La ilustración de moda es como el arte de la poesía callejera: ¿cuáles son los estilos artísticos de ilustración comunes en el diseño de moda?
Hace cien años, las revistas de moda nos presentaban los estilos de moda de la época en forma de ilustraciones desde la portada hasta las páginas interiores.
. No fue hasta 1932 que apareció en Vogue la primera portada fotográfica a todo color, es decir, antes las fotografías de las revistas de moda eran dibujadas por ilustradores con pinceles.
Por eso
Las ilustraciones de moda suelen dibujar prendas ya diseñadas.
. Todos los ilustradores de moda tienen sus propios estilos creativos. Diferentes ilustradores describirán la misma ropa de manera diferente.
Con la avanzada tecnología fotográfica actual, rara vez tenemos la oportunidad de ver ilustraciones de moda.
La edición de mayo de este año de "Vogue" China tiene un tema especial sobre "Ilustración de moda", donde se entrevistó al ilustrador de moda Jacky Marshall. En la década de 1990, Jackie trabajó como diseñadora para marcas como CK y DKNY. Más tarde, decidió dedicarse a la ilustración y se convirtió en un líder en ilustración de moda en la era de las redes sociales.
La ilustración de moda es una forma de arte. Aunque ya no es algo común en el campo de la moda, debido al desarrollo de Internet y el auge de las plataformas sociales, los trabajos de los ilustradores de moda tienen más oportunidades de exhibirse y pueden ser vistos por más personas.
Las ilustraciones de moda actuales ya no se publican en revistas para explicar los estilos de moda a las personas, sino que se pueden crear de manera más informal y casual.
Si te encanta la moda y la pintura, combinar ambas para crear es una buena elección. Sea un ilustrador de moda independiente y publique su trabajo en plataformas sociales. Creo que tus talentos serán reconocidos.
El diseño de moda es más complicado que la ilustración de moda y también está relacionado con la pintura.
Cuando un diseñador de moda
diseña ropa, primero utiliza un pincel para expresar sus ideas en un papel, que es un boceto de diseño.
. Los bocetos de diseño sirven para el siguiente proceso de diseño.
No es necesario que sea tan elegante y estándar como las ilustraciones de moda, incluso puede ser un poco abstracto. El punto es mostrar los puntos clave del diseño. Por supuesto, también hay algunos bocetos bellamente dibujados.
Una vez dibujado el boceto del diseño, hay una serie de procesos complicados, como cortar, imprimir, confeccionar muestras de ropa, etc. En este proceso, es necesario discutirlo con los departamentos relevantes y realizar modificaciones repetidas para lograr el efecto deseado antes de poder implementarlo en la producción de ropa.
El trabajo anterior se basa en el dominio de una gran cantidad de conocimientos profesionales. Es difícil para los profanos imaginar la complejidad del trabajo de un diseñador.
El diseño de ropa es el diseño de ropa del diseñador. Él dibuja sus propias ideas de diseño en papel con colores, que son las representaciones de la ropa. Es una especie de exhibición de efectos y expectativas antes de confeccionar la ropa.
Las ilustraciones de moda se desarrollan a partir de renders de moda. La mayoría de las primeras ilustraciones aparecieron en lookbooks de moda. En comparación con la fotografía, que puede mostrar cualquier fantasía en color y en blanco y negro, la ilustración de moda es más bien una forma improvisada de describir la moda popular. Como dijo el famoso ilustrador francés Jean Philippe Delhomme: La ilustración de moda es más bien una forma de acercarse a la "calle". poesía" Arte.
Ilustración de moda: el "diablo de la moda" de 500 años La ilustración de moda existe desde hace casi 500 años. Ahora que se ha producido la ropa, el concepto o la imagen del diseño de la ropa debe transformarse en ilustraciones de moda. Esta forma visual tiene su origen en la ilustración, el dibujo y la pintura y también se la conoce como "dibujo de moda". Los diseñadores de vestuario utilizan principalmente "bocetos de vestuario" para intercambiar ideas en papel o digitalmente. Su función principal en diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la prenda propiamente dicha. A continuación, echemos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, un "diablo de la moda" con una historia de 500 años. 1. El comienzo de la ilustración de moda La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas de todo el mundo. Se imprimieron libros que explicaban lo que era apropiado para las diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social causado por estos descubrimientos. Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, incluidos paneles de personas vestidas como una nación o casta en particular. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas.
