¿Qué influencia tienen los principios de las ciencias naturales en la pintura?
La aparición de la tecnología de la fotografía ha eliminado la función documental de la pintura realista
Nuevos logros en la óptica Las investigaciones han llevado a los artistas a reexaminar los efectos de la luz y el color en los objetos.
En segundo lugar, los logros científicos de principios del siglo XX inspiraron a los artistas a explorar nuevos conceptos de tiempo y espacio.
En tercer lugar, el impacto de la alta industrialización de la segunda mitad del siglo XX en la pintura posmoderna.
En cuarto lugar, el desarrollo de la tecnología informática ha promovido el surgimiento de la pintura con medios digitales.
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Desde el Renacimiento, los artistas realistas occidentales han vinculado estrechamente el arte y la ciencia. Basándose en el estudio de la perspectiva, la anatomía y la proporción, estableció los estándares estéticos de armonía, simetría y elegancia en el arte clásico, que dominó las artes plásticas europeas durante más de 500 años. A mediados del siglo XIX, Ángel (1780-1867), figura representativa del neoclasicismo francés, y Courbet (1819-1877), figura representativa de la escuela realista francesa, llevaron el realismo europeo al mundo con sus soberbias habilidades realistas y Habilidades de modelado precisas. Pintura llevada al extremo. Junto con la expansión de los países capitalistas occidentales en ese momento, el arte oriental, especialmente los efectos visuales decorativos, planos y coloridos del estilo de pintura fáustica japonesa, así como el estilo regional misterioso y simple del arte primitivo africano, hicieron que Europa en ese momento fuera realista. Los artistas sintieron el valor estético único de las civilizaciones extranjeras, así como el encanto artístico poco científico e irrepetible de dar forma minuciosamente al espacio y el volumen de los objetos en las pinturas tradicionales, así como la realidad virtual de las imágenes externas. En ese momento, los artistas realistas occidentales comenzaron a reflexionar sobre sus logros artísticos y valores estéticos tradicionales, comenzaron a evitar los métodos de expresión del arte realista occidental tradicional y buscaron nuevos avances en la expresión artística.
1. Los nuevos avances en las ciencias naturales han promovido la transformación de la pintura tradicional europea en arte moderno.
1. La irrupción de la tecnología fotográfica ha eliminado la función documental de la pintura realista.
El arte realista occidental tradicional se basa en la ciencia y la racionalidad. Los últimos logros científicos y tecnológicos del siglo XIX hicieron que muchos artistas de la época se dieran cuenta de las limitaciones de los métodos de observación y comprensión de los objetos de los artistas realistas tradicionales y comenzaran a reexaminar el significado de la pintura.
En 1837, el artista escénico francés Daguerre se inspiró en los cambios que experimenta la sustancia química "sal de plata" cuando se expone a la luz, e inventó la fotografía que podía preservar las imágenes, a la que llamó "daguerrotipo". El 9 de agosto de 1839 anunció la invención del daguerrotipo y dio origen a la primera cámara portátil de madera del mundo. En la década de 1960, la fotografía se había desarrollado enormemente y en 1861 apareció la primera fotografía en color del mundo. En anteriores pinturas realistas europeas, asumía la tarea de registrar imágenes para dignatarios y promover eventos religiosos y sociales. La contraposición entre una excelente tecnología cinematográfica y funciones de servicio social juega un papel decisivo en la calidad de una obra. Sin embargo, con el desarrollo y la popularización de la tecnología de la fotografía, los dolientes del arte en ese momento descubrieron que cuando agotaban sus esfuerzos para completar una pintura realista, la cámara podía registrar o superar el efecto real de la pintura realista en un instante... El tradicional La pintura se perdió La ventaja de la función de grabación y esta sensación de crisis llevaron al artista a abandonar el método pictórico clásico de la fotografía y encontrar una nueva forma de expresión en el arte pictórico.
2. Nuevos resultados en la investigación óptica han llevado a los artistas a reexaminar los efectos de la luz y el color en los objetos.
En el siglo XIX, Occidente hizo grandes avances en la investigación de la óptica y el color, y publicó algunos trabajos científicos en campos relacionados, que inspiraron directamente las ideas impresionistas de innovación tecnológica.
