¿Cuáles son los métodos de disparo?
La palabra fotografía en inglés proviene del griego φω? Phos (luz) y γ ρ α φ ι? Graphis (pintura, dibujo) o γ ρ α η grafo η, en conjunto significa "dibujar con luz". Se refiere al proceso de utilizar algún equipo especial para grabar imágenes. Generalmente utilizamos cámaras mecánicas o cámaras digitales para tomar fotografías. A veces también se llama fotografía a la fotografía, que es el proceso de exponer un medio fotosensible utilizando la luz reflejada por un objeto. Alguien dijo una vez en un lenguaje penetrante: La capacidad del fotógrafo es transformar las cosas pasajeras y ordinarias de la vida diaria en imágenes visuales inmortales.
La fotografía, comúnmente conocida como fotografía, consiste en utilizar una cámara para capturar imágenes en un negativo e imprimir el negativo en fotografías individuales, una por una, y almacenarlas de forma permanente. Pero la imagen de la foto es quieta y silenciosa, sólo permite a la gente mirar sus personajes y su concepción artística, y luego comprender su significado.
Hoy en día, la fotografía más antigua existente en el mundo se remonta a 1827, realizada por el francés Joseph? Manos de Nip.
Proceso de exposición
Al tomar fotografías, la luz ingresa al casete a través de un pequeño orificio (más a menudo un grupo de lentes) y el medio en la parte posterior del casete (en relación con el incidente dirección de la luz) imágenes. El tiempo de iluminación requerido varía según la intensidad de la luz real y la fotosensibilidad del medio. Durante la iluminación, el medio es iluminado por luz.
Postproducción
Una vez finalizada la fotografía, la información de la imagen almacenada en el medio debe ser leída nuevamente por el ojo humano mediante conversión. El método específico depende del medio fotosensible y de las características del medio. Para las cámaras de película, existen procesos químicos como fijación, revelado y amplificación. Para las cámaras digitales, se necesita un procesador para calcular los datos y luego enviarlos a través de dispositivos electrónicos.
Equipo utilizado
Por lo general, las personas toman fotografías con luz visible, siendo las cámaras las más utilizadas. Debido a los diferentes escenarios y usos, existen muchas categorías de cámaras. En términos generales, una cámara debe tener varios componentes básicos para garantizar el proceso de exposición, que incluyen: medios fotosensibles, lentes de imagen, mecanismo de control del tiempo de exposición, casete de película y medios de almacenamiento.
Fotografía Documental
La fotografía nació con la finalidad de registrar. Su poderosa vitalidad tras su nacimiento reside precisamente en su función registradora. Esto es incomparable o irremplazable por otras tecnologías o artes. Entonces, en términos generales, la fotografía es registro.
Fotografía Artística
Con el desarrollo de la fotografía, la gente continúa añadiendo elementos artísticos a la fotografía y comienza a producir fotografías artísticas. La diferencia entre esta y la fotografía documental radica en el nivel artístico, pero no existe un límite absoluto. Por ejemplo, nos hacemos una foto como documento de identidad o como recuerdo. Generalmente, las fotografías tomadas en estudios fotográficos tienen como máximo algo de información o valor récord. Sin embargo, 50 años después, el retrato que tomó el Sr. Zheng Jingkang del Sr. Qi Baishi sigue siendo uno de los 20 mejores retratos del mundo. La diferencia es enteramente a nivel artístico.
Fotografía
La fotografía de retratos siempre ha sido una forma importante de fotografía de retratos con su hermoso lenguaje fotográfico y su hermosa connotación de diseño. Desde la invención de la fotografía se puede decir que la fotografía de retrato ha estado presente a lo largo de ella y ha marcado varios hitos en la historia de la fotografía. En la segunda mitad del siglo XIX, el fotógrafo británico Landa tomó fotografías de dos caminos de vida y una vez predijo que "se acerca una nueva era de la fotografía". En una época en la que la fotografía todavía era menospreciada, esta obra fue muy elogiada por la reina Victoria por su inspirador tema y composición. Se puede decir que Landa contribuyó mucho a promover el reconocimiento de la fotografía como arte. Desde entonces, la fotografía de retrato se ha ido convirtiendo poco a poco en un género fotográfico importante.
