Fotografía de Nan Qi
Se presenta por separado a continuación.
Miyazaki Hayao:
Miyazaki Hayao (Miyazaki Hayao) es un famoso director de dibujos animados japonés. Nacido en Tokio el 5 de junio de 1941.
Se puede decir que Miyazaki Hayao es una leyenda en la industria de la animación japonesa. Sin él, la industria de la animación japonesa sería muy inferior. Fue el primer pensador en elevar la animación a un nivel humanista, y también fue el pilar espiritual de tres generaciones de animadores japoneses. Mientras rompía la sombra de Osamu Tezuka, Hayao Miyazaki dio el ejemplo a los futuros animadores con su carácter fuerte y su lucha incansable.
Introducción personal
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Experiencias tempranas
Hayao Miyazaki nació en Tokio en 1941. Su familia vivía originalmente en Bunkyo Ward, Tokio. Posteriormente, debido a la evacuación durante la Segunda Guerra Mundial, la familia se mudó a Utsunomiya y Kashima. Su familia regentaba una fábrica de aviones y pertenecía a una empresa militar-industrial, por lo que pudieron mantener una vida bastante adecuada en las últimas etapas de la guerra. Sin embargo, Hayao Miyazaki, que creció en este entorno, inesperadamente empezó a dudar de los privilegios de su familia.
Cuando Hayao Miyazaki era niño, le gustaba leer libros y cómics. En la escuela secundaria, planeé convertirme en caricaturista y comencé a practicar activamente los dibujos animados. En su tercer año de secundaria, conoció a su primer interés amoroso: la Serpiente Blanca en el primer largometraje japonés en color de Toyo Animation, "White Snake".
Después, Hayao Miyazaki ingresó al departamento de política y economía de la universidad. No había ningún club de cómics en la universidad, así que me uní a la sociedad de investigación de literatura infantil más cercana a ella. Se dice que Miyazaki es el único miembro. Durante este período, creé muchos cómics y también los envié a Lending Comics Publishing House, pero parecía que no había trabajos completos. En ese momento, Miyazaki era sólo un espectador en el turbulento movimiento de seguridad, y sólo se involucró como una persona no partidista en el último minuto.
En ese momento, Hayao Miyazaki tomó una decisión laboral para toda la vida: ir al Este a mostrar animación.
Dado que Miyazaki es el segundo hijo y el mayor hereda el negocio familiar, puede elegir su carrera como quiera. Según yo, la razón por la que dejé los cómics y elegí la animación fue porque otros decían que mis obras imitaban a Osamu Tezuka, pero yo no lo creía en ese momento. Al darse cuenta de que no podía superar a un artista de manga como Osamu Tezuka, eligió un anime que era nada más que original. El valor del tiempo es 1963.
Toei Animation fue fundada por Toei Pictures mediante la absorción de Nippon Film Co., Ltd. En 1961, antes de que Osamu Tezuka fundara Bug Pro, era casi la única empresa de animación japonesa con una fuerte atmósfera humanista y una larga tradición. . Worm Pro fue influenciado por la animación televisiva de bajo costo, pero en ese momento, las películas animadas con altos costos, gráficos detallados y una fuerte tradición todavía eran el mundo de Eastern Reflection. Cuando Hayao Miyazaki entró en Japón, era sólo un pintor original de bajo nivel. En aquella época, después de la guerra, había una tendencia izquierdista en los círculos literarios y artísticos (no olvidemos que el movimiento de seguridad acababa de terminar) y la sociedad estaba llena de democracia. Muchas cosas en el trabajo se decidieron mediante discusión entre todos. El diligente y altamente educado Miyazaki se destacó así en la discusión. Desde 65438 hasta 0964, el club inició actividades sindicales, con Yasuo Tsuka como líder, Isao Takahata como vicepresidente y Hayao Miyazaki como secretario.
Yasuo Tsuka, un antiguo miembro del club, descubrió los talentos de Takahata y otros graduados de la Universidad de Tokio. En 1965, este grupo de sindicatos comenzó a trabajar juntos en la empresa Taiyo Prince Hall. Otsuka era el supervisor de pintura y Isao Takahata, un recién llegado a la industria de la moda, fue ascendido a supervisor por él. El propio Hayao Miyazaki jugó un papel tan importante en su trabajo que todos inventaron un título para él: escenógrafo. El talentoso Isao Takahata aportó un nuevo concepto a esta obra, añadiendo connotaciones más profundas y ricas técnicas de expresión. Se puede decir que esta es la primera animación japonesa de larga duración en color no solo para niños. Cabe mencionar también que la producción de esta animación fue interrumpida el 10 de junio de 1966, continuó el 10 de junio de 1967 y se estrenó oficialmente en julio de 1968. Durante este período, Miyazaki se casó con su colega Ame Ohta en 1965 y su hijo mayor nació en 1967. Debido al afán de excelencia de los productores, la producción se retrasó y se presupuestaron.
