Ilustraciones de líneas de personajes de moda: uso de PS para sintetizar ilustraciones de personajes de arte de tendencias de moda
La ilustración de moda, como antiguo medio de comunicación visual, no solo ha seguido desarrollándose en la nueva era, sino que también ha generado muchas nuevas formas de expresión con diferentes estilos. ¿Cuántos de los ilustradores de moda más populares y destacados y sus trabajos conoces?
La edad de oro de la ilustración de moda
En sus inicios, la colaboración entre las ilustraciones de moda y las revistas de moda la ayudó a entrar en su apogeo. Las revistas de aquella época, casi sin excepción, requerían ilustraciones para crear imágenes, desde las portadas hasta las páginas interiores. En ese momento, los lectores recibían información sobre moda, arte, gusto, etc. a través de exquisitas ilustraciones. Se puede decir que las revistas de moda y las ilustraciones de moda en ese momento tuvieron éxito mutuo.
Portada de la revista Harper
La colisión entre pinturas de moda y marcas de moda
En la era digital, la fotografía se ha convertido en la principal fuente de comunicación visual para las publicaciones de revistas. Aunque la era de las revistas con ilustraciones de moda como principal medio de promoción ha terminado, la industria de la ilustración de moda no ha estado dormida, sino que ha ido desarrollándose y evolucionando hacia nuevas direcciones.
La cooperación entre ilustraciones de moda y marcas de moda es el nuevo camino más exitoso descubierto hasta ahora. Como la marca más popular hoy en día, Gucci suele buscar algunos ilustradores populares en las redes sociales para colaborar.
Las siguientes obras coloridas y poéticas fueron creadas por la ilustradora Helen Downie. Cabe mencionar que esta ilustradora altamente profesional es en realidad un ama de casa sin experiencia profesional. Su experiencia legendaria y sus pinturas se hicieron populares en línea al mismo tiempo. Además, su estilo de pintura es sorprendentemente similar al nuevo concepto estético defendido por Gucci, lo que hizo que al director creativo de la marca le gustara su trabajo de un vistazo y lanzó una serie de cooperaciones en profundidad.
Helen Dorney Factory
Aunque es madre, sus imaginativas obras siempre revelan la inocencia de una niña. Especialmente los grandes ojos inocentes de los personajes del cuadro son muy extraños y llenos de infantilismo.
Helendorny Factory
Sin embargo, esta no es la primera vez que Gucci colabora con ilustradores de moda. Anteriormente, la marca también invitó a otro ilustrador, Alex Merry, para una colaboración más "artística".
Desde Nueva York hasta Londres, desde Milán hasta Shanghai, todas las ciudades con paredes de arte fueron ocupadas por las creativas ilustraciones de moda de Alex casi de la noche a la mañana. Es raro que una ilustración de moda tan grande se presente de esta manera, por lo que cuando se publicó la imagen del muro artístico, inmediatamente causó sensación en Internet.
Obras de Alex Merry
Además, Gucci venderá productos en forma de ilustraciones para que todos los consumidores interesados puedan encontrarlos y poseerlos. Hacen realidad estos productos ideales de ensueño. Por otro lado, el público puede ver en estas románticas ilustraciones de moda que el estilo de las ilustraciones de moda ya no es único.
Las obras de Alex Merry
Cuando se trata de cooperación transfronteriza entre ilustraciones de moda y marcas, hay que mencionar a Prada. Para la serie masculina de primavera y verano de 2018, la marca invitó al ilustrador James Jean a colaborar por segunda vez, lo que demuestra el grado de atención que han recibido sus trabajos.
Obras de James Jean y Oliver Schrauwen
Esta vez, James Jean y el artista de graffiti belga Oliver Schrauwen crearon conjuntamente ilustraciones para el espacio de exhibición. Los espectadores que miran estas escenas son como leer en vivo una página de un cómic divertido.
Al mismo tiempo, el autor también realizó un vídeo promocional del mismo estilo con imágenes y textos específicamente para Prada. El genial estilo de ilustración de James, combinado con el estilo de moda futurista de Prada, se complementan.