Holografía
La holografía se refiere a una nueva tecnología fotográfica que registra toda la información sobre la amplitud y fase de las ondas reflejadas del objeto. La fotografía ordinaria registra la distribución de la intensidad de la luz en la superficie de un objeto, pero no puede registrar la información de fase de la luz reflejada por el objeto, por lo que se pierde el sentido tridimensional. La holografía utiliza un láser como fuente de iluminación y divide la luz emitida por la fuente de luz en dos haces. Un haz se dirige a la placa fotosensible y el otro haz es reflejado por el sujeto y luego disparado a la placa fotosensible. Los dos haces de luz se superponen a la placa fotosensible para causar interferencia. La sensibilidad de cada punto de la placa fotosensible no solo cambia con la intensidad, sino que también cambia con la correlación de fase de los dos haces de luz. Por tanto, la holografía registra no sólo la intensidad del reflejo sobre el objeto, sino también la información de fase.
Cuando el ojo humano mira directamente a esta película fotosensible, sólo puede ver franjas de interferencia como huellas dactilares. Sin embargo, si se irradia con láser, el ojo humano puede ver la imagen tridimensional del sujeto original a través de la película. Incluso si sólo queda una pequeña parte de la imagen holográfica, aún puede reproducir la escena completa. La holografía se puede utilizar en muchos aspectos de la industria, como pruebas no destructivas, holografía ultrasónica, microscopios holográficos, almacenamiento holográfico, películas y televisión holográficas, etc.
1. Pintura y Fotografía
La fotografía pintoresca es un género artístico que floreció en el campo de la fotografía a principios del siglo XX. Se originó en Inglaterra a mediados del siglo XIX.
Los fotógrafos de esta escuela persiguen el efecto de la pintura o el ámbito de la "poesía y la pintura" en sus creaciones. Ha pasado por tres etapas: la etapa de la imitación; la etapa de la defensa de la elegancia y la etapa del arte;
El pintor propuso que "debería haber un Rafael de la fotografía y un Tiziano de la fotografía".
La pintura y la fotografía han atravesado un largo período de desarrollo. La primera placa fotográfica de pintura fue del pintor británico Shiloh (1802-1870). Se especializa en fotografía de retratos y sus obras tienen estructuras rigurosas y formas elegantes. El período comprendido entre 1851 y 1853 fue el período de crecimiento de la fotografía pictórica. En 1869, el fotógrafo británico HP Robinson (1830-1901) publicó un libro sobre los efectos pintorescos de la fotografía. Propuso: "Un fotógrafo debe tener ricas emociones y un profundo conocimiento artístico para convertirse en un excelente fotógrafo. No hay duda de que el progreso continuo y la invención de la tecnología fotográfica inspiran objetivos más elevados, lo cual es suficiente para que los fotógrafos jueguen más libremente; pero El progreso tecnológico no es igual al progreso artístico, porque la fotografía en sí, por refinada y completa que sea, es sólo un cinturón que conduce a un objetivo superior". sentó las bases teóricas de esta escuela.
En 1857, Og Leland (1813-1875) creó una obra de estilo renacentista compuesta por más de 30 negativos: Two Ways of Life, que marca la madurez del arte de la pintura y la fotografía.
La mayoría de las obras de este período están llenas de tintes religiosos y contienen ciertas metáforas. Al disparar, haga un boceto con anticipación, luego use modelos y accesorios para organizar y arreglar la escena, y procese en el cuarto oscuro. Persiga el efecto pictórico de la pantalla fotográfica.
Posteriormente, el contenido de la fotografía pictórica se amplió, pero el estilo todavía defendía el clasicismo, y la forma y la composición seguían reglas académicas, por lo que parecía frugal, pesada y elegante.