Sin embargo, aunque este trabajo recibió críticas muy favorables más tarde, no alcanzó el punto de equilibrio en taquilla en ese momento. Después de completar este trabajo, Yasuo Tsuka dejó Toei Animation y se unió a A-Pro, que había experimentado conflictos y déficits sindicales.
Junto con Isao Takahata y Yoichi Oda, Hayao Miyazaki continúa su trabajo de animación en Toyo, y su puesto sigue siendo el de pintor original. En 1969, comenzó a publicar por entregas el cómic corto "Gente en el desierto" en los periódicos bajo el seudónimo de Akitsu Saburota. Este puede ser un prototipo de la posterior "Nausicaa del Valle del Viento".
En 1971, los tres saltaron del Toei Anime a A-Pro en Asozuka. Además, fue en esa época cuando conocí a Given Condes, quien más tarde dirigiría "Escucha" y actuaría como supervisor de dibujo en muchas obras de Ghibli. Este grupo de personas lleva veinte o treinta años trabajando juntos, lo que es realmente un destino terrible. Como uno de los principales creadores del nuevo proyecto "Pippi in Socks", Hayao Miyazaki viajó al extranjero para inspeccionar Escocia por primera vez. Pero por razones del autor original, el proyecto finalmente fue abandonado. Al principio, a Miyazaki le gustaban los paisajes de los pueblos y ciudades europeos, y esta experiencia dejó una profunda impresión en muchas de sus obras posteriores.
A continuación, todos participaron en la producción de la versión en serie de televisión de "Lupin the Third" dirigida por Yasuo Tsuka. Hasta el día de hoy, casi todos los años se emite un especial de televisión o una versión teatral de Lupin III. Lupin también ha pasado de ser un ladrón que vive en una mansión a una imagen civil familiar. La adaptación no autorizada de la obra original por parte de Takadan y Miyazaki tuvo un profundo impacto.
Después de eso, la combinación de Isao Takahata, Little Sheep y Hayao Miyazaki, quienes supervisaron la pintura, crearon muchas obras, la más digna de mención es "La familia Panda". Este trabajo describe principalmente la vida cotidiana por primera vez, lo que supone el primer intento de Takahata de crear un nuevo estilo. En Panda Mania, esta aventura está muy bien valorada.
En 1974, los tres saltaron a Zuiyu Video, la empresa matriz de Nippon Animation, que más tarde se hizo famosa por la serie "World Famous Theatre". Se puede decir que la primera animación "Girl in the Alps" coproducida por las tres personas es el trabajo que estableció el estilo de toda la serie. Isao Takahata describió principalmente la vida cotidiana, y su estilo de director enfatizó el momento de las acciones. formado. Este nuevo estilo de animación fue un gran éxito. El posicionamiento de Hayao Miyazaki esta vez es el diseño y la composición de la imagen, y también es un nuevo posicionamiento inventado para coincidir con la nueva forma de la pintura. Para Takahata, que no sabía dibujar, Miyazaki era como sus manos y sus pies, transformando sus ideas en composiciones.
En la mundialmente famosa serie dramática, Isao Takahata también fue productor ejecutivo de "3000 Miles Away" (1976) y "Red-Haired Anne" (1979). Más tarde, después de practicar durante mucho tiempo y tener experiencia protagonizando muchas series de televisión, Hayao Miyazaki consiguió su primer puesto de productor en 1977, que fue Future Youth Conan (1978). Comparado con Takadan, que respeta la obra original y tiene un estilo tranquilo, Miyazaki se caracteriza por su rica imaginación y expresividad de acción. Hayao Miyazaki transformó el trabajo original originalmente pesimista en una brillante historia de una niña. Esta historia se puede ver a la sombra de historias posteriores como Castle in the Sky.
