Terminología de fotografía cinematográfica

Una de las técnicas utilizadas en el plano focal. Su rendimiento es que la imagen en movimiento que se muestra en la pantalla se detiene repentinamente y se convierte en una imagen fija (foto fija). Freeze es la "condensación" momentánea de la acción, que muestra la belleza estática de la escultura, utilizada para resaltar o representar una determinada escena, una determinada expresión, un determinado detalle, etc.

El método de producción específico consiste en seleccionar un determinado fotograma de la toma y hacer que la impresora imprima la película repetidamente para extender el fotograma detenido hasta la longitud requerida. Según las necesidades de edición con lentes, el procesamiento de fotogramas congelados puede cambiar de movimiento (imagen animada) a imagen fija (imagen congelada), o de estático (imagen congelada) a cambio (imagen animada). Al final de la película, algunas personas utilizan fotogramas congelados para indicar el final de la historia o para dejar un regusto al público.

Artículo destacado

Una toma del rostro de un retrato y parte del sujeto. Creado por el director de cine estadounidense David Walker Griffith (1875-1948). Un primer plano es la toma más cercana en una película. Debido a su pequeño rango de visión y al contenido de una sola imagen, el objeto de actuación puede destacarse del entorno circundante, produciendo una imagen visual clara y un efecto de énfasis. Los primeros planos pueden mostrar y revelar cambios emocionales sutiles en los personajes.

Visualización de imágenes

Un método para abordar la estructura de la lente en el arte cinematográfico. La figura central u objeto en movimiento en la lente abandona la pantalla, lo que se llama pintura cuando la persona se mueve; El objeto entra Al pintar un cuadro, se llama pintar. Cuando una acción se desarrolla a través de más de dos planos, para que la acción fluya de manera continua sin confundir a la audiencia, la dirección del dibujo y de las personas u objetos en movimiento entre planos conectados debe ser básicamente la misma; de lo contrario, se debe insertar un plano neutral como una transición.

Encerrado en un círculo

Los "trazos" en forma de círculo se expanden gradualmente desde el punto central de la imagen (círculo hacia afuera), o la imagen completa se reduce gradualmente a un punto con un círculo ( círculo en) y se reemplaza por la siguiente imagen. A veces, el bracketing también se utiliza para enfatizar o resaltar una parte específica de la imagen.

Cut-in

Se refiere a la conexión directa de las lentes superior e inferior. El primer plano se llama "corte" y el último se llama "corte". Este método de montaje de lentes, que no requiere ninguna habilidad adicional, puede mejorar la consistencia de la acción sin interrumpir el flujo del tiempo y se caracteriza por su limpieza, compacidad, simplicidad y viveza. A menudo se utiliza para describir entornos y conectar las conversaciones y acciones de las personas. En el rodaje de largometrajes, este método de conexión se utiliza generalmente para tomas de la misma escena. A medida que la cámara interviene, el público comprende gradualmente el objeto de expresión a través de los constantes cambios de puntos de vista, y no queda rastro de la combinación de las imágenes.

Desvanecimiento

También conocido como "desvanecimiento". Una de las técnicas utilizadas para expresar la transformación del tiempo y el espacio en las películas. Las imágenes posteriores aparecieron gradualmente y finalmente se volvieron completamente claras. El comienzo de esta toma se llama "fundido", lo que significa que el comienzo de un párrafo se desvanece gradualmente hasta desaparecer por completo, lo que significa el final de un párrafo. El ritmo de aparición y desaparición gradual es lento y lírico, lo que puede darle al público una pausa visual y crear una sensación completa de párrafo. A medida que el ritmo de las películas ha aumentado, rara vez se utiliza hoy en día.