Cuando la escuela llegó a la etapa de pintura, todavía se caracterizaba por la búsqueda de la belleza emocional, la concepción artística y la belleza formal.
Porque el pintor enfatiza los logros artísticos: "Para que la fotografía tenga un lugar en el arte, los fotógrafos primero deben cultivar la capacidad estética y los logros artísticos. Por lo tanto, su contribución histórica es transformar la fotografía de lo mecánico original". Los objetos de imitación fueron orientados al campo de las artes plásticas e impulsaron el desarrollo del arte fotográfico.
Dado que la mayoría de las creaciones pictóricas están divorciadas de la vida real, el equipo fotográfico es cada vez más perfecto, el interés de la gente por la belleza temprana continúa desarrollándose y se ve impactado por el "naturalismo". lugar en el palacio del arte fotográfico actual.
Los principales fotógrafos y obras de este género incluyen: Banquet de Baron Pledge (?-1896), Robinson Crusoe, escena de la pagoda "When the Day is Ended", "Autumn", "Two Little Girls" de Robin Hood; ", "La hora de la muerte", "Julieta con el frasco", "Amanecer y atardecer"; Rayland el Bautista, Covenant Aspora, Effie, Virginia, Judith y Holoferne Jefe de Niza; Thomas Carlyle de Lady Cameron (1815-1897) y Nida (1820-1910) en su lecho de muerte.
2. Fotografía Impresionista
Del 65438 al 0899 se celebró en Inglaterra la primera exposición de pintura impresionista francesa. Bajo la influencia del pintor Robinson, propuso el estándar estético de que "la fotografía con teclas suaves es más hermosa que la fotografía con teclas suaves" y abogó por la fotografía con teclas suaves. Este género es el reflejo del Impresionismo en la pintura en el campo de la fotografía.
Al principio, filmaron con lentes de enfoque suave, reveladas e impresas en papel tejido, persiguiendo un efecto de expresión artística vaga. Con la aparición del "método de revelado con bromuro de plata" y el método de revelado en papel en el que los pigmentos se mezclaban con pegamento dicromato, las obras impresionistas evolucionaron desde el control de las imágenes con lentes hasta el procesamiento en el cuarto oscuro. Propusieron que "la obra no debería parecerse en nada a una fotografía" y "si no hay pintura, no hay fotografía real".
Bajo la guía de esta teoría, los fotógrafos impresionistas también utilizaron pinceles, lápices y borradores Procese la imagen, cambie deliberadamente los cambios de luz y oscuridad originales y busque el efecto de "pintura".
Por ejemplo, "Park Sweeper" de La Croix de 1900 es como un dibujo al carboncillo sobre lienzo. Los fotógrafos impresionistas perdieron por completo las características de su propio arte fotográfico, por eso algunos los llaman "imitaciones". Se puede decir que es una rama de la pintura y la fotografía.
El arte de este género se caracteriza por tonos oscuros, líneas de sombra ásperas, decoración rica, pero falta de espacio. Sus fotógrafos famosos son Dumas (?-1937), Puyue (1857-1933), Qiu En (1866-1944) y Wattsek (1848-1903). 1871-1937), Durkheim (1848-1965438), Évre (1874-1948), Mizón.
3. Fotografía realista
La fotografía realista es un género fotográfico con una larga historia que continúa hasta el día de hoy y sigue siendo la base y el género principal de la fotografía. Es la encarnación del método de creación realista en el campo del arte fotográfico.
