Conocimientos de ilustración: cómo aprender a ilustrar desde cero

Consejo de ilustración 1. ¿Tienes algún buen consejo sobre arreglos florales? Permítanme compartirles las diez mejores técnicas de arreglo floral: 1. Corta aproximadamente 1 pulgada de la parte inferior del tallo en un ángulo de 45 grados. Esto aumentará inmediatamente la ingesta de agua en la superficie del tallo, y las flores y hojas de la flor absorberán más agua y se volverán más llenas y vigorosas. 2. Elige una taza que te guste como jarrón. No cortes los tallos de las flores por completo, mantenlos a un tamaño adecuado en la taza de té y ata las flores en un ramo con una goma elástica para que las flores salgan más completas y sea más fácil cambiar el agua. 3. Si desea que las flores florezcan inmediatamente, puede utilizar el método de alternar agua tibia y agua caliente. Primero corta los tallos y coloca las flores en un jarrón de vidrio lleno de agua tibia. Después de un minuto, traslada las flores a un jarrón lleno de agua fría. Después de 20 minutos, las flores abrirán sus bocas más grandes. 4. Una mezcla de vodka y azúcar puede prolongar el período de floración. Añade unas gotas de vodka y una cucharadita de azúcar a un jarrón para frenar el marchitamiento de las flores. Cuando las flores se vean tristes, agregue una taza de vodka al agua y los tallos se enderezarán nuevamente en aproximadamente uno o dos días. 5. Exhiba suculentas en hermosas tazas de postre. ¡Las lindas suculentas en las tazas de postre se sienten dulces y únicas! Simplemente llene la maceta con tierra, rocíe la tierra con una botella rociadora llena de agua del grifo y coloque sus suculentas en la superficie de esta tierra húmeda. Con el tiempo, empezará a echar raíces y a brotar. Asegúrese de rociar la tierra de manera uniforme con una botella rociadora una vez a la semana hasta que la capa superior del suelo luzca húmeda. 2. ¿Qué es el conocimiento de la pintura y cómo dominar el conocimiento de la pintura? El arte generalmente se refiere a arte como la pintura, la escultura, las artes y oficios y el arte arquitectónico que se realizan en el espacio, se expresan y apelan a la visión humana. Cuando este nombre comenzó a usarse en Europa en el siglo XVII, generalmente se refería a cosas con significado estético como pinturas, esculturas, literatura y música. Cuando comencé a usar esta palabra comúnmente en torno al Movimiento del Cuatro de Mayo, también tenía un significado equivalente a todo el arte. Por ejemplo, cuando Lu Xun explicó la palabra "arte" en 1913, escribió: "Arte es una palabra traducida. Del amor inglés, el pueblo Aiyun vino originalmente de Grecia, y su amistad era arte. Pronto nuestro país usó la palabra "arte" para traducir "amor", y la palabra "arte" se convirtió en un nombre que se refería específicamente a la creación de imágenes artísticas. en artes visuales como la pintura. Técnicas y medios, por ejemplo, la pintura se basa en el color, la luz y la sombra, las líneas, la anatomía y la perspectiva; estas técnicas y medios han formado un lenguaje artístico único y especial. estas artes plásticas a través de la práctica artística a largo plazo. La determinación de las diferentes reglas de expresión de estas artes, se relaciona con el éxito o fracaso de las imágenes de las artes plásticas y el atractivo de las obras artísticas, la exploración continua de los artistas y la mejora de la regularidad de la expresión plástica. significa un nuevo contenido de vida en la creación artística y satisface el desarrollo continuo de las personas. Una condición necesaria para el interés estético. La sección áurea también se llama regla áurea y