Tecnología y arte: el doble valor de las obras de arte
1. El doble valor de las obras de arte: tecnología y arte
Cualquier obra de arte contiene dos tipos de valor: valor técnico y valor artístico. El valor técnico se refiere al método (competencia técnica) utilizado por el artista en una obra, y el valor artístico se refiere a los factores subjetivos que el artista inyecta y transmite en la obra, como emociones, conceptos y pensamientos (aunque los conceptos y pensamientos están en mi personal (apenas ocupa un lugar importante en la comprensión del arte puro, pero sí pertenece a la categoría de factores subjetivos completamente separados del valor técnico).
En las artes visuales, el valor técnico incluye los dos aspectos siguientes: 1. Técnicas de reproducción realista, es decir, técnicas realistas en pintura; Dominio de los materiales. Por ejemplo, los materiales utilizados para pintar al óleo y la acuarela son muy diferentes, y las técnicas de aplicación también son diferentes. Las pinturas europeas desde el Renacimiento hasta el Impresionismo tienen un valor técnico muy alto, porque todas las obras de este período tienen efectos realistas muy realistas debido a la perfección de la perspectiva, la luz y las sombras, la anatomía humana y otros temas. En cuanto al uso de materiales, la pintura al óleo ha madurado gradualmente desde el Renacimiento, creando las condiciones para la expresión realista. Por tanto, en cuanto a técnicas realistas, las obras de arte europeas desde el Renacimiento hasta el Impresionismo son sin duda de gran valor.
El valor artístico de una obra de arte es un concepto muy vago y subjetivo, y sus estándares son variados y varían con las épocas. Hubo un tiempo en que el arte era completamente arbitrario y sin normas; hubo un tiempo en que el valor técnico se convirtió casi por completo en el único criterio; en otro tiempo, la naturaleza ideológica de las obras de arte se consideraba por encima de todo; , el valor de la tecnología quedó reducido al estado de inútil. Por tanto, el debate sobre el valor artístico parece ser el menos eficiente, y la definición de valor artístico es también la más subjetiva y arbitraria de la historia, básicamente 100% diferente de persona a persona. No es exagerado decir que el arte de la obra de arte en realidad refleja la naturaleza no estándar del arte.
Sin embargo, por mucho que el valor artístico de una obra de arte dependa de la persona, una cosa es indiscutible: la originalidad del arte, palabra que encierra dos significados: creatividad y unicidad. La razón por la que la creación artística es diferente de la producción en fábrica y por la que las obras artísticas son "obras" y no "productos" es porque las obras artísticas tienen la misma "creatividad" (el proceso de hacer algo desde cero) que los productos, y su carácter no replicable "singularidad" ”(en relación con la producción en masa de productos). Por eso se llama "original". Cualquier artista que plagie a otros, cualquier obra de arte sin un estilo único, nunca recibirá el reconocimiento definitivo de su valor. Por tanto, esta "originalidad" es el estándar de valor más importante en la historia del arte (especialmente en el arte moderno).
Además, los valores de la tecnología y el arte antes mencionados también se pueden comparar con la forma y el contenido del arte: la tecnología se puede equiparar básicamente (básicamente) con la forma, y el arte se puede equiparar básicamente (básicamente) con la forma. equiparado con el contenido. Pero en el arte más subjetivo y abstracto, las primeras ("técnica" y "forma") se acercan a las segundas ("arte" y "contenido") hasta el punto de ser completamente equivalentes.
2. La relación entre valor técnico y valor artístico
A. El impacto de la "tecnología" en el "arte"
Aunque los dos valores de las obras artísticas no están completamente separados y sin relación entre sí. entre sí, pero no necesariamente aumenta en proporción directa como mucha gente entiende, es decir, cuanto más sofisticada es la tecnología, mayor es el valor artístico. Muchos artistas tienen la habilidad de representar la naturaleza de manera muy realista, pero sus obras no tienen ninguna connotación subjetiva más que replicar la naturaleza como una fotografía, mientras que algunas obras de arte menos hábiles (como las obras de Van Gogh) tienen un lenguaje fuerte y único que se ha convertido en un Obra maestra irreemplazable de la historia.
