Arreglos necesarios para la edición de fotografías.
, Encuentra la mejor expresión y visión del movimiento en materiales limitados,
La capacidad de cortar materiales y encontrar su conexión con la siguiente imagen,
La capacidad de utilizar imágenes y elegir música, así como la creatividad para crear melodías y tramas.
El montador también debe dar a la película, que se compone de imágenes fijas continuas, una sensación de salto y dar vida a la imagen.
El editor encontrará naturalmente la mejor expresión en muchas tomas y descubrirá qué punto es el punto de corte. Esta es la melodía de la edición. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando lentamente en muchos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.
2. Cómo encontrar el punto de corte
¿Dónde debo cortar y conectar? Encontrar el punto de entrada es sin duda una de las tareas importantes de un editor. Una cosa a tener en cuenta aquí es que este es el vértice de la imagen.
El llamado vértice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como el momento en que los brazos del personaje están completamente extendidos, el momento en que termina la acción de inclinarse después de asentir , el momento en que la pelota sube y está a punto de caer, el momento en que la sonrisa se retrae.
La imagen es una serie de fotogramas fijos debido a que la película anterior formará una imagen secundaria en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas.
Por lo tanto, cuanto más intensa sea la acción, cortar en la parte superior de la pantalla o en el momento antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en el vídeo posterior, dejando una profunda impresión en la audiencia.
Tres: El punto de corte que crea una sensación de melodía.
Tomemos la acción de girar un libro como ejemplo para ver cómo encontrar el punto de entrada.
Si comienzas a filmar desde un estado en el que la acción está completamente parada, filma fielmente la acción de girar el libro de principio a fin, para que el público sepa de un vistazo que se trata de la acción de girar. Biblia.
Pero la belleza de la imagen no puede reflejarse sólo a través de la claridad. Un sentido de melodía y comodidad también son indispensables. Entonces, ¿qué debemos hacer?
Seleccionamos el punto de corte inicial cuando ha comenzado la acción de voltear el libro. Si la acción de pasar páginas se divide en 1 a 24 imágenes, entonces los primeros 3 a 4 clips se cortan como punto de corte inicial.
Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión de la acción de pasar páginas. Por el contrario, también puede expresar la melodía y la comodidad del movimiento. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.
Cuatro: No existe una sola forma correcta de editar una película.
Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es el único.
Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede usar como punto de corte, o se puede usar como punto de corte cuando la acción de girar el libro está a punto de finalizar.
Según las diferentes obras y las diferentes imágenes del anverso y el reverso, se puede cambiar el punto de corte. No existe una única forma correcta de editar.
Por supuesto, la edición también tiene sus formas y convenciones fijas, que se pueden decir que son reglas de edición. Es importante conocer estas reglas, pero la edición en sí es un trabajo creativo, por lo que a veces hay que romper las reglas y probar algo nuevo.
Cinco: Propósito de la edición
Libertad de limitaciones físicas y libre control del tiempo y el espacio.
En fotografía y producción, a veces es necesario dividir los planos en planos y convertirlos en una trama posterior.
Omitir de la obra el paso real del tiempo en la historia.
Omitir el movimiento del espacio en el relato
Combinado con la intención expresiva, forman la trama y determinan el aspecto final de la obra.
Conecta tomas con propósito para aclarar y enfatizar lo que quieres expresar.
Hacer más rigurosa la secuencia y estructura de los planos y resaltar los elementos argumentales.
Seis: Reglas fijas en clips de acción
Métodos de edición cuando el sujeto está en movimiento.
La vinculación de acciones se refiere a la edición de los movimientos del sujeto.
Antes, muchas veces era necesario interrumpir el rodaje de una acción debido a cambios de película. Sin embargo, la misma acción conectada desde diferentes tomas parece sorprendentemente fluida e impresionante. Se dice que este es el origen de este método de edición.
Siete: uno, el movimiento son las siete y tres tiempos consecutivos.
