¿Qué artista fue autodidacta y se hizo famoso?

1. Durero

Albrecht Dürer (1471-1528), hijo de un joyero de oro y plata, nació en Nuremberg, Alemania. Durero heredó de su padre las cualidades trabajadoras, diligentes y realistas desde pequeño, es decir, le gusta tener un espíritu insaciable de exploración de todas las cosas. Durero, que estudió con el maestro de arte de Núremberg M. Wolgemut, es realmente un niño prodigio. A los 13 años pudo crear de forma independiente un autorretrato bastante maduro. A los 18 años, su autorretrato alcanzó el nivel artístico. nivel de un gran artista. Como artista del Renacimiento alemán, Durero puede hacerse eco del maestro del arte del Renacimiento italiano Leonardo da Vinci.

Durero fue un general polifacético que nunca se conformó con el mundo conocido y constantemente exploró y descubrió sus leyes en los campos de la vida y el arte. Durero no sólo fue pintor, sino también escultor y arquitecto. Tuvo profundos logros en el estudio de la geometría, la arquitectura y el modelado de proporciones. "La teoría de la proporción", que escribió tras diez años de arduo trabajo, es una destacada contribución a la teoría de la pintura mundial. Entre las obras de Durero, los dibujos y las impresiones en blanco y negro representan aproximadamente la mitad de todas sus obras representativas. Las principales razones de este fenómeno son: primero, el grabado es una tradición de la pintura alemana temprana; segundo, cuando estudió con Wolgemut de 1486 a 1489, el maestro le enseñó principalmente dibujo y grabado.

Los bocetos al carboncillo de Durero se caracterizan por una expansión espesa, vigor, líneas muy medidas y depuradas. De 1500 a 1594 se concentró principalmente en ejercicios de dibujo de cuerpos humanos y animales. El propósito es dominar la comprensión precisa del realismo, explorar la diferencia de proporciones entre hombres y mujeres a través del dibujo natural y descubrir los estándares perfectos de proporción del cuerpo humano para ambos sexos. Antes de que Durero viajara a Italia, su creatividad artística ya había atraído la atención de muchos pintores italianos famosos. En 1505, cuando Durero estaba en Italia, el famoso pintor Giovanni Bellini, que era 40 años mayor que él, le pidió un pincel corriente que le había dejado elegir y le hizo una demostración en el acto. Bellini quedó asombrado por la pintura de "un mechón de cabello femenino, suave, tenue y ondulado". Bejani creía que para pintar un objeto tan delicado se debía utilizar un pincel especial, lo que demuestra el alto nivel de habilidad de Durero.

El contenido del Renacimiento alemán es ligeramente diferente al de Italia y Países Bajos. Esto se debe principalmente a la influencia de dos acontecimientos importantes en la vida política alemana: Primero, el renacimiento masivo en el que participaron las clases bajas. de la ciudad participaron La segunda fue la Guerra de los Campesinos, el “Movimiento de Reforma” instigado por Martín Lutero, líder de la Reforma alemana. Los tres pintores alemanes más importantes del siglo XVI, Durero, Grunwald y Holbein el Joven, nacieron en esta época. Entre ellos, los logros artísticos de Durero y Holbein el Joven son los más importantes del mundo.

Los artistas alemanes rara vez expresan la belleza del cuerpo humano porque no se inspiran en la belleza del cuerpo humano en las antiguas estatuas griegas y romanas como los italianos. El arte alemán generalmente se centra en la expresión del temperamento espiritual. Quizás se trate de una tradición pictórica del carácter nacional germánico. Lo que Holbein dejó a las generaciones futuras, además de pinturas al óleo, son principalmente bocetos y retratos destacados. Los bocetos y grabados de Durero fueron la dirección principal de su creación durante toda su vida. Por ejemplo, el retrato en boceto "Madre" es una de las obras más destacadas de la historia del mundo. "La Madre" de Durero no sólo retrata con éxito la imagen de su madre, sino que también muestra el amor más profundo del hijo por su amada madre. rasgo de carácter extremadamente fuerte de la nación. Otro ejemplo es "El hombre de 93 años", que es un boceto realizado para la creación de "San Jerónimo". La fuerza de esta obra es, de hecho, uno de los modelos de bocetos del mundo. Las obras de Durero no sólo pertenecen a Alemania, sino que también son preciosos tesoros espirituales de toda la humanidad.