En 1979, para producir la versión teatral de la película animada "Lupin III: El castillo de Cariostro", me trasladé a la Agencia de Noticias de Cine de Tokio. El supervisor de pintura fue Yasuo Tsuka, un creativo original. Miembro de la serie de animación Lupin. Si te sientes bien con las obras de Ghibli, ve y mira esta obra. Tiene la misma calidad y encanto que las obras posteriores de Ghibli y sigue siendo un clásico legendario. Sin embargo, fue un trabajo relativamente bueno en ese momento. Después de eso, Miyazaki trabajó en Telecom, una empresa de desarrollo de nuevos talentos de la Agencia de Noticias de Cine de Tokio, y continuó produciendo la serie de televisión "Shin Lupin". Aquí, Miyazaki expuso sus planes para lo que se convertiría en el precursor de La princesa Mononoke de Mi vecino Totoro. Sin embargo, ciertamente no fue adoptado.
Un punto de inflexión en la vida
En 1981 se produjo otro punto de inflexión en la vida de Hayao Miyazaki. Toshio Suzuki, editor en jefe de Animage, una nueva revista de animación fundada por librerías japonesas y alemanas, espera que los animadores visiten el álbum. Se estima que originalmente planeaba visitar a Isao Takahata, famoso por su serie mundialmente famosa, pero fue rechazado por Takadan y Hayao Miyazaki.
Al final, no sé por qué, se convirtió en un álbum de entrevistas con Hayao Miyazaki, que era joven y nada famoso. Se puede decir que este movimiento aparentemente caótico trajo a las librerías alemanas una gallina que puso huevos de oro.
"Animage" también descubrió y financió a otros productores de animación jóvenes y talentosos, como Mamoru Oshii, y trabajó duro para hacerlos famosos, pero la cooperación no fue tan fluida como la de Miyazaki Hayao.
Bajo el liderazgo de Toshio Suzuki y la Librería Alemana, Hayao Miyazaki comenzó a crear su propia animación. El plan para la animación teatral "Nausicaä del Valle del Viento" fue inicialmente rechazado porque no había un trabajo original, por lo que en 1982, Hayao Miyazaki serializó su manga en Animage. Reflexiones densamente pintadas, profundas y múltiples hacen de esta comedia épica intermitente un logro considerable. Después de completar la producción de "Sherlock Holmes", Hayao Miyazaki dejó Tokyo Film News para prepararse para un nuevo trabajo.
En 1983, comenzó la leyenda. Las personas que habían estado trabajando juntas desde los días del Príncipe Heredero se reunieron nuevamente y comenzó la animación de Nausicaa del Valle del Viento. Hayao Miyazaki fue responsable de todos los aspectos de la supervisión, el guión y el guión. De abajo hacia arriba, Miyazaki tiene la capacidad de dirigir la mayor parte del trabajo, desde la historia hasta la pintura y la animación. La película termina con una nota religiosa. Aunque los productores no quedaron satisfechos, la proyección resultó inesperadamente muy conmovedora. En medio de su éxito, en 1985 se fundó el Estudio Ghibli. El nombre proviene de un avión de reconocimiento italiano durante la Segunda Guerra Mundial (un pasatiempo familiar) y significa "viento caliente en el Sahara". Hayao Miyazaki supervisa el trabajo aquí, que es un viaje para restaurar libros ilustrados.
Con la producción de la nueva animación "Castillo en el Cielo", se cierra el cómic "Nausicaa del Valle del Viento". Después de eso, "Nausicaa del Valle del Viento" fue cerrada y reabierta de forma intermitente hasta 1994 para seguir la producción de la animación de Ghibli. "Castle in the Sky" sigue siendo una exposición individual producida por Hayao Miyazaki. Se utiliza al máximo el estilo del mundo de fantasía de Hayao Miyazaki, lleno de acción y tensión dramática, toques y detalles reales.
(El trasfondo de "Castle in the Sky" es los 19 años de Revolución Industrial en Europa. Acompañada por el amable y valiente niño Pazu, la linda e inocente niña Sita busca su ciudad natal perdida. El viaje es Finalmente, Ciudad en el Cielo finalmente entiende que no importa cómo avance la tecnología y se desarrollen los humanos, la gente no puede prescindir de la tierra. El tema del hombre y la naturaleza se refleja aún más aquí, y La Plata, una gran ciudad flotando en el cielo. La destrucción final también parece advertir al mundo que en el siglo de la maquinaria y el acero, en realidad nos enfrentamos a un futuro incierto))
El siguiente paso es la supervisión de Gao Qi. En 1988, se lanzaron simultáneamente "My Neighbor Totoro" producida por Hayao Miyazaki y "Grave of the Fireflies" producida por Takada. Aunque esta última ha recibido amplios elogios en los círculos literarios y artísticos y ha conmovido a innumerables audiencias, la primera es una de las obras más populares de Ghibli. Después de Ghibli, se formó un sistema en el que dos productores se turnaban para producir películas animadas.