Las obras de James Jean
Ese mismo año, en el desfile de ropa femenina de Prada, la marca también decidió colaborar con ilustradores de moda.
Esta colaboración invitó a ocho ilustradoras: Stellar Leuna, Trina Robbins, Brigid Elva, Joelle Jones, Giuliana Maldini, Natsume Ono, Emma Rios y Fiona Staples.
Además de crear obras murales en el espacio expositivo, también integraron perfectamente obras de ilustración en la serie de moda de la nueva temporada. Sus trabajos de estilo cómic no sólo inyectan vitalidad a la moda, sino que también aumentan la posibilidad de estilizar las ilustraciones de moda.
Hoy en día, la ilustración de moda ya no es la norma. Todos pueden crear sus propias ilustraciones siempre que estén dispuestos a escribir.
Las obras de Grace Coddington
Ilustraciones de moda pioneras
Además de la cooperación transfronteriza con marcas de moda, algunos ilustradores de moda profesionales insisten en la creación independiente. Mientras dominaban las técnicas básicas de la ilustración, también ampliaron y exploraron las formas pictóricas de las ilustraciones de moda y descubrieron su propio estilo.
El pionero de la ilustración de moda Velwyn Yossy ha dibujado una serie de obras únicas. Por las líneas suaves y limpias de los personajes de sus obras y las proporciones generales exageradas pero aún apropiadas, podemos ver que siempre ha perseguido el concepto estético del modernismo.
Las obras de Velwyn Yossy
Otro ilustrador de moda estrella en ascenso, Ernesto Artillo, extiende las ilustraciones de moda en una dirección más abstracta. Su técnica única de expresión visual rompe la comprensión tradicional del público sobre la ilustración de moda.
Algunas de sus obras surrealistas recientes combinan lo dinámico y lo estático, lo virtual y lo real. El impacto visual de las ilustraciones se amplifica infinitamente mediante el dibujo a mano y el collage, dando un pequeño impulso a las ilustraciones de moda orientadas a lo estático. .
Las obras de Ernesto Artillo
Sus trabajos creativos no sólo se publican en las principales revistas desde hace mucho tiempo, sino que también se exponen a menudo en todo el mundo. Ernesto Artillo dijo: "Cuando veo mi trabajo, quiero sentirme relajado y emocionado". Lo mismo ocurre con la vida normal. Buscaré el equilibrio y cómo romper con el status quo existente. "
Las obras de Ernesto Artillo
Aunque la época dorada de la ilustración de moda ha pasado, es innegable que la ilustración de moda sigue ocupando un lugar en el ámbito de la moda y está llena de un alto valor artístico.
La ilustración de moda es una de las pocas industrias que puede combinar perfectamente negocios y arte, y la continua aparición de ilustraciones populares aumenta la posibilidad de que la ilustración de moda siga avanzando.
JamesJean. ilustraciones de moda dinámicas
Después de comprender estas ilustraciones de moda más populares y llamativas, puedes levantar el bolígrafo e intentar explorar un nuevo camino en la ilustración de moda. El siguiente pollo frito puede ser tú.
Reseña destacada:
[Editor, texto/Chen Zhuo]
Utilice PS para sintetizar ilustraciones de personajes artísticos y de moda. El curso presenta los métodos de diseño de las tendencias más populares. Ilustraciones artísticas en los últimos años. El estilo de diseño de este tipo de imágenes es muy personal. Al realizarlas, se utilizan algunos elementos destacados y salpicados para decorar los personajes para expresar el sentimiento dinámico y artístico de la imagen. más personalizado. Parte de la información del tutorial debe descargarse en línea. Efecto final
Primero, haz una máscara de la foto de la niña. Luego, use la herramienta de lápiz negro o pincel para borrar el fondo.
