La artista Martha MacDonald nos habla de una nación dividida.
Alexander Gardner se consideraba un artista y utilizaba todos sus métodos brutales para dar forma a la imagen de la guerra. ¿Por qué no podemos apartar la mirada de lo absurdo y lo horroroso? Las imágenes vívidas de las víctimas de la Guerra Civil inspiraron a la musa interior del erudito, Martha McDonald, una artista de performance radicada en Filadelfia mejor conocida por sus primeros trabajos The Lost Garden (2014) y The Crying Dress (2012) se sintió atraída por los rituales de luto victorianos. Cuando le pedimos que creara una pieza para la empresa que ampliara el tema de la exposición de Gardner, aceptó de inmediato.
Gardner fue una revolución de la fotografía artística y cultural que se produjo en Estados Unidos y Europa a mediados del siglo XIX. Gardner nació en Escocia y provenía de una clase trabajadora. Quedó fascinado por la tecnología fotográfica emergente y encontró trabajo en el estudio de Brady. Fotografió los retratos de Brady y, lo más importante, comenzó a fotografiar campos de batalla de la Guerra Civil. Su éxito al fotografiarse a sí mismo en la exposición de 1862 "Los muertos en Antioquía" llevó a Gardner a establecer su propia galería en Washington y continuar fotografiando la guerra y más tarde el Oeste americano.
La poesía muestra toda la gama de experiencias pasadas, y un festival de arte y cultura, danza y artes escénicas apoyará la exposición. Macdonald está trabajando actualmente en su obra "Hospital Hymn: An Elegy for the Fallen". Se sentó conmigo para discutir sus intenciones y propósitos artísticos, así como su carrera como artista escénica. Esta obra se exhibirá en el museo por primera vez del 65438 de junio al 65438 de julio.
David Ward: El edificio de la Galería de Retratos se utilizaba como almacén militar y hospital, y Walt Whitman trabajaba como enfermero en el edificio. ¿Cuánto influye la historia del edificio en tu trabajo? "
En mi primera visita al sitio, inmediatamente me llamó la atención la idea de que este majestuoso y majestuoso edificio alguna vez estuvo lleno de personas enfermas y moribundas. Comencé a pensar en las almas que todavía existen dentro del edificio. Sentí que este era un terreno realmente fértil para mí. Después de esa visita, fui a casa y leí "Same Day" de Whitman, que trataba sobre su época como enfermero durante la Guerra Civil. Terman escribió una historia sobre los soldados que visitaban la oficina de patentes. Era extraño ver las camas alineadas junto a las cajas de moldes patentados, especialmente cuando las luces estaban encendidas. Lo que me llamó la atención fue cómo Whitt estaba obsesionado y desconsolado como un "Soldado Desconocido": miles de soldados de la Unión y los Aliados. que murieron lejos de casa, rodeados de familiares y amigos, y muchos de ellos fueron enterrados sin lápidas en tumbas, o no enterrados en absoluto, simplemente pudriéndose en los bosques o en los campos de batalla.
La segunda cosa que llamó la atención Lo que más me llamó la atención fue la fascinación de Whitman por cómo la naturaleza era testigo del dolor y la pérdida de la guerra. Imaginó a un soldado herido en batalla arrastrándose hacia el bosque para morir, y unas semanas después su cuerpo no aparecía en una procesión fúnebre. "Ahora sé por "Misery and the Republic" de Drew Gilpin Faust que esto no fue sólo un evento imaginario, sino un evento que les sucedió a miles de soldados en la guerra. Ya sea "Like Days" o los poemas posteriores de Whitman sobre la Guerra Civil, ambos muestra que los cuerpos de estos soldados desconocidos se han convertido en los pilares de la nación, y su espíritu ahora está plasmado en cada brizna de hierba. ¿Traes esto a tu trabajo?
Oh, el olor del día 19. ¡Sólo puedo imaginar el horror de todo esto! Leer "El mismo día" de Whitman y "El país de la miseria" de Fausto definitivamente me dio una sensación rancia.
El olor impregnaría los campos, hospitales y campos de batalla de la Guerra Civil, pero las ciudades también son un hermoso lugar para oler pájaros. Los tintes vegetales inestables tiñen el cuerpo de las mujeres. La gente rara vez se bañaba y sus manchas persistían durante mucho tiempo, a veces mucho después de haber superado el dolor. Las fórmulas quitamanchas que encontré en las revistas femeninas se veían horribles. El ingrediente principal que utilizan es el ácido oxálico, que se utiliza para limpiar los cubiertos. No mencioné los olores del siglo XIX en esta publicación, pero me interesan otras experiencias sensoriales de este período. Mis pasos resonaron por el pasillo mientras caminaba de catre en catre, la textura áspera de las flores de fieltro contrastaba con la frescura de las sábanas blancas.
