La historia del desarrollo del diseño modernista
Resumen: Al contar el proceso de desarrollo del diseño estadounidense desde el Art Nouveau hasta el posmodernismo, entendemos que el rápido desarrollo del diseño estadounidense ha tenido un profundo impacto en el mundo en el proceso. de innovación continua.
Palabras clave: Desarrollo del Arte del Diseño Americano
1. Movimiento Art Nouveau en Estados Unidos
1 Antecedentes
Cuando la segunda. Mitad del siglo XIX Mientras los diseñadores europeos todavía debatían si la producción mecanizada era adecuada para el diseño artístico, Estados Unidos, que se había embarcado en el camino del capitalismo poco después de la fundación de la República Popular China, aceptó activamente la producción mecanizada a gran escala. Con la actitud más práctica y práctica y trabajó silenciosamente para adaptarse al diseño de productos empresariales de producción mecanizada. Por tanto, la mecanización en Estados Unidos se desarrolló rápidamente durante este período. Al mismo tiempo, la contradicción entre la producción mecanizada y el diseño artístico en la sociedad estadounidense no es tan obvia e intensa como la de Francia, Alemania y el Reino Unido en Europa occidental. Esto se debe a que Estados Unidos tiene un patrimonio cultural y artístico insuficiente. y el arte tradicional no ha tenido un gran impacto en los tiempos modernos. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XIX existía una contradicción entre la producción mecanizada y el diseño artístico, que también existía objetivamente. Si bien el movimiento Arts and Crafts tuvo sólo un pequeño impacto en el diseño estadounidense, el Art Nouveau tuvo una influencia amplia y de gran alcance en los Estados Unidos. Su influencia afectó a todos los aspectos de las artes aplicadas y la arquitectura de aquella época, y sus logros fueron notables.
2. Desarrollo
En el campo de las artes aplicadas, el famoso diseñador influenciado por el movimiento Art Nouveau es Will Bradley, quien es una figura representativa del diseño gráfico Art Nouveau. Tiffany se dedica principalmente al diseño de utensilios cotidianos, especialmente al diseño de vidrio. Antes de que el movimiento Art Nouveau afectara a los Estados Unidos, los prototipos de los diseños de vidrio de Tiffany procedían principalmente de Europa, pero en la última década del siglo XIX, su trabajo se convirtió en un modelo para el diseño de vidrio europeo. Los logros de Tiffany en el diseño de vidrio son únicos. En el campo del diseño arquitectónico, antes de que el movimiento Art Nouveau se introdujera en los Estados Unidos, ya se había formado en los Estados Unidos la famosa "Escuela de Chicago". Esta escuela de pensamiento defiende que la función arquitectónica es lo primero, "la forma siempre obedece a las necesidades de la función, esta es una ley inmutable", "la función permanece sin cambios, la forma permanece sin cambios". Entre sus representantes se encuentran los arquitectos Burnham, Jeanne, Alejandro, Holbert y Louis Sullivan. Gracias al trabajo de estos arquitectos, se inició un auge de la construcción de rascacielos en Estados Unidos a partir de Chicago.
2. El movimiento Art Déco en Estados Unidos
1. Antecedentes
En las décadas de 1920 y 1930, Nueva York era la ciudad más grande de Estados Unidos. Florecieron las artes escénicas, especialmente los musicales, el cabaret y el jazz. La industria cinematográfica de Hollywood se ha desarrollado hasta cierto punto. La cultura popular estadounidense es próspera y el diseño está estrechamente relacionado con la cultura popular. Influenciado por las culturas egipcia y maya, se formó el estilo Art Deco estadounidense. Aunque se desempeña principalmente en el campo del diseño de interiores arquitectónicos, también tiene buen desempeño en diseño de muebles, diseño cerámico y diseño gráfico. El famoso estilo de Hollywood también se formó en los años 1930.