proporción áurea, el segmento áureo se divide en segmentos largos. y segmentos cortos según la relación de aspecto óptima, o forma un segmento según la relación de aspecto óptima. La relación óptima entre el lado largo y el lado corto de un rectángulo es la sección áurea. Un término de pintura bidimensional. El espacio plano compuesto de longitud (izquierda y derecha) y altura (arriba y abajo) en la pintura, a menudo utilizamos métodos de modelado como la luz y la sombra para crear una sensación profunda y un efecto tridimensional de los objetos en el plano. el segundo espacio, es decir, utilizar el segundo espacio para crear la ilusión de un espacio tridimensional de objetos naturales. Algunas pinturas, como las pinturas decorativas y las pinturas con patrones, no requieren un fuerte efecto de profundidad, pero persiguen deliberadamente el efecto. Significado plano del segundo espacio para obtener expresión artística. Se refiere al espacio tridimensional compuesto de longitud (izquierda y derecha), altura (arriba y abajo) y profundidad (profundidad). es necesario expresar el sentido tridimensional y la profundidad del espacio tridimensional en el plano. Las artes plásticas como la pintura de texturas y la escultura expresan las características de diversos objetos en las obras a través de diferentes técnicas de expresión, como la seda, el cuero, etc. Diferentes características cualitativas como el agua y la piedra dan a las personas una sensación de realidad y belleza. Con la ayuda de factores de forma como la luz y la sombra, el color y las líneas, el sentido de la cantidad expresa la sensación del peso, el grosor y el tamaño. y la cantidad de un objeto, como la solemnidad de las rocas, la ligereza del viento y el humo. Todos los objetos realistas en la pintura deben transmitir el peso y el realismo únicos del objeto. En la pintura, se pueden producir varios efectos unificados. Sobre los principios de la perspectiva geométrica y la perspectiva aérea, la sensación del espacio representa la distancia, las capas, la interpenetración y otras relaciones entre los objetos, transmitiendo así una profunda sensación tridimensional en la pintura plana. Un término utilizado para referirse a los objetos visuales mostrados en. el plano de la pintura que puede dar a las personas la impresión de ocupar tres dimensiones. La sensación tridimensional del espacio en la pintura, cualquier objeto visible está determinado por la estructura del objeto mismo, que se compone de bloques con diferentes direcciones y ángulos. , es necesario captar las características estructurales del objeto pintado y analizar su idoneidad en la pintura para lograr una sensación de volumen. El término teórico "perspectiva" se deriva del latín "perspclre". Inicialmente, la perspectiva consistía en mirar la escena a través de un plano transparente y dibujar con precisión la escena en este plano, es decir, formar una vista en perspectiva de la escena. Posteriormente, basándose en ciertos principios, la ciencia de utilizar líneas para expresar la posición espacial, el contorno y la proyección de un objeto se denominó perspectiva. Hay tres tipos de perspectiva: 1. perspectiva de color, 2. perspectiva de desaparición y 3. perspectiva de línea. Esto lo resume Leonardo da Vinci, la más utilizada es la perspectiva lineal. La perspectiva juega un papel importante en la pintura. Su principio básico es imaginar un trozo de vidrio entre el pintor y el objeto que se está pintando, fijar la posición de los ojos (ver con un ojo) y usar los ojos para conectar los puntos clave del objeto para formar una línea de visión. . Vuelve a conectarte con el cristal imaginario.