DW: Antes del siglo XX, había pocos registros silenciosos del pasado en los que pensáramos a través de documentos escritos o retratos. Creo que estos discos reflejan nuestra idealización del pasado, como una exposición detrás de un cristal, congelada en silencio. ¿Cómo se soluciona este problema? "
Canto algunos de los viejos himnos que fueron populares durante la Guerra Civil, algunos de la tradición del arpa sagrada del Sur, otros del Norte, como "On the Glorious Shore". Recientemente vi eso [Los himnos] fueron muy populares durante la guerra. Popular entre los soldados, la canción ha pasado de moda porque recuerda tanto a los veteranos la guerra que no es de extrañar que su estribillo: "Ahora estamos parados en el Jordán/Nuestros amigos están pasando". /Justo frente a la orilla brillante." /Casi lo encontramos. ”
DW: ¿Cómo encajan estos himnos en tu interpretación? La música que quiero cantar se basa en los recuerdos de Whitman cuando entró al Armory Hospital una noche y escuchó a un grupo de enfermeras preparándose para los soldados cantando. Describió las canciones como "himnos recitados" y "canciones antiguas y pintorescas" y citó algunas letras de "La Costa de la Gloria" que ahora estoy aprendiendo. Describió la escena: "La gente estaba acostada en las camas, acostada en un hospital. cama (algunos resultaron gravemente heridos, algunos no podían levantarse de la cama del hospital), con cortinas blancas y sombras colgando sobre la cama. ". Inclinaron la cabeza para escuchar.
Dijo que había gente cantando con las enfermeras no muy lejos. Cuando leí el artículo sobre cantar en el hospital, me sorprendió, pero luego recordé eso. I Con todas las historias que veo en el siglo XIX sobre familias cantando en sus hogares y cantando en las camas de sus seres queridos moribundos, me recuerda a la música popular del siglo XIX (o "música casera", como Whitman tituló su pieza "Singing Music"). ). "Nurse"). La gente cantaba para cada ocasión.
Como se mencionó anteriormente, el canto proporcionaba una forma para que las personas expresaran emociones fuertes que eran demasiado fuertes para la sociedad de clase alta, como el dolor y la pérdida. Soy un gran creyente en el poder curativo de las canciones tristes. Al cantar canciones tristes, el cantante invita al público a conectarse con su dolor. La interpretación de un lamento o un himno triste crea un espacio para que las personas lloren o expresen sus emociones en público. , que es profundamente sanador porque permite a los oyentes expresar su propio drama personal entre un grupo de personas que están lidiando con su propio dolor o experimentando otras emociones profundas.
DW: Usted desarrolló algunas de ellas. Historia estadounidense. Como historiador estadounidense, tengo que jugar con ellos. ¿Qué tiene el pasado que te atrae a mi trabajo y que crea un diálogo entre los siglos XVIII y XIX con el que la gente solía lidiar? La pérdida y el anhelo han tenido un impacto profundo. Utilizo estas formas de arte históricas, sus performances e instalaciones como una forma de expresar mi propia pérdida y deseo, para explorar la presencia y la ausencia en mi pasado, reflexionando sobre el presente. Ciertamente no es el único artista estadounidense que considera nuestra historia como fuente de inspiración.
DW: Siento que los artistas contemporáneos están menos interesados en la historia estadounidense.
¿Estoy equivocado? El trabajo se puede ubicar dentro de un grupo de artistas contemporáneos que trabajan en la historia y el folclore para explorar narrativas personales y reflexionar sobre el clima social y político actual, incluidos Dario Roble, Ellie Sen Smith y Duke Riley.
Estos artistas utilizan técnicas populares apropiadas para expresar sus narrativas personales, incluyendo peinados del siglo XIX y arte de trincheras de soldados (Robleto), notas y tatuajes de marineros (Riley) y trajes de recreación de la Guerra Civil (Smith), incluido Houston Contemporary "Old and Weird America: Folk Themes in Contemporary Art" en el Museo de Arte (2008) y "Ahistorical Events: Artists" en MASSMoca.
