Formalismo del cine
El formalismo cinematográfico presta atención a los métodos de procesamiento artístico de composición, fotografía, iluminación, edición, sonido, color e interpretación, y enfatiza el grado "antinatural" de la película. El formalismo se centra demasiado en los aspectos técnicos del cine, estableciendo la gramática del lenguaje visual y centrándose en la visibilidad del lenguaje cinematográfico. Demasiado énfasis en el formalismo limitará la creatividad de los artistas y la forma de la película en sí, tendiendo a volverse técnica. .
El Movimiento Formalista Ruso (1918-1930) resultó ser la época dorada de la teoría formalista cinematográfica, que le proporcionó un profundo trasfondo filosófico y desarrolló un conjunto de teorías sobre el comportamiento humano, creyendo que la práctica, la teoría , Los símbolos y la estética son las cuatro funciones principales del comportamiento humano. Los teóricos formalistas del cine creen que si el cine se utiliza exclusivamente para representar la realidad, entonces sólo desempeña un papel simbólico. Para que las películas tengan un efecto estético, se deben utilizar métodos especiales (técnicas antinaturales) para abordar la realidad.
Los formalistas tienden a favorecer las obras que utilizan técnicas sofisticadas, considerándolas más artísticas que las obras sin rastros. En general, el formalismo se parece más a una teoría de un determinado estilo artístico que a un sistema filosófico que se adapta y evalúa todos los estilos artísticos. Ahora, echemos un vistazo a algunos de los teóricos más interesantes y valiosos y sus ideas en el campo formalista.
Hugo Munsterberg (Hugo Munsterberg)
En 1916, Hugo Munsterberg escribió Cine: un estudio psicológico. Ha logrado logros extraordinarios en estética y psicología cinematográfica. Las generaciones posteriores lo respetaron como el fundador de la psicología moderna y sus logros en filosofía fueron aún más notables.
Hugo Munsterberg dividió la historia del cine en dos etapas: la etapa externa determinada por el desarrollo tecnológico y la etapa interna de la evolución de los modelos de aplicación social. La tecnología de los medios proporciona el cuerpo y la sociedad le da vida y le permite realizar algunas actividades prácticas. La tecnología habilita la imagen, mientras que las necesidades psicológicas facilitan sus funciones en la información, la educación y el entretenimiento. Desde sus inicios como un dispositivo visual secundario, el cine se ha convertido en una herramienta de educación e información que, en última instancia, actúa sobre la psique humana a través de la narrativa. Hugo Munsterberg creía que el milagro artístico de una película sólo puede aparecer si es narrada, por lo que la película es un arte del alma, y entendía todas sus características como funciones psicológicas.
La mente no sólo puede organizar el movimiento, sino también organizar eventos a través de la atención, por lo que las películas no son solo un registro del movimiento, sino también un registro sistemático de cómo la mente crea eventos. La organización de la atención a sentimientos y movimientos simples, como el registro de la composición, el ángulo de disparo y la distancia focal.
La memoria y la imaginación son tareas psicológicas de nivel superior. En contraste con la "atención", que sólo crea eventos, la memoria y la imaginación generan significado, conflicto y placer personal. Hugo Munsterberg creía que los diversos métodos de montaje del cine correspondían a funciones psicológicas superiores que daban significado y estructura dramática a las actuaciones y movimientos de cámara.
La emoción es el nivel más alto de actividad psicológica. Correspondiente a la emoción es la historia. La historia es la parte más valiosa del arte narrativo cinematográfico y también domina el proceso de otros niveles del cine. Entonces Hugo Munsterberg propuso la metáfora del material cinematográfico: diferentes niveles de actividad psicológica.
Los diferentes ángulos de disparo, composiciones, tamaños de pantalla e iluminación atraen la atención selectiva. El cerebro procesa estas imágenes continuas para crear la ilusión de movimiento; la edición crea ritmo, flashbacks o sueños comprimiendo o expandiendo la forma. la memoria o la imaginación del público. El objetivo principal de las películas es crear emociones. Las emociones son psicológicas y no externas. Su base es el mundo psicológico del sujeto.
Rudolf Arnheim
El "Cine como arte" de Rudolf Einheim, publicado en 1932, y la teoría de Hugo Munsterberg No es tan diferente, pero tiene un impacto más amplio y despierta el interés de la gente. Proviene de la escuela de psicología Gestalt (que enfatiza que el todo no es la suma de sus partes y que la conciencia no es la suma de sentimientos) y cree que sólo la forma artística del cine (en lugar de las cosas que registra) es dentro del alcance de su discusión.
Rudolf Einheim creía que el cine no es un medio para expresar la realidad, ni un uso consciente de cosas externas (como sonidos, gestos), sino un uso consciente de la forma en que presentamos el mundo. El arte cinematográfico es producto de la tensión entre reproducción y transformación. Su fundamento estético no es lo que el mundo ya ha presentado, sino la aplicación estética de cosas o métodos que presentan el mundo. Por lo tanto, Rudolf Einheim creía que debían restringirse las técnicas cinematográficas realistas y elegirse la expresión artística.