2. Desarrollo
El movimiento Art Déco en Estados Unidos comenzó en Nueva York y la costa este y poco a poco se extendió hacia Occidente. Durante este período, se formó un estilo nativo americano único. Actuación principal:
2.1 Diseño arquitectónico: Estados Unidos hizo una fortuna en armas durante la Primera Guerra Mundial, con una fuerte fuerza nacional y una arquitectura desarrollada. Nueva York es la cuna del movimiento Art Déco. Los edificios de estilo Art Deco en Nueva York incluyen principalmente los siguientes aspectos: (1) Edificio de la Compañía Telefónica de Nueva York: la construcción comenzó en 1923 y se completó en 1926. Fue diseñado por Gomlin Architectural Company y presenta elementos modernistas y tratamientos decorativos de estilo Art Déco. (2) Eric Kan es un importante arquitecto "Art Deco" en los Estados Unidos. Muchas obras arquitectónicas estadounidenses incluso lo consideran el fundador de la arquitectura modernista. Entre sus obras destacan una serie de edificios como el Film Center y la Torre Holandesa. (3) Edificio Chrysler: el edificio más influyente. Diseñado por William Van Allen. Terminada en 1930, la aguja de metal se eleva hacia el cielo. Este edificio de 77 pisos se considera hoy el edificio más fascinante de ese período y un símbolo de romance. (4) Empire State Building: diseñado por William Lambert, finalizado el 30 de agosto de 1929 y terminado en dos años. Hay un fuerte estilo Art Déco por dentro y por fuera. Es un edificio diseñado y construido con acero, demostrando plenamente la imaginación de la era mecánica, y es conocido como la octava maravilla del mundo. (5) Edificio Rockefeller: con muchos diseñadores involucrados en el diseño, este edificio es un ejemplo del pináculo del estilo Art Deco.
2.2 Diseño de muebles
Al igual que el diseño arquitectónico del movimiento Art Déco, el diseño de muebles estadounidense estuvo influenciado por el estilo del movimiento Art Déco, pero no se ciñó al estilo europeo. Los diseñadores estadounidenses abandonaron los modelos europeos y finalmente crearon un estilo de arte exclusivamente estadounidense: el diseño de muebles decorativos. El diseñador más exitoso en este sentido fue Paul Frankl (de 65438 a 0925 comenzó a diseñar gabinetes geométricos con esquinas planas y puntiagudas y formas escalonadas. Llamó a este tipo de muebles muebles "rascacielos" debido a su diseño, su reputación aumentó repentinamente .) Eugene Schette y Weber (el diseño de muebles de Schette y Weber estuvo muy influenciado por Francia y Alemania, por lo que su estilo de diseño se acerca más al diseño de muebles del movimiento Art Deco europeo).
2.3 Diseño Cerámico
El diseño y fabricación de la cerámica americana comenzó tarde. Después de la Exposición de París de 1925, una serie de exposiciones en Estados Unidos promovieron el desarrollo de la industria cerámica estadounidense. Especialmente después de que las exhibiciones de la Exposición de París de 1926 se exhibieran en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el pueblo estadounidense, especialmente los diseñadores estadounidenses, aprendieron más sobre el arte cerámico de Francia y otros países europeos, promoviendo así el desarrollo de la cerámica estadounidense. industria. Dos años más tarde, los estadounidenses diseñaron y produjeron cerámicas que rivalizaban con las mejores de Europa. Entre los muchos diseñadores de cerámica, Adelaide A. Robineau es la más famosa. Se puede decir que ninguna introducción al diseño cerámico estadounidense en el siglo XX estaría completa sin mencionar a Abino.
2.4 Diseño Gráfico
El movimiento Art Déco en Estados Unidos se refleja principalmente en el diseño gráfico, principalmente en los campos de la publicidad y la cartelería. Aunque durante este período no hubo diseñadores gráficos de renombre mundial como Cassandra, Barbiere y Lepepe mencionados anteriormente, surgió una gran cantidad de diseñadores de arte comercial con el estilo Art Deco, como Joseph Binder, Ilonka Karaz, John Vase y otros. .
