¿Cuáles son las enseñanzas en el campo del arte?
El arte barroco se produjo en la segunda mitad del siglo XVI, y su apogeo fue en el siglo XVII. Disminuyó gradualmente excepto en el norte y centro de Europa.
La arquitectura barroca es un estilo arquitectónico y decorativo desarrollado sobre la base de la arquitectura renacentista italiana en los siglos XVII al XVIII. Se caracteriza por una apariencia libre, búsqueda de dinámica, rica decoración y tallas, colores fuertes y superficies curvas y espacios ovalados de uso común.
La artesanía es un estilo artístico surgido en Europa a finales del siglo XVI. Su característica principal es la búsqueda de efectos extraños e inusuales, como expresar el espacio de forma deformada y descoordinada, y expresar personajes con proporciones esbeltas exageradas. En la historia de la arquitectura, se refiere a la tendencia del estilo barroco temprano que se reflejó en las obras de algunos arquitectos italianos entre 1530 y 1600.
Desde los años 30, la riqueza de la iglesia italiana ha aumentado día a día, y cada parroquia ha construido su propia iglesia barroca. Debido a la pequeña escala, el plano de cruz latina no es adecuado para su uso, por lo que a menudo se cambian a pasillos de un solo espacio, como circulares, ovalados, en flor de ciruelo, en cruz de pétalos circulares, etc., y se utilizan una gran cantidad de superficies curvas. utilizado en el modelado.
En la primera mitad del siglo XVIII, la arquitectura barroca alemana se convirtió en una maravilla de la historia de la arquitectura europea.
Exposición de arte barroco en todos sus aspectos;
Arquitectura: los pilares son particularmente gruesos y el techo está cubierto de tallas. Satisface la mentalidad del matón, como las esculturas de Versalles construidas durante el período de Luis XIV: las sombras de los pliegues son exageradas y poderosas, haciendo que el gesto sea exagerado. Pintura: Aunque todas son pinturas religiosas de la Edad Media, todas están basadas en el liberalismo, por lo que dan rienda suelta a sus refinadas habilidades. La composición es atrevida, los colores son hermosos y cambiantes, el contraste entre la luz y la oscuridad es profundo y las líneas son extremadamente tortuosas, lo que hace que la gente se sienta extremadamente exagerada. Otros aspectos: los personajes son regordetes y fuertes, y la feminización y el arte débil están prohibidos. El fracaso de las Cruzadas españolas y los sucesivos descubrimientos del Cabo de Buena Esperanza y del Nuevo Mundo impulsaron a España y Portugal a sustituir a Italia. En el siglo XVII, España pasó del arte renacentista al barroco. "creencias religiosas", por lo que la familia real y la iglesia todavía controlaban la gran potencia, a diferencia de Italia y Flandes. El arte solemne nacido bajo los misteriosos sentimientos y la tiranía de la religión es el "arte barroco".
Siglo XVIII: Arte Rococó
El arte rococó se originó a finales de la era Luis XIV en Francia y se hizo popular en la era Luis XV. Su estilo es exquisito y delicado, y sus colores suaves y brillantes. El auge del arte rococó está relacionado con el declive de la aristocracia francesa y la prosperidad de la burguesía. En la Francia del siglo XVIII, la crisis del sistema feudal se hizo cada vez más evidente. La clase dominante feudal ya había sentido que "la puesta de sol es infinitamente hermosa y será sepultada por la noche que se acerca", por lo que la tendencia de comer, beber y divertirse se hizo popular. La clase dominante feudal estaba decayendo y la burguesía estaba en ascenso, y el estilo artístico rococó simplemente satisfacía sus necesidades estéticas.