En los años 1960, Newton (1642-1727) descubrió a partir de un prisma que la luz solar incolora y transparente estaba compuesta por haces de luz de siete colores, por lo que inventó el disco de siete colores. Los resultados de su investigación tuvieron una gran influencia en el uso inteligente de la luz en las pinturas de la Escuela Menor de Pintura holandesa del siglo XVII. Sus obras utilizan cambios de luz suaves y ricos para expresar el sentimiento poético de la imagen.
En el siglo XVIII, el científico británico Thomas Young (1773-1829) publicó "Conferencias sobre filosofía natural y arte mecánico", en las que organizó de manera integral sus investigaciones teóricas y experimentales en óptica. En 1801, realizó el famoso experimento de interferencia del doble agujero de Young, que demostró que la luz existe en forma de ondas, no de partículas ligeras como imaginaba Newton. Luego, en su artículo, estableció una nueva teoría de las ondas de luz basada en el principio de interferencia, explicó con éxito los anillos de Newton y determinó con precisión las longitudes de onda de siete tipos de luz. Primero, se estableció el principio de los tres colores primarios: "Señalando que todos los colores se pueden obtener a partir de los tres colores primarios rojo, verde y azul. Los objetos aparecen en diferentes colores porque absorben y reflejan ondas de luz de diferentes longitudes de onda en la luz del sol. . Los que no reflejan toda la luz solar son negros. No absorben. Todo lo que se refleja es blanco, y todo lo que refleja ondas de luz rojas y absorbe otras ondas de luz es rojo..." Según su teoría, desde un preciso punto de vista científico. Desde el punto de vista, cualquier absorción y reflexión no son 100, por lo que no hay negro puro, blanco puro, rojo puro, verde puro. Thomas Young también realizó una investigación pionera sobre óptica fisiológica y es conocido como el fundador de la óptica fisiológica. Propuso la teoría de que la visión del color depende de tres nervios diferentes en el ojo, que detectan el rojo, el verde y el violeta respectivamente, y se demostró experimentalmente que era correcta en 1959. Los resultados de estas investigaciones científicas dieron a los artistas de la época una nueva comprensión de la forma de observar los objetos. En el pasado, los pintores realistas clásicos carecían de la base teórica científica de la luz y el color, y carecían del hábito de observar cambios sutiles en el color de los objetos con sus ojos. Creen que el color inherente de cualquier objeto es inmutable, y los artistas observan y expresan habitualmente los objetos basándose enteramente en su color y bronceado inherentes. Basándose en la nueva teoría de la luz y el color, los pintores impresionistas comenzaron a utilizar el color con audacia en sus pinturas. Se dieron cuenta de que el color de un objeto se ve afectado por el color de la fuente de luz y el color del entorno circundante. Es el efecto visual que queda en el ojo humano después de que el objeto absorbe y refleja las ondas de luz. Comenzaron a usar sus ojos para capturar con precisión los sutiles pero ricos cambios de color causados por la luz que incide sobre los objetos. Su propósito sigue siendo reproducir el objeto de la manera más objetiva y verdadera posible, pero lo que realmente se reproduce no es el volumen y el color inherente del objeto, sino los ricos cambios de color presentados por la luz que actúa sobre el objeto, que es una luz que cambia dinámicamente. objeto objetivo. Los logros de las ciencias naturales han acelerado el ritmo de "transformación" del arte pictórico tradicional. El impresionismo, una escuela de pintura completamente diferente del arte clásico en términos de técnicas de expresión y conceptos estéticos, ha abierto el capítulo más emocionante de su historia del arte. La razón por la que es emocionante es porque su nacimiento es como una nueva vida, una nueva vida nacida después del dolor prenatal de la madre, algo nuevo que sobrevivió con tenaz vitalidad después de un fuerte conflicto con los conceptos estéticos tradicionales y los estándares estéticos habituales del público. En ese tiempo. Monet, el maestro que capturó la sensación instantánea de luz y color, representa al pintor. El nombre de Impresionismo proviene de su obra "Impresión del amanecer". Están Degas, el maestro que pintó la luz interior; Renoir, que mostró la rica y suave relación cromática entre el cuerpo femenino y los niños bajo la luz exterior; Pissarro, que utilizó cuadros sencillos, pesados y coloridos. A través de sus obras, interpretan a la perfección los mágicos y brillantes efectos de color de los objetos bajo la luz natural.