Además, en Estados Unidos también se produjo el famoso estilo Hollywood, que es una continuación del movimiento Art Déco americano. Su surgimiento tiene mucho que ver con la crisis económica de aquel momento. De 1929 a 1933, la crisis económica se extendió por América del Norte y Europa, provocando el colapso del mercado, el desempleo masivo, el pánico y la inestabilidad social. Las películas de Hollywood son un pasatiempo en el que la gente puede olvidar las crisis y las dificultades por un corto tiempo. Las películas les brindan un momento de alegría. Como resultado, la industria cinematográfica se destacó y prosperó como nunca antes. El cine se llama "Dream Palace". Para crear una atmósfera de ensueño, el diseño cinematográfico de Hollywood está lleno de imaginación y aprovecha al máximo el estilo Art Deco. En la década de 1930, el estilo de Hollywood se introdujo en Europa e influyó en el estilo de diseño de los cines europeos.
Tercero, diseño industrial
1. Antecedentes
División social del trabajo provocada por los cambios sociales: después de la revolución industrial, la mecanización, la estandarización y la producción por lotes. métodos La división del trabajo en la sociedad se ha vuelto cada vez más obvia. El diseño, la producción y el consumo se separan en partes independientes. El objetivo del diseño tiende gradualmente a producir productos industriales que sirvan al público y estén en consonancia con los intereses económicos de los fabricantes. Esto llevó al surgimiento de diseñadores profesionales.
2. Desarrollo
La profesionalización del diseño industrial ha aparecido en Estados Unidos. La profesionalización del diseño se desarrolló bajo las condiciones de la economía de mercado desarrollada en Estados Unidos. El estallido de la Primera Guerra Mundial brindó una oportunidad para la expansión militar y económica de Estados Unidos. En 1918, el mercado estadounidense estaba en auge como nunca antes. En particular, la producción de bienes de consumo industriales, como automóviles y electrodomésticos, se ha desarrollado rápidamente y el gobierno también ha brindado un fuerte apoyo. Las empresas estadounidenses comenzaron a entrar en la etapa de producción en masa. Gestión científica, producción en masa, operaciones de línea de montaje. La producción de automóviles es un ejemplo típico.
El automóvil se inventó por primera vez en Alemania, pero su primer y brillante desarrollo se desarrolló en Estados Unidos. Henry Ford en Estados Unidos introdujo a la gente en la era del automóvil. Ford diseñó el modelo "T" en 1908, que se vendió muy bien y ocupó el mercado estadounidense y pronto ingresó al mercado europeo. Fortalecer la conciencia sobre la producción estandarizada en varios países. (Mercado del Vendedor)
Hacia 1927 se produjo una crisis económica en Estados Unidos. No fue hasta que Roosevelt implementó el New Deal en 1933 que la economía mejoró. Esto se convirtió en un nuevo punto de partida para el diseño americano moderno. Para adaptarse a las necesidades del mercado, las empresas americanas crearon gradualmente departamentos responsables del diseño de productos. Establecer una organización de diseño interno dentro de la empresa. Al mismo tiempo, también existen oficinas de diseño en la sociedad que se especializan en el diseño de productos, empaques, publicidad, logotipos, imagen corporativa y otras actividades para satisfacer los requisitos de los clientes. Los diseñadores profesionales estadounidenses crecieron en esta época.
Estos diseñadores no están atados a la cultura tradicional, crecieron en una sociedad empresarial y básicamente no recibieron una educación superior rigurosa. Lucharon por salir de las actividades de diseño de escenarios, ventanas, carteles y anuncios.