El arte rococó se originó en el período tardío de Luis XIV (1643 ~ 1715) y se hizo popular con Luis XV (1715 ~ 1774). El estilo es delicado, exquisito, llamativo y elegante. El trabajo de los filósofos pasó de asumir la existencia de Dios e inferir todo en el pasado a utilizar métodos racionales de experimentación y observación para inferir todo en el mundo. La teología fue casi eliminada de la filosofía y se eligieron rutas seculares que pasaron de centrarse en los nobles. educación. Para buscar placer frívolo. El estilo artístico, entre los músicos Mozart y Haydn, los escritores Pope, Addison y Voertaire, y los pintores Waldo y Consborough, recorre un * * * mismo tema, combinando racionalidad y buen gusto con facilidad, material claro y organizado unido. . Luis XIV a menudo celebraba varios bailes en el Palacio de Versalles, atormentando a los nobles con una etiqueta engorrosa y deberes sin sentido, y luego usaba magníficas decoraciones palaciegas para crear un ambiente relajado propicio para las relaciones extramatrimoniales para consumir la energía de los nobles. Es hora de planear una rebelión. Por ello, el artista recibió el encargo de fabricar una escena de Nirvana de vida ideal, con el único propósito de crear una felicidad social pausada y realmente perezosa. El rococó está relacionado con el gran y solemne arte clásico de la época de Luis XIV. Este cambio y el declive de la nobleza francesa estuvieron relacionados con el espíritu libre de investigación de la Ilustración (que casi reemplazó a las creencias religiosas) y la creciente prosperidad de la clase media. La formación del rococó también estuvo influenciada por el arte chino. Especialmente en diseño de jardines, interiorismo, sedas, porcelana, lacados, etc. (Por ejemplo, "Pequeñas Cerámicas Chinas", Maier, Alemania, 1768). Debido a que el arte francés era el centro de Europa en ese momento, la influencia del arte rococó se extendió por toda Europa.
Finales del siglo XVIII: Clasicismo/Romanticismo
(inglés: Neoclasicismo), movimiento artístico que surgió en Roma en el siglo XVIII y se expandió rápidamente por Europa y Estados Unidos. El neoclasicismo, por un lado, surgió de una reacción al arte barroco y rococó y, por otro lado, esperaba revivir el arte de la antigua Grecia y Roma. Los artistas neoclásicos imitaron deliberadamente el arte antiguo en términos de estilo y temática, sabiendo lo que estaban imitando. El neoclasicismo está representado por relieves superficiales en el arte escultórico, por lo que es completamente diferente de la escultura profunda del estilo barroco.
El arte clásico, bajo la bandera de revivir el arte griego y romano antiguo, apareció en Francia ya en el siglo XVII. Antes de la Revolución Francesa y sus reformas políticas y sociales, hubo una revolución artística pura, que fue el movimiento artístico neoclásico. El arte francés de este período no es ni una reproducción del arte griego y romano antiguo ni una repetición del clasicismo francés del siglo XVII. Adaptarse a las necesidades de la revolución burguesa es una tendencia en el arte. El llamado neoclasicismo es relativo al clasicismo del siglo XVII. Al mismo tiempo, debido a que este movimiento artístico neoclásico está estrechamente relacionado con la Revolución Francesa, algunas personas lo llaman "clasicismo revolucionario".
Las características del arte neoclásico son: elegir temas serios y principales (acontecimientos importantes en la historia y la realidad antigua), enfatizando la expresión racional más que emocional en la forma artística; enfatizando la integridad del modelado; Hace bocetos y esquemas, y se centra en esculpir figuras, pero no presta suficiente atención al color. El arte neoclásico francés, desde Vian, David hasta Angel, logró lo mejor y alcanzó su apogeo.
Romanticismo
El nacimiento del romanticismo en el siglo XIX supuso una revolución en el neoclasicismo y el arte académico de aquella época. El romanticismo se basa en la búsqueda de la libertad, la igualdad, la fraternidad y la liberación individual. Persiga la belleza de la fantasía, concéntrese en la comunicación emocional y le guste la expresión del temperamento apasionado. El arte romántico opone la quietud a la dinámica y la excesiva objetividad a una fuerte subjetividad. El romanticismo describe personajes únicos, lugares exóticos, tragedias vitales y acontecimientos anormales, y a menudo encuentra temas en obras literarias.
Esta escuela de pintura se deshizo de las cadenas del academicismo y el clasicismo de aquella época, y se centró en dar rienda suelta a la propia imaginación y creatividad del artista. Los temas de sus creaciones están tomados de la vida real, leyendas medievales y obras maestras literarias (como las obras de Shakespeare, Dante, Goethe y Byron), y son hasta cierto punto progresistas. Las obras representativas incluyen "La balsa de Medusa" de Gillick y "El liderazgo libre del pueblo" de Delacroix. Las pinturas están llenas de colores vivos, pinceladas desenfrenadas y llenas de movimiento.
