¿En qué época nacieron las películas japonesas impulsivas y rebeldes?
Oshima Nagisa
En ese momento, Shochiku tenía muchos asistentes de dirección, todos los cuales tenían casi cuarenta años. Nagisa, de 27 años, ignoró en gran medida las excepciones clasificadas por edad. Originalmente, Ichiro siempre había adoptado la política de utilizar como directores asistentes de dirección que pudieran escribir buenos guiones, por lo que, aunque se sintió atraído por este libro, no era solo esto. También tenía una sensación de crisis y creía que las películas de Matsutake debían rejuvenecerse. .
Anteriormente, Matsuzaka había construido una posición sólida en la industria con comedias femeninas y películas románticas civiles como pilares importantes. Sin embargo, a partir de mediados de la década de 1960, las películas japonesas de artes marciales, las películas de la familia Sun y las películas de acción de Shintaro Ishihara se hicieron muy populares, y las líneas en las que Matsuzaka era bueno comenzaron a declinar en la taquilla.
Por lo tanto, comparando la vitalidad de las películas orientales y las japonesas, Shiro consideró contratar directores jóvenes y enérgicos. Sin embargo, es casi una tontería hacer muchas obras maestras tiernas y divertidas sin la intención de seguir el estilo tosco de las películas japonesas y japonesas.
En ese momento, "El niño que vendía palomas" era considerado por él como un guión lleno de humanitarismo. Según la opinión de la compañía, la película pasó a llamarse "Calle del amor y la esperanza" y fue filmada como el primer trabajo del director Nagisa Hisao.
Trata sobre un adolescente pobre que vende palomas en la calle debido a la pobreza. Las palomas se escapan por costumbre y luego las vuelve a vender. Por tanto, se consideran fraude y mala conducta.
Aunque hay "amor" en la película, no hay mucha "esperanza". Quizás Ichiro esperaba un nuevo estilo de humanismo tradicional en su descripción de la niña rica y la maestra que simpatizaba con el niño.
Sin embargo, Ichiro quedó decepcionado con la película, en la que se esforzó en enfatizar que el amor por sí solo no puede cerrar la brecha entre ricos y pobres. Ichiro criticó esto diciendo: "¡Así que todo se inclina hacia la película!". El editor Kazuki Sugihara dijo: "¿Pero no es esa la realidad?"
Como una película pequeña que coincide con la proyección, la La película, con poca publicidad, se estrenó discretamente en los cines de segunda edición. Pero algunos críticos tomaron nota de la película y escribieron artículos apoyándola con entusiasmo. Aunque Ichiro una vez perdió la confianza para entregarle el director de la próxima película a Nagisa, todavía le dio otra oportunidad.
Como resultado, Nagisa propuso el plan de "La cruel historia de la juventud" (1960). En cuanto al contenido, expresaba de forma más intensa el tema de "la juventud moderna retirándose a la moral establecida", que era principalmente un signo en aquella época.
El uso frecuente de la cámara en mano en la película crea imágenes conscientemente inestables, así como un uso sensual del color. En términos de técnica, también hay una ligereza similar a la Nueva Ola francesa, que transmite vívidamente la frescura del aliento vivo del autor.
La película se convirtió en un éxito inmediato y trajo cierta repercusión social. Así que Nagisa inmediatamente coescribió el guión con Shuro Ishido, su buen compañero cuando era asistente de dirección, y filmó "El cementerio del sol" (1960) y "La noche y la niebla japonesas" (1960).
Una película cada tres meses, cada una tratando de desafiar el contenido y la innovación tecnológica, lo cual es una velocidad increíble. "Grave of the Sun" describe la lucha entre gánsteres en el gueto de Osaka, Axaki. La película pareció un anticipo de los turbulentos años 60, atrajo una vez más a los jóvenes y fue muy bien recibida.
Tumba del Sol (1960)
Durante este período, Nagisa parecía ser considerada como una joven salvadora en Shochiku.
"Night and Fog in Japan" es una película política grupal que describe a los estudiantes activistas del Partido Comunista de Japón y a los estudiantes de la Nueva Izquierda que se escindieron de allí en la década de 1960 en Japón y Estados Unidos. enfrentamiento en medio de manifestaciones antigubernamentales sin precedentes por la renovación del tratado de seguridad.