El diseñador es (1) Walter Teague: fue uno de los primeros diseñadores industriales profesionales de los Estados Unidos y un diseñador gráfico de gran éxito. Su carrera de diseño está estrechamente relacionada con Kodak, la empresa de equipos fotográficos más grande del mundo: en la década de 1920, Teague comenzó a diseñar productos, en 1927 diseñó empaques de cámaras para la American Kodak Company, en 1928 diseñó la "cámara Kodak", que trajo consigo; fama y fortuna." 1936 Diseña la cámara "Banten" para Kodak. Con una apariencia simple y una estructura razonable, esta es la primera cámara portátil. Comprime los componentes básicos de la cámara al nivel más básico, proporcionando un prototipo y una base de desarrollo para las cámaras modernas de 35 mm. Trabaja en estrecha colaboración con el personal técnico y es bueno en el uso de métodos estéticos de diseño de apariencia para resolver problemas funcionales y técnicos, lo cual es una característica importante de los diseñadores industriales estadounidenses. Teague desarrolló un sistema de diseño para diseñar líneas completas de productos para empresas, lo que lo convirtió en uno de los primeros diseñadores industriales de mayor éxito en los Estados Unidos. Después de la Segunda Guerra Mundial, se desempeñó como consultor general de diseño de la empresa. En la década de 1930, su diseño formó su propio sistema. Desde el 65438 hasta el 0955, la compañía de diseño de Teague cooperó con el equipo de diseño de Boeing para completar el diseño del jumbo jet Boeing 707, que no solo le dio al avión Boeing una apariencia muy simple y moderna, sino que también creó la apariencia de un interior clásico moderno. diseño. Diseñado basándose en principios ergonómicos. Henry Dreyfus, Raymond Low y otros participaron en el diseño.
(2) Lowe es uno de los fundadores importantes del diseño industrial estadounidense. Se ha dedicado al diseño de productos industriales, al diseño de packaging y al diseño gráfico (especialmente diseño de imagen corporativa) a lo largo de su vida. Trabajó en miles de proyectos, desde botellas de Coca-Cola hasta el programa Skylab de la NASA y desde cajas de cigarrillos hasta el interior del Concorde. El contenido del diseño es extremadamente amplio, representa las características integrales de la primera generación de diseñadores industriales estadounidenses y logra resultados sorprendentes. En 1929, abrió su propia oficina de diseño, Raymond Rowe's Office, en la calle 12 de Nueva York. En la década de 1980, se había convertido en una de las firmas de diseño más grandes del mundo. Luo Wei comenzó a diseñar motocicletas, automóviles, barcos y otros medios de transporte en la década de 1930 e introdujo características aerodinámicas, que llevaron al estilo aerodinámico. Profesionalizó y comercializó altamente sus diseños, convirtiendo su empresa de diseño en una de las empresas de diseño más grandes del mundo en el siglo XX. Los principios de diseño son: simple, fácil de mantener, elegante y hermoso, económico y duradero. No sólo está interesado en la tecnología industrial, sino que también tiene un profundo conocimiento y búsqueda de la sensibilidad visual humana. Sus diseños son a la vez industriales y humanos. Su vida es el epítome y retrato de todo el proceso de inicio, desarrollo, apogeo y declive gradual del diseño industrial estadounidense.
El diseño Streamline es un importante representante del diseño manierista americano. Los orígenes se remontan al siglo XIX, cuando se aplicaron al diseño observaciones de formas orgánicas en la naturaleza. Esto fue más popular en las décadas de 1930 y 1940. Este diseño se caracteriza por cambios lineales suaves, fluidos y dramáticos. Se ha convertido en un estilo importante del diseño de productos estadounidense y representa el gusto estético de una época. El diseño simplificado es popular en los Estados Unidos no sólo porque el diseño de moda resuelve el problema de los estilos de productos que no se pueden vender. Y aplicar principios aerodinámicos al diseño para reducir la resistencia del aire, aumentar la velocidad de carrera y reducir el consumo. El diseño aerodinámico se utilizó por primera vez en el diseño de vehículos como automóviles y trenes, y luego se expandió al campo del diseño de productos. Raymond Lowe, Harry Earle y Norman Gates en los Estados Unidos son todos diseñadores importantes que abogan por un diseño simplificado. En aquella época, los diseños estilizados también eran populares en los países europeos.