Los fotógrafos de este género insisten en las características documentales de la fotografía en sus creaciones. En su opinión, la fotografía debería tener una lealtad "igual a la naturaleza misma". Sólo cuando cada detalle de la imagen tiene "precisión matemática" la obra puede ejercer un atractivo y una capacidad de persuasión que otros medios artísticos no pueden. a. Stieglitz dijo una vez: "Nuestra misión es sólo discutir la lealtad". Por otro lado, reflejan el objeto de manera fría y puramente objetiva como un espejo objetivo, defendiendo que la creación debe ser selectiva y que lo que el artista refleja debe tener su propio. juicio estético. El famoso fotógrafo realista Lewis Hayne dijo una vez un dicho tan famoso: "Quiero exponer lo que se debe corregir; al mismo tiempo, quiero reflexionar sobre lo que se debe elogiar. Se puede ver que defienden que el arte debe ". reflejar el punto de vista de la vida. Se atreven a afrontar la realidad y la mayoría de sus temas creativos están tomados de la vida social. El estilo artístico es simple y sin pretensiones, pero tiene un fuerte poder de testimonio e inspiración.
El primer pasatiempo de la fotografía realista fue el documental con colodión realizado por el fotógrafo británico Philip de la Motte en 1853. Más tarde vinieron las fotografías de guerra de Ross Fenton y las Maravillas de Yellowstone de William Jackson a finales de los años sesenta. Después de 1870, la fotografía realista maduró gradualmente y comenzó a centrar su atención en la sociedad y la vida. Por ejemplo, el Dr. Barnardo, fotógrafo de la época, capturó la trágica situación de los niños de la calle, lo cual fue impactante.
La afición a la fotografía realista ha ido ocupando poco a poco un lugar propio en el campo del periodismo debido a su enorme función cognitiva y su extraordinario atractivo. El trabajo del fotógrafo estadounidense Jacob Rees sobre la vida en los barrios marginales de Nueva York en la década de 1990 es un trabajo fundamental en este sentido.
Posteriormente, surgieron un gran número de fotógrafos realistas, y sus obras son conocidas por su fuerte autenticidad y profundidad en la historia de la fotografía. Por ejemplo, "Los mineros del carbón" del británico Brandt; "Las mujeres francesas muertas son afeitadas y desfiladas en las calles" del estadounidense R. Capa; "La muchacha" del francés Weiss, etc., hay demasiados para mencionarlos.
4. Fotografía natural
En 1899, el fotógrafo Peter Henry Emerson publicó un artículo titulado "Fotografía naturalista" en respuesta a las debilidades de la creación pictórica, criticando el estilo pictórico de la fotografía. fotografía, que aboga por que los fotógrafos regresen a la naturaleza para encontrar inspiración creativa. Él cree que la naturaleza es el punto de partida y el punto final del arte, y sólo el arte que está más cerca y más parecido a la naturaleza es el arte más elevado. Dijo que ningún arte refleja la naturaleza de manera más precisa, meticulosa y fiel que la fotografía. "Desde el punto de vista emocional y psicológico, el efecto de la afición a la fotografía reside en las escenas grabadas con lentes no modificadas en materiales fotosensibles". Otro maestro de la escuela, A. L. Pacho, dijo más claramente: "El arte debe dejarse en manos del artista. En lo que respecta a nuestra fotografía". En lo que respecta a esto, no tenemos nada en qué confiar y tenemos que crear de forma independiente."
Se puede ver que este concepto artístico es una reacción a la pintura y anima a las personas a romper con las limitaciones de la academia. Liberación favorece el pleno desarrollo de las características propias.
Los temas creativos de esta escuela son principalmente paisajes naturales y vida social.
Porque la fotografía naturalista se contenta con describir la realidad superficial de la realidad y la realidad "absoluta" de los detalles, descuidando explorar la esencia de la realidad y refinar los objetos superficiales. En definitiva, no presta atención a la tipicidad de la creación artística y de las imágenes artísticas. Se trata, pues, esencialmente de una vulgarización del realismo. Esto a veces resulta en una distorsión de la realidad.
Los fotógrafos famosos de la escuela incluyen a Deveson (1856-1930), Wilkinson (1857-1921), Geer (?-1906), Scratcher (1856-?), Sutcliffe (1859-1940), etc.