Huahuahuahua

La abreviatura de "Pai". Una de las técnicas utilizadas para expresar la transformación del tiempo y el espacio en las películas. Utilice líneas de diferentes formas para tachar la imagen anterior (dibújela) y reemplácela con la siguiente imagen (dibújela). Generalmente es adecuado para cambios de escena rápidos y de corta duración, especialmente cuando se describen eventos en diferentes lugares o que se desarrollan al mismo tiempo, la combinación de pinceladas juega un papel irreemplazable. La desventaja es que si no se maneja adecuadamente, fácilmente hará que el público se dé cuenta de la existencia de los bordes de cuatro lados de la pantalla, debilitando el realismo de la imagen.

Entra y sale

También conocida como “disolución y disolución” y “disolución”, o simplemente “transformación” y “disolución”. Una de las formas de expresar las transiciones temporales y espaciales en las películas. Significa que la imagen de la película anterior desaparece (se funde) gradualmente y la imagen siguiente aparece (se funde) gradualmente. Los dos se ocultan y se muestran al mismo tiempo, superponiéndose en la pantalla por un corto tiempo, es decir, pasando alternativamente por el estado "descartado". También se suele utilizar para expresar la conexión entre la realidad y los sueños, la memoria y las escenas asociativas. El método de "transformación" es más sutil y eufemístico y, a menudo, tiene un cierto significado. Dependiendo de las necesidades del contenido y el ritmo, el tiempo de "transformación" puede ser largo o corto, normalmente entre 1-3 segundos.

Plano de larga duración

La simetría de un "plano corto" se refiere a planos realizados de forma continua durante un período de tiempo, ocupando una porción más larga de la película. Puede contener más contenido según sea necesario, o puede convertirse en una oración de montaje (diferente de una oración de montaje compuesta por varios planos cortos).

No existe una regulación clara y uniforme sobre su duración. Generalmente se divide en cuatro tipos: lentes largos fijos, lentes largos con zoom, lentes largos con profundidad de campo y lentes largos móviles. Entre ellos, los planos largos en movimiento incluyen empujar y tirar, balancear, levantar y bajar la cámara. Porque la lente larga puede unificar varias acciones dentro de la lente, haciéndola natural, suave y rica en cambios, creando varios ángulos y escenas para la imagen. No sólo puede expresar el entorno y resaltar a los personajes, sino también brindar total libertad a las actuaciones de los actores, ayudar a la coherencia emocional de los personajes y permitir que acciones dramáticas importantes se muestren plena y jerárquicamente. La fotografía con lentes largos tiene un fuerte sentido de la realidad temporal y espacial porque no destruye la continuidad del tiempo y el espacio en el que ocurren y se desarrollan los eventos.

Tracking shot

También llamado "seguir la tendencia". Fotografías tomadas por una cámara siguiendo un objeto en movimiento. La lente de seguimiento puede expresar de forma continua y meticulosa los movimientos y expresiones de los personajes en acción. No sólo puede resaltar el sujeto en movimiento, sino también explicar la dirección, velocidad, postura del cuerpo en movimiento y su relación con el entorno, de modo que el Se puede mantener el movimiento del cuerpo en movimiento. La coherencia ayuda a expresar la perspectiva mental del personaje en movimiento.

Fotos de paisajes

También conocidas como “fotos de paisajes”. Escenas sin personajes (principalmente aquellos relevantes para la trama) que representan paisajes o escenas naturales. A menudo se utiliza para presentar el trasfondo ambiental, explicar el tiempo y el espacio, expresar las emociones de los personajes, promover el desarrollo de la historia y expresar la actitud del autor. Tiene las funciones de explicación, sugerencia, símbolo, metáfora, etc. En la película, se pueden producir efectos artísticos como tomar prestados objetos para expresar emociones, mezclar escenas, representar concepciones artísticas, crear atmósferas y despertar asociaciones. , y también tiene un papel único al cambiar el tiempo y el espacio de la imagen y ajustar el ritmo de la película. Hay dos tipos de fotografía aérea: fotografía de paisaje y fotografía física. La primera se denomina generalmente fotografía de paisaje, y se expresa mayoritariamente en forma panorámica o en perspectiva. Esta última también se denomina “descripción detallada” y generalmente utiliza primeros planos o primeros planos. El uso de tomas vacías no es sólo una simple descripción del paisaje, sino también un medio importante para que los creadores de cine combinen técnicas líricas con técnicas narrativas para mejorar la expresión artística de las películas.