Sin embargo, desde otra perspectiva, si la "tecnología" no se considera simplemente como una tecnología realista, sino como un "lenguaje" único para que los artistas se expresen, es cierto que cuanto más madura sea la tecnología, cuanto mayor sea el arte. Tomando como ejemplo el arte moderno europeo, las primeras técnicas de muchos pintores eran en su mayoría realistas y su propio estilo no era obvio. Por lo tanto, aunque dominaban las técnicas tradicionales, no se sentían cómodos con la expresión. Pero a medida que sus personalidades crecen, esta "habilidad" (estilo) de autoexpresión se vuelve cada vez más madura, por lo que el arte de sus obras se vuelve cada vez más fuerte. Excepto algunos artistas sin formación tradicional, las experiencias de vida artística de casi todos los pintores así lo demuestran.
Según la artesanía tradicional occidental, el arte de los antiguos eruditos-funcionarios chinos era muy "pobre", pero eran artísticamente (personalmente) muy maduros. La pintura china es inferior al arte moderno occidental sólo en términos de "expresión personal", pero en términos de "pureza" del arte, es decir, el arte no es vasallo del pensamiento sino un lenguaje perceptivo independiente (este es también uno de los Principales actividades del arte moderno occidental), el arte chino siempre ha estado en la cima del "arte puro" y nunca ha caído en el "malentendido" de la racionalidad (esto está relacionado con el pensamiento irracional de los chinos, aunque "irracionalidad"). hace que China sea ideológicamente atrasada, es de gran beneficio para el arte tradicional chino.
La razón por la cual el arte de los eruditos-funcionarios chinos es inferior al arte occidental en términos de "personalidad" es que, además de las características de la cultura china que suprimen la individualidad, la pintura china tiene una técnica estricta y estandarizada. que limita la expresión individual de los artistas. Este sistema técnico de la pintura china surge de las especiales limitaciones materiales de la pintura china, lo que hace muy improbable que los artistas "hagan lo que quieran" en la manipulación de los materiales, por lo que la personalidad del artista queda más o menos oculta dentro del rango de efectos. prescrito por las técnicas. Por ejemplo, al pintar bambú, cualquier pintor chino debe seguir las técnicas prescritas por los materiales de pintura chinos: tinta y aguada para crear ciertos efectos visuales, por lo que la pintura tiene ciertas restricciones de estilo. Las pinturas chinas no tienen personalidad (por ejemplo, Shi Tao y Bada Shanren de finales de la dinastía Ming y principios de la dinastía Qing tienen estilos muy obvios), pero esta personalidad está oculta aparentemente en el mismo estilo, y se requiere cierta "vista" para reconocerla. .
Pero en cualquier caso, las limitaciones de los materiales de pintura chinos para los artistas son obvias, lo que supone un enorme obstáculo para el desarrollo de la pintura china. Los materiales de la pintura occidental pueden crear diversos efectos visuales y proporcionar un amplio espacio para que las personas expresen su personalidad. Para una persona que realmente ama el arte de la pintura, es de hecho la mejor opción.
Además, el "defecto" de la restricción de estilo de este material también existe en la música china. La calidad del sonido de los instrumentos musicales antiguos es muy especial. La gama de sonidos no es tan amplia como la de los instrumentos occidentales, por lo que la expresividad es relativamente pobre. Por supuesto, esta característica también puede considerarse como la característica o "ventaja" de la música tradicional china, porque puede crear efectos de melodía y timbre únicos. Pero en cualquier caso, debido al limitado poder expresivo de los antiguos instrumentos musicales chinos, es difícil seguir desarrollándose e innovando.
B. La "autoridad" absoluta del valor artístico es secundaria al valor técnico.
Muchas personas consideran fácilmente el valor técnico de una obra de arte como el valor total de la obra de arte. Tomemos como ejemplo el hecho de tocar el piano. Un pianista que toca con mucha habilidad puede fácilmente entenderse como un ". músico" por la gente corriente. Sin embargo, existe una diferencia "cualitativa" entre los dos: es posible que un pianista altamente calificado no pueda escribir ninguna obra musical única. Por tanto, estos meros intérpretes no pueden ser considerados verdaderos músicos si nos fijamos en la "creatividad", la medida más básica de este arte. Por supuesto, hay muchos intérpretes que pueden reproducir las ideas originales de las obras de los maestros con mucha precisión, e incluso llenas de nuevas ideas, pero en cualquier caso, después de todo, los intérpretes están "reproduciendo" las obras de otras personas, lo cual es fundamentalmente diferente de los compositores. Tomemos como ejemplo la pintura. Un pintor que puede hacer que un objeto parezca tan real como una fotografía sólo puede ser un pintor en el mejor de los casos. Por lo tanto, la tecnología nunca puede ser el criterio principal para medir una obra de arte, y mucho menos el único criterio. El criterio más importante para una obra de arte, incluso el "único", debería ser siempre su "valor artístico".