2. Holbein

Hans Holbein (1497-1543) nació en Augsburgo, Alemania. La ciudad ocupa el segundo lugar en términos de economía después de Nuremberg. Extendió los productos europeos al otro extremo de la tierra y, al mismo tiempo, transportó continuamente tesoros raros desde el Este a Europa, por lo que este lugar era extremadamente próspero. Holbein era hijo del pintor Hans Holbein el Viejo. Completó su aprendizaje en el estudio fundado por su padre. Este taller de arte se convirtió en la base de la Escuela de Arte de Augsburgo. Holbein se había inclinado hacia un estilo artístico liberal desde su juventud.

En 1515 dejó el taller de su padre y vino a Basilea. Comenzó a inspirarse en un fuerte espíritu humanista y conoció al famoso filósofo Erasmus von Rotterdan. Admiraba especialmente sus obras "Oda a la locura" y otras obras que tenía. una influencia importante en Holbei Tiene una gran influencia en la formación de su estilo de pintura y su visión del mundo. Mientras se dedicaba a la ilustración en Basilea, dedicó sus primeras ilustraciones a la inmortal obra "Oda a la locura", que admiraba.

El talento artístico de Holbein se dedicaba únicamente al retrato y no tenía ningún interés en representar paisajes. Le gustaba especialmente el famoso dicho de Sócrates: "No son los árboles los que nos interesan, sino las personas". se concentró en estudiar las expresiones faciales y los rasgos faciales de los personajes, y realizó pinturas que pudieran distinguir las personalidades momentáneas de los personajes de sus personalidades eternas, que hasta cierto punto reflejaban un sentimiento idealista.

Tras permanecer dos años en Basilea, se traslada a Lausana. Le llevó tres años diseñar trabajos de decoración de interiores para los funcionarios municipales de la ciudad. Todos sus murales encarnan el espíritu del Renacimiento, y sus logros artísticos superan con creces los de su padre. Al regresar a Basilea en 1519, fue aceptado como pintor por el gremio local y obtuvo la ciudadanía de la ciudad. En 1521, Holbein pintó obras para el Salón del Parlamento de Basilea, que expresan las historias históricas y diversos patrones de Grecia y Roma. Están llenas de espíritus griegos y romanos distintivos y reflejan la extraordinaria armonía de la pintura y el arte arquitectónico. Durante este período, en comparación con el estilo libre puro del período inicial, sus ideas creativas estaban más estrechamente relacionadas con la supervivencia y el destino humanos. En 1520, el pintor se casó con una viuda adinerada cuatro años mayor y se instaló en Basilea, pero pronto se trasladó a Inglaterra.

El movimiento de reforma religiosa fue feroz y destruyó todas las pinturas de las iglesias en Basilea, lo que obligó a los funcionarios del gobierno a declarar la prohibición de la creación de pinturas de iglesias y de todo arte religioso. La única obra que se rescató fue un retrato de la esposa y los dos hijos del pintor.

En 1529, Holbein dejó París y se trasladó a Londres. Se puso en contacto con sus compatriotas alemanes en Gran Bretaña y les pintó retratos, la mayoría de los cuales se han conservado. 1536. Fue nombrado pintor de la corte y se convirtió en el "pintor real" de Inglaterra. Pintó al rey Enrique, a la reina madre y a los miembros de la familia real. El rey fue el más pintado. También pintó a científicos, artistas y extraños. Debido a sus habilidades superiores, el joven Holbein era muy apreciado y famoso, y recibió todos los honores que un artista del siglo XVI podía recibir. Pasó sus últimos años en Londres, totalmente leal al rey Enrique y a la familia real.

