¿Cómo se desarrolló el arte occidental moderno?
El arte y la música son partes importantes de la vida cultural de los occidentales. Después de entrar en el siglo XX, los campos del arte y la música se han desarrollado aún más y han aparecido muchas tendencias y escuelas nuevas que encarnan el espíritu moderno, lo cual es deslumbrante. En el mundo de la música aparecieron el fauvismo, el cubismo, el expresionismo, el futurismo, la pintura de acción, la pintura abstracta en color, el op art, el pop art y otras escuelas. y nuevos géneros como el jazz. Durante este período, los géneros del arte occidental moderno mostraron las características de ser antitradicionales, promover la individualidad y reflejar la realidad. Los estilos y géneros se diversificaron y cambiaron con frecuencia. El centro del arte se trasladó gradualmente de Europa a los Estados Unidos.
La nueva tendencia en el desarrollo del arte occidental moderno en el siglo XX. El arte occidental del siglo XX fue un período en el que el pensamiento modernista era dominante y su característica más destacada era la antitradición, mostrando una especie de rebeldía. De la forma al contenido. En términos de técnica, la mayoría de ellos se oponen al realismo tradicional y buscan la novedad: la estructura espacial es desordenada, la disposición de los colores es aleatoria, los puntos y las líneas están desordenados y la falta de perspectiva en términos del tema creativo, todos defienden; enfatizando el yo y expresando emociones personales y el mundo interior. Las principales razones de esta tendencia son: Primero, la influencia de la tecnología. El desarrollo de la ciencia y la tecnología modernas está cambiando la faz de la vida social humana y también el gusto estético de las personas. La invención de la fotografía y el cine tuvo el mayor impacto en la pintura. Estas dos nuevas tecnologías hicieron posible utilizar medios mecánicos para registrar con precisión imágenes objetivas. En este sentido, las técnicas de pintura tradicionales solo lograban lo que hacía la cámara para registrar la superficie de las cosas. Es sólo una reacción de reflejo de la luz. Los pintores ya no pueden despertar el entusiasmo del público representando las formas superficiales de las cosas. Sólo pueden recurrir a expresar cosas en el ámbito espiritual para impresionar a la gente. El segundo es la influencia del pensamiento filosófico moderno. El pensamiento filosófico modernista que surgió a principios del siglo XX proporcionó un requisito previo para que la humanidad comprendiera mejor las actividades en el campo espiritual. En particular, teorías como el psicoanálisis de Freud y el concepto de "tiempo psicológico" del francés Bergson proporcionaron una base para que los artistas. Al dedicarse a la creación, una poderosa arma ideológica, gradualmente pasaron del "arte extrovertido" que representa el mundo objetivo al "arte introvertido" que representa el mundo subjetivo. En consecuencia, la función social del arte también cambió de funciones sociales y educativas a "pan". -utilitarismo" que satisface las necesidades espirituales universales de la humanidad". El tercero es la influencia del patrimonio artístico antiguo y la cultura oriental. Desde que entraron en los tiempos modernos, los arqueólogos han descubierto sucesivamente algunas obras de arte de culturas indígenas primitivas en varios continentes. Estas obras de arte simples pero vívidas han traído inspiración creativa a los artistas. La difusión de las obras de arte culturales orientales a Occidente, especialmente las pinturas de paisajes en tinta china y el arte de las grutas indias, se ha extendido a Occidente a través de varios canales. Estos nuevos estilos que son diferentes del realismo occidental han traído una brisa fresca al mundo del arte occidental. Sin herencia no hay innovación; sin innovación no hay desarrollo. Un grupo de artistas creativos del siglo XX alcanzó una nueva altura artística al subirse a los hombros de gigantes históricos.
En el siglo XX coexistieron y variaron diversos estilos y escuelas artísticas occidentales, más estrechamente relacionadas con la comercialización. Antes de la Segunda Guerra Mundial, surgieron muchas escuelas modernas en el mundo del arte. Después de la Segunda Guerra Mundial, nuevos estilos y géneros cambiaron como una linterna giratoria, mutando más rápido y con mayor frecuencia, y el capital y la lógica del capital también han penetrado en él.
La escuela de arte moderna antes de la Segunda Guerra Mundial. Antes de la Segunda Guerra Mundial, el Brutalismo. El cubismo, el expresionismo, el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo son las escuelas más influyentes.