En cuarto lugar, el rápido desarrollo del diseño industrial después de la guerra
1. Antecedentes
Como primer país en realizar la profesionalización del diseño industrial, el funcionalismo se originó en Europa El pensamiento de diseño ha promovido en gran medida el desarrollo del diseño y la educación artística en diseño en Estados Unidos. Los diseñadores que emigraron a los Estados Unidos en la década de 1930, especialmente los maestros de la Bauhaus, jugaron un papel decisivo en el establecimiento del sistema estadounidense de educación artística en diseño. Enseñaron en universidades o fundaron escuelas de arte y diseño y formaron a algunos diseñadores destacados. La conciencia sobre el diseño es sin precedentes en la mente de los estadounidenses, y la educación artística en diseño es muy valorada por el gobierno, las empresas, los educadores y los grupos académicos privados de los Estados Unidos.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos, como país que se benefició enormemente de la guerra, entró en un período de rápido desarrollo económico en las décadas de 1940 y 1950 bajo la dirección del consumismo económico liberal. Junto con esto, Estados Unidos se convirtió en un país modernista. El país con mayor desarrollo del diseño.
2. Abolición planificada del sistema
Después de la guerra, el diseño industrial estadounidense pasó de un culto ciego al estilo de diseño modernista europeo a uno más racional, centrándose en la racionalidad de la tecnología. estructura y función. Aunque el estilo de diseño "simplificado" que era popular en la comunidad de diseño estadounidense antes de la guerra tiene su base científica, con la continua expansión de los campos de aplicación, "simplificado" ya no es un simple problema de aplicación científica, sino que ha formado una tendencia orientada al mercado. Estilo de diseño de tendencia de consumo. Esta es también una manifestación de que "el estilo del diseño sigue a las ventas", y surgió el "sistema de abolición planificada". En Estados Unidos, el concepto de diseño de abolición planificada pronto involucró a casi todas las áreas del diseño de productos, incluido el diseño de automóviles. En la década de 1950, con el desarrollo de la tecnología de estampado de estilos, se introdujeron continuamente en el mercado automóviles de moda diseñados por Harry Earle para General Motors, como el Cadillac (Figura 7-10). Modelos como el Chevron (Figura 7-11) tuvieron mucho éxito en su momento. En 1965, Herringbone de GM tenía 46 modelos, 32 motores, 20 modelos de transmisión, 21 colores y 400 accesorios. Harry Earle es miembro directivo y director de diseño de General Motors Corporation. Muchos de sus diseños han influido en los estilos de automóviles estadounidenses hasta el día de hoy. En 1953, Earle utilizó por primera vez un parabrisas completamente curvado en un automóvil en lugar del parabrisas plano anterior. Este diseño fue rápidamente adoptado por la industria automovilística mundial y se convirtió en un estilo de automóvil en la década de 1950. Casi todos los diseños de automóviles hasta la fecha presentan esta forma de vidrio. También cambió el uso de las piezas cromadas originales desde un margen. Parte del marco de la rueda está cromada, pero la parte cromada se utiliza como piezas integrales, como luces, líneas decorativas, logotipos de automóviles, espejos, etc. A esto se le llama uso escultórico de piezas cromadas. Este cambio todavía afecta al diseño y fabricación de la industria automotriz. Earl amó la tecnología moderna y los deportes durante toda su vida, y persiguió automóviles con transmisión, carrocerías largas y chasis bajos, que también se han convertido en las características de los automóviles estadounidenses de hoy. Lanzó una serie de "coches de ensueño" después de la guerra, inspirados en los aviones locales. Utilizando una gran cantidad de piezas cromadas como decoración, los autos aerodinámicos son exagerados, hermosos y de apariencia elegante, reflejando la sensación de velocidad de la gente en la era del jet y la riqueza de los estadounidenses de la posguerra. A través de los continuos cambios en los estilos y estilos de diseño de automóviles, la serie "dream car" se convirtió en la moda perseguida por los estadounidenses en la década de 1950, estimulando y satisfaciendo el deseo de novedad y novedad de los consumidores. Por lo general, encarna la idea de diseño de "abolición planificada". ".
3. Nuevos materiales y nuevos procesos.
En las décadas de 1940 y 1950, la aparición continua de nuevos materiales y nuevas tecnologías promovió el desarrollo del mobiliario y el diseño de interiores estadounidenses, formando un estilo de diseño orgánico que enfatizaba la estructura elástica y la combinación móvil de muebles, e incluso Se convirtió en el principal estilo de diseño de interiores popular en los países occidentales durante este período. Considerado el epítome del diseño orgánico, Charles Eames fue un destacado diseñador que realmente hizo que el diseño de muebles tuviera un impacto generalizado en la vida real. En la exploración de Eames, las posibilidades técnicas y la elegancia formal siempre se combinan estrechamente con consideraciones de comodidad humana, que típicamente resaltan las características del modernismo y forman una nueva estética del diseño de sillas que sigue vigente hasta el día de hoy.