Las creaciones que Holbein aportó a las damas de la corte del rey Enrique y otros miembros del personal real tienen todas un estilo claramente racional, intentando reproducir fielmente los objetos pintados y resaltar su objetividad. El pintor no se somete a la mejor manera de hacerlos rápidamente. cambiar las emociones puede influir en ellas es a través de la objetividad. Por ello, el pintor ajusta su punto de vista para realizar observaciones realistas y objetivas sobre los rostros de los personajes. Aparte de esto, no le importa nada más, lo que es casi similar a los científicos de su misma generación. Por ello, pintaba con una actitud absolutamente minimizada y fría. Lo valioso es que el pintor no persigue personas deificadas, sino que expresa la verdadera apariencia de personas reales. A día de hoy, sus obras siguen teniendo el mismo atractivo que las obras de la vida real. Su arte está lleno de belleza tranquila y armoniosa. El pintor no sólo absorbió los aspectos estéticos de las formas renacentistas, sino que también reprodujo su talento cada vez más sofisticado para dibujar retratos combinándolos con la vida real. Sus obras del período de Basilea son obras tempranas y están recopiladas por la ciudad; sus obras del período británico son principalmente obras intermedias y tardías y están recopiladas por el Palacio de Windsor en el Reino Unido y algunas colecciones privadas.

La altura artística de los dibujos de Holbein supera a la de sus pinturas al óleo. Sus bocetos tienen logros artísticos exquisitos y pueden considerarse como obra de un maestro del dibujo de talla mundial. Heredó la tradición del realismo establecida por Durero y, basándose en ella, creó un estilo de retrato simple y expresivo. Holbein encontró aspectos adecuados para sus propios intereses y expresiones en la rigurosa tradición del dibujo alemán y formó su propia técnica de expresión de dibujo lineal. Sus líneas son precisas y precisas Según el grosor, el tono y los cambios de giro de las líneas, se sugiere la relación estructural interna de la cabeza del personaje. Las líneas utilizadas en la ropa y otras partes son relajadas y libres, con una sensación simple y vivaz. . Durante el proceso de pintura, primero usó una "pluma plateada" para dibujar sobre papel suave y finalmente usó una pluma humedecida en color marrón óxido para acentuar las líneas y aumentar la intensidad. Al mismo tiempo, también utiliza principalmente carbón para dibujar. Le gusta usar beige, marrón, ocre claro o varios colores fríos y otros papeles teñidos con agua en el papel de dibujo que ha procesado. las habilidades del artista.

A veces se aplica un color claro al boceto y otras veces se utiliza tiza, según el objeto de expresión. Una vez completado el boceto, se utiliza una solución de goma arábiga y polvo de hueso para pulverizar la pintura. Este método fue introducido en Alemania desde Italia por Durero.

Holbein tenía un temperamento tranquilo y sencillo y un estilo de pintura cauteloso y firme. Rodin dijo: "Sus bocetos no son tan suaves como los de la escuela florentina, y sus colores no son tan hermosos como los de la escuela veneciana. Hay algo en las líneas y los colores de Holbein que no se puede encontrar en otros pintores. Poder: solemnidad y significado interno ”

3. Menzel

Adolf Menzel (1815-1905) nació en Broslau, Alemania. Trabajó en una imprenta litográfica dirigida por su padre desde niño y poco a poco desarrolló un fuerte interés por la pintura. En 1830 la familia se mudó a Berlín. Pronto su padre murió de enfermedad, Menzel, que tenía sólo 15 años, heredó el negocio de su padre y se convirtió en el sostén de la familia de cuatro.