Primero, echemos un vistazo a la base de la edición de acciones, la "conexión de acciones".
"Conexión de acción" se refiere a un método de edición que conecta una acción a dos pantallas.
En teoría, los dos conjuntos de imágenes difieren sólo en el tamaño de la pantalla y representan la misma acción, por lo que puedes editar desde cualquier punto.
Sin embargo, las acciones pueden ser inconsistentes o repetitivas. La imagen final editada carece de ritmo.
El método general de edición de imágenes consiste en conectar las acciones según una proporción de 7:3 o 3:7 para lograr una acción fluida. De esta manera, no sólo los movimientos hacia delante y hacia atrás parecen coherentes, sino que también surge espontáneamente una sensación de ritmo y vitalidad.
Por supuesto, la proporción de 7:3 no es la verdad absoluta. Dependiendo del material y de los puntos de corte, el ojo humano experimenta a veces la ilusión de repetición y salto.
Por lo tanto, cortar o superponer deliberadamente algunas tomas hará que la acción parezca más natural y fluida. Intente cambiar el punto de corte en diferentes imágenes para ver el efecto.
En segundo lugar, conecta las dos acciones en una.
Conectar múltiples acciones de diferentes temas en una, comúnmente conocido como "edición de acción única".
Aquí tienes un ejemplo de uso: El lanzador que consigue un jonrón y el primera base miran hacia atrás a la bola entrante. Los dos jugadores completaron la acción de "mirar atrás" al mismo tiempo.
Si quieres aprovechar al máximo el material lanzado, definitivamente utilizarás esta conexión: haz un jonrón -> devolución del lanzador -> devolución del corredor -> vuela la pelota muy lejos.
Pero al usar este método de conexión se repetirá la acción de los dos jugadores girando y retrocediendo, dando a la audiencia una aburrida sensación de aprobación.
Una única secuencia de acción combina estos dos movimientos de espalda en uno, editándolos para eliminar la diferencia horaria.
Específicamente, la primera mitad del retorno del lanzador se corta y la segunda mitad del retorno del primera base está conectada. Esto puede mejorar la sensación de velocidad y hacer que la imagen sea coherente.
Conexión de puntos clave de acción
Dos cámaras capturaron dos imágenes de diferentes tamaños en la misma posición y ángulo. Si se trata de una posición y un ángulo diferentes, esta regla también se puede utilizar para solucionarlo.
Por supuesto, si los materiales no se disparan al mismo tiempo, siempre que cambies el ángulo y utilices el vértice de una acción (una acción característica) como punto tangente, habrá muchas maneras. para conectar. Por ejemplo, el momento antes de que se suelte la pelota, el dorso de la pelota se tira hacia abajo y luego se conecta.
Al editar con la acción como centro, debes prestar atención a varios aspectos. Los siguientes son los puntos clave.
① Utilice la lente más larga como lente principal.
(2) Considera la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la pantalla para no afectar la continuidad de la acción.
(3) Cambiar drásticamente el propósito y la posición de la cámara cambiará el impulso de la imagen.
(4) La conexión basada en el tiempo real aparecerá más retrasada, por lo que las partes que se pueden omitir en las acciones de transición deben comprimirse. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano.
⑤ Los materiales tomados simultáneamente se pueden editar en teoría en cualquier punto, pero elegir diferentes puntos de edición y repetir u omitir algunas tomas hará que la acción sea más fluida.
⑥Cuando uses diferentes imágenes para la misma acción, intenta conectarlas en los vértices de la acción.
En tercer lugar, se utilizan acciones superpuestas intencionadas para dar énfasis.
A través de la repetición intencionada, se enfatiza una acción. Este método se llama doble acción o triple acción.
En la imagen de muestra, el plano del brazo del lanzador elevado a su punto más alto se utiliza como punto de corte, los planos de acción antes y después están conectados y, finalmente, el plano lateral completo de la mano retrayéndose hacia abajo. después del lanzamiento está conectado.