Estas ilustraciones probablemente fueron utilizadas por diseñadores de moda, sastres y sus clientes para inspirar nuevos diseños. Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear prendas realistas y detalles de época. Publicadas en Francia e Inglaterra a partir de 1670, estas publicaciones periódicas se consideran las primeras revistas de moda e incluyen Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta a un público femenino cada vez más ávido de las últimas novedades de moda del mercado. No fue hasta finales de 2018 y principios de 2019 que las ilustraciones de estilo masculino cobraron tanta importancia como las femeninas. 2. La placa de moda (la placa de moda) del siglo XIX fue más popular en París a finales del siglo XVIII. Durante este período, se publicaron publicaciones como "Incroyable set Merveilleuses" de Horace Venet y una serie de pinturas de moda en acuarela grabadas por Georges-. Jacques Gatine durante el período napoleónico se encontraban entre los más populares. La posición de Francia como árbitro de la moda aseguró una demanda continua de ilustraciones de moda tanto en el país como en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron lugar a más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan pautas generales de vestimenta. También fue en esta etapa cuando apareció la alta costura (en la década de 1860). Las empresas de moda contratan ilustradores que trabajarán directamente con diseñadores de ropa femenina. Mientras el diseñador cubría con la tela un maniquí viviente, el ilustrador esbozaba el nuevo diseño. También dibujarán ilustraciones para cada diseño de la colección completa, que luego podrán enviar a los clientes. A finales de 2019, la impresión manual en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales se podía ver desde atrás o de lado, lo que permitía ver la prenda desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Siguen convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador. 3. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX En las primeras décadas del siglo XX floreció por primera vez la ilustración de moda en el sentido moderno. Trabajar como ilustrador de moda se ha convertido en una carrera a medida que el lanzamiento de los últimos estilos de moda se vuelve cada vez más lucrativo. La moda alguna vez fue obra de un artista, pero ahora se está convirtiendo en una industria, que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas crearon un nuevo pasatiempo: la cultura de las compras. Publicada de 1912 a 1925, la revista francesa de lujo Gazette reunió a un grupo de jóvenes artistas a quienes se les dio una libertad sin precedentes para interpretar la moda. Iribe es una figura destacada entre estos ilustradores de moda y colabora con prestigiosas publicaciones como Charles Martin, Eduardo García Benito, George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las impresiones que produjeron para la Gazette mostraron la influencia de las xilografías japonesas y los nuevos cambios en el estilo Art Déco. En Estados Unidos, las revistas de moda Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales y tendencias de la moda contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con Walter, que duró desde 1915 hasta 1938, lo que lo convierte en uno de los contratos más largos en la historia editorial. Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la portada de la revista Vogue siempre aparecía con fotografías y textos. Las primeras portadas de Vogue presentaban obras de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X Leyendecker. A las obras, después de la Primera Guerra Mundial, se unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud y Andre Marty.
4. La edad de oro de la pintura de moda Las décadas de 1920 y 1930 representaron la “edad de oro” de la pintura de moda. Todo artista comercial es considerado un artista elegante y un dibujante consumado. Mucha gente puede utilizar la autoridad y la creencia para representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela. Con el desarrollo de las nuevas tecnologías en fotografía e impresión, las reproducciones de fotografías se colocaron directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los patrones de moda ya no eran representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción para las revistas. La revista Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se empezaron a incluir ilustraciones en las páginas interiores. Con la recesión económica que siguió a la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de ropa en Estados Unidos logró enormes avances, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media podían confiar en sastres expertos para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para los sastres caseros. El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda tanto como sea posible a sus lectores. La fotografía liberó a los ilustradores de la necesidad de una documentación precisa de la ropa y favoreció las interpretaciones de la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados principalmente en obtener imágenes y efectos decorativos interesantes. Estaban cansados de informar fielmente sobre el espíritu de la moda contemporánea, por lo que se aburrían del "New Look" de Dior de finales de los años 40". inspiración para el resurgimiento de la moda de posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a una era más alegre y optimista. 