A los 18 años, tras muchos contratiempos, ingresó en la Academia de Bellas Artes de Berlín para estudiar escultura. Pero no mucho después, se vio obligado a abandonar la escuela que anhelaba y se embarcó en un arduo camino de autoestudio porque dejó al decano de la universidad una reputación de falta de talento e inalcanzable.

La primera obra famosa de Menzel fue una serie de ilustraciones impresas para el poema de Goethe "El camino de la vida del artista" de 1838 a 1844, y las impresiones posteriores que creó sucesivamente. Estas obras muestran que el destacado talento para dibujar de Menzel atrajo a una gran cantidad de personas. atención en el mundo del arte alemán y fue aceptado como miembro de la "Asociación de Jóvenes Artistas". Desde entonces, la reputación artística de Menzel no ha dejado de mejorar y se ha unido a las filas de los pintores de la corte alemana.

Alemania en aquella época era la época de Federico el Grande. Después de que Menzel se convirtiera en pintor de la corte, sus pinturas se pueden dividir en dos aspectos: primero, expresar y representar la vida lujosa de los nobles y los nobles en el palacio durante el período de Federico el Grande. Un gran número de obras reflejan la etiqueta palaciega, los banquetes de celebración y la vida del emperador en aquella época. En segundo lugar, las obras basadas en civiles y trabajadores, especialmente las que tienen como tema a los trabajadores, reflejan las escenas del trabajo productivo de los trabajadores con un fuerte atractivo. La obra representativa es "Steel Rolling Factory" de 1872 a 1875.

En la década de 1840, la atrasada y anticuada Escuela Nazarena y la Escuela de Arte de Dusseldorf todavía dominaban el arte alemán. Menzel estuvo hasta cierto punto influenciado en sus inicios, pero luego cambió su dirección creativa hacia la vida real. Todos los objetos que Menzel refleja y representa en la vida real provienen de bocetos que otros artistas no pueden igualar. Incluso en objetos que otros menosprecian, puede despertar interés e incluso inspiración después de concentrarse y calmarse. Mostrando una energía imparable. Le apasionan profundamente los vastos y majestuosos o trágicos y áridos paisajes naturales, y sus profundos sentimientos se condensan en su pluma. Sus rápidos bocetos tienen un espíritu alegre e impactante para el alma. La belleza está viva y la vida está siempre en un estado de movimiento y cambio. A menudo aparecen objetos vívidos en el proceso. Los pintores son mejores para capturar imágenes en movimiento, incluso objetos fugaces. De esta manera, he desarrollado mis habilidades de estilismo sólido, chic, agresivo y hábil. Tiene una capacidad asombrosa para resumir grandes escenas con objetos complejos. En cuanto al procesamiento de la luz, puede expresar plenamente el temblor del aire y el parpadeo del sol con bocetos.

Menzel es un artista que concede gran importancia a la racionalidad Para poder crear un cuadro, primero debe dibujar una gran cantidad de bocetos, personajes, atrezzo, entornos... Por ejemplo, antes de crear "Steel". Rolling Factory", se encontraba en la fábrica. Cientos de bocetos fueron dibujados in situ entre la luz del fuego y el ruido de la maquinaria. No hay pintor en el mundo que esté tan dispuesto como Menzel a caminar por la cuerda floja por las cumbres artísticas más exquisitas de sus bocetos. Una vez que se equivoque, caerá en el abismo sin fondo de la artificialidad. La minuciosidad de su trabajo hace que la gente sienta que tiene tanto talento como los toscos impresionistas que pusieron la pluma sobre el papel. Es un maestro del trauma elaborado.

Además, Menzel siempre se toma en serio cada una de sus obras. A menudo estudia en profundidad el mismo tema durante mucho tiempo y luego lo repinta repetidamente hasta quedar completamente satisfecho, y nunca se rinde a medias. Sabe muy bien que el arte no puede nacer en patios vacíos y pabellones imaginarios, ni se puede improvisar abandonando su fuente en busca de agua; siempre necesita buscar en el océano de la vida y en el mundo de la vida, para luego crear un. La visión y la creación, la representación, la configuración y, finalmente, lo que se presenta al público es un arte fascinante.