De esta forma, la acción puede no ser tan fluida para el público, pero la acción de "lanzar la pelota" se repite tres veces (triple acción), lo cual es muy impresionante.
Las acciones dobles sólo funcionan si conscientemente quieres resaltar una determinada acción, y deben ser lo más breves posible para evitar que sean prolijas.
4. Para escenas de acción intensa, se puede omitir la parte central.
Uno de los propósitos de la edición es omitir tiempo y espacio.
Si editas de acuerdo con el paso real del tiempo y el movimiento del espacio, no importa cuánto tiempo tengas, nunca será suficiente y la audiencia lo encontrará tedioso.
Un método más efectivo en este momento es extraer algunos planos intermedios de la misma acción y luego conectarlos entre sí.
Este método también se denomina método de extracción intermedia.
Su función es acortar mucho el tiempo y aumentar la velocidad de la película, haciendo que el público no se canse nunca de ella.
Al utilizar esta técnica, tienes que elegir qué disparos realizar, que es la parte difícil.
Lo más importante es no cortar los vértices de la acción (feature action). Si eliminas estos planos de vértices, no hay forma de saber en qué dirección irá la acción.
Esta técnica se desarrolló en la edición de saltos, una técnica de extracción intermedia creada por Golda que conecta imágenes saltando como la aguja de un gramófono.
Jump Editing se atreve a romper los tabúes del montaje tradicional, permitiendo rodar escenas impresionantes.
Métodos para eliminar la mitad de una acción
A la hora de omitir planos intermedios para ahorrar tiempo y resaltar la sensación de velocidad, debes prestar atención a elegir qué planos se deben omitir. Cuando se omiten otros tiros, el brazo caerá en el estado inicial al lanzar y cuando la posición del brazo alcance su posición más alta. Sólo estos tres tiros pueden mostrar la acción de lanzamiento al mínimo.
5. Conecte las imágenes de entrada y salida de cuadros.
El sujeto se encuentra en el encuadre de disparo, lo que se denomina frame-in.
Por otro lado, cuando el sujeto sale del campo de tiro, se denomina encuadre fuera.
Personas que caminan o corren, animales, automóviles, tranvías: todos estos objetos en movimiento se pueden editar.
Consideremos cómo el mismo sujeto conecta el encuadre dentro y fuera bajo diferentes fondos.
La escena de una bicicleta andando frente a la cámara, dos sets del mismo tamaño fueron filmados en diferentes lugares.
Por supuesto, podemos conectarnos en el orden desde que la bicicleta entra al escenario vacío (solo está el fondo en la toma, no hay objetos fotografiados) hasta que la bicicleta sale de la toma.
No hay ningún problema con este método de conexión, pero el espacio es demasiado espacioso y los movimientos no son lo suficientemente fluidos.
Un excelente método rítmico para vincular acciones es vincular disparos del último grupo justo cuando el objeto está a punto de abandonar el campo de tiro.
La clave es utilizar una imagen en la que el sujeto esté mitad dentro de la toma y mitad fuera de ella. Esto hará que la conexión se vea más fluida.
Si los ángulos de los sujetos en las tomas frontal y trasera son diferentes, agregar una toma de escenario vacía entre los fotogramas hará que la imagen sea más coherente.
6. Utiliza tomas oscuras o puntos comunes para conectar los movimientos de diferentes sujetos.
¿Cómo conectar los movimientos de diferentes sujetos?
Un ejemplo es la conexión entre una figura corriendo y un coche a toda velocidad.
Primero deja que el personaje que corre se acerque cada vez más hasta llenar toda la pantalla, haciendo que la pantalla se vuelva negra, y luego conecta las tomas posteriores.
Aunque el personaje corre a una velocidad diferente a la del coche, la pantalla negra (o tomas muy oscuras) entre ambos reproduce con éxito un movimiento suave.