Tira de la lente

Coloca la cámara en un automóvil en movimiento y vuelve a acercarte a personas o escenas para tomar fotografías. A medida que la cámara se aleja gradualmente del sujeto, la imagen se desarrolla gradualmente desde una parte, permitiendo al público retroceder y ver la conexión entre la parte y el todo. Película de género es el término general para un método cinematográfico que dominó Hollywood en las décadas de 1930 y 1940. En el proceso de su desarrollo, el arte cinematográfico ha ido formando gradualmente diferentes tipos de películas exclusivas del cine. El llamado género se refiere a la categoría, categoría o estilo de películas formadas debido a diferencias en temas, técnicas y estilos. Por ejemplo, las películas occidentales, uno de los tipos más importantes de películas de Hollywood, tienen áreas temáticas únicas, entornos naturales, características regionales e incluso elementos de modelado como escenas, vestuario y accesorios, que conducen a técnicas artísticas únicas, como el estilo narrativo. , estructura de imagen y programación de escenas. Otros géneros, como la comedia, el musical, el crimen, los gánsteres, el detective, el terror, la guerra, la sociedad, la ética, la fantasía, la psicología, la historia, la biografía, el romance, el cine infantil, el cine deportivo y el cine de catástrofes, tienen sus propias características tradicionales. Las películas de género son formas comerciales y estandarizadas de productos artísticos que cautivan al público con estereotipos interpretados por sus estrellas favoritas, tramas estilizadas de interés para el público e imágenes gráficas estimulantes en la pantalla. Sin embargo, debido a que conserva las fructíferas creaciones de los artistas a lo largo de los años, formó su propia tradición y cambia constantemente con el paso del tiempo, satisfaciendo los requisitos del arte popular, ha ganado un amplio mercado internacional para las películas de Hollywood y ha sido adoptado por otros países imitados por las películas comerciales. Después de la Segunda Guerra Mundial, debido a la desintegración del sistema de estudios de Hollywood, el énfasis en los estilos personales de los directores, el surgimiento de nuevos géneros cinematográficos en varios países y los cambios en los gustos estéticos de la audiencia, las categorías cinematográficas y sus connotaciones, técnicas, Las formas y los límites han cambiado. Un gran cambio.

Disparo push

Método de disparo que coloca la cámara en un automóvil en movimiento y avanza hacia el sujeto y la imagen capturada. A medida que la cámara avanza, el sujeto se hace gradualmente más grande en el encuadre, dirigiendo la atención del público a la parte que se va a mostrar. Su función es resaltar el tema, describir los detalles y hacer que la persona o cosa destacada destaque en todo el entorno para potenciar su poder expresivo. La cámara rodante puede mostrar continuamente el proceso cambiante de los movimientos de los personajes, pasando gradualmente de los movimientos corporales a las expresiones faciales o detalles del movimiento, lo que ayuda a revelar las actividades internas de los personajes.

Fondo

La persona o cosa detrás o cerca del sujeto en la toma. En la toma, el fondo corresponde al primer plano, a veces como tema o acompañamiento de la actuación, pero sobre todo como parte del entorno dramático.

La posfotografía puede enriquecer la imagen de la imagen, producir el efecto de modelado de un paisaje de múltiples capas y aumentar la profundidad espacial de la lente, formando así el entorno típico y la atmósfera de vida de la escena. Cuando la cámara dispara desde un ángulo bajo, el fondo es más obvio en la imagen. En algunos procesamientos de escenas, el fondo es el fondo. Según las necesidades de programación de la escena, a medida que la cámara se mueve y cambia su posición en la escena, el fondo también puede transformarse en primer plano en consecuencia.