La posición de cada punto sobre el cristal es la posición del objeto tridimensional que deseas dibujar en el plano bidimensional. Éste es el método de aplicación de la perspectiva en la pintura clásica occidental. Por ejemplo, la aplicación de la perspectiva en las pinturas chinas: (1) Las pinturas chinas con múltiples puntos de vista son buenas para expresar tramas ricas, mientras que las pinturas occidentales prestan atención a un solo punto de vista (similar a la fotografía). La rica trama enfatizada en la pintura china no puede lograrse desde una sola perspectiva. Por lo tanto, las pinturas chinas se expresan utilizando múltiples puntos de vista (similar a dividir y recombinar múltiples lentes de una cámara). Por ejemplo (2), la altura de la cámara está representada por una perspectiva ligeramente inclinada, y las montañas en la distancia a menudo se pintan como "montañas altas" conectadas por nubes. Muestra la sensación de que las personas son más altas que las montañas. Las pinturas chinas no utilizan primeros planos para expresar montañas. (2) La pintura china de larga distancia enfatiza "luchar por un árbol, agarrar una pulgada de frijoles". El pintor debe usar el teleobjetivo para expresarse. Las obras de Picasso rompen las reglas básicas de la perspectiva y muestran la parte delantera y trasera de un objeto en un espacio bidimensional. Para comprender las pinturas de Picasso, primero hay que abandonar la perspectiva. Los pintores de hoy han comenzado a ignorar todas las reglas y a tratar de romperlas. Pero estas prácticas están dentro de una regla filosófica básica: romper viejas reglas y crear otras nuevas. Horizonte visual, término básico para el punto central de la perspectiva: el punto al nivel de los ojos hacia donde miran los ojos del pintor. Punto de vista: es la posición de los ojos del pintor. Línea mediana: La línea que conecta el punto de vista con el centro, en ángulo recto con el horizonte aparente. Punto de fuga: un objeto en ángulo, no paralelo al marco, alcanza un punto de fuga en perspectiva a ambos lados del centro aparente del horizonte. Punto Celeste: Es un objeto inclinado (frente al techo de la casa) que desaparece sobre el horizonte aparente. Ubicación: Es un objeto inclinado (detrás del techo) que está cerca de lo alto y muy bajo, desapareciendo debajo del horizonte aparente. 3. Conocimientos básicos en cuestiones de color en pintura: 1. Conocer los tres colores primarios, a saber, rojo, amarillo y azul. Conozca la diferencia entre colores fríos y cálidos. Comprenda una mejor combinación de colores y sepa qué son los colores complementarios, es decir, rojo, verde, azul, naranja y morado. Problemas de modelado: 1. ¡Aprende bocetos básicos, que son muy importantes para pintar! 2 Comprender y dibujar la sensación del espacio, permitiendo que se abra el nivel del objeto. 3 Comprenda la relación de perspectiva, es decir, lo cercano es grande y lo lejano es pequeño, lo cercano es real y lo lejano está vacío, lo cercano es alto y lo lejano es bajo, las dos líneas rectas se extienden infinitamente y finalmente desaparecen en un punto. 4. Aprenda a concentrarse en describir cosas locales. De hecho, todavía es necesario ver y aprender la relación entre los objetos negros, blancos y grises. Solo te digo que después de muchos años de experiencia pintando, aún te falta pintar más. 4. ¿Cuáles son los principios básicos de sentido común para los arreglos florales? Aquí hay información que encontré en Internet: Conceptos básicos de arreglos florales: estilo chino 1. La primera rama principal erguida se inserta verticalmente en el contenedor, mostrando una postura erguida o elegante, dando a las personas una belleza artística digna y estable. Es recomendable mirar hacia arriba y esperar. 2. El estilo oblicuo consiste en insertar las ramas de flores principales en diagonal hacia afuera en el recipiente y utilizar algunas ramas naturalmente curvadas o que crecen en diagonal para expresar su belleza vivaz y dinámica. Es recomendable mirar hacia arriba y esperar. El contorno general debe ser un rectángulo inclinado, es decir, la dimensión horizontal es mayor que la altura, para mostrar la belleza inclinada. 