5. Fotografía pura
La fotografía pura es un género de arte fotográfico que maduró a principios del siglo XX. Su fundador es el fotógrafo estadounidense Steve Grizzly (1864-1946). Abogan por que la fotografía debe dar rienda suelta a sus propias características y expresiones, deshacerse de la influencia de la pintura y buscar los efectos estéticos únicos de la fotografía con tecnología fotográfica pura: alta definición, niveles tonales ricos, cambios sutiles de luces y sombras, puro Tonos en blanco y negro, representación meticulosa de texturas y representación precisa de imágenes. En resumen, los fotógrafos de esta escuela persiguen deliberadamente la llamada "calidad fotográfica": expresar de forma precisa, directa, sutil y natural la luz, el color, la línea, la forma, la textura y la calidad del sujeto sin recurrir a ningún otro medio de arte plástico.
El "Looking Over New York" exhibido por la promoción de 1913 es una obra maestra puramente académica. El fotógrafo mira una plaza de Nueva York desde arriba. Aunque no hay procesamiento ni decoración, la composición novedosa y la forma única son refrescantes. Otro ejemplo es Frank K Sandberg de E. Utilizó múltiples métodos de exposición para evitar las limitaciones de espacio y tiempo en una sola obra, y representó las transiciones emocionales y los tonos del poeta en una imagen. Los cambios en combinación y composición son muy rítmicos.
Desde cierta perspectiva, algunos de los pensamientos y creaciones de los puristas son "híbridos" de formalismo y naturalismo, que luego evolucionaron hacia el "Nuevo Objetivismo". Sin embargo, este género ha impulsado en cierta medida la exploración e investigación de las personas sobre las características y técnicas de expresión de la fotografía.
Los fotógrafos famosos de este género son Strand (1890-?) y fotógrafos jóvenes del grupo de la agencia de fotografía 6.2, como Adans, Genlinghan, etc.
Las obras posteriores de los puristas se desarrollaron hacia la abstracción de líneas, patrones e imágenes distorsionadas. Entre los fotógrafos influyentes se incluyen Yabo, Steiner, Steven y Evans.
6. Fotografía del Nuevo Objetivismo
La fotografía del Nuevo Objetivismo también se conoce como “fotografía dominante” y “fotografía del nuevo realismo”. Es un género artístico de fotografía que surgió en la década de 1920.
La característica artística de este género es buscar la "belleza" en las cosas ordinarias. A través de primeros planos, primeros planos y otros medios, el sujeto se "separa" del todo, se resalta un cierto detalle del sujeto y la estructura de su superficie se representa de manera precisa y verdadera, logrando así un efecto visual deslumbrante. No cree que la esencia del arte resida en la naturaleza del objeto, por lo que su pensamiento estético pertenece al naturalismo. Por ejemplo, el fotógrafo Pacho utilizó una técnica de primer plano para tomar un primer plano del eje giratorio de la locomotora en 1923, mostrando el estado del eje giratorio de la locomotora mientras estaba en marcha. Dado que la imagen abandonó otros detalles, le dio a la audiencia. una fuerte impresión visual.
El pionero teórico del Nuevo Objetivismo es Strand, quien estipuló las características artísticas del Objetivismo de la siguiente manera: "El Nuevo Objetivismo es la esencia de la fotografía, y también es el producto y el límite de la fotografía". La fotografía "tiene un fuerte poder expresivo sobre la vida y requiere ojos para observar las cosas". Por esta razón, no se basa en procesos y métodos operativos superficiales, sino que se debe utilizar la fotografía pura. "Los pioneros de la fotografía de la Nueva Objetividad son Atget y Steichen. El verdadero fundador es Pacho, mencionado anteriormente.
Pacho se opuso a la dependencia de la fotografía de la pintura. Enfatizó que el arte fotográfico debe basarse en sus propias características, creyendo que la fotografía El valor estético de la pintura está oculto en sus propias características. Sólo dando pleno juego a sus propias características se puede crear belleza. Dijo: "Los pintores deben hacer pinturas de manera casual. Sólo basándose en sus características inherentes se puede crear una fotografía autosuficiente. ." No se puede pedir prestado nada. ”
El logro de los fotógrafos de la Nueva Objetividad es alentar a las personas a estudiar y explorar las características de la fotografía en sí y, sin embargo, devolver la fotografía del mundo de fantasía estética a la vida real. sobre la descripción de la estructura superficial de materiales detallados, que sentó las bases para el surgimiento de la fotografía abstracta posterior.
