Monet dijo que debía haber luz, por eso había luz.
Monet ha estado persiguiendo el mundo de la luz y el color durante toda su vida. Nació en una familia corriente en París. Su padre dirigía un pequeño negocio para mantener a la familia. Su padre quería que Monet heredara la tienda de comestibles familiar cuando fuera mayor, pero Monet sólo quería ser artista. Ya a los tres o cuatro años, Monet mostró un gran talento para la pintura. Las paredes y suelos de su casa se convirtieron en lugares para sus graffitis. Cuando era estudiante, estaba más interesado en los cómics. Durante la clase, no se concentraba en escuchar y estudiar, sino que creaba caricaturas exageradas y divertidas basadas en los profesores y compañeros del aula. Cuando era adolescente, Monet se había convertido en un caricaturista muy conocido en Normandía y vender sus dibujos se convirtió en una forma de obtener ingresos.
El propio Monet dijo una vez medio en broma: "Cuando tenía 15 años, la gente de Le Havre pensaba que era un satírico... numerosos encargos me permitieron realizar un cuadro que podría ser una decisión audaz que Dañó la reputación de mi familia: comencé a cobrar a la gente por los retratos. Cobraba entre 10 y 20 francos en función de su apariencia. Así que encargué 20 francos y nadie me devolvió el precio. ahora”.
Sin embargo, la historia no quería que Monet se convirtiera en caricaturista después de todo. El encuentro con Eugène Boudin pareció abrir la puerta a un mundo nuevo para Monet. Monet comenzó a contactar con la pintura al óleo, a aprender técnicas pictóricas y fue influenciado por las obras de muchos artistas del Louvre. Siguiendo el proceso de dibujo de Eugene Boudin, Monet sintió el encanto de la luz y la sombra. Las líneas suaves y los colores borrosos de las obras de Eugene Boudin también aportaron una importante inspiración a Monet. La leyenda de la Luz de Monet apenas comienza.
Si Eugene Boudin trajo iluminación al arte de Monet, conocer amigos con ideas afines y un amor único haría que Monet sintiera un toque espiritual y un despertar del alma sin precedentes. Tras conocer a Eugene Boudin, Monet se dio cuenta de las innumerables posibilidades del arte. Decidió regresar a su lugar de nacimiento, el París artístico, para estudiar formalmente pintura.
En 1862, Monet se reunió con Charles Greer en su estudio de París, donde conoció a Sisley, Basil y Renoir. Cuatro jóvenes pintores alegres ya no se quedan sólo en el estudio. A menudo viajaban juntos, llevando sus caballetes al bosque de Fontainebleau, en las afueras de París. Cuando dibujan al aire libre, se basan en la observación directa de la naturaleza y capturan la luz y las sombras naturales con sus ojos. Ignoraron doctrinas teóricas anteriores y se entregaron a pintar al óleo bajo luz natural, creando así una técnica artística completamente nueva. En esta etapa, Monet estaba inmerso en su inspiración todo el tiempo.
Lo más bonito de la vida es conocerla y recorrer el camino. En 1865, Monet tenía 25 años y Camille 18. Se encontraron junto al Sena mientras almorzaban sobre la hierba. En ese momento, Camille era su modelo. Camille en la pintura era gentil y recatada, lo que fascinó al joven Monet. El temperamento artístico de Monet también conmovió el corazón de Camille. Todo artista tiene una musa en su corazón y Camille parece destinada a ser la musa de Monet.
En 1866, estaba a punto de celebrarse el salón oficial anual de París y Monet envió como modelo un gran retrato de cuerpo entero de Camille: la Mujer de Verde. Aunque la pintura "Monet" tardó sólo cuatro días en completarse, le valió a Monet elogios sin precedentes. Aunque los retratos no son infrecuentes, en el pasado los retratos eran en su mayoría de aristócratas, con los mismos temas. En "La mujer de verde", Camille, que proviene de una familia común y corriente, se encuentra en un rincón discreto, vestida con ropa normal, parada de lado, con la cabeza ligeramente inclinada hacia atrás sin darse cuenta, la niña es fresca y hermosa. Monet parece haber encontrado un nuevo tema de retrato y un estilo de retrato distintivo para la época.
Aunque Monet y Camille son almas gemelas, la familia de Monet no puede comprenderlos ni realizarlos.
Su padre incluso cortó su apoyo financiero porque no podía aceptar ni aprobar que una joven modelo se casara con Monet. En un instante, Monet pasó de ser un pintor talentoso a un joven pobre y endeudado. Para escapar de las deudas, Monet tuvo que destruir sus obras. Debido a limitaciones financieras, Monet solo pudo raspar la pintura al óleo del cuadro y reutilizarla, pero todo esto no logró destruir su amor. La luz de Monet es más brillante gracias al amor.
Después de eso, la situación financiera de Monet no fue muy buena. En 1867, Camille quedó embarazada y nació su primer hijo, pero no pudieron darle una buena nutrición. Monet incluso le mencionó a Basil que sin el pan que les envió Reno, probablemente morirían de hambre. En esa época, la pobreza parecía ser una epidemia para muchos artistas, muchos de los cuales vivían una vida comiendo su última comida sin saber dónde sería su próxima comida. Pero en circunstancias tan difíciles, Camille nunca dejó a Monet. Incluso cuando quiso suicidarse, no lo dejó. Camille trajo esperanza e inspiración creativa infinita a Monet.
