¿Cuál es la ocupación de Jan van Eyck?

Jan Van Eyck (traducido por Jan Van Eyck) (1385-1441), pintor holandés, uno de los más grandes pintores de la primera escuela holandesa, fundador de la pintura nórdica posgótica en siglo XV, fundador del arte renacentista holandés y figura clave en la formación de la pintura al óleo.

Nombre chino: Yang Van Eyck.

Janvannik

Nacionalidad: Holandesa

Lugar de nacimiento: Mosaic, Países Bajos.

Fecha de nacimiento: 1385

Fecha de muerte: 1441.

Ocupación: Pintor

Principales logros: Gran pintor durante el Renacimiento europeo.

Fundador de la pintura post-Goethe

Figura clave en el período de formación de la pintura al óleo moderna

Obras representativas: Retablo de Gante y Retrato de Arnolfini y su esposa .

Colección de obras: National Gallery, Londres (Reino Unido)

Experiencia de personaje

Nacido en 1385 en Mosaic cerca de Maastricht en Países Bajos. Al mismo tiempo que Hubert van Eyck (también traducido como Hubert van Eyck), se les conocía colectivamente como los hermanos Van Eyck (también traducido como los hermanos Van Eyck). Todos fueron grandes pintores del Renacimiento holandés y los fundadores del Renacimiento holandés.

En 1425, Jan van Eyck era el pintor de la corte del duque Philippe Lupen y sirvió como enviado a Portugal y otros lugares. Es conocido por sus meticulosas descripciones y sutiles juegos de luces y sombras. Aporta contenido sagrado al mundo real, centrándose en representar la riqueza de la vida real y secular.

En 1422, se convirtió en el pintor de la corte del Conde Juan el Cruel, decorando el edificio de su palacio en La Haya, Países Bajos.

El conde Juan murió en 1424. Se trasladó a Flandes. Debido a su destacado talento, fue favorecido por el duque de Borgoña y se estableció en Brujas. El famoso Retablo de Gante fue completado sucesivamente por los hermanos Van Eyck, pero qué partes de todo el retablo fueron creadas por Hubert van Eyck (1370-1426) y qué partes fueron creadas por Yang Can Sí, sólo puede determinarse mediante especulaciones.

Cuando se completó el retablo en 1432, la reputación de Jan van Eyck había aumentado considerablemente. En medio de los elogios, la gente parece haber olvidado la contribución de Hubert, fallecido hace mucho tiempo. Sin embargo, Jan van Eyck, un hombre de noble virtud, dejó constancia de su amor por su hermano en la inscripción de su obra.

La primera obra representativa de Jan van Eyck es "La Virgen en la Iglesia" (San Jerónimo en el estudio se registró por primera vez en 1529. Alguna vez se pensó que era obra de Jan van Eyck. Definitivamente puede ser hecho por Misino). Las obras posteriores incluyen "Retrato del señor y la señora Arnolfini" (1434) y "Madonna de Rowling" (1435).

Estas obras demuestran su soberbia comprensión del espacio, la luz, el detalle y la textura. El famoso historiador del arte Panofsky dijo que Jan van Eyck era a la vez un telescopio y un microscopio.

En los últimos 10 años de su vida se dedicó principalmente a la creación de retratos, centrándose en representar los detalles superficiales y los sentimientos internos de los personajes, convirtiéndose en el fundador del retrato moderno. Sus principales seguidores fueron Christos y otros.

Antecedentes temporales

El entorno geográfico y político de los Países Bajos

El Renacimiento en los Países Bajos fue posterior al de Italia y se desarrolló más lentamente. Esto se debió. al entorno geográfico y político de los Países Bajos.

El feudalismo en los Países Bajos está profundamente arraigado, y las viejas costumbres y conceptos religiosos están profundamente arraigados en los corazones de la gente. Los Países Bajos están gobernados por el Principado francés de Bugandy, controlado por las Fuerzas Armadas españolas. La lucha del pueblo contra el feudalismo y la opresión extranjera fue a menudo brutalmente reprimida. La oposición entre las viejas y las nuevas fuerzas y la complejidad de la situación hicieron que esta lucha fuera más prolongada, lo que determinó el tortuoso desarrollo del arte y la cultura holandeses en los siglos XV y XVI.