Walker: Eres una feminista comprometida. ¿Puedes hablar sobre cómo restaurar las voces de las mujeres en un aspecto de nosotras? Desarrollar la comprensión histórica.
Siempre me ha interesado restaurar las voces de las mujeres en mi trabajo, ya sea en mis trabajos anteriores que trataban los estereotipos femeninos en la ópera, la literatura o la mitología, o en mis trabajos más recientes que exploran a las mujeres como guardianas de la memoria. historia. Ser feminista es una parte integral de mi práctica artística.
Mi trabajo es una respuesta expresiva a la historia social de las mujeres en toda su riqueza, complejidad e invisibilidad. Hace poco leí un gran libro llamado "Las mujeres y la cultura material de la muerte", que habla de cómo recuperar casi todo lo que las mujeres han hecho a lo largo de los siglos para conmemorar a sus seres queridos fallecidos y preservar la memoria de sus familias, comunidades y países. Trabajo invisible. En su libro, Drew Gilpin Faust también habla del papel clave que desempeñaron las mujeres en la reconstrucción del país después de la Guerra Civil.
Como artista, estas formas artesanales me inspiran profundamente, pero también creo que es importante que la gente comprenda que estas artesanías son prácticas materiales que ayudan a la sociedad a lidiar y vivir con la muerte y la pérdida. La sociedad contemporánea carece de estos rituales. Negamos la muerte y el envejecimiento. De modo que estamos completamente desapegados de nuestra propia impermanencia, que conduce a todo tipo de problemas, como la avaricia, los crímenes de odio, la destrucción del medio ambiente, etc.
Espero que mi trabajo recuerde a las personas la impermanencia y el pensamiento sobre sus propias vidas y cómo adaptan estos rituales para enfrentar la pérdida de vidas que los rodea.
DW: Cuéntanos sobre tu desarrollo o trayectoria artística y cómo recibiste tu formación.
Normalmente me refiero a mí mismo como un artista interdisciplinario. Hago instalaciones y objetos y los activo en performances para transmitir narrativas. Durante los últimos 10 años, mi trabajo se ha centrado en intervenciones específicas en museos y jardines históricos, donde he dibujado lugares y sus historias para explorar cómo estos espacios públicos se relacionan con historias privadas y estados emocionales.
Mi práctica artística ha tomado una trayectoria muy poco convencional. Empecé a ser periodista. Soy redactor de periódicos y revistas. También canto en iglesias y salas de conciertos con bandas barrocas profesionales. Me encontré con una escena de artes escénicas gay altamente politizada en Filadelfia a mediados de la década de 1990, actuando en salones de baile y clubes nocturnos.
Mientras cantaba mis arias barrocas en este ambiente de activistas homosexuales y contra el SIDA, descubrí el poderoso potencial de la ropa para transmitir narrativa. En este ambiente hiperteatral e influenciado por drag queens de buen corazón, exploré el género utilizando técnicas operísticas barrocas y figuras míticas, desarrollando el título y el poder de la pieza escénica, así como mi propia narrativa personal.
Aprendí de mi experiencia en periodismo, investigué mucho y escribí mi monólogo para la audiencia. Escribí un artículo sobre sirenas, sirenas y arpas. Son mitad mujer, mitad bestia. No están adaptados a la vida en tierra, mar o aire, mi relación con ellos. Exploré la locura en la ópera. Hice otro grande, observando el trabajo épico de Penélope al tejer y quedar embarazada fuera del matrimonio, una exploración de la espera y la aceptación del dolor, aprendiendo las lecciones de la muerte de su madre. Estos espectáculos suelen incluir proyecciones de vídeo (en las que canté Whistle Duet de Henry Purcell conmigo mismo), decorados elaborados y, a veces, otros cantantes y bailarines.
DW: Como alguien interesado en la creación artística, ¿cómo evolucionaste hasta convertirte en artista escénico?
Después de muchos años de actuar en teatro, comencé a sentirme limitado por la llanura del escenario y la distancia entre el público y la oscuridad del teatro.
Por esa época, el Museo y Biblioteca Rosenbach de Filadelfia me invitó a hacer una pieza para su colección de libros raros y artes decorativas.
Me fascina cómo los hermanos Rosenbach utilizaron su colección para reinventarse: al crecer como hijos de comerciantes judíos de clase media, quebraron, pero cuando los hermanos hicieron fortuna en la década de 1920, La venta de libros raros amasó una gran riqueza y comenzaron el lujoso estilo de vida de los caballeros rurales ingleses. Mi actuación lleva al público a un recorrido por el museo, centrándose en objetos disfrazados de espejos chinos y muebles reales, forjando los folios de Shakespeare, para examinar cómo utilizamos nuestros objetos para redefinirnos a nosotros mismos.
