Apreciación de las obras de Schubert
El primer párrafo: El narrador canta en forma de recitación oral.
Segundo párrafo: diálogo entre padre e hijo. La voz en el registro más grave de la música, con un tono tranquilo y equilibrado, representa el cuidado y consuelo del padre, que pide con cariño.
El tercer párrafo: La melodía musical del diablo es lírica, cantada, dulce, falsa y astuta. Entonces, padre e hijo empezaron a charlar nuevamente y el diablo avanzó paso a paso. El hijo se asustó y llamó a papá una y otra vez, cada vez más asustado. Hasta el quinto párrafo, los japoneses utilizaron tácticas tanto suaves como duras para amenazar.
Último párrafo: El narrador describe el triste final en un tono ansioso y doloroso: el padre se apresuró a llegar a casa, y su hijo ya había muerto en sus brazos. El piano tiene dos acordes poderosos que expresan el estado de ánimo afligido del padre exhausto. La "Oda a Notre Dame" de Schubert fue compuesta en 1825, basada en la "Canción de Ellen" del poema narrativo "La Bella en el Lago" del poeta británico Walter Scott. Esta canción expresa los sentimientos inocentes de Elena, la dueña del poema narrativo, quien ruega a la Virgen que perdone los pecados de su padre. La canción toma la forma de un canto segmentado, con una melodía suave y eufemística. La técnica de expresión musical es pura, sencilla, delicada y plena, expresando el anhelo del autor por la verdad, el bien y la belleza. Debido al encanto artístico de esta canción, las generaciones posteriores la adaptaron a la música instrumental, con solo de violín, interpretación de cuerdas como tema y acompañamiento de arpa, y tuvo una amplia circulación.
Como antesala del inicio de la canción, “Broken Strings” del sexteto provocó un altibajo de emociones.
La canción tiene una hermosa melodía, es conmovedora y eufemística, y es sincera y conmovedora. Los cambios de clave temporales, los sonidos decorativos y los trillizos de la canción se utilizan de manera inteligente y apropiada, haciendo que la canción sea novedosa y única.
Cuando la canción llega al octavo compás, hay un clímax emotivo, para luego poco a poco calmarse, y se susurra el nombre de la Virgen María.
Finalmente, toda la canción termina en un ambiente tranquilo. Schubert interpretó la canción unos meses antes de su muerte en 1828. Resultó ser la cuarta canción de la suite vocal del autor "Swan Song", y fue inscrita por el editor de música vienés Haslinger para dar a entender que este conjunto de canciones era el último trabajo del autor. "Serenade" es una conocida canción basada en un poema del poeta Lyle Staub. Esta "Serenata" fue adaptada a la música instrumental debido a su hermosa melodía y fue muy amada por la gente.
La estructura de la canción consta de dos partes, con tonos pequeños y grandes que se desarrollan alternativamente. La primera sección en re menor tiene una melodía enérgica y eufemística, con un tono suave y claro, imitando el acompañamiento de una guitarra, mostrando a un joven derramando su amor hacia la chica que ama.
La primera letra es una descripción del ambiente tranquilo que te rodea. A esto le sigue un interludio lírico y tranquilo de ocho compases.
La parte central del segundo párrafo cambia a re mayor, utilizando transposición. El cambio de tono despierta emoción y forma el clímax de toda la canción.
La melodía y el ritmo del final añaden nuevos factores. A medida que la tonalidad de re mayor se intensifica, la frase final de la tendencia integral de las notas mayores y menores se debilita gradualmente, lo que indica que el canto del amor se desvanece gradualmente en la hermosa y tranquila noche. Desde el día en que fue escrita, ha sido cantada por madres y cantantes de todo el mundo hasta el día de hoy. Por ejemplo, cuando Schubert escribió esta conmovedora canción, había esta historia:
Schubert vivía en la pobreza en ese momento. Una noche, no comió nada y deambuló por las calles hambriento, con la esperanza de encontrarse con un conocido y pedir prestado algo de dinero para saciar su hambre. Pero hace mucho tiempo que no conozco a nadie que conozca. Luego caminó hasta un hotel de lujo. Entró y se sentó en una mesa. De repente, encontró un periódico viejo sobre la mesa del comedor. Schubert lo cogió y lo hojeó. Vio un poema en él: "Duerme, duerme, mi querido bebé, tu madre te mece suavemente con sus manos..." Este sencillo y conmovedor poema tocó el corazón del compositor, un amoroso La imagen de su madre apareció ante él.
Sí, en esa noche tranquila, la madre acarició suavemente a su hijo y tarareó una canción de cuna, y la luz plateada de la luna brilló sobre la madre y el hijo a través de la ventana. Qué vida tan maravillosa… Schubert no pudo contenerse más. Sacó un papel de su bolsillo, sacó un lápiz y escribió rápidamente mientras tarareaba.