Oshii Mamoru:
La industria de la animación japonesa actual está llena de héroes, incluida la moderada y estable escuela Miyazaki Hayao, la radical e innovadora escuela Anno Hideaki y el extraño y audaz Otomo Masaru. Autobots, está el tibio Tomino Hiroyuki, y hay una persona que no debemos olvidar, el Mamoru Oshii que también creó milagros.
Muchos de los animadores y dibujantes presentados en el pasado son personas con habilidades únicas que pueden sostenerse solos con un pincel después de dejar su trabajo de animación. Pero este señor Oshii Mamoru es diferente. Es un verdadero animador que no sabe nada sobre la creación de cómics. Creo que cualquier lector que esté leyendo este artículo puede dibujar mejor que él.
Sin embargo, sería un error subestimar a este maestro que sólo sabe "hablar sobre el papel". Ya sabes, no es necesariamente algo bueno para un productor aprender y dejar de lado las dieciocho habilidades de artes marciales. Demasiada habilidad le permitió asumir muchas tareas con confianza, lo que le provocó exceso de trabajo, afectó su salud personal y también afectó el proceso y el nivel de producción (por supuesto, esto no es lo mismo). ¿Es cierto que los sentimientos artísticos no pueden distinguirse con argumentos tan simples como “¿esta persona sabe dibujar?” Mamoru Oshii ha creado muchas obras maestras impresionantes a lo largo de los años que realmente demuestran que es un pintor que no sabe dibujar y un maestro escultor que no sabe esculpir.
En comparación con muchos de sus compañeros, prefiere el arte a los negocios, por lo que sus obras son más arte que negocios, con pocos rastros de cincelado. Para la mayoría de los lectores, sus obras son difíciles de entender. Sólo aquellos a quienes les gusta masticar con cuidado pueden comprender verdaderamente su verdadero significado.
1951 Oshii Mamoru, nacido el 8 de agosto en Ota Ward, Tokio Después de graduarse de la Universidad de las Artes de Tokio en 1976, se unió a la famosa Ryuko Animation Company (esta compañía debería ser familiar para el público nacional). Produce muchos de sus dibujos animados, como "Space Knight", se han proyectado en China). Las obras representativas incluyen "Resurrection Boy", "Mobile Police" y "Ghost in the Shell". En 2004, ganó el Premio Japonés de Ciencia Ficción por la animación dramática "Innocent".
Es mejor conocido por supervisar la serie de televisión "The Boys". Este trabajo ha ganado muchos elogios en Japón e incluso en muchos países del este de Asia. Además del estilo cómico original, también añadió muchas de sus propias técnicas de producción a este trabajo, demostrando con éxito sus pensamientos personales únicos, técnicas de segmentación de lentes y procesamiento de atmósferas, que atrajeron la atención generalizada de todos los ámbitos de la vida.
La versión teatral de 1982 de "Renaissance Boy Only You" es el primer trabajo cinematográfico de Mamoru Oshii. Tiene mejor contenido que la versión televisiva. Las actuaciones líricas se pueden ver en todas partes, lo que refleja plenamente el talento de Mamoru Oshii.
Aunque la versión teatral de 1984 de "Renaissance Boy 2 ~Beautiful Dreamer" no tuvo un desempeño tan bueno como su predecesor "Only You", dio rienda suelta al talento de Oshii Mamoru y se convirtió en una apuesta.
La obra maestra en la carrera de Shou como director se ha convertido también en una obra en la que su estilo personal ha quedado plenamente formado. La película utiliza muchas imágenes fijas con un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad, añadiendo un poco de color artístico a una animación muy comercial. El extraño mundo de "Renaissance Boy" dio a conocer su nombre al público de inmediato, y también es un trabajo excelente para él. Un análisis exhaustivo de la obra original con una expresión cinematográfica y una trama concisas, reensambladas en el mundo ficticio de la animación. Las obras de Oshii en este estilo inevitablemente tienen algunas partes que se dice que están "fuera de control" y que no gustan a los seguidores originales. Sin embargo, no violó el trabajo original sobre cuestiones fundamentales. La visión del mundo original se introdujo de forma gradual y natural en el "mundo diferente" donde el juego era rentable. No importa qué tipo de "Rampage" se lance, debe derivar del amor por el trabajo original. Este equilibrio entre "amor" y "escape" es el sentimiento único y maravilloso del mundo de Betting Well. "Renaissance Boy" ha sido animado repetidamente, y sólo este trabajo puede considerarse el mejor.
