Tiro de película larga-clásico
Un plano general se refiere a mostrar una acción o evento completo en un tiempo y espacio unificado sin interrupción. Los planos largos generalmente incluyen los siguientes tres puntos: primero, el tiempo de filmación es relativamente largo; segundo, un solo plano incluye todo el proceso de encuadre y la imagen de la izquierda, incluidas formas de movimiento complejas como empujar, tirar, sacudir y mover; , siguiendo, arriba y abajo Incluye una toma completa. Pero, de hecho, ese no es necesariamente el caso. Podemos ver que algunas de las posibilidades que se analizan a continuación no todas cumplen los tres puntos anteriores.
Como lenguaje de lente, los planos largos, como el montaje, los golpes de derecha y de revés, no solo desempeñan un papel técnico, sino que también reflejan la autenticidad de la perspectiva de Dios por un lado, y la velocidad del movimiento a través de la lente. por otro lado, el ángulo de rotación y otros medios transmiten las emociones que el público quiere expresar, razón por la cual los planos largos son tan amados y obsesionados. Muchas secuencias cinematográficas excelentes se logran mediante tomas largas. Por supuesto, no todos los directores saben utilizar bien los planos generales. Esto también es un reflejo de la habilidad del director.
Contar planos generales en una película es una tarea imposible. Aquí hay algunas películas clásicas y familiares.
1. Artículos clásicos
1 La película estadounidense "El Nigromante" se estrenó en 1948. Esta fue la primera película producida y dirigida de forma independiente por el maestro del suspense Hitchcock. su primera película en color. En esta película, Hitchcock no sólo utilizó un objetivo largo, sino que también logró "un plano hasta el final", mientras que la película Kodak de la época sólo podía rodar menos de 12 minutos seguidos. Para solucionar este problema, en la película de 80 minutos sólo se rodaron diez tomas. El empalme entre tomas fue lo más "silencioso" posible para que el público no lo notara y pareciera que se hizo de una sola vez.
La intención original del director era hacer que la duración del plano fuera igual a la de la historia, pero en realidad no lo logró, lo que hizo que Hitchcock se sintiera muy insatisfecho con la película. Compró los derechos para proyectar la película y la escondió en la nieve. 30 años después, la película se estrenó nuevamente. Sólo entonces se descubrió la grandeza de esta película experimental. Esta no es la primera película que utiliza planos generales, pero sí la más clásica. Dejando a un lado las cosas largas, los temas y metáforas de la película parecen anticuados incluso ahora.
2. La película rusa "Russian Ark" se estrenó en 2002 y fue nominada a la Palma de Oro en el 55º Festival de Cine de Cannes. Esta película logra un verdadero "one shot to the end" y es el plano más largo de la historia del cine, haciendo realidad el sueño de Hitchcock. El contenido de la película se puede resumir en una frase, te lleva al Antiguo Palacio de Verano en 90 minutos, pero esto es un drama.
El Hermitage se encuentra en San Petersburgo. Originalmente fue el palacio y museo privado del Zar y ahora es uno de los cuatro museos más grandes del mundo. San Petersburgo fue la capital de Pedro el Grande en 1712. Pasó a llamarse Leningrado en 1924 (Moscú se convirtió en la capital de la Unión Soviética en 1922, y en 1911 recuperó su nombre original de "San Petersburgo").
Con una arquitectura impresionante, más de 30 salas de exposiciones, más de 2.000 actores con diferentes trajes, tres orquestas sinfónicas y diversas exhibiciones históricas, la película muestra el esplendor de Rusia y el recuerdo infinito de su gloria pasada. para. Adiós Europa, seguiré adelante.
3. La película estadounidense "Gravity" se estrenó en 2013, dirigida por el director mexicano Alfonso Cuarón, y fue nominada a Mejor Película en la 86ª edición de los Premios de la Academia. Al comienzo de la película, se utiliza un plano de casi 13 minutos de duración para mostrar la grandeza y el silencio del espacio. Esta es mi posibilidad remota favorita, y su carácter épico debería ser comparable a "2001: Una odisea en el espacio".
Este plano general se realizó con una caja de luz y CG. Para tomar esta foto, Alfonso Cuarón construyó especialmente una enorme caja de luz, y todas las actuaciones, iluminación y fotografías se realizaron en esta caja de luz. El plano general en sí rara vez se menciona debido a sus impresionantes efectos especiales.
4. La película estadounidense "Son of Man" se estrenó en 2006, dirigida por Alfonso Cuarón Ofer, y fue nominada a Mejor Fotografía en la 79ª edición de los Premios de la Academia. Esta es una película de ciencia ficción, una película de acción y una película literaria.
Los planos largos en Occidente rara vez reflejan escenas de acción, pero esta película es una de las pocas.
Hay dos planos largos difíciles en la película, uno es una escena de guerra y el otro es una escena de acción, que son impresionantes. A partir del minuto 26 y 15 segundos, hubo un tiro lejano en el auto que se prolongó durante 12 minutos. El vehículo circulaba a gran velocidad y en él viajaban cinco personas. La cámara recorre el coche. Es necesario no solo explicar los disparos y los movimientos de todos en el automóvil, sino también fotografiar las explosiones y los perseguidores fuera del automóvil, incluida la colisión entre el automóvil y la motocicleta, y los perseguidores corriendo hacia el automóvil y librando sangrientas batallas. con la gente de dentro.
Para rodar este plano general, el director modificó el coche para que pareciera Transformers y utilizó una cámara especial. Aun así, la precisión con la que se controla el impacto y la integridad visual del vehículo siguen siendo alucinantes. Los planos generales de la guerra acercándose al clímax demuestran el control preciso y la capacidad de programación del director.
