Hitos del cine
En más de cien años de desarrollo, el arte cinematográfico ha presentado muchas ideas, estilos y escuelas en diferentes épocas, regiones y orígenes culturales, mostrando algunas características del desarrollo del cine mundial. Al comprenderlos, se puede captar plenamente el espíritu de la época y el encanto artístico del arte cinematográfico, y luego obtener iluminación espiritual y conocimientos artísticos.
Las películas de vanguardia han ido acompañando el final del siglo XIX, y en ese momento histórico surgió la corriente literaria modernista. Como género y movimiento cinematográfico, el cine de vanguardia comenzó a principios del siglo XX, duró más de diez años y alcanzó la cima de su desarrollo integral a mediados del siglo XX. Primero se hizo popular en Francia, luego afectó a Alemania y luego se extendió a Europa y la ex Unión Soviética. El movimiento cinematográfico de vanguardia fue el primer movimiento cinematográfico en la historia del cine mundial.
El cine de vanguardia no es un género creativo unificado. Incluye géneros creativos interrelacionados pero diferentes, como el cine puro, el cine dadaísta, el cine surrealista y el cine expresionista.
Las características importantes de las películas de vanguardia son, en primer lugar, la estructura narrativa antitradicional y el énfasis en la visión pura, y en segundo lugar, la búsqueda de la forma. Como estilo cinematográfico, algunos lo llaman cine puro, cine abstracto o cine total.
Las películas pioneras abogan por la libertad absoluta de la imaginación y las emociones extremadamente puras, rechazando cualquier significado verdadero y racional. Por ello, algunas personas piensan que son "tres nadas", es decir, irracionales, sin argumento y sin personajes. . Se opusieron a las narrativas cinematográficas y abogaron por "películas puras" sin "trama" ni "sin drama".
Las películas pioneras han hecho contribuciones imborrables a la historia de la estética cinematográfica y al desarrollo de la teoría del arte cinematográfico. Su experimentación y exploración del potencial estético del arte cinematográfico, especialmente la belleza de las formas cinematográficas, ha ampliado enormemente el pensamiento cinematográfico y enriquecido el lenguaje de modelado cinematográfico en pantalla.
El cine poético introduce la comprensión de las características esenciales de la poesía lírica en la creación cinematográfica. Es una propuesta de creación cinematográfica con el tema de negar la trama y explorar la metáfora y las funciones líricas.
El cine poético surgió en los años 20 y tiene su origen en Francia. Algunos teóricos y creadores de las primeras películas de vanguardia francesa creían que las películas deberían lograr "la mayor libertad de asociación", como la poesía lírica, y que "la encarnación más perfecta del cine es la poesía cinematográfica".
Las películas de poesía están llenas de poesía, poesía, ritmo y rima mediante el uso de sonido, luz, modelado de color, estructura narrativa, expresión de personajes y otros medios artísticos.
Como forma de cine poético, ha tenido un gran desarrollo en los círculos de creación cinematográfica de varios países.
El cine neorrealista nace en Italia. Surgió en 1945 al final de la Segunda Guerra Mundial y decayó gradualmente a partir de 1951. Aunque no duró mucho, tuvo un profundo impacto.
El nuevo realismo aboga por centrar la cámara en los trabajadores pobres de abajo. El lema es "poner la cámara en las calles" y "devolvérsela a la gente común". Rompe fundamentalmente con el modelo tradicional. producción cinematográfica. Se ha realizado una exploración nueva y significativa del potencial estético del arte cinematográfico para reproducir el mundo material y mostrar la realidad espacial.
La destacada importancia de las nuevas películas realistas para el desarrollo del cine: en primer lugar, resalta la naturaleza documental de las películas. En segundo lugar, fue pionera en el rodaje de acción real, liberando la película de las ataduras de los viejos procedimientos tradicionales que se habían formado durante mucho tiempo. También amplió la visión y la expresión espacial de la película en el proceso de avanzar hacia la vida de las personas, e inspiró enormemente las posteriores. creaciones cinematográficas.
El cine de la Nueva Ola es el tercer movimiento cinematográfico con influencia mundial tras la vanguardia europea y el neorrealismo italiano. Desde finales de los años cincuenta hasta principios de los sesenta, un gran número de jóvenes creadores rodaron sus primeras películas con una nueva perspectiva espiritual. Fue impresionante y pareció ser una ola que trajo al cine francés y mundial una nueva tendencia, conocida como. la "Nueva Ola".
Las obras de los géneros y escritores del movimiento Nueva Ola se dividen generalmente en tres partes.
1 Manual de cine "Bazin" (Crítico de cine)
Las películas de la Nueva Ola fueron las primeras en elogiar los logros de la estética documental neorrealista.
En segundo lugar, se propone que las películas expresen la vida interior de las personas. (Incluidos lo extraño y lo fantástico) (Esencialmente diferente de las películas de Hollywood, que se utilizan para contar historias)
Proposición: Presentar el lema de "película de autor", es decir, "Lo importante de hacer una película No se trata de lograrlo, se trata de convertirse en productor de películas”.
Características: El coste de producción de la película es bajo: se utilizan actores no profesionales; no hay rodaje en vivo en un estudio; la película no persigue escenas emocionantes ni conflictos dramáticos.
En términos de expresión, la película utiliza ampliamente planos largos, fotografías con teléfonos móviles, voces en off, monólogos internos, sonidos naturales e incluso planos Douyin que rompen la unidad del tiempo y el espacio. Algunas técnicas "documentales" como el seguimiento, la instantánea, el teleobjetivo, el zoom, la congelación de fotograma, la continuación y la grabación simultánea también se utilizan para combinar el "realismo subjetivo" con el "realismo objetivo". Esta película tiene un fuerte sentimiento biográfico.