Una película de 107 minutos consta de 43 planos. Este plano extremadamente largo crea un tiempo y un espacio con una fuerte sensación de opresión, haciendo una declaración política urgente en forma de película. De hecho, en junio se produjeron feroces manifestaciones antigubernamentales y la película finalizó su estreno el 10 de octubre.
En la película, la boda de una pareja que se conoció durante las manifestaciones se celebró en junio + octubre de 5438. Los amigos de los novios se reunieron en la boda, por lo que el banquete de bodas se centró en japoneses y estadounidenses. Intensa discusión sobre la política japonesa en el movimiento anti-tratado.
Además, el novio y sus amigos hablaron sobre el movimiento estudiantil que vivieron cuando eran estudiantes hace ocho años, recordando el pasado con profundo odio e intensa angustia, y hablaron sobre los líderes que dominaron el movimiento de izquierda. en ese momento. Cómo el liderazgo autoritario y la decadencia de los líderes estudiantiles reprimieron a otros estudiantes y destruyeron todo el movimiento estudiantil.
Esta película declara elocuentemente el fin de tal era con una actitud feroz: los movimientos de izquierda antigubernamentales y antisistema son de sentido común, y casi todos se guían por * * * principios, y anunció el surgimiento de una nueva izquierda más radical.
Pero en la historia del cine japonés, nunca ha habido una película que describa directamente los problemas internos del propio movimiento político antisistema. Se puede decir que este contenido es un tabú para las productoras cinematográficas. La facilidad con la que se planeó y se llevó al cine muestra cuántas expectativas tenían los líderes de Matsuzaka para la isla Nagisa en ese momento.
Oshima Nagisa
Sin embargo, la película no estuvo a la altura de las expectativas en taquilla y el estudio se sintió intimidado por sus opiniones políticas demasiado radicales. Así que al cuarto día de su estreno, después del asesinato del presidente del Partido Socialista, Inajiro Asanuma, Matsutake suspendió inmediatamente su distribución y proyecciones.
Este es un período políticamente delicado en torno a la resolución de la lucha por la seguridad. ¿Hay presión del gobierno detrás de los rumores? Nagisa tuvo un feroz enfrentamiento con la empresa debido a este incidente. Al año siguiente, renunció a Shochiku y fundó una productora independiente, Tongshe, con los asistentes de dirección y guionistas Ishido Shuro, Tamura Meng y algunos actores de ideas afines.
Oshima Nagisa
Los directores asistentes Masahiro Shinoda y Yoshida Yoshige, que tienen casi la misma edad y generación que Nagisa, participaron activamente en las actividades de la compañía cuando Nagisa hizo su debut como director y publicó. su primera película en la época de "Cruel Story of Youth".
Aunque esta película no logró mucho éxito, era diferente del estilo lírico de películas anteriores de Matsutake. Tenía una postura interrogativa impresionante y atrajo la atención de los medios. Hace apenas un año, la industria cinematográfica francesa de repente comenzó a producir nuevos directores, lo que se conoce como la "Nueva Ola", y los medios la llamaron la "Nueva Ola Shochiku" que comenzó aquí.
La primera novela de Masahiro Shinoda, One-Way Ticket to Love (1960)
Aprovechando este impulso, Shochiku también contrató a muchos asistentes de dirección como directores, pero la mayoría de ellos se quedaron en Swallowing. Nagisa en términos de influencia isleña, la película también fracasó en taquilla. Por lo tanto, aproximadamente un año después de la popularidad de "La cruel historia de la juventud" y la línea de la nueva ola, Matsuzaka restauró por completo esta línea y volvió a la línea original de melodrama femenino y comedia civil.
El debut como director de Masahiro Shinoda, "One-Way Ticket to Love" (1960), toma como tema la vida de Masako Hirao y otros cantantes de rock muy populares entre los jóvenes de la época, y utiliza un toque perceptivo para representar una historia adelantada a las costumbres populares.
No es sólo una película folk, sino que también contiene el nihilismo impulsivo de los jóvenes.
Más tarde, Shinoda Masahiro utilizó al poeta Jishu Terayama como guionista para filmar “Dry Lake” (1960). Al mismo tiempo, Nagisa describe el tema de la lucha contra la seguridad que tuvo lugar ese mismo año desde la perspectiva puramente política de la lucha interna dentro del movimiento político de izquierda en La noche y la niebla de Japón. En cambio, un estudiante emerge del lago seco como protagonista implicado en esta lucha. Desprecia a las masas y se entrega al terrorismo.