En este momento, se produjeron algunos nuevos avances en la investigación sobre el color. El químico francés Chèvre Chevreux (1786-1889) llevó a cabo una investigación sistemática sobre el color mientras se desempeñaba como director del departamento de teñido de la Fábrica Francesa de Tapices Gobelin. Descubrió a través de experimentos que cuando se mezclan diferentes colores de lana, se formará una mezcla de los dos colores en la visión humana cuando se mira desde cierta distancia. Basándose en sus investigaciones sobre el color, publicó el libro "El principio de armonía y contraste del color" en 1839, en el que proponía el principio de combinar el conocimiento científico con la aplicación práctica del arte. La yuxtaposición de diferentes colores a una determinada distancia producirá un nuevo color. Teoría del color. Proporciona una base teórica para que los pintores impresionistas presenten nuevas técnicas de expresión del color a través de la síntesis visual de diferentes puntos de color yuxtapuestos, líneas de color y bloques de color. Esta técnica de expresión no sólo hace que la imagen sea colorida y vivaz, sino que también hace que los colores salten y parpadeen. Esta teoría del color dio origen al neoimpresionismo (puntillismo) en los años 1980. Los artistas representantes fueron Seurat y Sineck, quienes utilizaron "mezcla de colores aditivos" para ajustar los colores.
En esa época, los medios de comunicación estaban muy desarrollados y diversos medios cinematográficos y televisivos, medios impresos, estrellas de cine y televisión, figuras públicas y otros símbolos de imagen se habían convertido en una parte indispensable de la vida de las personas en ese momento. El "arte pop", un género pictórico que toma prestados directamente símbolos culturales de la sociedad comercial y luego sublima temas artísticos, se hizo muy popular en los Estados Unidos en la década de 1960 y formó una tendencia cultural internacional. Su apariencia no sólo destruye la distinción entre elegancia y vulgaridad que siempre ha seguido el arte, sino que también encarna el principio de equivalencia entre arte y vida. Andy Warhol, el artista pop estadounidense representativo, imprimió Marilyn Monroe. Utilizó la avanzada tecnología de serigrafía de la época para reproducir la misma imagen en grandes cantidades, haciendo que la obra reflejara las características de los símbolos y la comercialización populares, y también reflejara lo moderno. La civilización científica y tecnológica y la civilización comercial altamente desarrollada han causado pérdida y confusión en las emociones internas de las personas.
En la década de 1950, Victor Vasari (1908-1997) escribió una serie de manifiestos sobre cómo utilizar los fenómenos ópticos al servicio del arte. Estos manifiestos y sus obras tuvieron una influencia muy importante en los artistas jóvenes. Animó a los artistas jóvenes a utilizar un diseño científico riguroso para ordenar figuras geométricas o corrugadas complejas de acuerdo con ciertas reglas, creando una sensación de movimiento y parpadeo en la percepción visual, haciendo que el nervio óptico produzca un efecto de halo o confunda al observador cuando está en contacto. la imagen. Efectos visuales que producen ilusiones y alucinaciones. Una nueva escuela de pintura, el "Op Art", comenzó a tomar forma. También llamado "arte de efectos visuales" o "arte de efectos de luz". La primera obra de Victor Vasari, Zebra, fue creada en la década de 1930 y se considera la primera obra maestra de la Escuela de Arte Opal. En sus obras posteriores, también exploró la expresión de efectos cuatridimensionales y movimientos espaciales tridimensionales. La obra Sorata-T es su intento de buscar nuevos efectos visuales. Si bien estos artistas buscan nuevas técnicas de expresión pictórica y efectos visuales únicos en sus obras, el surgimiento y desarrollo del arte en medios digitales ha planteado nuevos desafíos a las técnicas pintadas a mano y los efectos pictóricos de la pintura de caballete.
En cuarto lugar, el desarrollo de la tecnología informática ha promovido la aparición de la pintura en medios digitales.
El nacimiento de la computadora es la cristalización de la sabiduría humana y producto del progreso tecnológico humano. En 1941, el ingeniero alemán Jules construyó la primera computadora programable del mundo. 1944-1945 El científico húngaro-estadounidense von Neumann utilizó "programas binarios" y "programas almacenados" en computadoras para establecer un sistema operativo moderno, que continúa hasta el día de hoy. A principios de la década de 1990, con la mejora de las funciones de las computadoras y la madurez del software de procesamiento de gráficos por computadora, la humanización de las interfaces hombre-computadora y la producción industrial en masa ingresaron al mercado, haciendo posible que las computadoras ingresaran a los hogares comunes y a los medios digitales. arte de creación de imágenes.