El fauvismo es la primera escuela de pintura modernista que surgió a principios del siglo XX. En 1905, el Salón de Otoño celebrado en París, Francia, expuso las obras de un grupo de jóvenes artistas como Matisse, Flemish, Marchais y Dufy. Debido a sus técnicas poco convencionales, los críticos lo llamaron "arte bestial". De ahí el nombre del fauvismo, y Matisse fue la figura representativa de la escuela. Los pintores fauvistas tienen diferentes estilos, pero todos enfatizan el uso de grandes bloques de color y líneas atrevidas y desenfrenadas en sus creaciones para expresar sentimientos subjetivos personales y libre albedrío. Las imágenes generalmente carecen de sentido de perspectiva y tienen patrones altamente decorativos.
Henri Matisse (1869-1954) fue un famoso pintor modernista francés. Estudió pintura formalmente cuando tenía veinte años. Heredó las excelentes tradiciones de muchos pintores famosos y absorbió las características del arte oriental. Poco a poco formó su propio estilo de pintura y creó una gran cantidad de obras deliberadamente innovadoras, que crearon una amplia gama de influencias. el mundo del arte Influenciado por el fauvismo, se convirtió en el pintor más destacado e influyente entre los fauves.
El famoso dicho de Matisse es "la descripción precisa no es igual a la verdad". Esta frase se convirtió en el programa del arte moderno. Entre sus principales obras se encuentran: "La alegría de vivir". "Desnudo azul", "Armonía roja", "Ventana abierta" y "Mujer con sombrero", etc.
El cubismo es una nueva escuela de arte que surgió en el mundo del arte francés en 1907. Los principales representantes son Picasso de España y Braque de Francia. Entre ellos, Picasso hizo la mayor contribución. Esta escuela de pintura aboga por desintegrar todas las imágenes en los bloques geométricos más simples y combinarlos según los deseos del artista. En sus pinturas, todos los objetos, paisajes, personas y casas se convierten en formas geométricas y cuadrados, y se puede ver la parte frontal del objeto. Desde un lado, también se puede ver su parte trasera. El cubismo ofrece a las personas una nueva forma de observar el mundo, es decir, observar el mundo desde múltiples perspectivas. Ha sido popular en el mundo occidental durante medio siglo y su período más próspero fue en las décadas de 1920 y 1930.
Pablo Picasso (1881-1973) es uno de los pintores más influyentes del siglo XX. Comenzó a aprender pintura a los 7 años y creó decenas de miles de obras a lo largo de su vida. La contribución más importante es la creación del cubismo. En 1907, creó "Las señoritas de Aviñón", que conmocionó al mundo de la pintura europea. Las cinco figuras del cuadro, especialmente el rostro, el frente, el costado y el lado oblicuo, estaban todas combinadas, lo que violaba por completo la imagen vista por el ser humano. visión. . Esta obra se considera el inicio del cubismo. Ama la paz y se opone a la guerra. Pintó "Paloma de la paz" y el famoso cuadro antifascista "Guernica" pintado en 1937, que conmocionó al mundo.
El expresionismo se originó en Alemania antes de la Primera Guerra Mundial. Sus representantes son Munch de Noruega, Kirchner y Marc de Alemania, Kandinsky de Rusia, etc. Su finalidad es expresar. Todo lo que se siente en el mundo interior suele ser una distorsión. de la realidad, haciendo que la imagen parezca intensa, áspera, deslumbrante, triste y aterradora.
El futurismo nació en Italia en 1909, y sus representantes fueron Marinetti y Pojuba. Bala et al. Abogaron por expresar el estallido de emoción en la pintura, expresar el poder del movimiento rápido y expresar la belleza dinámica abstracta en una sola imagen.
El dadaísmo nació en Zurich, Suiza, en 1916. Esta secta tomó al azar del diccionario el término infantil "Dada" como nombre de la secta. Lo niegan todo con una actitud nihilista, niegan la racionalidad y la cultura tradicional y creen que el arte puede existir sin restricciones y que el arte puede ser cualquier cosa. el artista quiere. Se puede decir que las obras de Marcel Toussaint, figura representativa del dadaísmo, son obras típicas del dadaísmo. "Nude Descending Stairs", que lo hizo famoso de una sola vez, es una serie de imágenes superpuestas como un robot; "Bicycle Wheel" es una rueda de bicicleta ya hecha colocada boca abajo sobre un banco de madera; Clavado a una tabla de madera El urinario es aún más impactante.