La escuela romántica de pintura toma como principios ideológicos la afirmación y alabanza del valor espiritual humano y la lucha por la liberación individual y los derechos humanos. Promover la individualidad, la descripción de personajes y la expresión emocional en la pintura. Los ricos cambios de composición, el fuerte contraste de color y las suaves pinceladas dan a la imagen un fuerte color emocional y un emocionante encanto artístico.
Siglo XIX: realismo;
El realismo es una corriente artística que surgió en Europa Occidental en el siglo XIX, frente al romanticismo. Debido a que la mayoría de las obras de artistas realistas exponen y critican el lado oscuro de su sociedad, también se les llama realismo crítico.
Pintura Impresionista:
También conocida como Impresionismo. Fue una tendencia popular en la creación artística europea desde la segunda mitad del siglo XIX hasta principios del siglo XX. La pintura impresionista apareció en 1874. En este año, un grupo de jóvenes pintores desconocidos realizó una exposición de arte, incluida la "Impresión del amanecer" de Monet, que fue utilizada por un periodista conservador para satirizar la escuela de pintura en un artículo y la llamó "Exposición del pintor impresionista", de ahí el nombre de la escuela. El impresionismo entró en el mundo de la pintura francesa con una actitud innovadora, oponiéndose al clasicismo y al romanticismo. Se anima a los pintores a salir al aire libre y pintar basándose en su observación directa de las cosas bajo el sol, mostrando los cambios sutiles en el color de los objetos bajo el sol, abriendo un nuevo campo de pintura. Los pintores impresionistas utilizaron una nueva perspectiva para representar verdadera y científicamente el mundo objetivo, describir la realidad que rodea al pintor y expresar su comprensión emocional y racional. Sin embargo, abandonaron la responsabilidad social de los artistas que expresan elevados ideales a través del arte, mostrando un decadente. lado. En la historia del desarrollo de la pintura mundial, el impresionismo tiene un significado innovador: abrió un nuevo mundo en el lenguaje pictórico, proporcionó nuevas técnicas para expresar el mundo objetivo y el mundo subjetivo de las personas, brindó a los artistas nuevas posibilidades para mostrar su personalidad artística y. También se expandió Un nuevo reino de la estética artística. Sentó las bases para el surgimiento del arte modernista en el siglo XX.
Siglo XX:
1. La primera Exposición de Arte Surrealista se celebró en París en 1925, y la segunda al año siguiente. Desde entonces, se han celebrado numerosas exposiciones importantes en París, Copenhague y Tenerife, Londres y Nueva York. El estallido de la Segunda Guerra Mundial interrumpió el vigoroso estado del movimiento, pero como sus miembros estaban dispersos por todo el mundo, la guerra amplió indirectamente su influencia internacional. Después de la guerra, se realizaron exposiciones internacionales en París, Nueva York y otros lugares. Además de organizar diversas actividades, los grupos surrealistas también hicieron pleno uso de medios como revistas y periódicos, así como folletos y folletos para difundir sus ideas. El 28 de septiembre de 1966 fallece Breton, figura central del movimiento surrealista, provocando que el grupo pierda una cohesión importantísima. 1969 10 El 4 de octubre, Huster publica su último manifiesto surrealista "Capítulo 4" en Le Monde, afirmando que "el movimiento surrealista no tiene consistencia interna. Algunos de mis amigos y yo decidimos abandonarlo en febrero y no tiene nada que ver". con nosotros”. Este fue el final de un movimiento que alguna vez fue vigoroso. Sin embargo, su impacto nunca desaparece. De hecho, el movimiento surrealista tuvo una influencia importante en los conceptos estéticos del siglo XX.
2. Durante la Primera Guerra Mundial, los Países Bajos, como país neutral, estuvieron política y culturalmente aislados de otros países participantes. Con poca influencia externa, algunos artistas inspirados en conceptos modernos como el brutalismo, el cubismo y el futurismo comenzaron a explorar el desarrollo del arte de vanguardia holandés y lograron logros extraordinarios y únicos, formando el famoso DeStijl (jerga holandesa, que significa estilo). De stijl se estableció formalmente en 1917, con Mondrian y Van Doesburg como figuras principales. Otros colaboradores incluyen a los pintores Bart van der Lake, Vilmoshuzar, el escultor Ceorges Vantongerllo, el arquitecto J.J.P. Oud y Rietveld (J.J.P. Oud). Obviamente, el de stijl como movimiento involucra ampliamente la pintura, la escultura, el diseño, la arquitectura y muchos otros campos, y su influencia es omnipresente.