Lago Seco (1960)
A este estudiante, Shinoda Masahiro también lo caricaturizó, describiéndolo como un héroe un poco divertido, pero al mismo tiempo la película tiene sentido del humor. Un sentido de sensualidad describe cuán seductor puede ser el caos de la sociedad para los jóvenes que buscan un fácil acceso al poder.
La siguiente "The Sunset Shines on My Face" (1961) también fue filmada basándose en el guión de Ji Shu Terayama. Es una biografía cómica muy al estilo Ji Shu Terayama de un asesino, con una perspectiva absurda y extraña. concepto.
En las tres primeras películas, Shinoda Masahiro aprovechó la nueva ola y lo intentó desenfrenadamente. Pero después de la cuarta película, la compañía dejó de hacer películas después de la Nueva Ola. Cómo hacer realidad sus ideas en el marco de películas y melodramas tradicionales para mujeres que aceptaran los requisitos de la compañía se convirtió en la clave del éxito.
Para Shinoda Masahiro, esto fue una limitación para el talento, pero desde entonces, realmente ha perfeccionado sus habilidades expresivas y ha producido una película sofisticada, nítida y hermosa que hace que el público la admire.
Assassination (1964)
"Dried Flowers" (1964), una descripción magistral y penetrante del vacío de Ryo Ikebe como un gánster muy inteligente, "Assassination" (1964), que representa el La ambición y la desilusión del difunto Shogunato, interpretado por Tetsuro Tenba, Belleza y dolor (1964) es una excelente adaptación cinematográfica del mundo estéticamente sensual de la novela de Kawabata Yasunari.
Pero en 1965, insatisfecho con el plan de "racionalización" de la empresa, abandonó voluntariamente Shochiku y fundó una productora independiente, Performance Club.
Yoshida Yoshige
La primera película de Yoshida Yoshige fue “The Hustler” (1960). Se trata de un joven que está cansado de todo, comete delitos por diversión y luego conduce a la autodestrucción.
La segunda película "Bloodlust" (1960) y la tercera película "Sweet Night" (1961) también son obras sobre personas que están insatisfechas con su yo actual y, a menudo, inquietas.
En las películas japonesas del pasado, si el protagonista estaba insatisfecho con el status quo y se comportaba mal y cometía delitos, definitivamente pensaría que la razón era la pobreza y la injusticia del sistema social. Pero desde la aparición de las películas de Sun, se ha comenzado a describir a jóvenes enojados que no tienen nada que ver con la pobreza y la fealdad social. Este es también el tono básico de la llamada Nueva Ola de Matsusaka.
La primera obra maestra de Yoshida Yoshige es "Akikin Hot Spring" (1962). Es una película femenina producida y protagonizada por la estrella femenina Okada Moriko después de que Shochiku recuperara la ruta New Wave y volviera a la ruta de las comedias femeninas. . Yoshige Yoshida es el escritor y director de esta película.
La película describe el amor entre un joven enfermo (interpretado por Nagato Hiroyuki) y la hija de un operador de hotel de aguas termales (interpretada por Okada Mariko) que se conocieron y se enamoraron en unas aguas termales en un montaña durante más de diez años antes y después de la derrota y la tragedia.
Qiu Jin Hot Spring (1962)
En la trágica situación antes y después de la derrota, los jóvenes y las niñas perseguían el amor con emociones puras y depositaban sus esperanzas en el futuro. Sin embargo, a medida que la sociedad se estabilizó después de la guerra, los jóvenes se volvieron seculares y las mujeres desesperadas se suicidaron. Su historia de amor refleja claramente un aspecto de la historia espiritual del Japón de posguerra.
"Dieciocho hombres" (1963) describe la historia de jóvenes trabajadores temporales que trabajan en los muelles, y "Escape from Japan" (1964) describe las acciones autodestructivas de un joven que reza por su escape. de Japón. Ambas películas son obras maestras en representaciones realistas de las ansiedades de las personas alienadas y excluidas de las clases bajas.
Se trata de un regreso al tema New Wave. Pero ambas películas fracasaron en taquilla, especialmente la última, que la compañía eliminó por completo cuando se estrenó la última. Yoshida Yishige dejó Shochiku Company en 1964 y estableció una productora independiente, Modern Painting Company.