Alrededor de 1925, debido a la aparición de cámaras pequeñas de gran diámetro, se produjo un nuevo desarrollo. en el campo del Nuevo Objetivismo, que produjo numerosos retratos y reflexiones sobre la vida social y los paisajes naturales.
Los fotógrafos famosos del Nuevo Objetivismo incluyen a Sander (1876-1964), Laski (1871-1956). y Haig (1893-1955).
), Eft (1874-1948), Weston Adams (?-1902), etc.
7. Fotografía Surrealista
La fotografía surrealista es un género que surgió en el campo del arte fotográfico durante el declive del dadaísmo y surgió en la década de 1930.
Esta escuela tiene estrictos cursos y teorías de arte. Creen que utilizar métodos creativos realistas para expresar el mundo real es una tarea que los artistas clásicos ya han completado, mientras que la misión de los artistas modernos es explorar el nuevo e inexplorado "mundo espiritual" de la humanidad. Por lo tanto, las actividades subconscientes de las personas, la inspiración accidental, la psicopatía y los sueños se han convertido en objetos de expresión deliberada de los fotógrafos surrealistas.
El surrealismo en fotografía, al igual que los fotógrafos dadaístas, utiliza tijeras, pegado y técnicas de cuarto oscuro como principales métodos de modelado para acumular, ensamblar y reorganizar las escenas de la obra, combinando detalles específicos con arbitrariedad. la exageración, la deformación, la omisión y el simbolismo crean un "reino artístico" surrealista entre la realidad y la fantasía, lo concreto y lo abstracto. Entonces el efecto es extraño, absurdo y misterioso.
Los fundadores de este género son el fotógrafo británico Winston y el estadounidense Bruegel (1880-1945). El verdadero finalista es el fotógrafo escénico británico Marco Bean (1905-?). En sus propias creaciones, combina la realidad virtual "surrealista" con la realidad real para crear un mundo que es a la vez ilusorio y real. Por ejemplo, su "Autorretrato de Marco Bean", creado en 1946, es una obra surrealista típica, realizada con cuatro exposiciones: una de frente, dos rostros y un ojo.
Fotógrafos famosos de este género incluyen al pintor Parhan, que trabajó con reflejos surrealistas; el fotógrafo humano deforme Brent; los fotógrafos de retratos y publicidad Carson, Blumenthal y Lowe, Halsman, Lai Yi, etc.
8. Fotografía abstracta
La fotografía abstracta es un género de arte fotográfico que surgió después de la Primera Guerra Mundial.
Esta escuela de fotógrafos niega que el arte plástico refleje la vida y exprese los sentimientos estéticos del artista a través de imágenes artísticas observables, y afirma que la fotografía debe “liberarse de la fotografía”.
Al principio, se utilizó el método de aumento sin fondo para omitir la textura detallada y los tonos ricos del "sujeto", y se hizo una "imagen de luz" que solo mostraba su forma. Más tarde, desarrollamos métodos para usar la luz, editar las luces, o exponer en el medio, o agitar la cámara al disparar para desenfocar la imagen del sujeto en la película, o exponerla repetidamente para causar imágenes fantasma, hasta que cambiamos la estructura de la superficie de la imagen. y lo cambió al eliminar la forma original y la estructura espacial del sujeto, intenta utilizar el llamado "lenguaje abstracto absoluto" de forma, tono (color) y material para transformar el sujeto en una combinación irreconocible de líneas y puntos. y formas. Mostrar lo que los artistas de este género consideran el llamado mundo subconsciente más real y esencial del ser humano. En la obra, el objeto fotografiado es sólo una nota prestada por el artista para generar una "melodía" que expresa libremente su imaginación y personalidad.