En el siglo XV, los Países Bajos también se vieron impactados por la cultura progresista de Italia y las relaciones de producción capitalistas entraron en vigor. Sin embargo, el desarrollo del arte todavía estaba limitado por la cosmovisión medieval, que formaba una marcada contradicción con la cosmovisión humanista emergente.

Pintura occidental

La pintura occidental enfatiza el uso del color, como en la "Escuela de Atenas" de Rafael. Ésta es también la diferencia más esencial entre la pintura occidental y la pintura china. A los ojos de los pintores modernistas comprometidos con el arte puro, las pinturas tradicionales están mezcladas con demasiadas "impurezas no artísticas". De hecho, la pintura occidental tradicional no se trata de arte, pero enfatiza el arte y muchos aspectos no artísticos. Probablemente este sea un signo importante que distingue la pintura tradicional de la pintura modernista. La impureza artística de la pintura tradicional se refleja principalmente en su carácter utilitario y descriptivo.

Otra característica de la pintura occidental tradicional es su énfasis en la descripción. Durante mucho tiempo, los pintores han considerado como tarea expresar historias y leyendas de manera efectiva y describir tramas específicas para expresar un determinado significado o símbolo. Esta descripción también se refleja plenamente en el "Retrato de los Arnolfini" de Jan van Eyck.

La diferencia entre la pintura occidental tradicional y la pintura moderna también se refleja en las diferentes actitudes hacia la llamada copia. Para la pintura tradicional, la representación es fundamental y también se puede decir que es el objetivo básico de la pintura tradicional occidental.

Aunque, en comparación con la pintura moderna, la característica principal de la pintura tradicional occidental es la "reproducción", este tipo de reproducción no es de ninguna manera una representación constante de la naturaleza. Este tipo de realismo tiene fuertes características estilísticas: época, nacionalidad y personalidad del artista. Características de estilo personal.

Clásico y anticlásico son las dos corrientes principales del arte pictórico occidental tradicional. El gusto clásico enfatiza la racionalidad, y sus características formales se reflejan especialmente en su énfasis en el dibujo y el descuido del color; emoción. A diferencia del clasicismo, no persigue el significado clásico de solemnidad, tranquilidad, sencillez y armonía, sino que enfatiza el espíritu de libre indulgencia y grandeza. Esto se refleja plenamente en el arte barroco y romántico. El primero muestra la influencia del Renacimiento. Reaccionario al gusto clásico, este último muestra su incompatibilidad con el neoclasicismo.

Apreciación de las obras

Retablo de Gante

El símbolo del arte holandés del siglo XV es el Retablo de Gante de los hermanos Van Eyck. Esta obra maestra artística, que apareció a principios del Renacimiento holandés, tiene un significado histórico.

¿Por qué dices eso? Entenderemos la verdad después de leer el "Retrato de Arnolfini" de Jan van Eyck.

El Retablo de Gante es un biombo de iglesia encargado por el alcalde de Gante, Jodocus Wade, a los hermanos Van Eyck en 1415. Hubert van Eyck (1370-1426; la fecha de su nacimiento es discutida) y su hermano Jan van Eyck (1385/90-1441) colaboraron desde este año hasta que su hermano Hubert van Eyck murió en 1426, y la pintura fue completada por su hermano solo hasta 1432.