En 1983 se estrenó "Angel's Egg" de Mamoru Oshii. Esta es la primera serie de OVA en la historia de la animación japonesa. Un total de 10 episodios de "Dallos" también abrieron el mercado de OVA, dando al círculo de animación y a los animadores otra salida (la nueva generación de animadores debería proporcionar el nombre de Mamoru Oshii en honor a Osamu Tezuka, porque trabajó en Adding a piece of fat to el plato de arroz de todos). Esta película muestra "¿Es este mi sueño?" desde una perspectiva positiva, profundamente en las obras de Mamoru Oshii. El tema "¿Quién soy yo en el sueño, un momento en el sueño" no es sólo una expresión visual de la profunda psicología de Oshii Mamoru, sino también la obra más importante sobre el mundo de las "Apuestas Bien".
En 1988, Mamoru Oshii, junto con el famoso ilustrador Akemi Takada, el guionista Kazunori Ito y el autor original Masami Yuki, lanzaron conjuntamente la versión OVA de la animación clásica "Mobile Police". Esta famosa obra ciertamente no necesita presentación, su éxito ha estado ahí para que todos lo vean. Después de este trabajo, Ito Kazuma se convirtió en el guionista real de Oshii Mamoru, comenzando con "Mobile Police". Mientras esté dirigida por Mamoru Oshii, el personaje del exmarido de Akemi Takada será el guionista ejecutivo. En los siguientes seis años, Oshii Mamoru, Ito y otros han estado produciendo trabajos relacionados con la policía móvil.
En "Long Live the Ancestors" de 1989, se utilizan fondos, líneas y acciones cuidadosamente seleccionadas a lo largo de la historia en forma de obra de teatro. Como tecnología, esto es interesante. Todo el artículo gira en torno a "La risa irónica", que es una de las obras más destacadas de Yasui Masaru.
Además de OVA, su invencible combinación lanzó dos versiones teatrales de "Mobile Police" en 1989 y 1993. Sin embargo, los finales de ambas obras son "muy logrados, pero también agridulces".
"Después de que el estilo sombrío y consistente de Oshii Mamoru se incorporó a" Mobile Police ", la ligereza y el sabor filosófico de su versión televisiva desaparecieron. Aunque las tropas aerotransportadas y los soldados móviles agitaron las armas móviles fuera de control como hojas caídas sacudidas por el viento. Y la escena de la lluvia fue muy elogiada por las películas comerciales estadounidenses, pero el estilo demasiado emergente de Mamoru Oshii está lejos de la esencia de Mobile Police. Abandonar a la heroína más popular, Izumi, y elegir a los silenciosos Nagumo y Goto es obviamente una línea para adultos, pero. Otra forma creativa que es inconsistente con el trabajo original definitivamente no se venderá al público. Ambas películas dan a la gente una sensación de frialdad en el uso de tomas y tono. Las historias están sesgadas hacia el llamado sentimiento de estar preparado para el peligro. en tiempos de paz, acusando a los humanos de ser adictos al presente. Falsa paz sin autorreflexión.
En 1993, el último mundo real imaginario que persigue sentimientos verdaderos, apareció "Mobile Police Patlabor 2 The Movie". La segunda versión teatral, y el contenido era mejor que la anterior. Más seria. La policía móvil y las armas del futuro cercano deberían haber aparecido años después, pero la historia basada en ellos está llena de realidad. En la película se proporciona la máxima información. Toda la información está relacionada con el misterio que es el centro de la trama. Este es el nivel más alto de supervisión del juego. A medida que se resuelve el misterio, gradualmente nos volvemos adictos al trabajo de Oshii desde 65438 hasta 0994. Mori ingresó a la industria del cómic y colaboró con Kon Satoshi, un dibujante muy respetado por Katsuhiro Otomo, para crear el cómic de ciencia ficción "Seraph", que fue serializado en la revista de animación "ANIMAGE". Otro gran nombre de la industria del cómic, Shirou Masamune, Mamoru Oshii se vio obligado a dejar de cooperar con la versión de cómic de la película animada "Ghost in the Shell" lanzada en 1995, que es el famoso trabajo de Mamoru Oshii en el campo de la animación. en todo el mundo y también en Japón. La vanguardia de la animación, que representa los límites entre la ficción y la realidad, ocupa un lugar destacado en esta obra. El libro se publicó simultáneamente en Japón, el Reino Unido y los Estados Unidos y rápidamente se convirtió en un éxito. Encabezó las listas de éxitos de la revista estadounidense "Billboard", e incluso el director Yuan Tan Nick escribió un artículo para la versión japonesa de LD de la película, que muestra lo impresionante que es la actuación de la película. Desde entonces, se ha convertido en una obra maestra de la animación japonesa. Aunque el manga original tiene un tema importante en torno a los fantasmas, en la versión cinematográfica, como tema principal del juego, la "frontera entre la realidad y la ficción" es más clara. Es que siempre tiene su propio tema y lo refleja objetivamente. También se refleja en su sentido de equilibrio con el trabajo original.
