la luz generalmente era muy débil, y así era como vivía la gente en ese momento. -La llamada hora mágica es en realidad un eufemismo para no más de 25 minutos al día. A esta hora, el sol acaba de ponerse y aún no ha oscurecido, pero el sol no es visible durante este tiempo. Tiene efectos mágicos. A veces, solo podemos filmar 20 minutos al día, pero realmente vale la pena. La película es muy hermosa y romántica".
5. Sueño
Podemos aprender mucho de esto. Apreciarlo desde la perspectiva de un fotógrafo
Este es un boceto del sueño del emperador del cine japonés Akira Kurosawa. La obra completa consta de ocho sueños: Sun Rain, Peach Blossom Land, Snow, Tunnel, Crow, Red Mount Fuji, Crying Devil y Waterwheel Village. Estos ocho sueños abarcan casi todos los temas de la vida humana, como la guerra y la paz, la sociedad y la vida. Diferentes sueños tienen diferentes escenas y usan diferentes colores para presentar todos los temas que enfrentan los seres humanos uno por uno. Las imágenes surrealistas llamaron bastante la atención en ese momento.
Dejando de lado las características nacionales de Japón, la mayor inspiración que esta película brinda a los fotógrafos de naturaleza muerta es aprovechar la imaginación más profunda tanto como sea posible. Muchos fotógrafos se ven atrapados por un trabajo empresarial abrumador o por "opiniones de arriba" y no pueden dar rienda suelta a su inspiración. Pero creo que, como artista, un fotógrafo siempre debe buscar su propia inspiración tanto como sea posible. Lo que un fotógrafo capta con su cámara no sólo debe reflejar la realidad, sino también intentar reflejar sus pensamientos internos. En esta película, Kurosawa utiliza audazmente colores muy brillantes, desde brillantes luces primaverales hasta túneles fríos. Quizás todo el mundo tenga un sueño colorido.
En resumen, "Dream" no es sólo la catarsis personal de Kurosawa. Hoy en día, nuestras emociones y sentimientos se vuelven cada vez más aburridos y ásperos debido a las malas películas. Lo que realmente necesitamos es un cuento de hadas real, no esos estúpidos libros de texto que hacen que la gente parezca cada vez más estúpida.
Podemos aprender mucho de ello. Apreciación desde la perspectiva de un fotógrafo
6. El último emperador
Esta es otra película de Bertucci. Para cualquier director del mundo filmar la historia del último emperador Puyi es un gran desafío. Bertucci completó con éxito esta película que abarcó 59 años (de 1908 a 1967), convirtiéndola en un clásico de la historia del cine. La historia es magnífica, colorida y espectacular.
La historia comienza en el invierno de 1950: el emperador Puyi de la dinastía Qing fue escoltado de regreso a China desde la Unión Soviética como criminal de guerra. Después de que el tren llegó a la estación de tren de Manzhouli, en la frontera chino-soviética, Puyi pensó que la mataría, así que se metió en el baño y trató de cortarse las venas.
El director del Instituto de Gestión de Criminales de Guerra de China notó que algo andaba mal y llamó a la puerta del baño. El golpe en la puerta sumerge a Puyi en recuerdos...
El uso del color es definitivamente lo más destacado de esta epopeya. Bertucci y el director de fotografía Vittorio Storaro utilizaron tonos muy raros para realzar la atmósfera. Hay quienes dicen que el verdadero protagonista de esta película no es Zunlong, sino el fotógrafo Storro. Por ejemplo, en la infancia de Puyi, su vida era colorida, y los colores en ese momento eran principalmente naranja y amarillo brillante. (Pu Yi también dijo en sus memorias que cuando era niño, debido a que la mayoría de los objetos a su alrededor eran amarillos, lo que representaba al emperador, creía que todo era originalmente amarillo). Durante el período del "Puppet Manchukuo", el tono de la película cambió a un índigo sombrío. Pero cuando recibió el cuidado del presidente Mao y recibió reeducación, su color se volvió completamente gris. En la última etapa de la vida de Puyi, los colores se fueron suavizando progresivamente, insinuando la conciencia final de este hombre que había pasado por altibajos...