El surrealismo fue un nuevo género que se separó del dadaísmo hacia 1922. Bajo la influencia de la teoría de Freud, esta escuela intentó estudiar sistemáticamente cómo expresar la "mente subconsciente" de las personas. Entre las figuras representativas se encuentran Dalí y Miró de España. "La quietud de la memoria" de Dalí describe un doloroso mundo de ilusiones y una premonición de guerra civil. Representa el miedo que la guerra trae a la gente. Las obras representativas de Miró incluyen "Mujeres en la playa", etc.
Escuelas de arte modernistas después de la Segunda Guerra Mundial. La Segunda Guerra Mundial no interrumpió la tendencia del desarrollo del arte en sí. Las diversas escuelas de arte modernistas que surgieron desde principios del siglo XX aún mostraron su influencia después de la guerra. . creatividad. Pero la guerra y los cambios sociales seguirán teniendo un impacto importante en el desarrollo del arte y surgirán algunas escuelas nuevas. Entre los más famosos se encuentran la pintura de acción y la pintura abstracta en color, el Op Art, el Pop Art, el fotorrealismo, etc. Durante este período, el centro del movimiento artístico modernista se trasladó gradualmente de París, Francia, a Nueva York, Estados Unidos.
La pintura de acción y la pintura abstracta en color son las escuelas de arte más populares que surgieron en Nueva York en la década de 1950. Pertenecen al expresionismo abstracto y tienen una gran importancia en la historia del arte occidental de la posguerra. La pintura de acción también se conoce como "pintura por goteo". El pintor más famoso es Jackson Pollock. Utilizó el método de gotear y salpicar pintura sobre el lienzo, creando una nueva forma de combinar las actividades de pintura con las actividades subconscientes. El pintor camina sobre el lienzo mientras gotea, y su propio movimiento se coordina con la acción del goteo, reflejando así la acción pictórica del pintor, por eso se le llama "pintura de acción".
Este método es extremadamente aleatorio y no se rige por ninguna teoría de las técnicas de pintura. Ni siquiera el propio artista puede predecir el efecto final. Es contrario a todas las formas tradicionales de la pintura. Sólo se centra en los propios materiales de pintura y en el lenguaje de la pintura. para perseguir los efectos accidentales del color. Pintura abstracta en color, también conocida como "pintura de campo de color grande". En los años cincuenta, el estadounidense Mark Rothko era el representante de este grupo. Sus pinturas a menudo se componen de formas simples, cuadrados coloridos y líneas gruesas, formando un espacio abstracto que parece expresar algún tipo de creencia o elemento espiritual, que a menudo resulta incomprensible para la gente común.
El Op Art, también conocido como “Light Effect Art” o “Visual Illusion Art”, surgió en Europa y Estados Unidos en los años 1960. Los artistas de este género utilizan varias formas geométricas en blanco y negro o coloridas para organizar, combinar, contrastar, superponer o intersecar para formar imágenes complejas, causando confusión en las perspectivas de las personas y creando ilusiones como deformaciones y temblores. Este género es bastante popular en países como Gran Bretaña, Francia, Italia y Estados Unidos, y también hay algunos artistas famosos en América Latina como Argentina. Entre sus obras representativas se encuentran: "Feather Pattern", "Three Rainstorms" e "Enlightenment" de la pintora británica Reilly, "Sorata-T" del pintor francés Vasarely y "Prism Visual Illusion" del argentino Lepac. Debido a que este arte tiene un buen efecto publicitario comercial, se utiliza ampliamente en el diseño de artes decorativas.
El arte pop es el arte figurativo más típico de los años 60. Pop significa público, por eso al Pop Art también se le llama “Arte Popular”. En 1952, un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos y críticos de arte británicos se reunieron y fundaron un grupo para abogar por la atención a la cultura popular, desencadenando así una locura por el arte pop. Posteriormente, este arte se hizo popular en Estados Unidos. El estadounidense Robert Rauschenberg se convirtió en el representante más famoso de esta escuela. Reunió fotografías, recortes de periódicos y diversos materiales impresos, y luego pintó algunos trazos con pintura al óleo para formar una obra. En la parte inferior, agrega una almohada, luego vierte pintura y deja que fluya para formar la obra. Este tipo de obra no es exactamente lo mismo que una pintura en el sentido original. Tiene elementos de pintura, escultura y ensamblaje de objetos físicos.