Cuando Schubert terminó de escribir, se lo dio al dueño del restaurante. Aunque no entendía música, pensó que sonaba muy bien y hermoso, así que le dio a Schubert una olla de rosbif con patatas.
Con un hermoso corazón en la pobreza, Schubert escribió esta dulce canción para su madre y sus hijos. Esta "canción de cuna" pronto se extendió por todo el mundo, pero su autor Schubert murió en la pobreza...
La canción de cuna no es sólo una forma musical importante en la música, sino también una parte importante de la vida humana. medios artísticos. Todos nacimos y crecimos escuchando a su madre tarareando canciones de cuna en sus brazos. A través de canciones de cuna, las madres entierran profundamente la filosofía de vida, las esperanzas para el futuro y el amor maternal en los jóvenes corazones de sus hijos. Estas filosofías y esperanzas son como semillas. A medida que los niños crecen, florecen en sus corazones e influyen sutilmente en su pensamiento.
Mamás, no ignoren una breve canción de cuna, afectará la vida de su hijo, la futura flor de la patria. La obra fue escrita en 1822, cuando Schubert tenía 25 años, pero no fue hasta 43 años después que la partitura fue descubierta y estrenada en 1865. En esta sinfonía sólo el primer y segundo movimiento tienen partituras completas. Sólo nueve compases del tercer movimiento fueron adaptados para música orquestal. Las otras partes todavía existen en forma de partituras para piano. Sin embargo, el primer y segundo movimiento funcionan perfectamente juntos en términos de forma y procesamiento emocional, y hasta ahora todo el contenido se expresa plenamente. Agregar cualquier movimiento de scherzo o movimiento final parecería superfluo. Por lo tanto, aunque esta canción no está completa en la forma, en realidad está completa y, por lo tanto, estructuralmente es novedosa, lo cual probablemente es algo que el autor no esperaba. Esta canción no es sólo la obra más destacada entre las sinfonías de Schubert, sino también una obra maestra de la música romántica. Expresa las contradicciones y conflictos en el mundo interior del autor, y la tristeza llena toda la música. Melodía transparente, pura, hermosa y rica, sin armonía ni timbre decorativos, este método de composición es muy refrescante, lo que también es una razón importante por la que esta canción se ha convertido en una de las sinfonías más populares del mundo. La canción terminó sin terminar, lo que le añadió muchos rumores y leyendas, y algunos incluso la convirtieron en una historia y una película. Así, la canción se convirtió en un nombre familiar.
El primer movimiento, el Allegro moderado en si menor, en compás de 3/4, es una forma de sonata relativamente simple. Al comienzo de la canción, las cuerdas del bajo tocan una sugerente melodía (sección 1), que el famoso director Weingana describió como una voz del mundo subterráneo. Esta melodía juega un papel importante tanto en el primer como en el segundo movimiento.
El segundo movimiento, Andante ligeramente más rápido, en mi mayor, tiempo 3/8. Todo el movimiento es suave y fluido, y la disposición y el desarrollo son relajantes y naturales. El tema de este movimiento es muy famoso. Es un tema melodioso y elegante (fragmento 2), presentado por el primer violín, que lleva al oyente a un estado de ánimo tranquilo e imaginativo. Schubert comenzó a componer la Novena Sinfonía en 1825 y la completó en marzo de 1828. Esperaba que la canción fuera cantada por la Gesellschaft der Musikfreunde de Viena, pero la sociedad consideró que el trabajo era demasiado largo y difícil. Después de la muerte de Schubert ese mismo año, el manuscrito quedó en manos del hermano de Schubert, Ferdinand, y no fue hasta 1839 que la obra se estrenó en la Orquesta Tonhalle de Leipzig, con arreglos de Schumann.
Aunque la "Novena Sinfonía" de Schubert se publicó un poco más tarde, es una de las obras musicales más importantes del siglo XIX. No sólo tuvo una gran influencia en el propio Schumann, sino también en Brahm. También tuvo un poco de influencia y con su amplio concepto de diseño señaló audazmente un camino brillante para Bruckner y Mahler, "hasta el cielo", como dijo Schumann. Muchos de los tratamientos estilísticos y formales utilizados por primera vez en la Octava Sinfonía inacabada reaparecen en esta pieza. Sin embargo, los conceptos creativos clave de las dos sinfonías son diferentes; en el noveno movimiento, Schubert resistió la tentación de alargar la melodía y en su lugar la reemplazó con un tema simple, poderoso y altamente plástico, que sirve como tema principal en cada movimiento. fundamental.
Los colores orquestales únicos de los cuatro movimientos de la pieza son impresionantes. Al igual que la "Sinfonía inacabada", Schubert difunde los colores cálidos y brillantes de los instrumentos de viento y metal en las cuerdas, manteniendo la música en un rango romántico.