En 1998, Bertucci publicó un libro "El último emperador : Muchas veces" Disparos ". En este libro profundiza en su experiencia en la aplicación del color en "El último emperador". Como fotógrafo de bodegones, debes saber que el tono de una fotografía es muy importante. Es extremadamente sutil, difícil de captar e incluso puede guiar sin darse cuenta las emociones del espectador.
Además, cabe mencionar que aunque hay muchas películas y series de televisión sobre la Ciudad Prohibida, hay muy pocas que realmente puedan capturar la grandeza de la Ciudad Prohibida. Aunque es obra de un director italiano, "El último emperador" es suficiente para servir de ejemplo a muchos "dramas del palacio Qing" en China.
Podemos aprender mucho de ello. Apreciarlo desde la perspectiva de un fotógrafo
Después del estreno de la película en Occidente. Inmediatamente se desató una ola de "fiebre china". En 1988, se anunció la 60ª edición de los Premios de la Academia y El último emperador ganó la Mejor Película. Hay 9 premios que incluyen Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Vestuario, Mejor Compositor, Mejor Montaje, Mejores Efectos de Sonido, Mejor Fotografía y Mejor Artista.
7. Levanta la linterna roja.
Como película psicológica, "Raise the Red Lantern" es muy particular en cuanto al uso del color. Zhang Yimou merece ser fotógrafo y la aparición repetida de diferentes tonos hace que el estado de ánimo del público fluctúe con la trama. El Sr. Qiao va a pasar la noche en el baño de una dama. Hay una linterna roja colgando frente a la puerta de la dama. El uso del método clásico de impresión en tres colores hace que el rojo y el amarillo de esta película sean muy brillantes, lo cual es poco común en las películas occidentales. Al mismo tiempo, una variedad de ropa colorida también hace que la película sea más sofisticada.
Apreciar y ver películas es más que simplemente tomar fotografías.
Esta película ha ganado muchos honores: una de las diez mejores películas chinas en los 10º Premios de Cine de Hong Kong; el "Premio León de Plata" en el 44º Festival Internacional de Cine de Venecia, el Premio de la Asociación Internacional de Críticos de Cine, el Premio de la Sociedad Católica de Críticos de Cine, el Premio Especial Ginger Styling, el Premio Especial Villagnotta, nominada a la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 64ª edición de los Premios de la Academia de los Estados Unidos, el "Premio David" al Oscar Nacional Italiano a la Mejor Película en Lengua Extranjera y a la Mejor Actriz de Cine en Lengua Extranjera; nominación (Gong Li); la Asociación de Cine de Milán de Italia otorgó al público el primer premio a la mejor película en lengua extranjera del año.
8. El Tercer Hombre (La Tercera Persona)
Debido a la aplicación de la tecnología digital, esta película tiene la oportunidad de ser llevada a un DVD y convertirse en un recuerdo inmortal del época de blanco y negro.
Podemos aprender mucho de ello. Apreciación desde la perspectiva de un fotógrafo
En términos de técnicas de disparo, esta es probablemente la primera vez en la historia del cine que la cámara se coloca en un rincón para expresar ansiedad e inquietud. Al mismo tiempo, la distorsión intencionada de gran angular y las tomas con poca profundidad de campo también exacerban el tono frío de la película. El uso de una gran cantidad de luces y sombras moviliza eficazmente la atención del público. Toda la película es tan impactante como una pesadilla e inolvidable.
¿Esta película en blanco y negro parece un poco anticuada en comparación con las películas en color anteriores? Pero si miras esta película con atención, volverás a apreciar el encanto de las luces y las sombras en blanco y negro: la magia del monocromo. La película ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, el Premio a la Mejor Fotografía en la 23ª edición de los Premios de la Academia, el Premio de Oro a la Mejor Película del British Film Institute y fue nombrada la primera mejor película en la historia del cine británico.