3. Expresionismo abstracto Hans Hofmann (1883-1966) es el pionero del expresionismo abstracto.
4. El pop, que se originó en el mundo de la pintura estadounidense en el siglo XX, y el expresionismo abstracto, una escuela de pintura posterior, marcaron el desplazamiento del centro del arte moderno occidental de París a Nueva York. Si esta escuela de pintura es en realidad la continuación de la pintura modernista europea en los Estados Unidos, entonces las diversas escuelas de pintura que han aparecido en los Estados Unidos desde entonces fueron creadas enteramente por los propios estadounidenses. El arte pop es el género pictórico más antiguo con características estadounidenses.
5. El suprematismo avanza hacia la abstracción pura: el arte de vanguardia ruso
6. El futurismo fue originalmente un movimiento literario, inventado por primera vez por el poeta italiano Marinetti (1878-1944). El 20 de febrero de 1909, en "Le Figaro", Marinetti lanzó el "Manifiesto futurista" con palabras exageradas y sensacionales, pidiendo la erradicación de todo arte tradicional y la creación de un tipo de arte que pueda seguir el ritmo de la vida. en la era de las máquinas. El futurismo nació y rápidamente se extendió desde el mundo literario al arte, la música, el teatro, el cine, la fotografía y otros campos.
7. Expresionismo El término expresionismo fue utilizado por primera vez por el crítico de arte alemán Willem Worringer en un artículo publicado en la edición de agosto de la revista Fanatic (1911) comparó el término con el arte de Cézanne, Van Gogh y Matisse; están unidos entre sí. La exposición "Joven Caballero" celebrada en el Museo de Arte de Kuangbiao en 1912 recibió nuevamente su nombre este semestre. A partir de entonces, la palabra se convirtió en el nombre de muchas tendencias del arte alemán que tendían a expresar emociones. En términos generales, el expresionismo se puede aplicar a todos los pintores que enfatizan la "autoexpresión" con color y elementos formales, pero su significado específico se basa en los tres principales movimientos artísticos alemanes de principios del siglo XX, a saber, "DieBrucke", "DerBlaueReiter". y "DieNeueSachlichkeit".
El fauvismo fue una tendencia pictórica moderna que prevaleció en Francia desde 1898 hasta 1908. Aunque no existe una teoría ni un programa claros, es el resultado de las actividades activas de un cierto número de pintores en un período determinado, por lo que también puede considerarse como una escuela de pintura.
A los pintores fauvistas les gustaba usar colores brillantes y densos, a menudo usaban pintura extraída directamente de tubos de pintura y pinceladas directas y atrevidas para crear un fuerte efecto pictórico, lo que demuestra plenamente la tendencia expresionista a buscar la expresión emocional.
9. La descomposición y reconstrucción del Cubismo - Escuela de Pintura del Cubismo En 1908, cuando el pintor fauvista Matisse vio las novedosas y únicas obras de Picasso y Braque, no pudo evitar exclamar: "Estas son ¡Solo cubos! Ese mismo año, el crítico Vasseur utilizó las palabras de Matisse para comentar las obras de Braque expuestas en la Galería Kessler en la revista Gilbras: "Braque redujo todo a un cubo". . Posteriormente, el nombre "cubismo" se hizo popular como un reproche al estilo y género de pintura creado por Picasso y Braque.
10. El postimpresionismo fue inventado por el crítico de arte británico Roger Fry. Se dice que en 1910 se celebrará en Londres una exposición de arte francés "moderno", pero como está a punto de inaugurarse, aún no se ha determinado el nombre de la exposición. Como organizador de la exposición, Roger Fry se impacientó y dijo: "Llamémoslo postimpresionismo". Este nombre accidental es bastante práctico, porque los expositores son todos pintores inspirados en los impresionistas. Más tarde, el "postimpresionismo" se utilizó para referirse a aquellos pintores que alguna vez siguieron el impresionismo pero luego se opusieron firmemente a las limitaciones del impresionismo, formando así un estilo artístico único. Entre ellos destacan Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Lautrec y otros. De hecho, el postimpresionismo no es una sociedad ni una secta, ni tiene el mismo programa y manifiesto estético, y los estilos artísticos de los pintores también son muy diferentes. Se le llama "postimpresionismo" principalmente porque los historiadores del arte lo distinguen claramente del impresionismo en términos de estilo.