El fotorrealismo, también conocido como superrealismo, es una escuela de pintura que surgió a finales de los años 1960 y también es una nueva escuela que surgió en la era de la alta tecnología. El método básico de esta escuela es la ampliación y copia de fotografías. En términos de selección de tema, a menudo usan una foto o diapositiva atractiva para ampliar la pintura y copian detalles extremadamente triviales para lograr un efecto visual más realista que la foto. Creen que "realista" y "parecido" son. elementos del arte. El representante más influyente de esta escuela de pintura es Chuck Close, cuyas obras representativas son "Desnudo", "John", "Autorretrato", etc.
Nuevas tendencias en el desarrollo de la música occidental moderna en el siglo XX. El arte musical occidental ha entrado en un período complejo sin precedentes en el siglo XX. La diversidad, la complejidad y la variabilidad son sus características obvias, con una variedad de estilos. y géneros hay muchos. Coexisten y se influyen mutuamente. Por un lado, tienen las mismas características típicas del siglo XX que otras formas de arte, es decir, romper con las cadenas de la tradición, abogar por la autoafirmación y ser antirracionales. Por otro lado, hay un lado racional y antirromántico. Piense en la música como abstracta, excepto en sí misma. No puede representar nada. En comparación con la música tradicional, la música moderna ha visto muchos cambios nuevos en las técnicas, como cambios en los conceptos de clave y armonía, cambios en el ritmo y la melodía de la música y el surgimiento de la música electrónica. En la actualidad, con el desarrollo de la ciencia y la tecnología, la tecnología de la comunicación y el transporte, los intercambios culturales entre países aumentan día a día, las fronteras nacionales de la música están desapareciendo gradualmente y la velocidad y frecuencia de la popularidad también se están acelerando. Los principales géneros musicales del siglo XX son la música impresionista, la música expresionista, la música neoclásica, la música electrónica y la música jazz.
Música impresionista, música expresionista y música neoclásica La música impresionista apareció a finales del siglo XIX, y su influencia se produjo principalmente en el siglo XX. Su figura representativa es el compositor francés Debussy. Debussy, el maestro de la música impresionista, es considerado un genio que conectó el pasado y el futuro en la industria musical del siglo XX. Puso fin a una era, llevó los logros de esa época a la cima y, al mismo tiempo, abrió el camino. una nueva era.
Debussy nació en un suburbio de París. Su familia no tenía formación musical. Ingresó en el Conservatorio de París a la edad de 11 años y continuó explorando técnicas de expresión musical. En 1884, ganó el Premio de Roma. . En la década de 1890, se introdujo el impresionismo en la historia de la música.
La mayoría de sus obras se basan en poemas, pinturas y escenas naturales, retratando deliberadamente las emociones de los personajes y revelando el mundo espiritual de las personas. Gradualmente forman una personalidad artística única en términos de modo, armonía y timbre, y son pioneras en la música moderna. nuevo lenguaje musical. En la música que creó se puede apreciar una concepción artística confusa, errática, ilusoria y silenciosa. Escribió sucesivamente la obertura para viento "La tarde del Fauno", la ópera "Pelléas" y el "Nocturno" orquestal. "Sea of Fire" y la pieza para piano "Moonlight" son obras representativas del impresionismo.
La música expresionista es un género importante de la música moderna occidental de finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. Es contraria a la visión de la música impresionista que se centra en reflejar el mundo exterior y. enfatizar la objetividad; la expresión La música china se centra en expresar el mundo interior y enfatiza la subjetividad. Los principales representantes de la música expresionista son Schoenberg y sus discípulos Berg y Webern.