Escenario cercano

Graba la escena encima del pecho del personaje. La línea de visión está un poco más alejada que el primer plano. En el primer plano, las actividades de la parte superior del cuerpo del personaje ocupan una posición destacada en la imagen y se convierten en el principal objeto de expresión, lo que permite al público ver claramente las expresiones faciales del personaje o ciertos movimientos corporales. La función del primer plano y el primer plano es similar, es decir, el efecto visual es más vívido, lo que favorece una descripción detallada de la apariencia, expresión, vestimenta, instrumento, etc. del personaje. Los primeros planos tienen funciones artísticas únicas al expresar los intercambios emocionales entre personajes y revelar las relaciones específicas entre personajes. A veces se utilizan primeros planos para capturar una determinada parte de una escena. Algunas tomas que toman a personas de cintura para arriba generalmente se denominan "tomas cercanas".

Primer plano

La persona u objeto frente o cerca del sujeto en la toma. En el plano se utiliza para realzar el sujeto o formar parte del entorno dramático. Tiene la función de realzar el cuerpo principal y decorar el ambiente, ayudando a realzar la profundidad espacial del cuadro, equilibrar la composición y embellecer el cuadro. En algunas fotografías con teléfonos móviles, la sensación de movimiento y ritmo de la toma se puede mejorar mediante cambios y alternancias en el primer plano. El primer plano debe integrarse orgánicamente con el contenido de la imagen. La búsqueda unilateral de la belleza decorativa del primer plano destruirá la unidad de la imagen e incluso debilitará o confundirá al sujeto representado. Según las necesidades de programación de la escena, a medida que la cámara se mueve y cambia su posición en la escena, el primer plano también puede transformarse en fondo en consecuencia.

Ambiente interior

También conocido como “dentro del cobertizo”. Se refiere a las escenas montadas en el estudio (incluidas escenas interiores o escenas exteriores). La ventaja del interior es que no está restringido ni afectado por las condiciones naturales como el clima y la estación, y es más fácil crear la atmósfera ambiental y los efectos visuales requeridos. La desventaja es que la producción es costosa y requiere mucho tiempo, y algunos; Las escenas son propensas a rastros artificiales y falta de realismo. Por lo tanto, para perseguir la autenticidad de la escena, en los últimos años los directores han adoptado el rodaje en el lugar.

Escena

Escena no artificial. Para lograr un efecto realista del entorno durante el rodaje de una película, se selecciona directamente el entorno natural o el entorno social. Generalmente, se requieren diferentes niveles de procesamiento y distribución para satisfacer las necesidades de la parcela. Las escenas reales hacen que las escenas de la película estén llenas de vida y sentido de la época, lo que no solo ahorra costos de producción, sino que también ayuda a acelerar el progreso de la producción.

Escena completa

Captura imágenes cinematográficas del cuerpo completo de un personaje o de una escena completa. El panorama tiene un espacio relativamente amplio, que puede mostrar plenamente todas las acciones de los personajes y la relación entre ellos. En un panorama, las personas y el entorno suelen estar integrados, creando una imagen vívida de personas y paisajes. En comparación con la panorámica y el primer plano, la distancia de visualización es muy diferente. Si los dos se combinan directamente, provocará un enorme salto visual y emocional, obteniendo a menudo efectos artísticos únicos.

Escena exterior

Escena exterior del estudio. Incluyendo escenas reales como el entorno natural y el entorno de vida, así como decorados interiores construidos fuera del estudio. Sus ventajas son que es real, natural y lleno de vida, lo que favorece la expresión de colores locales o características nacionales. Las escenas exteriores son seleccionadas de antemano por el artista de acuerdo con las necesidades de la trama de la película, y las escenas reales pueden procesarse de acuerdo con las intenciones creativas del director para que tengan las características y el sabor típicos de la época.