Se modificaron las reglas en los fragmentos de diálogo
El método de edición de líneas de caracteres, donde el diálogo se refiere a líneas.
La edición de diálogos se refiere a editar las líneas de los personajes de la escena.
Se vincula con la edición de acciones como el método de edición más representativo y es un factor indispensable para mostrar la trama.
Los fragmentos de diálogo aparentemente simples son en realidad algunas reglas fijas que se utilizan para expresar efectos especiales.
1. Las líneas están conectadas con 1:3.
Entre líneas, salvo SE y BGM, el resto guarda silencio.
Para la edición de vídeo, es importante crear este estado de silencio y utilizarlo para expresar el ritmo de la película.
En este ejemplo, dos personas están charlando en un coche. La clave para editar es cuánto espacio debe haber entre dos personas hablando. Una escena de diálogo tras otra se filma con una cámara en lugar de con otro personaje, por lo que las dos personas realmente no hablan (=intermedio). Al editar, es importante dejar un espacio natural entre los diálogos.
En general, los intervalos entre diálogos serán más coherentes si están conectados en una proporción de 1:3.
Si el espacio después de las líneas en el plano anterior era de 1 largo, entonces debería haber un espacio de 3 largos antes de que comience el diálogo en el plano siguiente.
En segundo lugar, las líneas se mueven hacia arriba y hacia abajo para aumentar el efecto dramático.
Mover el diálogo hacia arriba o hacia abajo, es decir, insertar las líneas en el plano anterior (mover hacia arriba) o arrastrarlas al siguiente plano (mover hacia abajo).
Su función es resaltar los cambios en las expresiones y movimientos de los personajes provocados por el contenido del diálogo.
El Sr. A fue detenido. El Sr. B lo saluda y dice "Hola Sr. A" y mueve esta parte hacia arriba. Luego aparece la toma del Sr. B y se insertan las líneas del Sr. A movidas hacia arriba. "¡No es este el Sr. B!".
Esto hace que toda la escena sea más fluida y coherente.
Por ejemplo, en la toma anterior, el nombre clave "Tengo a alguien que me gusta" se ha movido hacia abajo, destacando el cambio en la expresión del protagonista bajo la influencia de esta frase. Esa es la intención de esta tecnología.
Por ejemplo, para resaltar el cambio en la expresión de la heroína antes y después de que el héroe la invite a dar un paseo, las líneas del héroe se mueven hacia arriba y aparecen junto con la toma facial de la heroína. Si las líneas no se mueven hacia arriba, aparecerá en la pantalla un plano silencioso del rostro de la heroína, y la película parecerá muy larga y sin sentido del ritmo.
No es la longitud de las líneas lo que determina el corte de la toma, sino el corte intencionado teniendo en cuenta la trama. Esto es muy importante.
En tercer lugar, utilice el montaje incrustado para expresar emociones.
Para hacer que la escena anterior sea más dramática, puede utilizar el método de insertar otras tomas entre líneas. Por ejemplo, también puedes mostrar algunas tomas de seguimiento.
En el conjunto de tomas anterior, cuando las líneas de la heroína están en el medio, se inserta una toma del rostro del héroe, que no solo puede mostrar los fuertes cambios de expresión del héroe después de escuchar la respuesta de su novia. , pero también enfatiza la escena anterior Un estado de paz y alegría.
Métodos de edición de líneas y no acción, cambios de escena y creación de puntos de conexión
En primer lugar, los principiantes pueden utilizar el método O.L tradicional para hacer transiciones suaves entre tomas.
O.L. (fotografía superpuesta) es un efecto de transición muy común, al igual que el desvanecimiento y la aparición.
Expresa el paso del tiempo y el movimiento del espacio, pudiendo utilizarse también para expresar estado de ánimo.
Métodos de transición similares incluyen el método de limpieza y el método de dispersión.