9. La ilusión de la luz (imagen de la luz)
La patente de los fotógrafos, fotógrafos que hacen fotografías fijas también.
Estrictamente hablando, esto no es una película, sino un documental sobre cine. En este vídeo también podemos encontrar muchos de los vídeos presentados anteriormente. Por ejemplo, Néstor Almendros, el director de fotografía de "Los días están rotos", concedió una breve entrevista a la película antes de su muerte. También están Storro, el fotógrafo de El último emperador, y otros.
En cierto sentido, es el director quien controla las técnicas fotográficas del fotógrafo. Por ejemplo, Roman Polanski, director de "El bebé de Rosemary", mencionó muchas veces en entrevistas que a veces con solo mover la cámara unos centímetros se puede mejorar mucho el efecto de la película. En una entrevista de 1967, Conrad Hall, director de A sangre fría, mencionó cómo eligió y construyó una celda en la que Robert Blake interpretaría a un asesino a punto de ir a la horca. La lluvia seguía golpeando la valla. Hall descubrió que si la cámara se colocaba en cierto ángulo, las sombras de las gotas de lluvia parecían lágrimas en el rostro de Blake. Esta escena luego se convirtió en una escena lacrimógena en las salas de cine.
La película consta de cientos de fragmentos de película. Una vez terminada la película, quedarás profundamente conmovido por la inspiración y la magia detrás de la cámara. Los fotógrafos fijos también se beneficiarán enormemente de esto.
Esta es una película de ciencia y educación sobre fotografía, con cientos de clips que te guiarán sobre cómo usar la luz, cómo elegir el tono correcto y cómo hacer de tu película un clásico.
Podemos aprender mucho de ello. Aprecialo desde la perspectiva del fotógrafo
Esta película se divide en tres partes según el tiempo. La primera parte es la era del cine mudo. La segunda parte es el período narrativo del cine en blanco y negro. La tercera parte es el período del cine en color. Finalmente, la película explora cómo se pueden utilizar diferentes colores para evocar emociones en los espectadores.
10. Migración alada (Aves y sueños de volar)
Este es un documental sobre animales salvajes. Creo que muchos entusiastas de la fotografía han tenido la experiencia de fotografiar aves. ¿Cuernos largos y disparos continuos? Eso es sólo un juego de niños. Veamos cómo este loco director francés dispara pájaros.
Con millones de dólares de financiación, el director Crusaud contrató un equipo de filmación de 450 personas. Las herramientas de filmación incluyen globos aerostáticos, pequeños planeadores e incluso pequeños aviones con cámaras incorporadas disfrazados de pájaros. Durante el primer año, básicamente no disparé, simplemente seguí a los pájaros. Una vez que me familiaricé con ellos, ya no les tenía miedo. Durante los dos años siguientes, su equipo (incluido 50 expertos en aves) rastreó aves en 40 países y condensó todos los resultados en una película de 98 minutos, con un promedio de solo un minuto de metraje cada 225 minutos. El efecto es naturalmente muy real y conmovedor.
La versión en DVD cuenta con 50 minutos de metraje detrás de escena. Se puede observar que el equipo de filmación no escatimó esfuerzos para domesticar a un grupo de pájaros y acostumbrarlos al rugido de los aviones para filmar escenas en portaaviones y fábricas. El fotógrafo necesita desarrollar una relación con los gansos recién nacidos, imitar sus cantos, nadar con ellos y hacerles sentir que el fotógrafo es uno de ellos. Es este increíble y paciente cultivo de la emoción lo que nos trae tales primeros planos y tomas en vivo. Como documental, no es casualidad que "Los pájaros y los sueños vuelan" haya alcanzado una taquilla de 2,5 millones en Francia. Hermosas imágenes, buena música. Una toma impresionante, una sinfonía completa y perfecta.