Visiones

Toma fotografías cinematográficas de personas y paisajes lejanos. Este tipo de imagen permite al público ver una escena amplia y de gran alcance en la pantalla para mostrar el fondo espacial o la atmósfera ambiental de las actividades de los personajes. La previsión se puede utilizar para expresar actividades de multitudes a gran escala y representar escenas magníficas. Al mismo tiempo, la visión se utiliza a menudo para expresar emociones y crear concepciones artísticas, es decir, resaltar o resaltar las emociones internas de los personajes a través de la descripción de paisajes naturales.

Registros

Un trabajo durante la fase de rodaje, también se refiere a la persona de tiempo completo que realiza el trabajo. La tarea principal es registrar los detalles y datos de cada toma en detalle y con precisión, como el número de toma, el método de filmación, la duración de la toma, las acciones y diálogos de los actores, los efectos de sonido, la escenografía, la utilería, el vestuario, el maquillaje, etc. Debido a que una película se filma en varias escenas y cientos de tomas, no se puede filmar en secuencia. Por lo tanto, los registros realizados mediante notas de campo ayudan a conectar los planos de la película y proporcionan datos e información precisa para que el director continúe filmando, maquillando, editando, doblando y desarrollando.

Estos registros también se pueden utilizar para crear impresiones terminadas después de filmar la película.

Supervisor

Organizador y líder de la creación artística cinematográfica, y responsable de llevar a la pantalla guiones cinematográficos y literarios. Como sintetizador de diversos elementos artísticos en la creación cinematográfica, el director organiza y une a todo el personal creativo y técnico del equipo de filmación, aprovecha al máximo sus talentos e integra el trabajo creativo del equipo de filmación. La recreación del director se basa en el guión de la literatura cinematográfica, utiliza el pensamiento de montaje para la concepción artística y prepara guiones gráficos y "Exposición del director", incluida la comprensión del tema de películas futuras, la descripción de los personajes, la programación de escenas y la determinación de la estructura temporal y espacial. y modelado de sonido e imagen y estilo artístico. Luego busque y determine los actores y establezca requisitos para los departamentos de fotografía, actores, arte, grabación, composición y otros departamentos creativos en función de la idea general. , organizar al personal creativo principal para investigar información relevante, analizar el guión, centralizar y unificar las intenciones creativas y determinar el plan creativo general de la película. El director también dirigirá el trabajo de rodaje y postproducción in situ de acuerdo con el plan de rodaje organizado por el departamento de producción hasta que se complete la película. La calidad de una película depende en gran medida de la calidad y los logros del director; el estilo de una película a menudo refleja el estilo artístico del director.

Dirección de escena

Uno de los creadores importantes de esta película. Los maquilladores tienen ciertos logros artísticos, logros estéticos, conocimiento de la historia de la pintura y la capacidad de observar y analizar la vida. Puede dominar y utilizar hábilmente técnicas y técnicas de maquillaje, y liderar y guiar a los asistentes para completar las tareas de maquillaje requeridas por la película. Con base en los requisitos generales de diseño de la película y las características de la apariencia del actor, el maquillador diseña el estilo de maquillaje del personaje, guía la producción de repuestos necesarios para varios estilos de maquillaje y completa la adaptación y el estilo de toda la película. Durante el proceso de filmación, el maquillador es responsable de mantener la coherencia de la apariencia del personaje y de realizar las modificaciones correspondientes a medida que cambian la personalidad, el estado de ánimo, la edad, las circunstancias y otros factores del personaje para mantener la autenticidad de la imagen externa del personaje.