Desde la victoria de "Conquest Mobile Team", Mamoru Oshii recibió un premio. mayor presupuesto de producción, y desde entonces se ha embarcado en el camino de las producciones de gran presupuesto, con el lujo cada vez más prominente. Ahora, Mamoru Oshii está preparando un nuevo trabajo, que es la película totalmente digital "GRM", dirigida a Hollywood nuevamente. 2001,
G. Resonancia Magnética
G. m. garmwar (ガルム ) tiene un presupuesto de 8 mil millones de yenes (por ejemplo, 4 mil millones de yenes). Oshii, pero luego el presupuesto se redujo significativamente y el proyecto ha quedado congelado hasta el día de hoy.
Otomo Katsuhiro:
Si Miyazaki Hayao es el pionero de la animación japonesa en el mundo, entonces Otomo Katsuhiro es su sucesor. Desde la década de 1980 hasta la de 1990, sus obras atrajeron la atención internacional como Hayao Miyazaki y His Life. La creación del cómic de Otomo Katsuhiro fue mucho anterior a la animación y logró buenos resultados. Ganó varios premios de cómic, el más especial de los cuales fue el "Cuarto Premio de Ciencia Ficción de Japón" de Meng Tong en 1983. En el pasado, este premio sólo se otorgaba a escritores de ciencia ficción, y Otomo Katsuhiro se convirtió en el primer dibujante en ganar este honor. Katsuhiro Otomo hizo su debut en 1973 con "The Sound of Guns" (publicado en "Manga Action"). Posteriormente, se concentró en publicar varios cuentos en la misma revista. Desde su debut, sus meticulosas descripciones y su inteligente desarrollo de la historia han sido muy elogiados.
"Otros trabajos del Maestro Judah incluyen "Meng Tong", "Atmosphere of War", "Farewell", etc.
Otomo Katsuhiro dijo que sus cómics son muy diferentes de los demás. Dijo: "Mis cómics son Muy realista en los detalles de los personajes y los fondos, y la animación también continúa con esta característica. Mis obras no dan a la gente una sensación plana como los cómics comunes, pero tienen un espacio profundo, que produce una sensación aterradora de realidad. El trabajo es demasiado real, y Otomo Katsuhiro también se da cuenta de que puede no ser muy popular entre los fans de Accepted, por lo que insistió en que "la historia y el protagonista deben ser destacados para atraer a los lectores. Como resultado, como esperaba, los protagonistas de ". Akira" y "Montong" tienen personalidades sobresalientes, trayendo nuevos horizontes al mundo de la animación y el manga. El tema de la obra es profundo. Katsuhiro Otomo extendió la vitalidad de los cómics a la animación, lo que causó un mayor impacto. Esto puede estar influenciado por Hayao. Miyazaki Otomo Katsuhiro dijo una vez que su nuevo trabajo "Steam Boy" tiene una gran influencia en el arte y la animación. El estilo de la época es similar a la película animada "Detective Dogs" dirigida por Hayao Miyazaki. De hecho, incluso si sus estilos de trabajo son completamente diferentes, mostrarán su insatisfacción con la realidad en sus trabajos. Katsuhiro Otomo tuvo una experiencia profunda cuando estaba filmando "Akira". Cuando su hijo estaba en la escuela primaria, sus padres tomaron una cámara y. Siguió un pequeño juego, y la escuela no pudo detenerlo, "Los japoneses ni siquiera tienen un sentido de moralidad pública. Aunque los protagonistas Kaneda y Tetsuo en la obra maestra de Katsuhiro Otomo "Akira" son malos elementos que alteran el orden, lo hacen conscientemente, lo cual es mejor que aquellos que inconscientemente rompen las reglas. El tema de la obra es profundo, lo que hace que la influencia del trabajo de Otomo Katsuhiro en toda Europa y Estados Unidos. La obra maestra "Akira" rompa el récord de animación japonesa. un total de 6,5438 millones de yenes y un costo de 65,438 millones de yenes. La película incluso simuló la forma de la boca de una persona real, lo que causó revuelo. Desde entonces se ha estrenado en seis idiomas en todo el mundo, recaudando 10.000 dólares. Estados Unidos
Memories fue producida en Asia por Katsuhiro Otomo y dos nuevos animadores: Koji Morimoto y Tensai Okamura. Entre las series de animación de 3 unidades creadas por Kira, "Gun Street" fue dirigida personalmente por Katsuhiro. Otomo La historia de 22 minutos se explica escena por escena, y solo la plataforma de rodaje tiene 10 metros de largo, lo que supone un avance audaz en la historia de la animación.