Además, su habilidad como solista en estos instrumentos es igualmente importante: los cornos dobles tocan suavemente la noble apertura de la música de batería, el oboe también tiene el acompañamiento lírico de las cuerdas, como una trompeta lejana, tocando el tercer movimiento del plato; un movimiento.
La característica más importante de esta pieza es el ritmo enérgico. Dos ritmos básicos especiales, salpicados de negras, seguidas de corcheas y tresillos, se desarrollan gradualmente a lo largo de la canción. Estos dos ritmos, junto con un ornamento continuo de cuatro notas tocado primero por el corno francés, se convierten en los elementos del movimiento final. Precisamente gracias a la potencia del material rítmico, el enorme y largo movimiento final puede ser impulsado como una bala de cañón.
La poesía y la imaginación en las obras posteriores de Schubert alcanzan su punto máximo en esta pieza. Vale la pena mencionar al menos un movimiento andante: cuando llega la recapitulación, Schubert usa el trombón, los instrumentos de viento y las cuerdas (ambas partes de pianissimo) tocan. un patrón parecido a un canto, y los dos cornos franceses repitieron suavemente la G aguda. En los intervalos de las notas de la trompa, las cuerdas liberan una armonía tranquila y que cambia lentamente: primero el violonchelo y el bajo, luego la viola y el violín, intensificándose gradualmente, y finalmente las cuerdas tocan la clave de La menor con la trompa. Este fragmento dice mucho sobre la brillantez del compositor; más tarde resonaría más de una vez en la música de Schumann y Brahms. El Quinteto en La mayor de Schubert se diferencia del quinteto de piano habitual. No es la forma estándar de piano más cuarteto de cuerda, sino una combinación de piano y cuatro instrumentos de cuerda, como violín, viola, violonchelo y contrabajo, es decir, el segundo violín es menor que la forma estándar y el contrabajo es sustituido. Y esta pieza tiene cinco movimientos, que también son diferentes. Debido a que el cuarto movimiento utiliza la melodía de la propia canción de Schubert "Trout" como tema y variaciones, esta canción se conoce comúnmente como "Trout Quintet".
No hay duda de que se trata de la obra maestra de música de cámara más bella de Schubert, e incluso una corona en la categoría de música de cámara para piano. Todo el tono es romántico y alegre, emocionalmente franco, libre y siempre lleno de canto. No hace falta decir que debes estar familiarizado con la melodía de "Trout" y tal vez incluso cantarla. Incluso el tercer movimiento, algo emocionante, es ruidoso y requiere tiempo para decir algunas palabras amables y tranquilizadoras. La mayor suele ser abundante y la música de Schubert es particularmente suave. El joven Schubert debió quedar profundamente embriagado por la alternancia del canto entre el piano y los instrumentos de cuerda, y entre los violines pequeños y grandes.
Cuando Schubert y su buen amigo el cantante barítono Fogel estaban de viaje por el norte de Austria, fueron recibidos calurosamente por Bowen Garner. Por lo tanto, Bowen Garner les encargó su estreno en Bowen's Garner House. Sus cinco movimientos son: Allegro animado, forma de sonata clásica en tono mayor. Comienza con un triplete tocado en el piano, que sirve para conectar toda la canción. Primero es la presentación y desarrollo del primer tema, y luego a través de la formación de Mi mayor, el piano toca el segundo tema y el violín entra repetidamente al final pequeño de la presentación. Acompañado de un nuevo ritmo salpicado de negras y corcheas, Development tocó el primer tema en do mayor, Pursuit of Fantasy. El primer tema de la recapitulación es reproducido por el piano en re mayor, finalizando con una breve coda. El Andante en fa mayor consta de tres melodías líricas. La primera melodía está en clave de fa mayor, la segunda melodía está en clave de fa menor y la tercera melodía está en clave de re mayor. Luego, la primera melodía se reproduce en La bemol mayor, la segunda melodía se reproduce en La menor y la tercera melodía se reproduce en Fa mayor, que es la tradición de Bach y Mozart. Scherzo, Urgente, Mayor, Trilogía compuesta. Responde con cuerdas y piano, luego forma una fuga. Andante menor en re mayor, tema y 6 variaciones. El tema es la canción "Trucha". Primero, el tema lo toca el primer violín, respaldado por cuerdas. La primera variante asigna la melodía al piano, respaldada por arpegios de cuerda. En la segunda variación, la viola toca la parte principal, el violín comienza, la melodía pasa al contrabajo y el piano toca una frase compleja y rápida. La cuarta variación cambia al ritmo de triplete, la quinta variación también cambia, y la sexta variación y el final utilizan la forma de onda del piano en el acompañamiento de la canción original. Allegro, tono mayor, forma sonata incompleta, que revela el color de Hungría.