Producir el espectáculo de Rosenbach me hizo darme cuenta de que ya no estaba interesado en crear "magia escénica" para transportar al público a otro lugar. Lo que realmente quiero hacer es llevarlos a una excursión y descubrir su historia oculta a través de una gira de canciones.
A continuación, llevé a la audiencia a través de un jardín botánico del siglo XVIII, un cementerio victoriano (ambos en Filadelfia), un paseo en barco por un río que atraviesa el centro de Melbourne, Australia, y un viaje en coche a la década de 1920. Era. Leon Baxter diseñó un cine en casa privado en el sótano de una mansión de Baltimore. En todas estas obras, mi principal interés es despertar al espectador para que experimente los olores y sabores de las hierbas chinas en el huerto, el viento en los árboles y las golondrinas comiendo insectos en el cementerio. Los enormes portacontenedores eclipsaban a nuestros barcos en el río y en el ángulo del atardecer. Empecé a hablar cada vez menos durante mis actuaciones y a dejar que la escena y mi parafernalia hablaran más.
El canto siempre ha estado en el centro de mi práctica artística. Esta es probablemente mi forma de expresión más básica. Siento que me permite conectarme con la audiencia a un nivel más profundo que un discurso. Permite un tipo diferente de compromiso emocional. Como oyente, siento emociones muy fuertes cuando siento las vibraciones de la voz de un cantante, especialmente cuando estoy de cerca y personalmente en mi propio cuerpo. Sé lo poderoso que es esto. Cantar también me permite explorar y activar la acústica de estos espacios, evocando los recuerdos de quienes alguna vez vivieron y trabajaron allí. Es como si estuviera convocando sus almas con una canción.
Cuando me mudé a Australia en 2008, tuve increíbles oportunidades y libertad para experimentar con mi trabajo, probar cosas nuevas y dejar a los demás atrás. Dejé de cantar música barroca en ese momento porque quería dedicar más tiempo a hacer cosas y ropa y no quería dedicar demasiado tiempo a cultivar mi voz. Tienes que cantar durante horas al día, 5 o 6 días a la semana, como un deportista profesional. Cuando comencé a investigar las culturas de luto victorianas en Australia, me reconecté con la música folclórica de los Apalaches y seguí encontrando sus melodías y letras persistentes perfectas para expresar mis pensamientos y pérdidas. También me interesaba el hecho de que los inmigrantes chiítas angloirlandeses trajeron estas canciones a Estados Unidos como recuerdos de su tierra natal. Me fascina cómo la gente usa las baladas para conectarse con personas y lugares perdidos, para expresar emociones que no pueden o no pueden expresar en una sociedad civilizada.
Me interesa llevar al espectador a un viaje físico a través del tiempo y el espacio, generalmente caminando. Pero también espero que a través de la música y las imágenes visuales que creo pueda llevarlos a un viaje emocional y animarlos a pensar en sus vidas y sus pérdidas.
Deutsche Welle: Como última pregunta, ¿qué esperas conseguir al componer e interpretar esta pieza?
Creo que quiero hacer lo siguiente en mi actuación: quiero crear una experiencia para el público que los despierte a la ubicación del Salón de Actos, la increíble acústica, el majestuoso edificio y su " historia "oculta" de haber sido utilizado como hospital improvisado para los soldados que morían durante la Guerra Civil.
Quería que la audiencia pensara en las pérdidas de la Guerra Civil hace 150 años. Tal vez tenga algo que ver con la escalada de violencia racial en el Área de la Bahía y que ocurre en todo el país.
Finalmente, me gustaría invitar a la audiencia a pensar en sus propias vidas y pérdidas, y a tener la oportunidad de compartir un momento colectivo de dolor y renovación. Esto puede ser una gran petición para los espectadores, pero eso es lo que intenté hacer al desarrollar este proyecto.
2065438 El 18 de septiembre de 2005, la Galería Nacional de Retratos acogerá la exposición "Zona Oscura de la República de China". Fotografías de Alexander Gardner, 1859-1852. "Las obras de Martha MacDonald debutarán como parte de una serie de artes escénicas que se inaugurará en la Galería Nacional de Retratos el 7 de octubre de 2015 a la 1:00 p. m."