5. La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda En la década de 1960, los editores de moda gastaban una mayor parte de sus presupuestos en la edición y difusión de fotografías. Más tarde, la promoción de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tuvieron que contentarse con producir y agregar artículos o trabajar en campañas publicitarias. Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles. Muchas de estas revistas se publicaron en la década de 1960 y todas utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía. Antonio López, el único artista que apareció regularmente en Vogue durante este período, comenzó su carrera en Women's Wear Daily. En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda tuvo dificultades para sobrevivir, y no fue hasta la década de 1980 que comenzó a resurgir. Una nueva generación de artistas publicados en revistas como LaModeenpeinture (1982+0982), Condenast's Vanity (1981) y VisionAire (191). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, en particular a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996. Hoy en día, la ilustración de moda se sitúa a medio camino entre las bellas artes y el arte comercial, y recientemente ha sido reevaluada como un género importante. Debido a que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas en el mundo de la moda y el arte, la ilustración de moda a veces parece ser un retroceso a una época anterior. La fotografía es muy buena para registrar información detallada sobre la ropa, por lo que el foco del ilustrador ya no está en una representación precisa de la ropa, sino en explicar la ropa y su posible usuario. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una serie de estilos artísticos únicos, apoyados en herramientas digitales y plataformas de redes sociales. Desde 65438 hasta 0990, ilustradores pioneros como Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a ascender en el campo de los gráficos por computadora. Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como un resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer la ilustración como elemento especial en sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo recurren a maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Ilustraciones elegantes basadas en métodos clásicos complementan con éxito las creadas con métodos más modernos. Recientemente, la ilustración se ha vuelto popular gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita que dejan una impresión duradera.
Bienvenido a la cuenta pública "Práctica de pintura", obtenga un paquete de regalo gratuito con los secretos de pintura de los ilustradores y conozca los precios de las ilustraciones comerciales en el mundo. ¿Cuáles son los estilos artísticos comunes de las ilustraciones en el diseño de ropa? ¿Puedes dar más detalles? 1. Estilo popular
La ilustración de estilo pop apareció y se hizo popular en 20_Lan 50_Nafen, la dirección de Ocarina Accounting Thumb Vinegar es m: Weifan Fan, Washing Screen, Ocarina Accounting's Mistakes. Andy Warhol es una de las figuras más destacadas que contribuyó al desarrollo del estilo pop en el campo del diseño de ropa. Fue pionero en el primer uso de papel, plástico y cuero artificial como materiales básicos para la producción de ropa. Sus ilustraciones contienen conceptos de diseño subversivos, que se caracterizan por colores brillantes, conceptos de diseño vanguardistas y selecciones de colores atrevidos. Hasta el día de hoy, las ilustraciones de estilo pop conservan muchas similitudes con Andy Warhol.
2. Estilo abstracto
Las obras de estilo abstracto son generalmente creaciones en profundidad basadas en puntos, líneas, superficies, círculos, triángulos y cuadrados geométricos, y son típicamente abstractos. característica de estilo creativo. Mondrian fue una de las primeras figuras más exitosas en obras de estilo abstracto. Su estilo de creación de estilo abstracto es único y se centra en el uso de varios patrones rectangulares como contenido de ilustración. Esta forma de arte de ilustración tiene una profunda influencia en el estilo abstracto. Tomemos como ejemplo la obra de estilo abstracto "Rojo, amarillo y azul" creada por un famoso diseñador de moda francés. Esta obra está inspirada en el estilo abstracto de Mondrian y utiliza varios colores, como líneas, triángulos y rectángulos, para brindar al público una experiencia única de apreciación del arte y darle a la obra un fuerte impacto visual y frescura.
3. Estilo figurativo
El estilo concreto se diferencia de los dos estilos anteriores en que sus características gráficas son generalmente realistas y realistas. Además, la expresión de líneas en las obras de estilo figurativo es relativamente directa y puede resumirse, exagerarse, deformarse y decorarse, mejorando así el sentido del color de la obra y resaltando la simplicidad y sofisticación de la obra. Tomemos como ejemplo a la famosa diseñadora de moda italiana Miuccia Prada. Alguna vez tuvo la capacidad de utilizar ilustraciones directamente en sus creaciones de diseño de moda. Podía completar ilustraciones en sus trabajos de diseño de moda. magnificencia de las obras[4]. Además, las líneas en el estilo figurativo son más elegantes y pueden brindar al público una experiencia psicológica de ensueño. Especialmente en el diseño de ropa, pueden mejorar efectivamente la sofisticación del trabajo de diseño y brindar a las personas una sensación de belleza inteligente.