La pintura en medios digitales y la pintura tradicional dependen de diferentes materiales en el proceso creativo. Los materiales de pintura tradicionales son principalmente materiales físicos como pinceles, lienzos y pigmentos, mientras que la pintura por computadora se basa en equipos de hardware y software de procesamiento de gráficos. Como el software de procesamiento de planos gráficos JavaScript, Skockware, Flash, Photoshop, 3DMAX de fotograma único, Maya, etc., cuando se generan como imágenes estáticas en tiff, eps, ipeg y otros formatos, constituyen imágenes artísticas por computadora con las funciones. del software de procesamiento de gráficos La mejora del procesamiento de efectos especiales como filtros, máscaras, canales y otras funciones de Photoshop, el uso de bibliotecas de materiales de software como 3DMAX, Alias, Maya, etc., junto con las ventajas de la tecnología de síntesis de imágenes por computadora y Después de la popularización de la tecnología del collage de imágenes, a mediados de la década de 1990 aparecieron una gran cantidad de pinturas surrealistas, expresionistas y abstractas basadas en computadora. La tecnología de procesamiento de gráficos por computadora también puede simular y procesar pinturas tradicionales, como pinturas en tinta china, acuarelas, pinturas gouache, pinturas al óleo, bocetos, grabados, etc., permitiendo que las obras de arte clásicas tradicionales ingresen a los hogares de la gente común en nuevas formas. .
Los pintores tradicionales necesitan concepción, creatividad y habilidades para pintar a mano en el proceso de creación artística, mientras que los artistas informáticos deben dominar la capacidad de usar computadoras y utilizar hábilmente el software en la creación de pintura, lo que requiere pensamiento artístico e innovación. Integrado orgánicamente con la tecnología. Las obras de arte creadas por computadoras, sin importar cuán perfectas o creativas sean, son esencialmente interpretaciones de información digital de 0 y 1. El arte digital no se desarrolla en un vacío histórico del arte.
Tiene cierta relación causal con muchas escuelas artísticas del arte posmoderno occidental, como la exploración del tiempo futurista y la fascinación por la estética del poder mecánico, el uso de símbolos populares por parte del Pop Art y la reproducción a gran escala de la misma imagen, la investigación de Opal Art. y la expresión de efectos ópticos impulsó a los artistas en ese momento a explorar y probar efectivamente la aplicación de la ciencia y la tecnología en el arte. Las características e ideas estéticas de las obras de medios digitales también están en línea con la popularización y popularización del arte defendida por el arte posmoderno occidental. ización, reproducción de obras de arte, deconstrucción artística y composición irracional, etc.
En la historia del desarrollo de la ciencia y el arte en el siglo XX, podemos ver que los cambios conceptuales y la innovación tecnológica son fuerzas importantes que promueven el desarrollo y el progreso del arte. La clave para el desarrollo de la ciencia y el arte en la ola de informatización social. Producto de la combinación, su surgimiento representa la tendencia de desarrollo de la integración mutua y la promoción mutua de la ciencia, la tecnología y el arte en el siglo XXI.
Conclusión
En el mundo actual, el transporte cómodo y rápido ha acortado la distancia entre las personas, y las redes de transmisión de información rápidas y de alta calidad han permitido a los seres humanos disfrutar del encanto del mundo. culturas diversas. A medida que la humanidad comienza a entrar en la era de la aldea global, debemos examinar el espacio vital de la humanidad y la dirección del desarrollo de la civilización humana desde una nueva perspectiva. Si todavía estás hablando de arte oriental y arte occidental, arte del norte y arte del sur, arte tradicional y arte moderno y contemporáneo, obras pintadas a mano y obras de medios digitales contemporáneos, sin duda eres una rana en el pozo. Porque debemos respetar la individualidad y las diferencias de las culturas creadas por los humanos. En Occidente, aunque la pintura de caballete tradicional no es la corriente principal del arte en la sociedad actual de tecnología de la información, frente al ajetreo a corto plazo de múltiples escuelas y estilos de arte contemporáneo y la confusión de que el arte ha sido transformado ciegamente por la tecnología. y la comercialización, como parte importante de la cultura humana, aún es necesaria para heredar y desarrollar.