El crítico ruso Stasov lo llamó una vez "el primer pintor más grande" de la Alemania contemporánea. La Academia de Artes de San Petersburgo en Rusia otorgó a Menzel el título de Académico Honorario de la Academia.

La razón por la cual este pintor es tan valorado por Rusia es porque su expresión artística del mundo objetivo tiene ciertas similitudes con las obras de la Escuela Progresista Rusa. Sin embargo, no es en absoluto lo mismo.

Menzel fue un pintor extremadamente diligente. Los años tienen atardeceres, pero el arte no tiene atardeceres. Continuó pintando hasta su vejez.

4. Kollwitz

Casey Kollwitz (1867-1945) nació en Königsberg y fue el grabador y dibujante más destacado de Alemania. Sus obras fueron expuestas en mi país en los años 1930 y 1970. Sus obras son muy contemporáneas y revolucionarias, y al mismo tiempo tienen un sabor nacional. En 1927, Romain Rolland, que entonces era indiferente a todo, hizo un comentario pertinente sobre Kollwitz: "Las obras de Kathe Kollwitz son las canciones más bellas de la Alemania actual, no hay comparación con los 60 años de carrera creativa de la pintora". artista de su generación cuyas obras son tan compactas y rigurosas, tan humanas e impecables como las suyas. El escritor alemán Bodo Uzer dijo: "Kollwitz formó las principales características de nuestra apariencia nacional. Todos somos hijos de esta sufriente madre alemana que exploró la verdad. Cuando la gente nos ve, piensa en Kollwitz, en las obras de Kollwitz, la gente nos vuelve a ver". ."

Todas sus obras, salvo un temprano autorretrato con una sonrisa natural y el grabado "Madre" realizado en 1910. Aparte de "Con hijo", es difícil encontrar una obra brillante y ambiente alegre. Ella escribió en su diario: "Toda mi vida ha estado intensamente inmersa en emoción y vitalidad, inmersa en dolor y anhelo". Ella enfrentó el mundo, fue leal a la vida y se opuso a la guerra. Son estas cualidades las que hacen de sus obras un fiel retrato de una época para la nación alemana. Uzawa dijo: "Estas obras son como un puntero que oscila entre dos polos, que pueden representarse mediante las dos obras "Madre e hijo" y "Muerte y mujer". Todas sus obras provienen de una fuente y se reúnen en un gran río.

En sus primeras obras, Kollwitz enfatizó elementos narrativos en el espíritu del naturalismo alemán. Ella dijo: "En ese momento, no conocía ningún otro arte excepto el arte narrativo". En la turbulenta vida política, ella estuvo profundamente influenciada por el movimiento revolucionario. Entre las pinturas "Levantamiento de los trabajadores textiles" realizadas entre 1893 y 1897 y "Guerra campesina" realizadas entre 1901 y 1908, las más influyentes expresan el sufrimiento y la decepción de agricultores y trabajadores. Sus obras piden ayuda, simpatía y misericordia. Lo que ella llama es la conciencia de todos. Se opuso a las fuerzas gobernantes y expresó su enojo, pero no llamó a una revolución violenta ni a cambios en la sociedad y el mundo. La artista escribió en su diario: "No soy una revolucionaria, sino una evolucionista".