Características creativas: La mayoría de las obras combinan la realidad interior de las personas con la realidad exterior, mostrando la brecha y la contradicción entre la realidad interior y la realidad de las personas.
En términos de edición, se utilizan métodos como cortes de salto y edición en bucle para destruir el tiempo y el espacio de la película; se pone énfasis en efectos de sonido naturales, líneas y música. ; la fotografía presta atención a la composición y la iluminación. La película tiene fuertes connotaciones literarias y dramáticas.
La “Nueva Ola” es un movimiento de innovación cinematográfica en la historia del cine mundial. La "Nueva Ola" aboga por sustituir los intereses comerciales por gustos artísticos, lo que es un reflejo del arte modernista occidental en el campo cinematográfico. Las películas de la "Nueva Ola" representan deliberadamente las situaciones, la psicología, el amor y las relaciones sexuales de las personas en las ciudades modernas. A diferencia de las películas tradicionales, están llenas de subjetividad y lirismo.
1958 fue el año del nacimiento de la "Nueva Ola", con dos primeras novelas publicadas: El travieso de Grotto y El bello Sergei de Chabrol. 1959 fue el año feliz de la "Nueva Ola": Truffaut ganó; Ese año recibió el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes por "Los 400 golpes".
Las películas de la "Nueva Ola" trataban principalmente de expresar la individualidad. "Cuatrocientos poemas" de Truffaut (1959) es una obra maestra anterior. Describe las trágicas experiencias de la infancia de una manera modernista. Creía en la llamada "filosofía de la discontinuidad" y creía que la vida es una combinación suelta y discontinua de eventos. Niega la estructura tradicional de la trama completa en la creación cinematográfica y reemplaza las tramas dramáticas con tramas de vida triviales. Godard es una figura representativa de la "estética destructiva" famosa por su desprecio por las técnicas cinematográficas tradicionales. Sus películas van más allá que Truffaut al destruir las estructuras tradicionales. La famosa "Breathless" (1959) es la mejor encarnación de su estilo creativo.
La "Nueva Ola" no sólo impulsó la diversificación de las técnicas de expresión cinematográfica francesa, sino que también desencadenó el segundo auge del pensamiento cinematográfico modernista en países europeos y americanos. El director sueco Ingmar Bergman, los maestros del cine italiano Antonioni y Fellini estuvieron influenciados hasta cierto punto.
La mayoría de los historiadores del cine consideran 1964 como el final de la Nueva Ola francesa. El movimiento cinematográfico New Wave dejó un valioso legado cultural cinematográfico a Francia e incluso al mundo. Sentó las bases para las películas modernas en términos de estilo cinematográfico, contenido cinematográfico y métodos de expresión. Se considera un punto de inflexión entre las películas tradicionales y las modernas.
El logro artístico de las películas soviéticas radica en su capacidad de hacer que la gente olvide la Guerra Fría y las diferencias ideológicas. En las mismas condiciones, les resulta extremadamente difícil ser comprendidos y respetados, pero aun así utilizan magníficos conceptos cinematográficos para superar todos los prejuicios. Durante la Guerra Fría, las películas soviéticas incluso ganaron todos los premios cinematográficos más importantes del mundo, incluidos dos premios Oscar a la mejor película en lengua extranjera ("Guerra y paz", "Moscú no cree en las lágrimas") y múltiples nominaciones, lo que se puede decir ser eternamente glorioso. La antigua Unión Soviética era una de las potencias cinematográficas del mundo. Desde las primeras películas mudas hasta las últimas películas sonoras, las películas soviéticas han ocupado una posición importante en la industria cinematográfica mundial con sus ricas connotaciones artísticas.
Las películas soviéticas tienen una fuerte narrativa, ricas connotaciones artísticas y temas diversos, y han ganado muchos premios cinematográficos internacionales importantes.
Después de la Revolución de Octubre, el cine soviético comenzó a desarrollarse rápidamente. Especialmente después de la década de 1950, las películas soviéticas comenzaron a explorar el destino de la gente corriente en sus obras. Las tendencias de "no heroísmo", "suciedad" y "flujo de la vida" se reflejaron en algunas películas. Se han roto las cuestiones de la naturaleza humana que antes se evitaban en sus obras.
La palabra "Hollywood" se utiliza a menudo directamente para referirse a la industria cinematográfica estadounidense, e incluso se ha convertido en sinónimo de películas estadounidenses.
El cine en Estados Unidos es un negocio industrializado y un medio de entretenimiento. El valor artístico de las películas suele ir unido al valor comercial. Las películas de "Hollywood" son ejemplos típicos.
Los éxitos de taquilla de Hollywood han creado un mito estadounidense tras otro y a menudo se los considera una forma importante de exportar la cultura y los valores estadounidenses.
A principios del siglo XX, Hollywood era solo un pequeño pueblo en las afueras de Los Ángeles. Poco a poco pasó de ser un hermoso lugar de rodaje a una gran ciudad cinematográfica donde se reunían muchas compañías cinematográficas y se unieron. edad de oro en la década de 1930.
Hollywood crea y produce una gran cantidad de películas, como comedias, westerns, gánsteres, musicales, etc. Ya sea durante la guerra o la Gran Depresión, Hollywood siempre perfila una película, un mundo mítico, ideal e ilusorio que es una representación verdadera.
La producción cinematográfica se ha convertido en una auténtica cadena de montaje industrial en Hollywood.
Las películas de Hollywood, caracterizadas por el entretenimiento y los negocios, mantienen altos índices de producción, altos índices de asistencia y amplios mercados en el extranjero cada año. Grandes directores y estrellas emergen uno tras otro, exportaciones a gran escala y taquillas estables, lo que la convierte en una posición importante en la industria cinematográfica mundial.