3. Estilo plano El estilo plano consiste en extender las ramas principales de la flor lateral u horizontalmente en el recipiente, enfatizando la belleza de las líneas o franjas horizontales. La primera rama principal está inclinada entre 80° y 90°, básicamente formando una forma horizontal con el recipiente de flores. 4. El estilo colgante consiste en colgar las ramas de flores principales hacia abajo e insertarlas en el recipiente. Se utilizan plantas con zarcillos, medios zarcillos y ramas de flores flexibles para mostrar la belleza de líneas esbeltas, elegantes y suaves. y muy decorativo. 5. Patrones fusionados (arreglo floral de paisaje) Los patrones fusionados son dos patrones idénticos o diferentes que se combinan en un todo para formar un trabajo de modelado general. 6. Arreglo floral paisajístico El arreglo floral paisajístico es una forma de arreglo floral que expresa el paisaje natural dentro de una pulgada cuadrada de la maceta. Las formas de flores simétricas de estilo occidental, como triángulo, forma de abanico, forma de T invertida, semiesférica, horizontal, cónica y otras formas de flores asimétricas, como forma de L, triángulo equilátero, menisco, forma de S, etc., son una de las formas básicas de arreglos florales de estilo occidental. El contorno del patrón es un triángulo equilátero o isósceles simétrico, con la parte más ancha en la parte inferior y la parte más estrecha en la parte superior, pareciendo una pirámide. La estructura triangular es equilibrada y hermosa, dando a la gente una sensación ordenada y solemne. Adecuado para decoración en locales, salones e iglesias, colocado sobre mesas de centro o muebles esquineros. A menudo se utilizan como recipientes macetas poco profundas o jarrones más grandes. La forma de abanico es radial y las flores se extienden radialmente desde el punto central en todas direcciones, como un abanico abierto. Se utiliza en actividades ceremoniales como celebraciones de bienvenida para crear un ambiente animado y festivo. La forma de T invertida es una forma de flor unilateralmente simétrica, con la forma de la letra inglesa T al revés. Al insertar, el cable vertical debe mantenerse vertical y los cables horizontales en los lados izquierdo y derecho deben estar horizontales o ligeramente caídos. La longitud de las líneas horizontales en los lados izquierdo y derecho es generalmente 2/3 de la longitud de la línea vertical en el medio. El corte de pelo es similar a un triángulo, pero la cintura es más delgada, es decir, las flores en ambos lados generalmente se concentran cerca del foco y la forma de T invertida resalta la composición lineal. Es recomendable elegir flores hemisféricas y de líneas marcadas. Esta es una forma con composición simétrica en todos los lados. El contorno del arreglo floral es hemisférico. Las cabezas florales de los arreglos florales hemisféricos son más grandes y los vasos florales son menos prominentes. Este tipo de arreglo floral es suave, romántico, relajado y cómodo, y se utiliza a menudo para decorar mesas de café y mesas de comedor. El cono es un patrón floral simétrico que se puede ver desde todos los lados. Parece una pagoda, firme y solemne. Desde todos los ángulos, es triangular en vista lateral y circular en vista superior. Su método de interpolación es entre triángulo y hemisferio. lEste es un patrón floral asimétrico, adecuado para colocar en el alféizar de la ventana o en la esquina. Es básicamente similar a una forma de T invertida, pero sus lados izquierdo y derecho no tienen la misma longitud. Un lado es el eje largo y el otro lado es el eje corto, enfatizando que las líneas verticales y horizontales se extienden hacia afuera. El triángulo escaleno es un patrón floral asimétrico y equilibrado con una belleza dinámica. Es el patrón floral más utilizado en arreglos florales artísticos. 5. Cuando practique conocimientos de cómic, puede utilizar papel de copia normal A4 para dibujar.