En segundo lugar, ¡usa el refugio para conectar diferentes escenas! Cambio de ventana
El cambio de ventana se refiere al método de edición en el que cuando hay una obstrucción frente al sujeto, la pantalla queda bloqueada por la obstrucción y pasa a la toma siguiente.
Los escudos se pueden dividir a grandes rasgos en dos tipos: refugios inamovibles (paredes u otros objetos grandes) y objetos móviles como los peatones.
Ambos se pueden conectar directamente, pero conectar con un refugio es más natural.
En tercer lugar, utilice imágenes borrosas para conectar diferentes escenas.
La agregación y la no agregación se refieren a la síntesis gradual de imágenes borrosas en imágenes claras, o la transformación gradual de imágenes claras en imágenes borrosas.
Al ser una imagen muy abstracta, resulta muy natural utilizarla para conectar dos tomas diferentes.
Pero cabe señalar que si la imagen frontal y la imagen posterior no tienen nada en común en color e imagen, el efecto final se verá muy disonante.
Por ejemplo, desde una rosa roja hasta la luz de señalización de un coche de policía, o desde el rostro de una persona al rostro de otra, la imagen borrosa debe vincularse a la escena específica solo cuando el escenario o el sujeto están en ella. color y forma Sólo se puede utilizar cuando hay algo en común.
En cuarto lugar, utiliza el efecto de desenfoque provocado por el movimiento para conectar las tomas.
El disparo en movimiento rápido implica mover la cámara (o hacia arriba y hacia abajo) muy rápidamente.
Al utilizar este método, se produce un efecto de desenfoque que conecta diferentes tomas.
Esta técnica da la impresión de poner énfasis en el movimiento espacial, y se debe prestar atención al uso de planos muy cortos y rápidos. Si se utiliza una lente larga, será difícil utilizarla como toma de conexión para cambios de escena.
Ten en cuenta que el fondo en diferentes escenas también cambia mucho.
5. Conecta tomas del mismo paisaje.
La edición en blanco es cuando se conectan dos escenas diferentes al mismo tiempo en la lente frontal, levantas la cámara para fotografiar el cielo y luego bajas la cámara para convertirla en otra escena en lugar del azul. cielo, puedes usar lentes de la luna, el sol, las estrellas, etc. Método de edición.
Las escenas de los dos planos pueden estar muy alejadas, pero deben tener algo en común (como por ejemplo el mar).
Sexto, conecta la lente y el efecto de exposición
Al igual que disparar con un flash fuerte, el método de usar un flash (una lente completamente blanca que parpadea rápidamente) para conectar diferentes lentes Se llama efecto flash.
Incluso si conectas tomas que no tienen nada en común, no habrá sensación de incongruencia alguna.
Esta técnica se utiliza a menudo en anuncios y vídeos musicales.
7. Utilice pantallas divididas para pasar a tomas posteriores.
El planteamiento general es separar los planos realizados al mismo tiempo y juntarlos. Si no hace esto, será difícil que la audiencia comprenda la imagen.
Separa la mitad derecha de la lente e inserta otras lentes para formar la imagen completa. Muy útil a la hora de representar eventos de sincronización.
Otros métodos de edición representativos
Se puede decir que los productos de imagen son una colección de montajes.
Por último, se introducen métodos de edición representativos como la reducción.
Los editores pueden utilizar diferentes métodos de edición para realizar grandes cambios en la trama, las emociones de los personajes en la escena y el significado de la imagen. Algunas obras incluso dan un giro de 180 grados.
Montaje consiste en crear una historia a través de la combinación de imágenes. Aquí, me gustaría presentarles este método de edición muy efectivo.
Primero, deja que aparezcan diferentes tomas alternativamente al mismo tiempo.
Dejar que las cosas sucedan alternativamente en diferentes lugares, esto se llama corte inverso (también llamado corte transversal).
El corte inverso no sólo enfatiza la continuidad de la escena, sino que también realza la tensión y la expresión.
Al cambiar la velocidad de disparo de la cámara (cámara lenta), se puede hacer más expresiva la trama.