Schoenberg nació en Viena. No recibió mucha educación musical formal en su vida y fue casi autodidacta. Después de 1908, bajo la influencia del expresionismo, persiguió técnicas creativas modernas como la atonalidad y creó. Música atonal. Este tipo de música siempre está en un estado de tensión, estimula el oído de las personas y es adecuada para expresar a las "personas" del siglo XX que se encuentran en un estado de tensión. En la década de 1920 creó el sistema dodecafónico y escribió una gran cantidad de música según este sistema. El llamado sistema de doce tonos abandona el sistema tradicional de modo, tonalidad y armonía, organiza arbitrariamente el sistema de doce tonos en la escala cromática en una secuencia y luego lo procesa con técnicas como la inversión y la progresión. Para evitar que algún tono se convierta en el tono dominante. Antes de que aparezcan los doce tonos, ninguno de ellos puede repetirse. El sistema dodecafónico tuvo una enorme influencia en la música de los años 1970. Posteriormente, sus alumnos Berg y Webern innovaron y desarrollaron el sistema dodecafónico. Las principales obras de Schoenberg incluyen: el sexteto de cuerda "Night of Ascension", la canción "Moses and Ellen" y la cantata "The Varsovia Survivors".
La música neoclásica surgió durante las dos guerras mundiales. Algunos compositores combinaron los principios clásicos del siglo XVIII con la nueva cultura del siglo XX, simplificando los materiales y las formas de la música, comprimiendo en gran medida la composición de la orquesta y haciendo que el estilo musical fuera conciso, tranquilo y racional. El principal representante es Stravinsky.
Stravinsky (188-1971) nació en Rusia. Se nacionalizó francés en 1934 y obtuvo la ciudadanía estadounidense en 1945. Sus obras son de muchos tipos y estilos, involucrando a casi todas las escuelas modernas importantes. Sus obras famosas incluyen: ballet "Fire Crow", "La consagración de la primavera", ópera "El hijo pródigo", etc.
Música electrónica y música jazz La música electrónica es música producida utilizando tecnología y equipos electrónicos. Con el rápido desarrollo de la ciencia y la tecnología en el siglo XX, la combinación de música y tecnología se ha convertido en una característica importante de la música moderna. Algunos compositores no estaban satisfechos con los sonidos de los instrumentos musicales tradicionales y comenzaron a innovar audazmente y probar la música electrónica. En 1951, la emisora de radio de Colonia de Alemania Occidental fundó el primer estudio de producción de música electrónica y produjo su primer trabajo en 1953. Lanzado alrededor de 1956. El "dispositivo generador de sonido electrónico" combina varios generadores de sonido y cambiadores de sonido y está controlado por un sistema unificado, lo que simplifica enormemente el proceso de producción de música electrónica. Después de la aparición de la tecnología de semiconductores en la década de 1960, los sintetizadores se volvieron más completos y compactos. Las computadoras electrónicas ingresan al campo de la música, las personas pueden copiar estilos musicales específicos a través de programas programados. Los productores pueden usar la tecnología electrónica para combinar arbitrariamente varios sonidos extraños e interpretarlos como deseen. La música electrónica ha abierto un nuevo territorio y se ha abierto. infinitas fuentes sonoras y sus perspectivas de desarrollo son prometedoras para la industria musical.
La música jazz se originó en Nueva Orleans, en la parte baja del río Mississippi, en los Estados Unidos, a finales del siglo XIX y principios. del siglo XX surgió un género musical completamente nuevo, que se hizo popular en los Estados Unidos más de diez años después y se extendió rápidamente por todo el mundo occidental. Al principio lo tocaban principalmente bandas negras de Nueva Orleans. Los antepasados se originaron en África occidental. Por lo tanto, el jazz tiene una fuerte influencia de África occidental.
Los negros se encuentran en el nivel más bajo de la sociedad estadounidense y están sujetos a discriminación y opresión. depresión de la vida real, por lo que exploran otras músicas de los blancos en las canciones que cantan en entornos laborales y sociales. Esto creó una canción profundamente melancólica, llamada "blues", que fue la precursora de la música jazz. Se fusionó con canciones negras y pronto se formó la música de jazz original.
Este tipo de música se basa en la improvisación, tiene un fuerte sentido del ritmo, está llena de cambios y es adecuada para expresar la vida moderna. "Rhapsody in Blue" del compositor estadounidense Glenn Greenberg es la obra de música de jazz más famosa de los tiempos modernos. La música jazz tuvo una profunda influencia en la música "rock and roll" y "disco" que apareció en el futuro.