Una vez que domines, debes usar papel cómico especial para dibujar líneas de regla cuando quieras enviar un manuscrito (manuscrito), lo cual es conveniente para el autor, pero también costoso. Se recomienda utilizarlo cuando sea necesario después de adquirir competencia. De lo contrario, sería mejor perder el tiempo practicando cómics en papel A4. Hay varios elementos básicos: 1. Guión (Historia 2. Guión gráfico. 3. El lenguaje de la comedia consta de estos tres. 2. Use un lápiz para dibujar aproximadamente los personajes y sus diálogos. 3. Con base en las líneas del lápiz, use un bolígrafo negro para agregar, delinear cuidadosamente la ropa, etc. 4. Agrega el fondo y el cabello. Dibuja todas las partes negras del fondo. Modifica las áreas que están pintadas (fuera del área predeterminada) con el color del cartel blanco. 5. Usa un cuchillo para recortar cada parte según lo fijado. especificaciones del papel de dibujo transparente 6. Llene el (manuscrito) con color de póster blanco, etc. 7. Incruste el texto en el original mediante fotocomposición y luego imprímalo. 8. Después de imprimir, las páginas impresas se encuadernarán. , además de la portada. Los cómics de formato largo se crean repitiendo los pasos anteriores una y otra vez con un nuevo guión. No es necesario pensar y dibujar al mismo tiempo, que es el llamado "guión". La historia es la base de los cómics, el guión gráfico es la forma de expresión de la historia y el lenguaje cómico es la conexión ingeniosa entre la historia y el guión gráfico. Además del dibujo a mano tradicional, también puedes dibujar cómics directamente en el cómic. Computadora con una tableta pintada a mano, y luego hazlo. No explicaré los pasos uno por uno. De hecho, lo más importante en el dibujo es la imaginación. Eso sí, siempre puedes llevar contigo un pequeño cuaderno de bocetos. de la vida y descubre algo interesante. Dibújalo y ejercita tu falta de experiencia e imaginación en el proceso de dibujar cómics. Estudia mucho y te deseo éxito en hacer lo que te gusta. Entre ellos, lo más importante es. Si tienes una buena base y practicas mucho, puedes hacer un trabajo de ilustración más creativo. De hecho, tienes dos opciones: no practicar lo básico, aprender algunos conocimientos de CG y dedicarte a algún trabajo técnico relacionado con la ilustración. en el futuro, aún puedes sobrevivir. O puedes dominar los conceptos básicos. Por supuesto, los conceptos básicos no se pueden lograr de la noche a la mañana. Aún puedes optar por hacer un trabajo técnico en ilustración mientras perfeccionas tus habilidades creativas básicas y esperar un año o más. dos antes de embarcarse en el camino creativo, es un proceso desde la falta de base hasta tener una base, que requiere práctica diligente. La base de la que estamos hablando no es para que usted dibuje una naturaleza muerta en yeso desde cero, sino la base necesaria para la creación de ilustraciones. cuando el jefe no es joven es una pérdida de vida, tiempo y dinero. El curso básico de Illustrator Digital Art Center consiste en perfeccionar los conocimientos básicos necesarios para la creación de ilustraciones y eliminar las partes inútiles. , diseño dinámico, perspectiva y otros conocimientos. Capacitarte de esta manera puede mejorar tus habilidades básicas en un corto período de tiempo. La base de la que estoy hablando no es que dibujes una naturaleza muerta en yeso desde cero, sino la base para la ilustración. La creación cuando el jefe no es joven. Dibujar naturaleza muerta es una pérdida de vida, tiempo y dinero. El curso básico de Illustrator Digital Art Center consiste en perfeccionar los conocimientos básicos necesarios para la creación de ilustraciones y eliminar las partes inútiles. , estructura, modelado, diseño dinámico, perspectiva y otros conocimientos. Capacitarte de una manera única puede mejorar tus habilidades básicas en poco tiempo - Centro de Arte Digital de Ilustración 7. ¿Qué conocimientos básicos se necesitan para dibujar cómics? Hay libros en el mercado que enseñan cómic a los niños de primaria. Puedes buscarlo y hay demasiadas herramientas: bolígrafos especiales (punta: bolígrafo D para estudiantes, bolígrafo G, bolígrafo multiusos, bolígrafo redondo), papel especial para manuscritos de cómics (B4, etc.). lápiz azul claro (no puedo hacer copias para revisión y corrección) ````````````` Hay demasiados libros. También aprendí por mi cuenta` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` ` Para