Segundo paso, ajuste el Tono/Saturación, arrastre el punto de anclaje central al área gris para hacer que el modelo sea gris. Otra forma más sencilla es mantener presionada CMD Shift U (la tecla CTRL en PC suele ser la misma que la tecla CMD en Mac. Cree una nueva capa en blanco y colóquela en la parte inferior. Aplique una nueva capa de relleno de color sólido en la parte superior). Al ajustar el tamaño de la foto del modelo, la hice un poco más pequeña y le quedó mejor.
La tecla de método abreviado para cambiar el tamaño es cmd T. (Mientras cambia el tamaño, intente mantener presionada la tecla Mayús, Ctrl o cmd ocasionalmente para obtener diferentes efectos).
En tercer lugar, copie la capa. Realice una copia de la capa (capa modelo), o presione cmd J y luego realice la creación de capa y la máscara de recorte. La capa superior ahora debería tener una pequeña flecha apuntando a la capa inferior.
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Cuarto, procese la capa superior. Realice ajustes de imagen para sombras/iluminaciones. Haga clic en la casilla de verificación "Mostrar más opciones" y luego modifique el Número de sombras a 100 y el Contraste de medios tonos a -100. Luego use el filtro para difuminar el desenfoque gaussiano con un valor de radio de alrededor de 3,0. Luego cambie el modo de fusión de Normal a Brillante. La casilla de verificación Opacidad está al lado del modo de fusión, asegúrese de que su valor sea 70. Además, en esta capa de Máscara de recorte, cubra la cara con una máscara para que quede menos borrosa. Si realizó todos los pasos correctamente, se verá como en la imagen a continuación.
5. Copie la capa inferior del modelo y colóquela encima, luego configúrela como máscara de recorte. Luego, realice ajustes de imagen Sombras/Reflejos en la capa superior. Consulte los parámetros en la imagen a continuación y finalmente use el modo de fusión para iluminar.
Sexto, copia la capa superior. Esta vez utiliza sólo la mano derecha del modelo, cubriendo el resto. Luego realice una curva de ajuste de imagen. Si el aspecto ajustado no es tan blanco como le gustaría, cambie el modo de fusión a Claro. Duplica la capa derecha. Seleccione ambas capas de la derecha y combínelas realizando una combinación de capas. Establece esta capa como una máscara de recorte.
7. Establece el fondo en negro. Haga doble clic en la capa y seleccione Superposición de color. Haga doble clic en el cuadrado rojo y seleccione negro. Abra su imagen de presentación en otra ventana y seleccione una gama de colores. Una vez que tenga la selección que desea, haga clic en Aceptar. Muchas veces, se selecciona algo que no desea en la selección, así que realice Inversión de selección para corregirlo. Ahora, arrastre la imagen de presentación a nuestra ventana de trabajo. Convierta la imagen a escala de grises ejecutando cmd shift u y repita el paso 7 para hacerla más blanca.
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8. Usa una máscara para corregir el chapoteo y hacer que coordine con las botas del modelo. Además, esta capa debe colocarse encima del modelo, no sobre la máscara de recorte. Luego usa un pincel para pintar como desees. Utilice diferentes transparencias en diferentes lugares para obtener una buena sensación de luz después de difuminar. Además, puedes agregar algunos otros pinceles especiales. Cabe señalar que estas operaciones se realizan con mascarilla. Recuerda: las dos capas del modelo siempre deben estar arriba, y todo lo demás que hayamos colocado hasta ahora debe estar abajo. Ahora agreguemos un poco de salpicadura. Inserte una nueva imagen de pantalla de presentación o copie una imagen anterior.
9. Usa un pincel de salpicaduras para agregar diferentes colores en diferentes capas.
10. Crea una nueva capa en la capa de fondo y usa la herramienta Lazo para dibujar un triángulo. Mientras la selección de triángulo está activa, use el pincel para pintar fuera de la selección y lograr un efecto genial como este.
11. Vuelve a la capa de fondo blanco nuevamente y agrega un poco más de gris en el medio. Haga doble clic en la capa y establezca los siguientes parámetros.