Cada vez que se restringe la percepción de la naturaleza, aumenta el potencial de belleza. Rudolf Einheim dio atributos de belleza cinematográfica que no tenían nada que ver con la percepción natural: intensificación y degradación, fundidos de aparición y desaparición, disoluciones, sobreimpresiones, congelaciones de fotogramas, inversiones, zooms y distorsiones inducidas por filtros. Para él, el proceso artístico es un modo de actividad perceptiva. El artista maneja adecuadamente la estimulación del mundo exterior y luego expresa con éxito su estado y el del mundo exterior cuando las dos fuerzas están equilibradas.
El artista toma estímulos en bruto del mundo exterior, los trata como objetos y eventos, y luego proyecta estas cosas en una forma imaginaria y las devuelve al mundo exterior. Entonces el mundo exterior reacciona, obligando al artista a modificar su forma hasta que tanto el artista como el mundo exterior estén satisfechos. De esta manera, el arte expresa tanto al artista como al mundo exterior.
Sergei Eisenstein (Sergei Eisenstein).
La visión del cine de Sergei Eisenstein era más rica y compleja. Hizo hincapié en el "impacto" y la "atracción" como materiales cinematográficos en la creación cinematográfica, creyendo que los creadores de películas pueden determinar el proceso psicológico de la audiencia calculando con precisión la estructura de la atracción. La actitud de Sergei Eisenstein hacia el montaje sufrió muchos cambios dramáticos, desde una postura asociativa hasta la psicología del desarrollo. A veces veía el cine como una máquina, a veces como un organismo, a veces como una poderosa herramienta de persuasión retórica, a veces como una forma misteriosa de entender el universo.
Sergei Eisenstein creía que el cine debería descomponer la realidad en diferentes materiales (un proceso que podría denominarse "neutralización") y luego utilizarlos para crear nuevos ideogramas de nivel superior. El impacto de disfrutar una película no debe provenir sólo de la historia en sí, sino de la serie de impactos creados por cada elemento en cada escena.
Combinando diferentes conflictos, Sergei Eisenstein creó diferentes conceptos de montaje, que dirigieron diferentes elementos para formar la evocación de la película. Consideró la experiencia de ir al cine como una actividad egocéntrica en la que el espectador veía las imágenes en la pantalla como una muestra de su experiencia precognitiva.
Las principales funciones de la neutralización elemental son la empatía y la sinestesia. A través de la empatía, la combinación de muchos elementos diferentes puede producir nuevos efectos. Las películas suelen tener muchos elementos en pantalla al mismo tiempo. Pueden complementarse entre sí y mejorar el efecto, o entrar en conflicto entre sí para producir nuevos efectos, o utilizar elementos inesperados para producir un efecto deseado. Este último es el estado más elevado de empatía.
Bela Balazs (Bella)
Film Aesthetics es una obra importante de Bela Balazs. Él cree que el arte cinematográfico sólo se puede crear cuando las condiciones económicas lo permiten. Sólo a través del desarrollo podemos desarrollarnos. El cine es un proceso de creación artística. El material no es la realidad en sí, sino un "tema cinematográfico" que se ajusta a la experiencia de las personas y puede transformarse en películas. El arte nunca puede capturar la verdad misma. Trata la realidad a su manera, dando al mundo objetivo una forma y un significado exclusivamente humanos. Bela Balazs concede gran importancia a la elección de los temas cinematográficos y sugiere que lo mejor es adaptar obras corrientes, que serán más fáciles de adaptar a películas de éxito.
Al mismo tiempo, también cree que sólo aquellos con talento y energía pueden captar los materiales cinematográficos a partir de la experiencia, en lugar de estar disponibles para todos, como creen la mayoría de los teóricos.
Bela Balazs apoyó las nuevas tecnologías, pero insistió en que estas invenciones deben utilizarse para mejorar la forma más que el realismo. Las imágenes son construcciones humanas y no deben usarse para expresar la verdad, sino para criticar o responder a la verdad. Los métodos habituales del cine están naturalmente relacionados con los procesos psicológicos humanos. Sin embargo, no estaba tan obsesionado con la forma pura. A menudo criticaba películas demasiado anamórficas. Espera mejorar el significado de las cosas a través de la tecnología cinematográfica manteniendo al mismo tiempo el estado de las cosas mismas.
Una buena edición puede evocar nuestra imaginación y darle una dirección clara. En tales películas podemos ver los procesos asociativos internos que operan en las ideologías de las personas.
Podemos ver que el formalismo cinematográfico aboga por centrarse en las técnicas y expresiones artísticas del cine, y tiende a priorizar los estilos "altamente visuales" sobre los estilos naturalistas. Sin embargo, aunque la mayoría de los formalistas están de acuerdo con este punto de vista, desde los primeros teóricos se han hecho esfuerzos para evitar esta tendencia a simplificar demasiado.
Materiales de referencia:
Introducción a la teoría del cine clásico
Por Nosy Andrew
Traducido por Li Weifeng