Yoshida Yoshige
Casi todas estas personas, llamadas la nueva ola de Shochiku, abandonaron Shochiku. Originalmente, no fueron los únicos que abandonaron Songzhu durante este período. Directores como Keisuke Kinoshita y Masaki Kobayashi, que formaron la corriente principal de las películas de Shochiku, también abandonaron Shochiku durante este período.
A medida que una empresa se reduce rápidamente, cuanto más ambicioso y capaz se vuelve un director, más difícil se vuelve la relación con la empresa.
Nagisa Oshima y sus camaradas lanzaron una sociedad de creación de una compañía cinematográfica independiente, que fue filmada y alimentada por primera vez por una compañía cinematográfica independiente llamada Palaez Film en 1961. La película cuenta la historia entre un soldado negro y un granjero. El avión de un soldado negro fue derribado y capturado por aldeanos en un pueblo de montaña japonés. Un granjero lo encarceló y finalmente lo mató.
Feeding (1961)
Rentaro Mikuni interpretó brillantemente al jefe de la aldea. Mantiene el orden en la aldea convirtiendo hábilmente el creciente odio mutuo dentro de la comunidad en odio contra los forasteros. En los jóvenes que han descubierto este engaño, la película deposita su esperanza de romper con esta vieja sociedad.
Luego fueron invitados por la estrella de Toei, Okawa Hashizo, para filmar "Amakusa Shiro Tokisada" (1962) protagonizada por él. Es un trabajo fallido que sólo muestra un sentimiento de resistencia al sistema. Además, hicieron Yuraku (1965) con Daisuke Matsuzaka, que no se puede decir que sea un éxito.
Las obras de The Creation Society "Devil in the Day" (1966) y "Examination of Japanese Aito Ai" (1967), producidas en colaboración con Matsutake, son obras maestras con una conciencia y expresión extremadamente agudas. Trabajo experimental y de vanguardia que avanza enormemente el poder expresivo del cine.
El diablo del día (1966)
Basado en hechos reales, "El diablo del día" describe a un hombre (interpretado por Kei Sato) que sólo puede sentir su amor por la mujer. cuerpo mató el deseo. ¿Por qué ocurre este comportamiento sexual anormal? La película no da respuesta a esta pregunta.
No es tanto que no haya respuesta, sino que no sé por qué estoy describiendo a esta persona. La película describe un impulso irracional, una represión y una acción cuando esta inhibición falla.
Sus antiguos compañeros, a causa del contacto con este hombre al que el sentido común no podía entender, han cambiado todos, y han ido investigando la película uno a uno con una visión novedosa y llena de descubrimientos.
Esta es una película que va más allá de la ideología antisistema de que sólo la resistencia al poder es buena, y describe el colapso que a menudo surge inevitablemente desde dentro de los rebeldes. La película también se compone de tomas inusualmente cortas y movimientos de cámara estresantes que no permiten al espectador un momento de descanso.
"The Japanese Language Test" describe a un grupo de candidatos al examen de ingreso a la universidad deambulando por las calles de Tokio cantando canciones pornográficas. Sienten que el orden establecido por los adultos es sólo una especie de opresión para ellos mismos. Las canciones amarillas son canciones sobre la comprensión y el desmantelamiento de este orden.
Examen japonés Aito Ai (1967)
Pero entre ellos, el mundo interior anárquico se profundiza, sus delirios sexuales, las diferencias raciales y las luchas políticas también se mezclan, y cada vez más Cada vez es más confuso. Esta película también sigue preguntando "por qué" sin dar una respuesta clara.
Por supuesto que la audiencia estará perdida, pero definitivamente hay muchas personas que se sorprenden por la agudeza de las preguntas. Esto se debe a esta confusión. Fue una época en la que los estándares de lo que era correcto y lo que era malo sufrieron una gran sacudida. Las personas que se esfuerzan por vivir una vida honesta están condenadas a experimentar un mundo lleno de dolor y confusión.
Aito Ai es la canción de marcha de este mundo caótico.
Durante este período, Kei Sato, Masayoshi Komatsu, Rokuhiro Toura y otros interpretaron a viejos compañeros en las películas de Nagisa. Todos mostraron sus modelos a seguir con actitudes y expresiones marcadas y agresivas, creando un drama lleno de tensión que no dejó que el público se relajara.