Otomo Katsuhiro no sólo crea cómics. , pero también se dedica a ilustraciones y publicidad. Entre ellos, la colección de pinturas de Kaba incluye sus obras desde su debut hasta 1989, y algunas de sus obras aún no se han publicado en Japón, pero no muchos. las cámaras son muy raras.
Un niño obsesionado con Gundam p>
El público que nació en la década de 1960 y se enamoró de los dibujos animados de robots de televisión en la década de 1970 nunca olvidará la conmoción que provocó. Mobile Suit Gundam. "Mobile Suit" rompió el modelo cómico anterior y ya no utilizó la lealtad y la traición de los personajes. La rígida dicotomía transforma la estructura unitaria de una historia por episodio en una "serie de larga duración". La personalidad y apariencia del personaje cambian con el desarrollo de la historia. La revolución del "Mobile Suit" no sólo elevó la animación a otro nivel, sino que también atrajo a muchos jóvenes a unirse a las filas de la creación de animación. Satoshi Kon, nacido en 1963, es uno de ellos.
Kon Satoshi se enamoró de la serie Gundam cuando estaba en el instituto. Después de asistir a la universidad, Kon comenzó a publicar cómics en la revista Youth. A principios de la década de 1990, se habían publicado cómics como "Return of the Sea" y "World Apartment Horror".
Satoshi Kon no sólo es un fanático de la animación, sino también un súper fan, lo que le da a sus obras de cómic un fuerte sentido cinematográfico y se centra en organizar cada cuadro a través de divisiones cinematográficas. Esta característica también ha continuado en sus trabajos de animación, y ha tomado un camino completamente diferente al de la animación convencional actual.
Los zancos de Otomo Katsuhiro.
En 1990, Kon trabajó como diseñador de arte para "Old Man Z" de Otomo Katsuhi y entró oficialmente en la industria de la animación, comenzando así su cooperación a largo plazo con Judah. Desde los montajes de los dibujos animados hasta los colores brillantes y densos de la animación, Satoshi Kon estuvo claramente influenciado por Katsuhiro Otomo.
Una vez dijo que el cómic de Judah "Meng Tong y Akira" tuvo una gran influencia en él. No es de extrañar que la industria de la animación japonesa siempre haya considerado a Judah como el maestro de Satoshi Kon, y este famoso maestro que es 10 años mayor que él es realmente raro. Durante muchos años, ha estado buscando oportunidades para que sus aprendices cooperen con sus maestros y también ha trabajado personalmente como planificador de su aprendiz Lan Ai.
Se trata de terror psicológico.
En los últimos años, la tecnología de la animación japonesa se ha vuelto omnipotente, y varios maestros han construido sus propios mundos de animación sobre esta base: Mamoru Oshii busca la definición de identidad entre virtualidad y realidad. Hayao Miyazaki expresa el cuidado humanista en; sueños de cuento de hadas; Otomo Katsuhiro persigue una visión amplia... Sólo Kon Satoshi, en su "Blue Fear", abandonó el exquisito estilo de pintura, las escenas extrañas, etc. Animación de suspenso llena de suspenso.