Sería mejor que en el flashback aparecieran alternativamente tomas de diferentes lugares y que ambas partes acabaran en el mismo lugar.
Por ejemplo, si llegas tarde a una cita, se alternan tomas del hombre corriendo rápido y tomas de la mujer esperando en el lugar señalado. Finalmente, ya sea que los dos se encuentren por última vez o que el hombre no llegue, la toma de la mujer comprando sola será muy efectiva.
También existe el flashback, un método de edición similar al cutback.
Flashback consiste en insertar una gran cantidad de planos ultracortos a la hora de expresar los recuerdos o descripciones psicológicas de los personajes en escena.
En segundo lugar, cuando la conexión sea difícil, inserte una imagen de algo como adhesivo.
CUT AWAY es un método de edición que conecta tomas frontales y traseras como si fueran pegamento. Es un método teórico antitradicional. Al conectar dos imágenes del mismo tamaño, toda la audiencia quedará enormemente impactada.
Por ejemplo, al filmar una escena de dos personas en una cafetería, las tomas específicas de las dos personas no estaban conectadas entre sí, sino que se insertaba una toma de cubitos de café en el medio para que la película pareciera más rítmico.
Siempre y cuando la lente insertada capture el objeto que apareció en la lente anterior.
Por ejemplo, conecte una toma de una mujer mirando gemas, una toma en primer plano de una gema y una toma de ella comprando en otras tiendas. Por favor, sientan por sí mismos la diferencia que sería el ritmo y el impacto para el público sin la lente de esta joya.
En tercer lugar, conecta las lentes de diferentes monturas para crear una sensación de ritmo.
Acercar y alejar el zoom es una forma habitual de aportar frescura al metraje normal.
Conecta planos de humor (normalmente primeros planos que expresan el estado de ánimo del personaje) y planos de escena (planos situacionales, normalmente planos largos o planos superlargos) en diferentes fotogramas por etapas.
El enfoque habitual es dividirlo en tres etapas. Tenga en cuenta que diferentes lentes tienen diferentes monturas.
Por ejemplo, una toma de acercándose tres veces a un hombre fumando (ampliar). También puedes alejar gradualmente la imagen en tres pasos.
Si el mismo fotograma te resulta muy monótono, puedes utilizar este método.
Ver el espectáculo de la película "Back"
El cutback es una técnica de edición que provoca ciertos errores XXXXX en los planos de dos o más escenas diferentes.
Este método parece difícil. De hecho, lo vemos a menudo en series de televisión y películas. Esta es una técnica de edición muy común.
Por ejemplo, hombres y mujeres aparecen alternativamente en el teléfono. Esta es una toma muy común, pero utiliza el método de corte inverso.
La ventaja del corte inverso es que hace que el paso del tiempo aparezca repetidamente, dando a las personas una sensación del tiempo más cercana a la de una película.
Por ejemplo, al describir al asesino y a la policía persiguiéndolo, utilizar el método de corte inverso llevará la película al clímax, aumentará la sensación de velocidad y dará al público una mayor sensación de tensión.
El clímax de "El silencio de los corderos" se desarrolla hábilmente mediante recortes.
La técnica del corte inverso puede dar un nuevo significado a la lente.
Por ejemplo, en la película de Hitchcock Para atrapar a un ladrón, Kelly Brand y Grace Kelly están hablando en una habitación de hotel mientras estallan fuegos artificiales fuera de la ventana. Los fuegos artificiales aquí son una metáfora de su amor. Aquí, los fuegos artificiales se reducen para hacer más expresiva la trama de la película.
En la película Hellraiser de Coppola, los flashbacks vuelven a ser filosóficos.
En la escena donde Willard asesina al coronel Carter, se inserta una escena de los aborígenes sacrificando ganado a los dioses. Esta escena es fácil de entender, pero Crapo la hizo desde la perspectiva de la antropología cultural.