Kollwitz pintó varios autorretratos, pero estas obras no tenían ningún elemento de descripción psicológica personal. Lo que principalmente expresaba no era ella misma, sino la tragedia de su madre alemana. Una vez escribió en su diario: "Cada vez que creo la imagen de una mujer, lo que me viene a la mente es siempre una mujer que ve el sufrimiento en el mundo. Ella mira el mundo y permanece en silencio. Goethe puede ser capaz de encontrar la palabras: 'El laberinto del interior' o 'El anhelo del Elíseo'"

Aunque las actividades creativas de Kollwitz estuvieron expuestas a varias escuelas, no se vieron muy afectadas por estas tendencias. Rompió resueltamente las cadenas del naturalismo y se opuso a la visión escapista del simbolismo. Usó métodos de expresión impactantes para crear una imagen trágica que alcanzó su apogeo en la historia de la revolución popular alemana. El estilo artístico de la pintora es esencialmente expresionista, pero su singular brújula siempre apunta a la dignidad humana y el deseo de la verdad.

Kollwitz fue un destacado grabador, dibujante y escultor. Ella escribió en sus memorias: "Mis habilidades con el color no son lo suficientemente buenas. Accidentalmente leí" Color y dibujo "de Max Klingel, y luego sentí que no era un pintor de color en absoluto. El 25 de mayo de 1911, ella escribió. en su diario: "El arte alemán necesita absorber la esencia de la época romana de todos modos. Fagan l Bu tuvo la suerte de alcanzar el nivel genial de la pintura con su inspiración. Los alemanes carecen de inspiración cromática."

El arte en blanco y negro de Kollwitz es uno de los picos del siglo XX, como "Los tejedores", "El equipo de los tejedores", "Frente a la casa del propietario de la fábrica" ​​y "El pasto" se han exhibido muchas veces en exposiciones. Tener éxito. Cuando su grupo de pinturas se exhibió en la estación de Rölt, Menzel, uno de los censores del consejo en ese momento, sugirió que "La Tejedora" recibiera una pequeña medalla de oro, pero el rey rechazó la sugerencia.

Sin embargo, desde entonces ha saltado a las filas de los artistas de primer nivel. Más tarde, Max Leers, director de la Colección de Dresde, compró este conjunto de pinturas y otorgó a Kowitz una pequeña medalla de oro en el museo. Después de su éxito, su reputación se disparó y fue contratada como profesora de dibujo en una escuela de arte para niñas.

En enero de 1933, tras la llegada al poder de los nazis del Tercer Reich, comenzó su período más difícil. En febrero de ese año, el profesor Kollwitz fue el primero en ser expulsado de la Academia de las Artes de Prusia. También se prohibieron obras en la reunión.

La tormenta de la guerra y el poder oscuro de Fanes la hicieron sufrir el mismo golpe que miles de otras personas que sufrieron. En 1914, su hijo mayor, Peter, fue asesinado en Friede y ella casi se desmaya. Regó las flores junto a la tumba de su hijo con lágrimas de dolor. En memoria de su hijo y de todos los que murieron en la guerra, después de años de dolorosas deliberaciones y concepciones, en 1932 completó la obra maestra de la estatua de los "Padres" arrodillados frente a la tumba.

La tristeza interior de llorar a su hijo y el dolor y la indignación de que toda la nación haya sufrido un grave desastre están reunidos en su corazón. Después de la muerte de Carl, una vez más se vio arrojada a la cima de la soledad y el dolor. En 1942, su segundo hijo, Peter, murió en combate en Rusia, y su nieto mayor también murió en el campo de batalla. Su casa y la de su hijo Hans también quedaron reducidas a cenizas en la guerra. El dolor la torturaba, el dolor la sacudía, pero ella nunca cedería ante el dolor. En sus años más tristes, se sentaba junto a la ventana de una pequeña habitación en Moritzburg, donde vivía, y escuchaba leerle el "Fausto" de Goethe. Registra el movimiento de las nubes y el flujo del viento, encarnando la memoria de los muertos y la esperanza infinita de los vivos.

Mirando todas las obras de Kollwitz, es la esencia de su vida. En sus grabados, bocetos y esculturas podemos ver el amor y el odio, la alegría y el dolor de esta artista femenina así como su enfoque de la vida, el arte, la guerra y la paz, especialmente su amor siempre ardiente por los trabajadores. Un corazón sincero.