Durante este período, Knoll Group y Miller Company hicieron contribuciones destacadas al diseño de interiores y muebles estadounidenses. Knoll Group es un grupo de diseño industrial formado por el famoso diseñador americano Hans Knoll, dedicado principalmente al mobiliario y al diseño de interiores. Entre sus miembros se encuentran principalmente el propio Hans Noel, la esposa de Hans Noel, Florence Schnoel, Eero Saarinen, Harry Bertoja, etc. El desarrollo de Knoll Group es inseparable de la educación en diseño de Cranbrook Academy of Art, y sus miembros lo son básicamente.
Herman Miller Company, al igual que Knoll Group, es un famoso diseñador de interiores y muebles estadounidense que lleva el nombre de su fundador, Herman Miller. A finales de la década de 1940, la empresa pasó de la producción de muebles tradicional al diseño y producción de muebles modernos y gradualmente se convirtió en el centro de diseño y producción de muebles en el oeste de los Estados Unidos. Entre los diseñadores notables de la firma se encuentran Lord, George Nelson y Charles Eames.
Si los diseñadores de Knoll Group prestan especial atención al tratamiento de nuevos materiales y nuevas formas en el diseño de muebles, entonces el diseño de Miller Company se refleja más en la práctica y forma gradualmente su propio concepto de diseño.
En general, su concepto de diseño se refleja principalmente en los siguientes cinco aspectos: primero, el diseño es una parte integral de la empresa e indispensable; segundo, el diseño debe resistir la prueba de la competencia del mercado y cumplir con las leyes económicas; tercero, los productos deben ser honestos y; oposición al plagio y la imitación de las obras de otros y de antiguos; en cuarto lugar, los diseñadores deciden qué diseñar ellos mismos y respetan plenamente la iniciativa de los diseñadores, que es la característica más importante de Miller Company. En quinto lugar, creo que los buenos productos deben tener un mercado y apoyar a los diseñadores para que no se dejen influenciar por la "moda" temporal.
4. Diseño del avión Boeing 707 y aplicación ergonómica
La aplicación de principios ergonómicos en el diseño industrial y sus resultados de producción positivos pueden considerarse como una característica importante del desarrollo del siglo XX. Diseño industrial americano en los años 50. El famoso diseñador estadounidense Dreyfus hizo contribuciones destacadas a la formación y promoción teórica de la ergonomía. El exitoso diseño del Boeing 707 en la década de 1950 se convirtió en un ejemplo exitoso de la aplicación de la ergonomía a proyectos de diseño industrial a gran escala, y también fue un logro importante del diseño industrial estadounidense en la década de 1950.
En 1955, Boeing invitó al famoso diseñador Teague a diseñar la cabina interior del Boeing 707. Con la participación de Dreyfus y otros diseñadores, diseñaron el avión de aviación civil más avanzado, cómodo y seguro del mundo en ese momento. Se utilizaron muchos datos ergonómicos en el diseño, utilizando paneles de plástico, luces empotradas ocultas, respaldos altos, asientos grandes y cómodos con bordes contorneados, así como sistemas relacionados con el servicio de pasajeros y colores tranquilos. El diseño, el espacio de almacenamiento y el sistema de seguridad en la cabina han sido investigados en profundidad y cuidadosamente diseñados, lo que no solo ahorra espacio, sino que también facilita las actividades de los pasajeros, brindando a los pasajeros y al personal un ambiente tranquilo, cómodo y conveniente. Este diseño no sólo crea un modelo de cooperación exitosa entre grandes empresas y grandes diseñadores, sino que también es un diseño representativo que muestra la aplicación generalizada de la ergonomía en el diseño industrial. Su importancia no sólo proporciona una base para el diseño de los futuros Boeing 737, Boeing 747, Boeing 767 y Boeing 777 bimotor, sino que también promueve la aplicación generalizada de principios de ergonomía en otros campos del diseño industrial, haciendo que la ingeniería hombre-máquina se haya convertido en una disciplina especial que debe seguir el diseño industrial, especialmente el diseño de productos, haciendo que la idea de "diseñar para la gente" esté profundamente arraigada en el corazón de la gente.