aprender cómics, necesitas para leer más cómics e imitar más, y luego determinar aún más tu propio estilo de pintura y mejorar el efecto y la calidad. ¡Ser paciente! ¡voluntad! Aprender cómics no es fácil ~ ~ ~ ~ 8. Las bellas artes generalmente se refieren a pinturas, esculturas, artes y oficios, artes arquitectónicas y otras artes que se realizan en el espacio, se expresan y apelan a la visión humana. Cuando este nombre comenzó a usarse en Europa en el siglo XVII, generalmente se refería a cosas con significado estético como pinturas, esculturas, literatura y música. Cuando comencé a usar esta palabra comúnmente en torno al Movimiento del Cuatro de Mayo, también tenía un significado equivalente a todo el arte. Por ejemplo, cuando Lu Xun explicó la palabra "arte" en 1913, escribió: "Arte es una palabra traducida. Del amor inglés, el pueblo Aiyun vino originalmente de Grecia, y su amistad era arte. Poco después, nuestro país usó la palabra "arte" para traducir "amor", y la palabra "arte" se convirtió en un nombre que se refiere específicamente a las artes visuales. como pintura: artes plásticas y medios de creación de imágenes artísticas, como la pintura con la ayuda del color, la luz y la sombra, las líneas, la anatomía y la perspectiva, se basa en estas técnicas y medios, y a través de una práctica artística a largo plazo. estas artes plásticas son únicas y especiales, el lenguaje artístico determina las diferentes reglas de expresión de estas artes, lo cual está relacionado con el éxito o fracaso de la imagen plástica y el atractivo de las obras artísticas.

La continua exploración y mejora por parte del artista de la regularidad de los medios de expresión es una condición necesaria para que la creación artística exprese nuevos contenidos de vida y satisfaga las preferencias estéticas en constante desarrollo de las personas. La sección áurea también se conoce como regla áurea y proporción áurea. En un segmento de línea, divida el segmento de línea en segmentos largos y segmentos cortos de acuerdo con la relación de aspecto óptima, o forme la relación óptima del lado largo al lado corto de un rectángulo de acuerdo con la relación de aspecto óptima, es decir, el dorado sección. Terminología de pintura bidimensional. Se refiere al espacio plano compuesto por longitud (izquierda y derecha) y altura (arriba y abajo). En pintura, para reproducir verdaderamente la imagen del objeto, a menudo usamos perspectiva, luces y sombras y otras técnicas de modelado para crear una sensación profunda y un efecto tridimensional de la imagen del objeto en el plano del segundo espacio, es decir, usando el segundo espacio para crear el espacio tridimensional de la ilusión de objetos naturales. Algunas pinturas, como las decorativas y las estampadas, no requieren un fuerte efecto de profundidad, sino que persiguen deliberadamente el significado plano del segundo espacio para obtener expresión artística. Terminología estereoscópica. Se refiere al espacio tridimensional compuesto por longitud (izquierda y derecha), altura (arriba y abajo) y profundidad (profundidad). En pintura, para reproducir fielmente el objeto, es necesario expresar el sentido tridimensional y la profundidad del espacio tridimensional en el plano. Las artes plásticas como la pintura de texturas y la escultura utilizan diferentes técnicas de expresión para expresar las características de diversos objetos en sus obras, como la seda, el cuero, el agua, la piedra y otras características cualitativas diferentes, dando a las personas un sentido de realidad y belleza. Con la ayuda de factores de modelado como la luz y la sombra, el color y las líneas, la sensación de volumen expresa la sensación del peso, grosor, tamaño y cantidad de un objeto. Como la solemnidad de las rocas y la ligereza del viento y el humo. Todos los objetos realistas en las pinturas deben transmitir el peso y el realismo únicos del objeto. El uso de la relación contrastante de cantidad puede producir efectos diversos y unificados. En la pintura, basada en los principios de la perspectiva geométrica y la perspectiva aérea, la sensación del espacio representa la distancia, la capa, la interpenetración y otras relaciones entre los objetos, transmitiendo así una profunda sensación tridimensional en las pinturas planas. Terminología de pintura volumétrica. Significa que los objetos visuales mostrados en el plano de la pintura pueden dar a las personas una sensación tridimensional