Artista

Originalmente conocido como “decorador de escenarios” y “artista”. El principal equipo creativo del diseño de vestuario de la película. El trabajo del artista comienza con el estudio del guión, el análisis de los personajes y el diseño de la apariencia de la película basándose en la trama y el tema del guión, combinados con su propia experiencia de vida y la acumulación de datos. Es decir, a través del maquillaje, vestuario, escenografía, utilería y otros medios, se crea la imagen externa de los personajes de la obra y el entorno espacial de la película: un espacio que se ajusta a la situación designada de los personajes, tiene un sentido de Los tiempos y las características regionales, proporcionan más puntos de apoyo para las actividades de los personajes y son efectivos. Un espacio artístico propicio para la planificación de escenas y el rodaje. Los artistas deben tener un alto conocimiento literario y habilidades de modelado de pintura, y dominar las leyes únicas de la expresión visual cinematográfica; deben ser buenos para organizar y guiar el trabajo de los departamentos de modelado de arte relevantes para reflejar la intención general del diseño;

Fotógrafo de acrobacias

Uno de los principales creadores de acrobacias cinematográficas. Coopere con los especialistas para estudiar y determinar el plan de diseño, utilizar las técnicas de acrobacias correspondientes y utilizar equipos de fotografía ordinarios o especiales para completar la filmación de acrobacias que reflejen las intenciones creativas del director.

Artista de especialistas

También conocido como "diseñador de especialistas". Los diseñadores y organizadores de escenas de acrobacias cinematográficas trabajan con fotógrafos de acrobacias para completar el rodaje de las escenas de acrobacias. Los especialistas en acrobacias tienen tanto la calidad artística del modelado cinematográfico como la capacidad de dominar las técnicas de acrobacias cinematográficas. Pueden dibujar la atmósfera de las acrobacias y son competentes en la pintura y el procesamiento del modelo necesarios para varias tomas de síntesis en perspectiva. Después de estudiar y determinar el plan de disparo específico con el fotógrafo de acrobacias, utilice la tecnología de acrobacias correspondiente para completar la tarea de fotografía con la lente de acrobacias. El diseño de lentes de riesgo propuesto por el especialista debe reflejar la intención creativa del director, integrarse con la forma general de la película y considerar plenamente los requisitos de realismo, seguridad, economía y ahorro de tiempo.

Productor

En términos generales, se refiere al propietario o agente gestor de una empresa cinematográfica. Responsable de coordinar y dirigir la preparación y producción de la película, y tiene derecho a cambiar la trama del guión y decidir el director y los actores principales. La mayoría de los productores comprenden la creación artística cinematográfica, la psicología del público y la información de mercado, son buenos para recaudar fondos y están familiarizados con la gestión.

Productor

Líder ejecutivo y organizador de un equipo de filmación. De acuerdo con el guión gráfico y la intención creativa del director, preparar e implementar planes de rodaje y contabilidad de costos, participar en la selección de actores, determinar la ubicación y revisar el diseño del escenario. Principalmente responsable del contenido político e ideológico y del proceso de rodaje de la película, así como de la calidad artística y técnica de la película.

Blancos a Parejas

Uno de los procesos importantes en la post-grabación se refiere a la grabación por parte de los actores de diálogos, monólogos, etc. Para películas grabadas después de editarlas o traducidas.

Al realizar este trabajo, los actores deben mirar repetidamente las escenas que se muestran en la pantalla, memorizar las actuaciones en las escenas y hacer coincidir sus voces, emociones y bocas con las actuaciones de los personajes en la pantalla.

Sincronización

También conocida como “grabación de campo”. Un método de grabación al grabar una película. Generalmente se utilizan cintas para grabar. Al mismo tiempo, el estudio de grabación debe estar equipado con un buen equipo de aislamiento acústico y se deben instalar dispositivos para evitar el sonido en cámaras y grabadoras. La grabación síncrona también se utiliza para escenas de rodaje en exteriores. Los sonidos grabados se pueden utilizar como referencia para el doblaje de los actores, mejorando la calidad del diálogo de la película.