Después de completar las pinturas del altar, había 20 pinturas en total, que eran el arte eclesiástico más famoso en ese momento. A las personas de bien les gustaría visitar la iglesia de San Pablo en Gante. Es el epítome de la bella pintura en la tradición popular holandesa. Ahora analizaremos e introduciremos todas las imágenes de este cuadro completo, que mide unos 343×440 cm, una a una. El llamado retablo se coloca frente al altar de la iglesia. Parece una pantalla, pero en realidad es más grande que una pantalla. Está hecho de tablas de madera y consta de 20 cuadros por dentro y por fuera, formando una barrera de pintura plegada. En tiempos normales, al estar cerradas las dos alas del altar, sólo se puede ver el exterior. Las pinturas del exterior se dividen en tres capas: superior, media e inferior. La pintura de arriba muestra a los cuatro profetas y profetas que predijeron el nacimiento de Jesús, separados en la parte superior curva de la pantalla. El piso intermedio está pintado con el tema tradicional "Información sobre el embarazo". En esta planta, el espacio es relativamente espacioso, y el Ángel de la Anunciación y María Apasionada se disponen en dos extremos de los cuatro cuadros. El centro representa una habitación vacía sin muebles excepto el alféizar de la ventana y los nichos. La luz entra por las ventanas, el ambiente es extremadamente simple y la sensación de perspectiva es fuerte. Como para enfatizar la santidad de María, los detalles son sencillos. El alféizar de la ventana en el medio revela el paisaje de la ciudad, dando a la gente la impresión de la vida cotidiana de la gente contemporánea. Se describen en detalle el lavabo y el paño colgante, e incluso se describe en detalle el elemento destacado de un objeto en el nicho. Detrás de las imágenes de ángeles y María se esconden detalles como celosías y libros. Las sombras detrás del ángel son muy realistas y aparecen en un estilo de pintura de género. Las dos estatuas del centro son de Juan Bautista y Juana. Los partidarios de ambos lados son Jodokus Wade y su esposa Elizabeth Buljut, quienes conforman todo el cuadro. El donante se arrodilla como donante del retablo en señal de devoción a Cristo. Las dos figuras arrodilladas tienen rasgos de retrato. La habilidad del pintor es muy alta, la imagen es realista y la estructura es ajustada. Las dos estatuas del medio fueron pintadas utilizando técnicas de dibujo altamente especializadas y podrían confundirse con las estatuas del santuario. Podemos ver los logros de estos dos pintores en el modelado del realismo, que también es un símbolo importante del nivel de la pintura renacentista holandesa. Cuando la escena del altar se desarrolla lentamente en medio de la música solemne y sagrada del órgano de tubos, toda la escena interior es aún más deslumbrante y fascinante. La deslumbrante variedad de coloridas pinturas es tan deslumbrante como el oro brillante. Cuando estas 12 pinturas aparecen repentinamente junto con el ritmo melodioso de los himnos, sublimarán los sentimientos de los creyentes a un estado deificado y obtendrán de ellos un fuerte sentido de belleza. El lado central de esta imagen de 12 imágenes está dividida en capas superior e inferior; las tres imágenes superiores son Dios, la Virgen y Juan Bautista, respectivamente. El dios en el centro es la pieza central de estas tres pinturas, y es más grande que todos los que lo rodean: el dios está sentado en peligro, mirándolo directamente, sin expresión. Esta es una fórmula para pintar dioses, y la gente está acostumbrada a la monotonía de esta imagen suprema. Sostiene el cetro en su mano izquierda y levanta levemente la mano derecha como ceremonia de bendición. La túnica escarlata con incrustaciones de oro sobre el cuerpo del dios está pintada vívidamente. El artista parece haber puesto deliberadamente su sentido artístico en los pliegues de esta túnica en lugar de representar su rostro. En este nivel, con este ídolo en el centro, se organiza solemnemente una procesión de santos. Las imágenes de la Virgen María y Juan Bautista en los lados izquierdo y derecho son más elegantes y coloridas. Aunque los personajes se sientan uno frente al otro, sus posturas no son nada incómodas. El que está en el centro de abajo es "Alabanza al Cordero", que también es el núcleo de todo el grupo de pinturas y la escena de leyenda religiosa con pancartas más dramática. Este tema está tomado del Libro del Apocalipsis, capítulo 7, versos 9 y 12: Después miré, y vi mucha gente. Nadie puede contarlos. Venían de toda nación, pueblo y lugar, de pie delante del trono y del Cordero, vestidos de blanco, con palmas en las manos, gritando: Salvación a nuestro Dios que está sentado en el trono y al Cordero. El Apocalipsis es el último libro del Nuevo Testamento y se dice que fue escrito por Johanna. Su texto está lleno de metáforas.