al ocupar un espacio tridimensional. En pintura, cualquier objeto visible está determinado por la estructura del propio objeto, formada por bloques de diferentes orientaciones y ángulos. Por tanto, es necesario captar las características estructurales del objeto pintado y analizar su relación adecuada en la pintura para lograr una sensación de volumen. Términos teóricos para el dibujo en perspectiva. La palabra perspectiva proviene del latín perspclre. Inicialmente, la perspectiva consistía en mirar la escena a través de un plano transparente y dibujar con precisión la escena en este plano, es decir, formar una vista en perspectiva de la escena. Posteriormente, basándose en ciertos principios, la ciencia de utilizar líneas para expresar la posición espacial, el contorno y la proyección de un objeto se denominó perspectiva. Terminología de claroscuro. Se refiere a los cambios de brillo de la luz, la luz de fondo y las partes reflectantes de los objetos en las pinturas y los métodos de expresión de dichos cambios. Un objeto tiene tres estados claros y oscuros bajo la luz, que se denominan tres lados principales, a saber, el lado luminoso, el lado medio y el lado oscuro. La luz y el color de las tres superficies principales son generalmente más oscuros en el centro. La luz y la oscuridad de las tres superficies principales se expresan generalmente como cinco niveles básicos, es decir, cinco tonos: ① La superficie brillante siempre está expuesta a la luz (2) La superficie gris: la superficie media, media luz y media luz; oscuro (3) La línea divisoria entre las partes claras y oscuras (4) La parte de luz de fondo en el lado oscuro ⑤ Reflejo de las partes oscuras y claras de una sola superficie afectada por los reflejos circundantes. Describir los objetos según la altura de la luz y la oscuridad siempre ha sido el método básico de la pintura cuadrada. Durante el Renacimiento, Vasari dijo una vez en "Biografías de artistas": "Al pintar, después de dibujar el contorno, use sombras para distinguir aproximadamente la luz y la oscuridad, y luego muestre cuidadosamente la luz y la oscuridad en una sola habitación, así como las partes brillantes. ." Blanc es un maestro de las técnicas de sombras entre los pintores europeos. Un término para el arte de contornear. Se refiere a la línea de borde que define el alcance del objeto de actuación. En pintura y escultura, los contornos correctos se consideran fundamentales para el éxito de una obra. Términos de composición y artes plásticas. Se refiere al método de configuración estructural de las imágenes artísticas en las obras. Es un medio importante para que las artes plásticas expresen el contenido ideológico de las obras y obtengan atractivo artístico. El color es uno de los factores importantes en la pintura. Varios objetos absorben y reflejan la luz en distintos grados, actuando sobre el auditorio humano, lo cual es un fenómeno complejo. Debido a que los objetos tienen diferentes texturas y absorben y reflejan la luz de varios colores en distintos grados, todo en el mundo tiene colores en constante cambio. La apariencia cualitativa que puede dar un color matiz. Los diferentes tonos de la naturaleza son infinitamente ricos, como el rojo púrpura, el gris plateado y el amarillo anaranjado. Croma se refiere a la luminosidad inherente del color mismo. Por ejemplo, de los siete tonos básicos, el morado * * * es el más oscuro y el amarillo * * * es el más claro. El tono también se llama tono. Bajo la iluminación de una fuente de luz de color con un cierto tono y brillo, la superficie de un objeto queda envuelta en una tendencia de color unificada y una atmósfera de color, que es el tono. El color no tiene propiedades. Los colores se dividen básicamente en colores cálidos (también llamados colores calientes) y colores fríos (también llamados colores fríos). El rojo, el naranja y el amarillo son colores cálidos que dan a las personas una sensación cálida, cálida y extrovertida. Cómo aprender ilustración con base cero. El método de ilustración con base cero es el siguiente:

1. Elija un software útil.

2. Empieza a copiar para sentar las bases, mira una gran cantidad de ilustraciones y construye tu propia biblioteca de materiales. Luego seleccione el contenido que le interesa y cópielo. En el proceso de copia, piense en lo bueno de esta pintura, ya sea la combinación de colores, la composición o las características de estilo, para poder consultarla mejor más adelante.