Cuarto, posmodernismo:
Representante:
Wintali: arquitecto estadounidense. Fue la primera persona en sentar las bases del posmodernismo en el diseño arquitectónico. En 1969, propuso el principio de "Menos preocupación" y desafió el modernismo sobre la base de la forma. La obra "Wintali" House presentó su propio manifiesto formal posmodernista. También rechazó el contenido central del modernismo. El diseño contiene muchas de las características formales claras y monótonas del clasicismo, pero en general es simple, claro y funcional. Wintour persiguió formas arquitectónicas eclécticas elegantes y decorativas. La Sala de San Petersburgo del Museo Nacional Británico de Arte diseñada por él es una de las obras maestras importantes de la arquitectura posmoderna.
Moore: un destacado maestro del diseño posmoderno americano. Siempre ha tenido una actitud artística muy romántica hacia el diseño arquitectónico, y muchos edificios tienen características distintivas de diseño escénico. Concede gran importancia a la superposición y coordinación del entorno natural, el entorno comunitario y la arquitectura. Obras representativas incluyen Plaza Italia, Hotel DoubleTree, etc.
Chicharrones: arquitecto estadounidense y figura importante del diseño arquitectónico posmoderno. Sus diseños se centran en la riqueza de la decoración y el color, centrándose en expresiones eclécticas de estilos históricos. Muchos diseños combinan las habilidades duales del pintor y del arquitecto y están completamente integrados. Su obra de diseño más importante es el Centro de Servicios Públicos de Portland, que se ha convertido en el edificio posmodernista más representativo.
Johnson: Uno de los teóricos del diseño y arquitectos contemporáneos más importantes de Estados Unidos, experimentó dos importantes movimientos de diseño moderno. Fue uno de los primeros en introducir el modernismo europeo en los Estados Unidos. Su colaboración con Smith en el diseño del edificio Seagram fue un importante punto de inflexión en su ascenso como maestro mundial. Después de que Wintully propusiera la idea de que menos es más, diseñó el edificio AT&T, que se convirtió en una de las obras representativas del posmodernismo. Representa una escuela de diseño posmoderno que presta más atención a mantener la integridad de la esencia del clasicismo.
Robertson: Decano de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Virginia. Abogó por reformar las tendencias indiferentes e impersonales de los estilos de diseño modernistas e internacionalistas, con la esperanza de utilizar las tradiciones históricas para lograr la atmósfera cultural de la arquitectura. No quería burlarse ni abusar de los estilos clásicos e históricos, sino que intentó combinar perfectamente estructuras modernistas con motivos clasicistas. Las obras representativas incluyen el edificio de la sede de Anlixi.
Giuseppe Rossi: importante diseñador posmodernista italiano. Consideraba primordial la integridad y coordinación del entorno, lo que formó sus métodos y teorías de diseño. El ejemplo más concentrado de sus principios es la arquitectura de los cementerios de la Medina. Otros como Farrell, Jencks, Taft, Botha y Roche son todos representantes importantes del posmodernismo.
Resumen del verbo (abreviatura de verbo)
Estados Unidos es un país que no está limitado por la cultura tradicional. Aunque empezó tarde, se desarrolló rápidamente. Por un lado, el diseño estadounidense hereda y desarrolla las ideas artísticas del diseño europeo y, por otro lado, crece localmente. Se comercializa el diseño americano, que está estrechamente relacionado con el entorno empresarial desarrollado en los Estados Unidos, dando a su diseño un fuerte color de pragmatismo.
Aunque el arte del diseño moderno se originó en Europa, su desarrollo, madurez e internacionalización se realizaron en los Estados Unidos, lo cual es inseparable de la tradición cultural y el estatus económico de los Estados Unidos en el mundo.