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Doce, agrega más toques, pero esta vez dibújalo detrás de la capa del modelo en lugar de en la máscara. Dibuja algunos triángulos y círculos. Agregué morado a los triángulos y blanco a los círculos, y bajé su opacidad. También puedes encontrar estas formas en la paleta de herramientas de formas. Utilice la herramienta Lazo para crear una línea dentro de la línea creada previamente en el fondo y luego muévala ligeramente hacia arriba. De esta forma conseguirás un efecto adicional. Para esta fila, usé morado y bajé la opacidad a 5.
Trece, ponte unas pelotas, o cualquier otra cosa que te guste, en el trabajo. Coloqué algunas de mis pequeñas cosas en Illustrator y usé la herramienta de cuadrícula para agregar algunos efectos. Luego los pegué en Photoshop y cambié su modo de fusión a Filtro de color. Usa un pincel para pintar algunas sombras detrás de estas cosas. Además, también puedes teñir estos tonos con color blanco.
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14. Voy a mostrarte cómo crear esos efectos de iluminación. Sin embargo, esto es sólo un vistazo rápido y se necesita un poco de práctica para dominarlo.
Haz unas estrellas centelleantes y pule las partes blancas de ellas para que brillen de verdad. Finalmente, agregue algo simple.
16. Examina tu imagen con atención y busca zonas poco naturales. Mis manos están un poco raras en este momento. Crea una nueva capa y colócala en la máscara de recorte del modelo. Usa un pincel blanco para dibujar los bordes de las manos y darles un aspecto dulce. ¡El siguiente es el producto final!
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Ilustración de moda: el "diablo de la moda" de 500 años Las ilustraciones de moda existen desde hace casi 500 años. Ahora que se ha producido la ropa, el concepto o la imagen del diseño de la ropa debe transformarse en ilustraciones de moda. Esta forma visual tiene su origen en la ilustración, el dibujo y la pintura y también se la conoce como "dibujo de moda". Los diseñadores de vestuario utilizan principalmente "bocetos de vestuario" para intercambiar ideas en papel o digitalmente. Su función principal en diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la prenda propiamente dicha.
A continuación, echemos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, un “diablo de la moda” con una historia de 500 años.
1. El comienzo de la ilustración de moda
La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas de todo el mundo. Se imprimieron libros que explicaban lo que era apropiado para las diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social causado por estos descubrimientos.
Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, incluidos paneles de personas vestidas como una nación o casta concreta. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Estas ilustraciones probablemente fueron utilizadas por diseñadores de moda, sastres y sus clientes para inspirar nuevos diseños.
Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear trajes realistas y detalles de época.
Estas publicaciones periódicas, publicadas en Francia e Inglaterra a partir de la década de 1670 y consideradas las primeras revistas de moda, incluyen Lemecure Gallant, The Lady's Magazine, Lagallerie des Modes, Lecabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta a un público femenino cada vez más ávido de las últimas novedades de moda del mercado. No fue hasta finales de 2018 y principios de 2019 que las ilustraciones de estilo masculino cobraron tanta importancia como las femeninas.
2. El plato de moda en el siglo XIX
El plato de moda apareció por primera vez a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período, saltaron a la fama publicaciones como "Incroyable set Merveilleuses" de Horace Venet y una serie de pinturas de moda en acuarela de Georges-Jacques Gatine grabadas durante el reinado de Napoleón I.
La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda continua de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron lugar a más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan pautas generales de vestimenta.
Fue también en esta etapa cuando apareció la alta costura (en 1860). Las empresas de moda contratan ilustradores que trabajarán directamente con diseñadores de ropa femenina. Mientras el diseñador cubría con la tela un maniquí viviente, el ilustrador esbozaba el nuevo diseño. También dibujarán ilustraciones para cada diseño de la colección completa, que luego podrán enviar a los clientes.
A finales de 2019, la impresión manual en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales se podía ver desde atrás o de lado, lo que permitía ver la prenda desde más ángulos, facilitando la copia.
El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Siguen convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.