3. Los cursos de ilustración pueden ayudarte a aprender de forma más sistemática. Después del período de copia, y cuando tenga cierta comprensión de las ilustraciones, puede optar por inscribirse en una clase de capacitación en ilustración. Bajo la guía de los profesores, las personas con poca capacidad de autocontrol también pueden lograr una mayor eficiencia en el aprendizaje. En esta etapa, pueden aprender teoría y práctica, tener una comprensión más profunda de la ilustración y comenzar a producir mejores trabajos.

4. Completa los huecos. Después de un estudio y formación preliminar, podrás detectar qué debilidades no has dominado. Puedes compensar tus deficiencias mediante un período de entrenamiento concentrado. Por ejemplo, si tu capacidad de modelado no es particularmente buena, entonces puedes concentrarte en practicar el agarre de formas durante un período de tiempo. Puedes encontrar tus propias debilidades según tu situación real y superarlas una por una.

Al aprender ilustraciones, puedes recopilar y seleccionar diferentes tipos de ilustraciones y clasificarlas, y luego elegir la dirección que te interese, para que el efecto de aprendizaje sea mejor.

Además, a la hora de entrenar habilidades de pintura, lo mejor es tener a alguien que te guíe para que puedas saber qué es necesario modificar durante el proceso de pintura, y puedas conocer tus propias deficiencias y corregirlas. Esto también supone una mejora en el aprendizaje. Por el contrario, si quieres progresar rápidamente en la ilustración, debes aceptar las críticas de los demás y hacer las correcciones a tiempo.

En resumen, en el proceso de aprendizaje de ilustración, debes prestar atención a cada paso de aprendizaje, corregir tus errores a tiempo, elegir la dirección de aprendizaje correcta y determinar tus objetivos para convertirte en un excelente ilustrador. El profesor está a la vuelta de la esquina.

¿Qué conocimientos y habilidades necesitan los ilustradores? Se necesita aproximadamente un año para convertirse en un ilustrador calificado desde cero. La premisa es elegir una institución de formación confiable y estudiar mucho por su cuenta. Aquí hay una breve introducción sobre cómo convertirse en ilustrador: 1. Puedes tomar una clase de dibujo después del trabajo o de la escuela para aprender a dibujar. 2. Se recomienda buscar un profesor con suficiente tiempo y paciencia. ¡Dibujar es importante! Está bien. Tienes que practicar más. 3. Si cree que tiene suficiente tiempo, puede aprender algún software más tarde o al mismo tiempo. 4. PD: la IA debería poder hacerlo. Primero aprende a ser pintor, luego aprende PS e IA. PS y AI sólo se especializan en ilustración y dibujo. 5. La tableta de dibujo es la base de los ilustradores y debe aprenderse. Es complicado que un ilustrador pueda expresar algo sin una tableta gráfica. Incluso si amas a Al, en realidad es más rápido y más fácil en una tableta gráfica. Para mayores conocimientos sobre ilustración, se recomienda aprender sobre ella en la docencia interna. El modelo de aprendizaje de seguimiento e inspección 1v1 de Danai Education permite a los principiantes y estudiantes universitarios sin base comenzar rápidamente. Todos son profesores con una rica experiencia práctica y pueden comunicarse con usted en cualquier momento si tiene alguna pregunta. Conocimiento teórico + pensamiento de aprendizaje + operación práctica crean un circuito cerrado completo de aprendizaje, y hay muchos cursos para elegir.