El creador de la fotografía abstracta es Talbot (1800-1877). La imagen de la obra original aún mantiene cierto grado de reconocibilidad. En 1917, el fotógrafo recibió formación (¿1882-?) para fotografiar el "Bordeaux Illustrated Journal" con aserrín y fragmentos de vidrio transparente, que resultaban irreconocibles. En 1922, el pintor abstracto húngaro Moholinaki (1895-?) se reunió con Manrui (1890-?) y otros, y lo estableció teóricamente. Posteriormente, los pintores abstractos Kandinsky y Koehler introdujeron la fotomicrografía y la fotografía de rayos X, que ampliaron enormemente el alcance de la fotografía abstracta, enriquecieron el lenguaje del arte fotográfico, establecieron su propio sistema artístico y se hicieron populares en Europa y Estados Unidos.
Además de los mencionados en el artículo, existen otros representantes de esta escuela, como Scott, Fenninger, Anzhen Rand, Freitai, Winkler, Gerry Mbot, Schade y Bruegel.
9. Fotografía comparable
La fotografía de campaña es la principal escuela de fotografía que surgió después de la Primera Guerra Mundial y se opuso a la fotografía de pintura.
Este grupo de fotógrafos aboga por respetar las características de la fotografía, enfatizando la realidad y la naturaleza, abogando por no manipular o interferir con el sujeto al disparar y abogando por captar el estado de ánimo momentáneo del sujeto en un estado natural. El famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo: "Para mí, la fotografía es registrar el significado de un evento y la forma organizativa precisa que puede expresarlo con precisión en un instante". Natural, amigable, informal, sin pretensiones, vívida y llena de vida.
En cuanto a sus pensamientos estéticos y tendencias creativas, la situación de los fotógrafos de la escuela "Kan" es más complicada. Aunque todos abogan por la expresión de la naturaleza humana y la mayoría se dedica al fotoperiodismo, también los hay naturalistas y realistas.
La obra que dio origen a este género fue "Invierno en la Quinta Avenida, Nueva York" realizada por el fotógrafo Alfred Stieg en 1893. Fue el fotógrafo alemán Ehrlich quien realmente la completó. Su fotografía de una reunión política romana con una pequeña cámara al final de una reunión nocturna entre los primeros ministros alemán y francés se ha convertido en un clásico en la historia de este género fotográfico por su viveza, autenticidad, sencillez y naturalidad.
En estética fotográfica creen que "una fotografía basada en las características básicas de la fotografía no puede ser imitada por un pintor o grabador. Tiene su propio yo inseparable, su propio poder expresivo especial e incluso otras características". que no puede ser expresado por el medio”. En segundo lugar, para la realización de cosas objetivas, valoran y enfatizan la originalidad, creyendo: "(Los fotógrafos deben usar) sus propios ojos para ver el mundo, no a través de los ojos de otras personas, y esto es lo que distingue si una foto es mediocre o brillante, y tiene valor Sigue siendo un estándar de inutilidad."
Fotógrafos famosos de esta escuela incluyen a Thomas Dow Weal Maiavoy de los Estados Unidos; Celit Modal del Reino Unido; Victor Hough de Francia. Mann; también como Louis Dahl-Wolfe, Peter Stack-Pier Bruwich y muchos más.
10. Fotografía "Dadaísmo"
El dadaísmo es una corriente literaria que surgió en Europa durante la Primera Guerra Mundial. "Dada" era originalmente una palabra infantil francesa incoherente para "pony" o "caballo de juguete". Los artistas dadaístas negaron la racionalidad y la cultura tradicional en sus creaciones, afirmaron que el arte estaba fuera de contacto con la estética, abogaron por "abandonar la pintura y todas las exigencias estéticas" y abogaron por la nada. Esto hizo que sus creaciones fueran casi una broma, por lo que la gente llama a este género artístico ". Dadá". Darismo".