La heroína de "Blue" no es insensible. Planea transformarse de una cantante ídolo de segundo nivel a una actriz de televisión. Sin embargo, sufre de esquizofrenia y los fotógrafos, guionistas y gerentes que la rodean. son asesinados uno tras otro. La realidad y la fantasía en la película se entrelazan a través de técnicas de edición, aportando muchas posibilidades al desarrollo de la historia. Al final, aparece el verdadero asesino y el público queda impactado por todas las discusiones anteriores y puede interpretarlo desde una nueva perspectiva; sin embargo, la experiencia entumecida también revela la tragedia de las personas que se pierden en la cultura de los ídolos;
Buscando el amor milenario
En "Millennium Actriz", Satoshi Kon una vez más viaja entre los sueños y la realidad. En la película, el propietario de una compañía cinematográfica y fotógrafo entrevista a la actriz Chiyoko Fujiwara, quien se jubiló repentinamente hace 30 años. Como superestrella de la posguerra, Chiyoko viajó a través de miles de montañas en busca de su primer amor después de los períodos de los Estados Combatientes, Shogunato, Taisho y Showa en Japón. Sin embargo, el amante de los sueños murió en la guerra. Chiyoko, que no sabe nada de esto, sufre desde hace muchos años por parte de sus familiares. Quizás sea precisamente por el romance y la tristeza japoneses que "Millennium Actriz" ganó numerosos premios en Japón e internacionalmente, y también atrajo a DreamWorks a hacer una excepción y comprar los derechos para distribuir la película en Estados Unidos.
Xin Haicheng: Xin Haicheng, hombre, nacido el 9 de febrero de 1973, vive en la prefectura de Saitama. Estudié chino en la universidad y trabajé en Falcom Game Club de 1996 a 2001. Actualmente trabajo como freelance, principalmente haciendo animación personal.
La animación OP de Ys2 Forever debería estar fresca en la memoria de los jugadores de Falcom. Magníficos efectos de animación 2D combinados con un ritmo casi perfecto dan a la gente una fuerte sensación de shock. Esta es una de las obras maestras de Makoto Shinkai durante sus cinco años en el F Club. De 65438 a 0996, después de graduarse de la Universidad, Xin Haicheng se unió al Falcom Game Club japonés (generalmente aparece en nombre de Xin Jincheng en asuntos relacionados), responsable de programación, arte, animación, producción de videos promocionales, etc. Mientras estaba en Falcom, Xinhai comenzó a crear cortometrajes de animación personales. Incluyendo el cortometraje en blanco y negro de 1997 "The Distant World" (1 minuto y 30 segundos), el cortometraje en 3D de 1998 "The World Surrounded" (30 segundos) y el cortometraje en blanco y negro de 1999-2000 "Her and Her". Gato" (5 minutos). A principios del verano de 2000, Xinhai comenzó a producir la animación de imagen personal "Voice of the Stars". Pero debido al intenso trabajo, la voz de la estrella se estancó por un tiempo. En mayo de 2001, Xinhai presentó su dimisión a Falcom. Después de eso, la producción de "La Voz de las Estrellas" se puso en marcha y se completó desde junio de 5438 hasta octubre de 2002, lo que tomó un total de 7 meses. Además, Shinkai también participó en la producción de animación de apertura de los juegos de Minori Games Club "Bitterweet Fools" (2001 0) y "Wind a Breath of Heart" (2002). En 2003, la nueva película de Makoto Shinkai, "Más allá de las nubes", se presentó en un lugar acordado (programado para durar 50 minutos). En términos de entorno y trama, es más estable y natural que las voces rígidas de las celebridades. Tazawa fue más allá en el diseño de personal, compensando la palidez del diseño de Xinhai. Se desempeñó como director de animación del juego de Minori Game Club "EF-First Story" (2006).
No entraré en detalles sobre sus obras.
¡Hablemos de mi evaluación personal de él!
En el campo de la supervisión de animación japonesa, ¡Makoto Shinkai es mi favorito! Fue la primera vez que vi su obra "La Voz de las Estrellas". Aunque la gente que estaba dentro era muy normal, aun así me produjo un shock absoluto y un shock en mi alma... ya fuera la trama, la música o la producción. ¿Cómo puedes mirar más sus obras y descubrir que el nivel de producción de la mayoría de las animaciones simplemente está más allá de tu comprensión? :-)! ¡Pero su trabajo definitivamente resuena en la gente! ¡Ni siquiera tienes el valor de leer algunas de sus obras una y otra vez! Jaja, no digas demasiado, se habla sin fin. Sus obras:
La voz de las estrellas, El otro lado de las nubes, El lugar prometido, 5 centímetros por segundo, espero que definitivamente la veas. ¡Creo que no te decepcionarás!