Sin embargo, tanto el encanto como el "problema" del arte surgen en este "valor artístico" porque, como mencioné anteriormente, es un concepto casi completamente no estandarizado. Este tipo de "artístico" es en realidad lo "no estándar" del arte, y este no estándar ha provocado que las obras de muchos artistas reales no sean reconocidas, y también ha provocado que muchas obras "sin valor" sean promocionadas como "obras maestras". por el mercado. Ésta es la impotencia del arte. Sin embargo, aunque estemos indefensos, todavía tenemos que darnos cuenta de que la irracionalidad y la irregularidad del arte son el verdadero valor (encanto) del arte. La gente, alguna vez, desarrolló la racionalidad y está acostumbrada. Usar estándares racionales para medir todo, esto lleva al hábito de tratar de encontrar un estándar mensurable en el arte, y este hábito es completamente incorrecto desde el principio (Nota: en este sentido, el arte racionalista occidental está en realidad "equivocado", pero lo está). Precisamente por este "engaño" los occidentales regresan a la sensibilidad con más firmeza que los orientales. La racionalidad nunca es la totalidad de la naturaleza humana. Es precisamente por la irracionalidad del arte que puede llenar el vacío de la racionalidad y completar la naturaleza humana.
3. La "personalización" del arte conduce a la "generalización" del arte.
Si estás de acuerdo con la definición de valor artístico dada al principio de este artículo. los factores subjetivos que los artistas inyectan y transmiten en sus obras", podemos ver fácilmente que el arte es muy personal, es decir, la expresión artística se centra en las necesidades personales desde la motivación hasta el propósito. Luego también hablamos de la importancia de la "singularidad". en el arte. Entonces, ¿por qué el museo todavía existe? Creo que es la necesidad humana y el respeto por el arte. La necesidad y el respeto ocurren después de la creación de la obra de arte, más que por factores relacionados con la creación del arte en sí. persona que quiere ser famosa, o que quiere tener sus cuadros en un museo, o que quiere crear arte "para la humanidad". La gente nunca puede crear obras de arte reales (o sólo puede crear "obras de arte" falsas)
Y como el arte es personal, el arte también es ordinario. Cuando un pintor pinta una obra que le satisface o admira, la obra de arte ha cumplido su misión artística. En este sentido, no hay distinción entre lo alto y lo bajo. De hecho, a menudo podemos ver a algunos artistas aficionados crear obras de arte muy inusuales entre la gente. Por un lado, estos "artistas" populares no tienen ninguna posibilidad de hacerse famosos y, por otro, no. les importa hacerse famosos porque ya están satisfechos con el proceso y los resultados de su creación.
Entonces, ¿por qué todavía hay obras maestras de maestros en la historia que se han transmitido a través de los siglos? razones.
Primero, como se mencionó anteriormente, los seres humanos tienen demanda y respeto por el arte y la belleza, por lo que existen mercados de arte y museos; segundo, hay oportunidades. Algunos pintores son famosos debido a la demanda del mercado o a la exageración del mercado, mientras que las obras de algunos artistas no son reconocidas por el mercado y son ignoradas. Personalmente creo que estos "grandes artistas" pasados por alto pueden ser innumerables en la historia; en tercer lugar, es la "comunidad" de sus obras (a diferencia de la "personalidad" que mencioné anteriormente). Entre los artistas famosos, aquellas obras verdaderamente valiosas (a diferencia de las "obras de arte" famosas pero falsas) reflejan en gran medida las "características comunes" humanas, por lo que estas obras pueden resonar en el público. Por supuesto, personalmente creo que la razón por la cual las obras de estos artistas encarnan puntos en común no es el resultado de la búsqueda deliberada de los artistas (“crear para la humanidad”, como se mencionó anteriormente), sino más bien las ricas connotaciones personales y la comprensión profunda del lenguaje artístico. de estos artistas. Por tanto, las obras creadas por un artista con un rico mundo interior son naturalmente ricas en connotaciones y contagiosas, mientras que una persona monótona, por mucho que persiga la "profundidad" o exprese su "pasión", no podrá crear obras que conmuevan. personas. Obras de otros. Así que los verdaderos maestros, no importa con cuántas personas resuene su trabajo, lo único que se esfuerzan por hacer es respetar sus sentimientos.