Tres. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX
Las primeras décadas del siglo XX vieron el primer florecimiento de la ilustración de moda en el sentido moderno. Trabajar como ilustrador de moda se ha convertido en una carrera a medida que el lanzamiento de los últimos estilos de moda se vuelve cada vez más lucrativo. La moda alguna vez fue obra de un artista, pero ahora se está convirtiendo en una industria, que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas crearon un nuevo pasatiempo: la cultura de las compras.
Publicada entre 1912 y 1925, la revista francesa de lujo Gazette reunió a un grupo de jóvenes artistas que tenían una libertad sin precedentes a la hora de interpretar la moda. Iribe es una figura destacada entre estos ilustradores de moda y colabora con prestigiosas publicaciones como Charles Martin, Eduardo García Benito, George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las impresiones que produjeron para la Gazette mostraron la influencia de las xilografías japonesas y los nuevos cambios en el estilo Art Déco.
En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales y tendencias de la moda contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con Walter, que duró desde 1915 hasta 1938, lo que lo convierte en uno de los contratos más largos en la historia editorial.
Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la portada de la revista "Vogue" siempre presentó imágenes y textos. Las primeras portadas de Vogue presentaban obras de arte de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X Leyendecker.
Después de la Primera Guerra Mundial, se unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud y André Marty.
4. La edad de oro de la ilustración de moda
El período comprendido entre los años 1920 y 1930 representa la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista elegante y un dibujante consumado. Mucha gente puede utilizar la autoridad y la creencia para representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela.
Con el desarrollo de las nuevas tecnologías en fotografía e impresión, las reproducciones de fotografías se colocaron directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los patrones de moda dejaron de ser representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción para las revistas. La revista Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se empezaron a incluir ilustraciones en las páginas interiores.
Con la recesión económica tras la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de ropa en Estados Unidos logró enormes avances, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media podían confiar en sastres expertos para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para los sastres caseros.
El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a sus lectores tanto como sea posible. La fotografía liberó a los ilustradores de la necesidad de una documentación precisa de la ropa y favoreció las interpretaciones de la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados principalmente en obtener imágenes y efectos decorativos interesantes. Estaban cansados de informar fielmente sobre el espíritu de la moda contemporánea, por lo que se aburrían".
Dior El "nuevo" Look" de finales de los años 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de la posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a una era más alegre y optimista.
verbo (abreviatura de verbo) La destrucción y resurgimiento de la ilustración de moda
En la década de 1950, los editores de moda gastaban mayores presupuestos en la edición y distribución de fotografías. La posterior promoción de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tenían que contentarse con trabajar en ropa interior y accesorios o en campañas publicitarias.
Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles. Muchas de estas revistas se publicaron en la década de 1960 y todas utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía.
Antonio López fue el único artista que apareció regularmente en Vogue durante este período, y su carrera comenzó en Women's Wear Daily.
En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda tuvo dificultades para sobrevivir, y no fue hasta los años 80 cuando empezó a resurgir. Una nueva generación de artistas publicó en revistas como Lamoden Peinture (1982), Condenast's Vanity (1981), VisionAire (191). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, en particular a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.
6. La ilustración de moda hoy
En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Debido a que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas en el mundo de la moda y el arte, la ilustración de moda a veces parece ser un retroceso a una época anterior.
La fotografía es muy buena para registrar información detallada sobre la ropa, por lo que el foco del ilustrador ya no está en la representación precisa de la ropa, sino en explicar la ropa y sus posibles usuarios. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una serie de estilos artísticos únicos, apoyados en herramientas digitales y plataformas de redes sociales. Desde 65438 hasta 0990, ilustradores pioneros como Edtswaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a ascender en el campo de los gráficos por computadora.
Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como el resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer la ilustración como elemento especial en sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo recurren a maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Ilustraciones elegantes basadas en métodos clásicos complementan con éxito las creadas con métodos más modernos.
Las ilustraciones se han vuelto populares recientemente gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita que dejan una impresión duradera.
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