El plano general del final de la película es muy religioso. "La tierra estaba vacía; el abismo era oscuridad; el Espíritu de Dios se movía sobre las aguas. Y dijo Dios: '¡Sea la luz!' "Hay luz".
5. Soy Cuba, película antiguamente soviética, estrenada en 1964, en blanco y negro. El director Mikhail Kalatozov es ruso, georgiano para ser exactos, y su idioma es el español. Esta película es un verdadero ejemplo de toma larga. Cualquier toma puede usarse como libro de texto y vale la pena verla una y otra vez.
Por ejemplo, en la toma inicial del primer piso, en 3 minutos y 22 segundos, la cámara escaneó todo el patrón del techo, luego descendió dos pisos (el borde del edificio alto era claramente visible en esta vez), y finalmente el Zambullido en la piscina. Veamos primero su dificultad. La lente tiene empuje y tracción planos, movimiento vertical y fotografía submarina. Si el director quiere ponerlos en una sola toma, también debe tener en cuenta el diseño de la escena y la actuación del actor. El descenso vertical de la cámara es una parte mágica porque durante este proceso vemos el borde empinado del edificio alto y a los actores sentados en el balcón sin vallar, lo que demuestra que la cámara gira durante el descenso suspendido (es decir, la cámara se controla manualmente). . Más importante aún, en la década de 1960, cuando las condiciones técnicas eran relativamente atrasadas, este objetivo logró capturar con éxito fotografías bajo el agua. Este plano general transmite mucha información, casi transmite todo el lujo, la magnificencia, la impetuosidad y el ruido de la sociedad de clase alta cubana.
En el funeral de la tercera parte de la película, con el cortejo fúnebre avanzando lentamente, la cámara comenzó a subir lentamente hasta la altura de tres o cuatro pisos, luego comenzó a desplazarse hacia la derecha, entrando en el casa a través de una ventana, y luego avanzó, volando por otra ventana y deslizándose en el aire. Dadas las condiciones técnicas de la década de 1960, esta toma casi podría considerarse impactante, ya que utilizó muchas eslingas y cintas transportadoras para moverse suavemente sin dispositivos de estabilización. Su lenguaje óptico y técnicas artísticas están muy por delante. Incluso en el campo del arte cinematográfico actual, algunas de las tomas que se pueden copiar de esta obra son suficientes para convertirse en pioneros.
Esta película tuvo mala suerte. Una vez finalizado el rodaje, ni la Unión Soviética ni Cuba lo reconocieron, e incluso la Unión Soviética lo escondió en la nieve durante muchos años. En 1992, la película se reestrenó en el Festival Internacional de Cine de Montreal y conmocionó a toda la industria cinematográfica.
6. "El ganso salvaje volando hacia el sur", película antigua soviética, estrenada en 1957, película en blanco y negro. El director es Mikhail Kalatozov y el idioma es el ruso. La película ganó la Palma de Oro en el 11º Festival de Cine de Cannes. Aunque la película describe la guerra, destaca la tragedia del amor romántico en la guerra.
El uso que hace el director de los planos lejanos es tan hábil que resulta incluso difícil de detectar. Por ejemplo, en el minuto 24, la heroína se despidió de su amante en la estación. La cámara primero la sigue cuando se baja del autobús y se abre paso entre la multitud apresurada. Finalmente, la cámara tiembla, las tropas entran en cuadro y toda la escena se completa de una sola vez. Aunque el desempeño de la película en planos generales es muy bueno, el desempeño de la película en términos de movimiento de la cámara, luces y sombras y edición están a niveles de libros de texto. Aparentemente, el director no prestó mucha atención a los planos generales de la película, y el director editó varios planos largos difíciles en montajes.
7. Circo de Ballenas. Película húngara, estrenada en 2000. Película húngara en blanco y negro. El director es el famoso maestro húngaro Béla Tarr. La novela cinematográfica original "Melancolía de la resistencia".
La película tiene una duración de 145 minutos y sólo utiliza 39 planos. Una de las escenas más poderosas es cuando la gente entra corriendo al hospital y la cámara los sigue lentamente, moviéndose de una habitación a otra como un espectador.
Los matones sacaron al paciente de la cama y lo golpearon, y todo lo que había en la habitación quedó volcado y destrozado. Sin embargo, lo más sorprendente es que nadie gritó, lloró ni maldijo en esta escena. Sólo escuchamos golpes de metal, objetos rotos y el silencio de matones y víctimas, pero es este silencio el que hace que la escena sea más poderosa. Cuando dos matones bajaron una cortina y la cámara enfocó a un anciano flaco parado en la bañera, la música de repente comenzó a sonar, y los matones dejaron de golpear como si estuvieran borrachos, y lentamente salieron del hospital uno por uno. La cámara los sigue fuera de la habitación y hacia el pasillo, luego se aleja del grupo y se desplaza hacia la derecha. El rostro del héroe escondido en las sombras aparece en la lente de la cámara. Su rostro estaba lleno de horror y ni siquiera parpadeó. Se acabaron las cámaras. Sus imágenes y banda sonora son tan impactantes que te deja sin palabras.
8. La película estadounidense "Birdman" se estrenó en 2014. Ganó el 87º Premio de la Academia a la Mejor Película. El director González es mexicano. La película consta de 15 planos generales y cuenta la historia de una estrella de Hollywood arruinada que regresa a los escenarios. Su fotografía y gravedad son lo mismo.
Nunca entendí la necesidad de tomas largas en esta película, a pesar de mi dominio técnico. Prefiero pensar que esto es producto de que Hollywood se autocomplazca y luego se dé premios. Por supuesto, esto se debe a que no lo entiendo. Tiene sus propias razones para ganar un Oscar. En aquel entonces, lo que competía con él era la "juventud". Para ser justos, en realidad no es tan bueno como "Birdman".