"Mujer sosteniendo un paraguas" de Monet fue escrita en 1875. Luces y sombras de ensueño surgen, nubes blancas decoran el maravilloso cielo. Camille sostiene un paraguas y aparece con una falda de gasa blanca con coloridas flores debajo de la vegetación. . Camille es como una dama salida de un poema, inolvidable. Es precisamente gracias a esta musa que Monet pudo crear un flujo constante de obras excelentes, incluso si era pobre, incluso si enfrentaba el sufrimiento de la guerra e incluso si tenía que viajar.
La historia de un hombre talentoso y una hermosa mujer parece romper con los prejuicios y la pobreza mundanos, pero no puede soportar la fragilidad de la vida. Después de dar a luz a dos hijos, el cuerpo ya débil de Camille se volvió aún más difícil de sostener y estuvo postrada en cama todo el día. Durante diez años de altibajos, Monet pintó minuciosamente "Pañuelo rojo: retrato de Madame Monet". En un día nevado de invierno, las cortinas de la ventana estaban ligeramente enrolladas y Camille pasaba por allí y miró por la ventana. En la tranquila escena, hay un toque de tristeza en los ojos de Camille, y su hermoso rostro parece ligeramente débil y cansado contra el fondo del pañuelo rojo.
A principios del otoño de 1879, Camille, que padecía una enfermedad, falleció. Para conservar la luz de la vida de su esposa, Monet soportó su dolor y pintó "La última Camille". Según recuerda Monet, "instintivamente estudié el rostro joven e inexpresivo de mi esposa frente a la cama, buscando los colores que trae la muerte, observando la distribución y los cambios de capas de los colores. Entonces se me ocurrió una idea: quiero rendir homenaje a esta persona que está a punto de dejarme. Los familiares dibujan el último retrato "La mujer a quien Monet amó la mayor parte de su vida lo acompañó en los días más difíciles sin ningún remordimiento, pero perdió la oportunidad de compartir un futuro glorioso. a él. Camille trabajó duro para Monet toda su vida. Para compensar a su esposa, cuando murió, Monet colgó una medalla recién canjeada en la casa de empeño alrededor del cuello de su esposa, para que Camille no estuviera sola en otro mundo. El último cuadro de Monet para Camille El cuadro está lleno de su. añorando y anhelando a su amante.
Tras la muerte de Camille, Monet abandonó el mundo exterior y eligió la localidad francesa de Giverny. Aquí, se enamoró de paisajes aparentemente ordinarios, como flores, puentes y estanques, e incluso creó él mismo un hermoso jardín. Pero cuando se enfrentó a los objetos más comunes, Monet aún fue capaz de cambiar con sus cambios y descubrió que no eran de la misma belleza.
A partir de 1890, Monet creó decenas de pajares, que parecían monótonos, pero Monet descubrió los cambios de luz en diferentes épocas. Ya sea bajo la niebla de la mañana, bajo el sol abrasador del mediodía o al atardecer, Monet siempre puede encontrar el color que pertenece al pajar. Esta búsqueda de efectos instantáneos requiere que el pintor tenga un alto grado de paciencia y una aguda observación, así como un manejo preciso y delicado de las pinceladas. Durante la mitad y los últimos años de su carrera pictórica, Monet siguió fascinado por la creación de series de pinturas. En sus últimos años, Monet no sólo diseñó y organizó su querido jardín, sino que también utilizó su pincel para preservar este jardín único para el mundo.
Aquí Monet creó la serie de nenúfares de amplia circulación. Su observación de cada hoja de loto y de cada flor de loto puede describirse como un estado de fascinación. A finales de 1900, Monet expuso por primera vez sus 13 cuadros "Nenúfares". La superficie del agua, los sauces llorones y los nenúfares en flor pueden parecer casuales y relajados, pero expresan vívidamente la belleza estática de la imagen y la ternura de los nenúfares. Después de 1904, el estanque de Monet ya no tenía un puente de arco de estilo japonés, sino nenúfares más simples y aguas profundas, creando un paisaje de estanque extraordinario.
Como dijo un crítico en ese momento: "El agua azul claro y azul oscuro refleja el cielo y el agua en constante cambio en la orilla del estanque. En el reflejo florecen nenúfares claros y ricos nenúfares".
Debido a la exposición prolongada a fuertes pinturas bajo luz, el anciano Monet sufrió enfermedades oculares en los últimos días de su vida, pero aun así insistió en pintar "Nenúfares para las cuatro estaciones" día tras día, año tras año. Las estaciones que fluyen son como regalos de la naturaleza. Las pinceladas parpadeantes y los colores saltarines de "Los nenúfares de las cuatro estaciones" no sólo registran los cambios objetivos de los nenúfares, sino que también transmiten los sentimientos subjetivos de Monet. Monet es como un poeta de la época, experimentando los altibajos de la vida. Su talento innato, sus habilidades acumuladas y sus emociones perennes se entrelazan en este grupo de pinturas.
Monet, un seguidor de la luz, pasó toda su vida pintando y persiguiendo la luz. Para él, parece haberse convertido en una religión. Corre tenazmente contra la luz, liberando la pintura del mundo del significado. Pasó toda su vida intentando capturar más luces fugaces, y cada búsqueda de luces y sombras se convirtió en una leyenda en su carrera del color.