Los llamados corderos inocentes aquí se refieren a cristianos, israelíes y oprimidos. La Biblia dice que sólo ellos pueden recibir la mayor gracia de Dios. En este cuadro "Alabanza al Cordero", el pintor hizo un tratamiento general basado en las escenas descritas por la religión. La Biblia dice: Cuando Juan ascendió al cielo, vio un trono sobre el cual había un libro sagrado y siete sellos. Juan quiso leerlo, pero no pudo abrir los siete sellos. Justo cuando estaba preocupado, uno de los ancianos alrededor del trono le aconsejó a Juan que no se preocupara y que el sello podría abrirse. En ese momento, apareció en el trono un cordero herido (que simboliza el sufrimiento de Israel en el mundo). El Cordero tiene siete cuernos y siete ojos (que simbolizan los siete Espíritus del Señor). El Cordero tomó el libro sagrado, y cuando lo vieron los cuatro seres vivientes y los veinticuatro ancianos que estaban alrededor de él, se arrodillaron y adoraron. Un anciano le dijo a Juan que sólo él podía abrir siete sellos. Esta es una escena misteriosa, pero el pintor puede comprimir al máximo el significado abstracto de la religión y darle un contenido que elogie la naturaleza y las bellas criaturas. En esta pintura, las imágenes de muchos ancianos, clérigos, ángeles y creyentes y creyentes están cuidadosamente pintadas una por una utilizando finas técnicas de pintura, y la composición está dividida en partes iguales por el eje central. La escena es solemne y sencilla, y el paisaje natural está bien pintado, lo que muestra los profundos sentimientos del pintor por la naturaleza. En los lados izquierdo y derecho: en la parte superior izquierda hay dos pinturas de Adán, el antepasado de la humanidad, y el coro son solo los jueces y el ejército de Cristo; Arriba a la derecha hay dos fotografías de Eva y la otra mitad del coro; la clase baja son los derviches y los peregrinos. La fila superior de primeros planos, especialmente los ángeles del coro, son muy líricos y afectuosos. La fila inferior, junto con el "Alabando al Cordero" en el medio, es una composición paisajística unificada, que muestra el vasto paisaje natural de la naturaleza. Este tipo de tratamiento es bastante mágico. Cuando el panel del altar está completamente desplegado, estas cinco pinturas horizontales se convierten en una unidad, dando a la gente una sensación de entusiasmo por la belleza de la naturaleza y la vida. Esto es poco común en las primeras pinturas religiosas de los Países Bajos. Además de la cautivadora imagen de un ángel del coro en primer plano, los cuerpos desnudos de Adán y Eva reflejan el estudio de la anatomía humana por parte del pintor. Estilísticamente se parecen a su hermano menor, Jan van Eyck. Podemos inspirarnos en el cuadro "Retrato del señor y la señora Arnolfini". La pintura en miniatura es muy popular entre los pueblos orientales y la vida popular nórdica. Como herederos del arte nacional, los hermanos Wein Eyck desarrollaron aún más sus técnicas realistas. Se debe experimentar más con el color debido a sus matices. El aporte de Van Eyck en este ámbito es indudable, y este conjunto de retablos es uno de los artefactos artísticos importantes a estudiar. Cuál de los cuadros del Retablo de Gante fue pintado por Hubert y cuál por Jan van Eyck ha sido motivo de debate entre los arqueólogos del arte. Algunos estudiosos han analizado que si se verifica el tiempo de finalización de cada cuadro, no es difícil identificar a sus autores. Desde el comienzo de la colaboración hasta 1426, casi todos los cuadros fueron realizados por dos personas, pero finalmente Jan van Eyck completó el cuadro completo en 1432. Por lo tanto, se puede juzgar que el cuadro de su hermano Jan van Eyck debería estar fuera del altar y dentro de las alas, pero incluso el cuadro donde dos personas trabajaban juntas se puede distinguir por la letra de su hermano. Durante toda la colaboración de los dos hermanos, Hubert desempeñó un papel destacado. Desde la perspectiva de las habilidades pictóricas, las pinturas de Jan van Eyck son más hábiles, especialmente en la representación de personajes. Jan van Eyck hizo contribuciones destacadas en el retrato, la pintura de género y la pintura de paisajes a lo largo de su vida. La mejora de sus técnicas de pintura al óleo siempre ha llamado la atención en la historia de la pintura al óleo. El Retablo de Gante tiene una gran importancia como hito en el desarrollo de la pintura holandesa. La pintura se encuentra ahora en la Catedral de San Bavón en Gante.