Bajo la influencia de esta corriente artística, el "dadaísmo" apareció también en el campo de la fotografía. El famoso fotógrafo Halsman creó una vez una Mona Lisa. Sus manos regordetas aquí no sólo estaban venosas y peludas, sino que también estaban llenas de dinero. Es tan ridículo y anodino.
Las creaciones de los artistas de la fotografía dadaísta utilizan principalmente técnicas de cuarto oscuro para editar y procesar, creando algunas escenas ilusorias para expresar sus ideas. Por ejemplo, Leda y Swan de LM Naki trata un hermoso cuento de hadas griego como una combinación de imágenes y líneas oscuras, grotescas e impredecibles. En la imagen, la imagen visual ya no existe con significado propio, sino que es sólo un componente de un concepto. Otros utilizaron medios inventados para hacer que las Cataratas del Niágara se precipitaran hacia Nueva York, creando una escena desolada del fin del mundo.
Debido a que la fotografía dadaísta no cumplía con los gustos y requisitos estéticos comunes de la gente, a partir de 1924, fue impactada gradualmente por la escuela de arte surrealista con sus tofu y planes artísticos claros y completos. Pero su influencia todavía puede verse en el arte fotográfico modernista posterior.
Fotógrafos dadaístas famosos incluyen a Philippe Halsman, Morgan, László Molina von Jingen y Listerski.
11. Fotografía subjetiva
La fotografía subjetiva es un género artístico fotográfico formado después de la Segunda Guerra Mundial. Es más "abstracto" que la fotografía abstracta, por eso también se le llama "post-. escuela de guerra." ".
Es el reflejo de la filosofía existencial en el ámbito de la fotografía. Su fundador es el fotógrafo alemán Ot Steiner. Creía que "la fotografía es un campo amplio que tiene la capacidad de desempeñar su propio papel y también tiene un alto grado de iniciativa subjetiva. Pero ahora se ha convertido en una especie de realismo mecánico". subjetivación del arte fotográfico" La propuesta artística es que el propósito último del arte fotográfico debería ser recordar a los fotógrafos sus propias ideas vagas y expresar sus inefables estados internos y actividades subconscientes. "La fotografía subjetiva es fotografía personalizada y personalizada. Este es el programa de arte de esta escuela. Los artistas de la fotografía subjetiva ponen gran énfasis en su propia personalidad creativa y desafían todas las reglas artísticas y estándares estéticos existentes. Los teóricos de esta escuela declararon públicamente: "La fotografía subjetiva es no sólo un arte de imagen experimental, sino también un arte creativo libre y sin restricciones". "Podemos utilizar la tecnología para crear fotografías a voluntad". "
Sus características son:
1 La imagen tiene dos formas: concreta y abstracta. La expresión del autoconcepto es su objetivo final. Todo en la imagen es sólo la expresión del fotógrafo. de sí mismo.
Aprovechar al máximo las características de perspectiva de la lente para "despegar" el sujeto de la realidad y "moverlo" a la imagen. Es decir, utilizar ciertas propiedades ópticas de la lente para transformar el objeto objetivo en. un "cuerpo materializado" conceptual ”, combinándolos así en la imagen para crear su propio “mundo”. Y este mundo es a menudo absurdo, misterioso o desconcertante.
3 Utilice primeros planos para fortalecer y resaltar clara y fuertemente una forma específica del objeto.
Utilizando técnicas de cuarto oscuro, los ricos tonos originales del sujeto se simplifican y las relaciones naturales y ordinarias se transforman en fuertes relaciones visuales.
5 Utilice métodos de exposición (como exposiciones múltiples, flashes continuos) para separar al sujeto del concepto de tiempo e intercambiar activamente los conceptos de tiempo y ubicación espacial.
Además de Ott y Stennett, entre sus fotógrafos famosos se encuentran Jay Schmohl, Shaw Van Ocan, Len Payne ( Lan Payne y Mo Volkert.