4. La capacidad de aprender de la "tecnología" y la imposibilidad de aprender del "arte"
Quienes creen que el arte se puede aprender generalmente consideran el valor técnico del arte como el único criterio para medirlo, mientras lo ignoran o simplemente no lo saben. El “valor” del arte existe. La parte técnica de una obra de arte es enseñable, es decir, aprendible, porque es "sistemática" y "racional". Cualquiera con el coeficiente intelectual más bajo puede aprender técnicas realistas, dibujar obras realistas decentes o tocar el piano con fluidez sin tener una "célula artística". Cuanto mayor es su coeficiente intelectual, más rápido aprenden y más habilidades se vuelven. Leonardo da Vinci era un hombre muy inteligente, por lo que sus pinturas eran muy detalladas y realistas, lo cual era una "habilidad" muy impactante en ese momento, pero el valor de su parte artística es un tema controvertido.
Sin embargo, la parte artística del arte no se puede aprender porque tiene características "irracionales". Así como algunas personas nacen con gustos extraordinarios, algunas comprenden mejor que otras los colores, las formas o las melodías de la música. Estas personas que son súper sensibles a la forma de arte son las que realmente tienen talento artístico. Independientemente de si estas personas pueden dominar rápidamente las habilidades tradicionales, pueden sentir la resonancia con sus propias vidas en estas notas musicales, colores, líneas y otras formas de arte, es decir, pueden disfrutar mucho de las actividades artísticas y crear obras llenas de personalidad. .
Compara las obras de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Ambos tienen sólidas dotes de realismo, pero las obras de Leonardo da Vinci son racionales e indiferentes, mientras que las obras de Michael son apasionadas y llenas de vitalidad. Se dice que Leonardo da Vinci estaba intensamente celoso de Michaelis. Si esta leyenda es cierta, personalmente creo que es porque vio en la obra de Michelis un verdadero talento artístico que él no poseía.
Aunque se dice que el talento artístico no se aprende, la inspiración artística de las personas puede verse más o menos debilitada o incluso borrada en la experiencia de vida adquirida. Así que algunas personas descubren su potencial muy tarde, regresan al arte y logran grandes cosas muy tarde. Hay innumerables ejemplos de este tipo (Van Gogh y Gauguin son ejemplos). Para un buen educador artístico, además de impartir técnicas, lo más importante es inspirar a los alumnos a descubrir su propio potencial. Por supuesto, si los estudiantes realmente no tienen potencial, ninguna cantidad de motivación será de utilidad.
En resumen, entre los valores duales de las obras de arte: "valor técnico" y "valor artístico", el "valor artístico" es siempre el más importante. Y este estándar tan importante, debido a su individualidad y singularidad, conduce a lo no estándar y lo ordinario: todas las obras de arte se crean con la motivación y el propósito de las propias necesidades del artista. Por lo tanto, una vez que una persona crea obras que le gustan, ya sean artistas famosos o gente corriente desconocida, se puede considerar que estas obras completan su "misión artística" y son todas "obras maestras" del arte. Por tanto, no existe una diferencia "cualitativa" entre los cuadros que pinta un ama de casa cuando está de buen humor y las obras del museo.
Después de analizar el valor de las obras de arte, el autor también cree que el valor del arte, el trabajo espiritual humano en sí o la esencia del arte, no reside realmente en la obra, ya sea en cantidad o en cantidad. calidad, pero en disfrute Vive y siente la belleza. Porque el arte es la encarnación de nuestras vidas, y cada una de nuestras vidas es una "obra maestra artística" que nunca podremos superar. Con esta comprensión, podemos entender verdaderamente lo que significa "todos son artistas" y lo que significa "todos son iguales". Sólo entonces podremos entender que mientras una persona pueda disfrutar de todo lo que la vida nos trae, podrá maravillarse con lo nuevo. amanecer y atardecer todos los días, puede maravillarse con los cambios naturales en las cuatro estaciones cada año, entonces es un verdadero "artista" que no pinta ni toca el piano. Esta persona se encuentra entre la "esencia" y el "maestro" de. arte.
"No hacer nada y hacerlo todo." Los famosos dichos de Lao Tse pueden describirse como sabiduría humana.