Pregrabación

También conocida como “pregrabación”. Un método de filmación en la producción cinematográfica en el que primero se realiza la grabación y luego se captura el metraje. Se utiliza principalmente en películas de ópera y musicales con muchas letras y música. Es decir, antes de filmar la película, la letra y la música de la película se graban como cuerdas vocales y luego los actores usan las cuerdas vocales para reproducir. la actuación durante el rodaje de las escenas correspondientes.

Sincronización de sonido e imágenes

El diálogo y el sonido de la película son coherentes con la acción en pantalla. En otras palabras, las cuerdas vocales de la película están estrictamente coordinadas con la imagen, de modo que el sonido (incluido el doblaje) mantiene una relación natural con la imagen. El vídeo en la imagen y el sonido que emite aparecen y desaparecen al mismo tiempo. lo cual es consistente. Por el contrario, el sonido y la imagen no están sincronizados. La función principal de la sincronización de imagen y sonido es realzar el realismo de la imagen y mejorar el atractivo de la imagen visual.

Contrapunto audiovisual

Relación entre sonido e imágenes en una película. Incluyendo dos tipos de procesamiento artístico: (1) contraste audiovisual. El contenido y la concepción artística de la música y la imagen son consistentes, y sólo hay una diferencia en cantidad. Por ejemplo, en el largometraje chino "El Destacamento Rojo de Mujeres", hay una serie de escenas de la vida que muestran a los soldados llenos de vitalidad juvenil, caminando rápidamente y la música es la larga bandera roja en la Montaña de los Cinco Dedos. Este contraste tiene el efecto de reforzar la estructura del cuadro. (2) La oposición entre sonido y pintura. La imagen y concepción artística de la música son completamente opuestas. Por ejemplo, en el largometraje "Blessings", la bondadosa señora Xianglin se golpeó la cabeza cuando la obligaron a casarse y quería morir. La emocionante y alegre música de la boda contrasta fuertemente con la escena de la esposa de Xianglin con la cabeza rota y dolor, lo que expresa profundamente la tragedia de la antigua era. El contrapunto entre sonido e imagen puede predecir en ocasiones el desarrollo de la trama. Por ejemplo, en el largometraje "La leyenda de la montaña Tianyun", cuando Wei Song y Wu Yao se casaron, la música que mostraba los sentimientos pesados ​​y dolorosos de Wei Song era contraria a la escena festiva, que mostraba su desgracia después del matrimonio.

Sonidos e imágenes paralelos

También conocido como “paralelismo audiovisual”. Una relación entre sonido e imagen en el cine. Significa que los pensamientos y sentimientos, personajes, estilos artísticos, conflictos dramáticos, etc. expresados ​​por la música y las imágenes de la película están muy cerca, pero el ritmo y la rima no están sincronizados. Su característica básica es que la música repite o fortalece la concepción, tendencia o significado artístico de la imagen. La música descriptiva y la música renderizada pertenecen a la música que combina sonido e imagen.

Sincronización audiovisual

Relación entre sonido e imagen en una película. Significa que la concepción artística y el ritmo de la música y la imagen son consistentes. A menudo se utiliza en películas animadas. El director de cine artístico estadounidense Walt Disney (1901-1966) hizo pleno uso de la técnica de procesamiento artístico de sincronizar sonido e imagen en sus películas de Mickey Mouse. Por lo tanto, la música con sonido e imagen sincronizados también se llama "música de Mickey Mouse". También se usa comúnmente en óperas, obras de teatro, películas de ópera o largometrajes de los géneros de comedia y aventuras. A veces habrá una sincronización de imágenes, música y efectos de sonido en tres pasos. Por ejemplo, en la película china "Sun Yat-sen", el Ejército Expedicionario del Norte salió a correr. Al principio las imágenes y los pasos aparecían simultáneamente, y luego la música apareció simultáneamente. Los pasos y el bajo de la música se combinan para realzar el bajo de la música, haciéndolo más majestuoso y tenso.