Como Giovanni Arnolfini y su esposa.

El retrato de Giovanni Arnolfini es extraordinario en la historia del arte. Sin embargo, una obra maestra así no era originalmente un retrato o una pintura de género como muchos de nosotros pensamos cuando intentamos definirla. Arnolfini fue una persona real que fue nombrada caballero por el duque Felipe en 1420. El pintor representa verdaderamente una imagen típica burguesa, no sólo reproduciendo la apariencia y los rasgos de carácter de la pareja, sino también dando una descripción muy realista del ambiente interior, lo que demuestra el especial talento del pintor para modelar. Los gestos de los personajes y los accesorios ambientales en "Retrato de Giovanni Arnolfini" tienen significados populares, que son muy interesantes: los gestos de la pareja Arnolfini indican lealtad mutua, tomar la mano de la esposa significa que el esposo siempre la apoyará y las palmas de la esposa están hacia arriba; , indicando que siempre será fiel a su marido. La ropa lujosa muestra la riqueza de los personajes; la lámpara de araña que cuelga sobre el cuadro enciende las velas, lo que significa que la luz que conduce al cielo, colocada en la esquina inferior del cuadro, significa matrimonio, el cachorro bajo los pies significa lealtad; , y el pañuelo blanco de la mujer significa castidad y virginidad, el verde representa la fertilidad y el rojo en la cama simboliza la armonía. Las naranjas en el alféizar de la ventana simbolizan la riqueza. Estas naranjas son un producto español. En el siglo XIV, las naranjas españolas frescas se podían comprar en los Países Bajos a unos costes de envío altísimos, lo que simboliza la riqueza de los personajes. El rosario en la pared representa la piedad y el cepillo de escoba representa la pureza; hay un espejo redondo con una esquina en el medio del cuadro, que representa el cielo. Todos estos símbolos tienen tanto creencias cristianas como ideas seculares, y el pintor los ha incluido en sus cuadros y los ha descrito con gran detalle. Un espejo cuelga de la pared entre las figuras. El marco tiene 10 cuadrados que sobresalen en forma de flor, con un pequeño círculo colocado en cada cuadrado. Cada círculo representa una historia sobre Jesús; las imágenes son demasiado pequeñas para ser reconocidas. El espejo circular central refleja el paisaje de toda la habitación. Este nivel de detalle y detalle es poco común en el mundo de la pintura al óleo y solo se puede ver en pinturas finas de los Países Bajos.

Se dice que incluso los fotógrafos modernos quedan asombrados por esta exquisita descripción. El uso de reflejos especulares para ampliar el espacio de la imagen es otra característica de esta obra maestra. Estas características artísticas tuvieron una gran influencia e inspiración en la pintura de género holandesa posterior.

La Virgen de la Ministra Lorena.

Retrato de Margarita de 66×62 cm, pintado hacia 1435.

Para reflejar todos los hechos de la realidad como un espejo, Van Eyck no solo mejoró sus habilidades pictóricas, sino que también inventó pinturas al óleo, que se formulaban con óleo para pintar sobre la mesa de dibujo. En el pasado, la mayoría de las pinturas utilizadas por los pintores estaban hechas de plantas o minerales coloridos. Primero muele las plantas o minerales coloreados hasta convertirlos en polvo, luego agrega un poco de líquido antes de usarlos para hacer una pasta. El líquido originalmente estaba hecho de clara de huevo, pero se secaba demasiado rápido y los colores no podían transformarse fácilmente entre sí para volverse más suaves. Van Eyck no quedó satisfecho con esa receta y empezó a utilizar aceite en lugar de claras de huevo para poder pintar con mayor facilidad. Creó pinturas brillantes que podían usarse en capas transparentes de color y podía usar un bolígrafo afilado para dibujar franjas de alto brillo en la pantalla para lograr un efecto más realista.