Las anteriores son las principales escuelas de arte de precio del siglo XVII al XX. Consulte la siguiente lista de escuelas subdivididas:
Escuela holandesa del siglo XVII
Arte barroco del siglo XVII
Arte paleocristiano
Novedades Arte
Arte Moderno Occidental
Arte Popular
Escuela Veneciana
Escuela Florentina
Art Nouveau
Simbolismo
Neoimpresionismo
Posimpresionismo
Arte Impresionismo
Arte Realismo
p>
Arte romántico
Arte neoclásico
Arte europeo y americano del siglo XIX
Arte soviético
Occidente Arte posterior a la Segunda Guerra Mundial
Realismo social
Dadaísmo y surrealismo
Constructivismo y estilo artístico
Escuela de París
Futurismo
El desarrollo de la pintura al óleo occidental y sus estilos
Cubismo
Expresionismo
Escuela de pintura de Loess
p>Escuela de Pintura Loess adicional:
La Escuela de Pintura Loess fue fundada por Liu Wenxi, quien era fanático del presidente Mao. Bajo la dirección del discurso del Presidente Mao en Yan'an, durante mucho tiempo se ha esforzado por encontrar la fuente de la creación en la vida y nutrirse del pueblo, creando un gran número de obras artísticas que reflejan el comportamiento heroico de las personas que viven y luchan. en la tierra de loess. Bajo su liderazgo, más de 60 pintores, entre ellos Liu Dawei, Yang Xiaoyang, Zhao Zhenchuan, Wang Youzheng, Chen Guangjian, Luo Ping'an y Dai Xibin formaron la Escuela de Pintura Loess. Están activos en las montañas, ríos y barrancos de la Tierra de Loess, salpicando tinta, tocando tambores y cantando por el ascenso de la meseta de Loess y el Oeste. La Escuela de Pintura Loess es una escuela de pintura académica con la pintura de figuras como cuerpo principal y la Academia de Bellas Artes como cuerpo principal. Sus obras han formado un estilo de realismo ideal que es masculino, atrevido, desenfrenado y vigoroso.
El propósito de la Escuela de Pintura Loess es promover el aprendizaje de la vida, la gente, la tradición, el arte mundial y los tiempos, absorbiendo completamente los nutrientes, fortaleciendo la creación de pinturas de figuras, mejorando el nivel de las pinturas de figuras. , y hacer que las pinturas de figuras sean más individuales y el encanto artístico sea más profundo. La pintura de figuras no sólo debe heredar y llevar adelante las reglas tradicionales del arte plástico y el poder expresivo de la pluma y la tinta, sino también aprender de las rigurosas y profundas técnicas de modelado de la pintura occidental, al tiempo que expresa el mundo interior y la personalidad de los personajes. se esfuerza por perseguir fuertes características locales y crear profundas connotaciones ideológicas, pinturas de figuras con un claro sentido de la época, conmovedoras e inspiradoras al mismo tiempo, también damos gran importancia a la innovación de las pinturas de paisajes y flores; y pinturas de pájaros, y crear pinturas de paisajes y pinturas de flores y pájaros completamente nuevas con fuertes características locales, personalidad distintiva y el espíritu de la época. Las pinturas de paisajes, flores y pájaros deberían ampliar los horizontes y ampliar el tema.
Es necesario tener tanto las habilidades tradicionales como la frescura de los tiempos, y tener colores locales fuertes y colores contemporáneos distintivos para crear paisajes, flores y pájaros nuevos y contagiosos. En definitiva, debemos conocer a las personas, ser rigurosos en el modelado, prestar atención a la pluma y la tinta, buscar la innovación, dibujar personas a partir del loess y mostrar la calidad de los tiempos. Este es nuestro deseo y propósito al establecer la Escuela de Pintura Loess.